Félix A. Bas's Blog, page 9

Crítica: HEREJE

Terror psicológico del bueno con un Hugh Grant estelar que se carga su papel de romántico empedernido y que nos sume en una batalla dialéctica entre religiones con un resultado muy satisfactorio. Esta semana hemos visto: HEREJE.

Heretic está dirigida por Scott Beck y Bryan Woods, y dejan que Hugh Grant nos sonría y nos provoque auténtico pavor, al igual que hace con las dos misioneras (Sophie Thatcher y Chloe East) que llaman a su puerta en busca de su fe. El Sr. Reed les abre amablemente y no solo les demuestra que es una persona inteligente, sino que tiene respuestas para todo, incluso las teológicas. Poco a poco ambas se darán cuenta de que esa noche de tormenta puede ser la última y se embarcan en una especie de escape room tremenda. No hay apenas violencia, pero las caras de Hugh Grant, su amabilidad y gestualidad provocan terror y presión al espectador por igual, algo que es sumamente agradable, puesto que Hugh Grant siempre se ha destacado por ser un gran galán romántico en las películas que le encumbraron, no siendo así últimamente, donde está demostrando ser de lo más versátil, sobre todo si recibe papeles con personajes raros y profundos. Bien por él, puesto que su gestualidad es casi legendaria.
Es interesante que el guion nos sumerja poco a poco en una posición de controla absoluta por parte del Sr. Reed, quien las adentra en una casa que tiene más recovecos que la de un político, al punto de que es sorprendente ver en qué se ha convertido ese hombre a partir de toda la información que ha acumulado a lo largo de los años. Y es que es un sabio de las religiones que confrontará a las misioneras. Una de ellas (Thatcher) es más agresiva dialécticamente y se enfrenta, y la otra (East) se mantiene a expensas de lo que su compañera pueda argumentar y planear, aunque no se achica en los compases finales. Es una película que sorprende de principio a fin, en parte por las grandes interpretaciones de Hugh Grant, Chloe East y Sophie Thatcher, pues se convierte en una batalla de dilemas morales, religiosos y humanos que al espectador pueden enriquecerle.  En definitiva, HEREJE es una buena sorpresa con la que no se contaba, pero que es totalmente adictiva, entretenida y terrorífica sin necesidad de que haya sangre en exceso ni sustos premeditados. Hugh Grant está tremendo, con la edad perfecta para hacer los papeles que le dé la gana y pasárselo en grande. Terror psicológico del bueno. No os la perdáis.

Reseña: VIENTO Y VERDAD

Ansiosos nos encontrábamos por la cuarta novela de la decalogía El Archivo de las Tormentas. Brandon Sanderson vuelve a ofrecernos una historia que abre la puerta a una quinta entrega que debe sorprendernos. Existe cierto estancamiento, aunque creo totalmente necesario para poder seguir avanzando. Y, aun así, es una gran novela de fantasía. Esta semana hemos leído: VIENTO Y VERDAD.

 Título: Viento y verdad

Autor: Brandon Sanderson


Editorial: NOVA


Nº de páginas: 1408

Fecha de publicación: 2024 



INFORMACIÓN
Sinopsis: Dalinar Kholin desafió al malvado dios Odium a un duelo de campeones en el que se decidirá el futuro de Roshar. Los Caballeros Radiantes solo tienen diez días para prepararse... y la repentina ascensión del taimado e implacable Taravangian al puesto de Odium lo ha sumido todo en una tremenda confusión.La lucha desesperada prosigue simultáneamente a lo largo y ancho del mundo: Adolin en Azimir, Sigzil y Venli en las Llanuras Quebradas y Jasnah en Ciudad Thaylen. El exasesino Seth deberá purgar Shinovar, su tierra natal, de la oscura influencia de los Deshechos. Lo acompaña Kaladin, que afronta una nueva batalla ayudando a Seth a combatir sus propios demonios... y tendrá que hacer lo mismo con Ishar, el demente Heraldo del Todopoderoso.Al mismo tiempo, Shallan, Renarin y Rlain se esfuerzan en desentrañar el misterio que hay tras la Deshecha Ba-Ado-Mishram, el de qué papel tuvo en la esclavización de la especie cantora y en el hecho de que los antiguos Caballeros Radiantes mataran a sus spren. Y Dalinar y Navani buscan una ventaja contra el campeón de Odium que solo puede hallarse en el Reino Espiritual, donde el recuerdo y la posibilidad se combinan en el caos. El destino de todo el Cosmere pende de un hilo. Autor: Brandon Sanderson (Lincoln, Nebraska, 1975) es el gran renovador de la fantasía del siglo XXI y el autor más prolífico del mundo. Desde que debutara en 2006 con su novela Elantris, ha deslumbrado a diecisiete millones de lectores en treinta lenguas con el Cosmere, el fascinante universo de magia que comparten la mayoría de sus obras. Sanderson es autor de la brillante saga Nacidos de la Bruma (Mistborn), formada por El Imperio final, El pozo de la ascensión, El héroe de las eras, Aleación de ley, Sombras de identidad y Brazales de duelo. Tras El aliento de los dioses, una obra de fantasía épica en un único volumen en la línea de Elantris, inició con El camino de los reyes una magna y descomunal decalogía, El Archivo de las Tormentas, que continuó con Palabras radiantes, Juramentada y la presente El Ritmo de la Guerra. Con un plan de publicación de más de veinte futuras obras (que contempla la interconexión de todas ellas), el Cosmere se convertirá en el universo más extenso e impresionante jamás escrito en fantasía épica. Sanderson vive en Utah con su esposa e hijos y enseña escritura creativa en la Universidad Brigham Young. 
RESEÑA
La quinta entrega de El Archivo de las Tormentas no defrauda tampoco, pese a que el nivel de sus dos primeras entregas, El Camino de los Reyes y Palabras Radiantes, estuviera muy alto. Le acompañaron Juramentada y El ritmo de la guerra, que según las palabras del propio Brandon Sanderson, dejaba asentadas las bases de una especie de Vengadores, que iba a ser esta quinta parte. Volvemos a tener a Dalinar y a Kaladin como principales ejes vertebradores de la historia, aunque hay un gran peso para el cada vez más interesante Seth. Adolin, tampoco se queda atrás, aunque hay personajes de gran peso como también lo son Shallan, Renarin o Jasnah, e incluso Navani. Personajes todos muy queridos y respetados ya en la saga. Cada uno de ellos con sus propios objetivos, fantasmas y tramas que desarrollar. Quizás eso haga que la historia avance poco a poco durante sus más de 1400 páginas, que pueden hacerse tediosas en algunas partes, sobre todo si lo que sucede no es en gran parte acción, de la que hay escasez, por cierto. En cualquier caso, no podemos obviar la magnitud de una obra que se seguirá escribiendo durante cinco tomos más, de manera que en este se produce un break que hará que el mundo tal y como lo conocemos dé un giro bastante grande. No sabemos hacia dónde nos llevará, lo que está claro es que todavía queda muchísimo que leer. Viento y verdad se narra en 7 días de intensa agitación, pues Dalinar ha de enfrentarse a Odium en un duelo singular, mientras que el resto de personajes desarrollan sus propias historias. Entre ellos, Kaladin y Seth compartirán misión, una que les alejará del centro de la historia, pero que se antoja de gran relevancia para las futuras novelas. Ya conocemos de sobra el carácter y carisma de Kaladin, pero ahondaremos también en la historia de Seth, que es un personaje que poco a poco va ganándose el corazón del lector. En el centro de la refriega se encontrará un Adolin sobrepasado, que cuenta con la armadura esquirlada, pero que no es un Radiante como pueden serlo Renarin, Shallah o Jasnah, de manera que poco a poco sus capacidades combativas se vuelven menos relevantes, algo que acaba afectándole en el campo de batalla. Como veis, todos los personajes tienen mucho que explicar y aportar a la trama, y si a estas alturas habéis llegaod al quinto libro, significa que no lo vais a abandonar, de manera que estaréis totalmente acostumbrados al ritmo de Brandon Sanderson. No quiere explicar tan solo una historia, sino que la vincula al universo del Cosmere, donde van apareciendo personajes y localizaciones que comienzan a sonarnos de otras sagas suyas.  Podemos confirmar que Viento y verdad supone un antes y un después a la historia de Dalinar, Kaladin y el resto. Y que su universo se expande más allá de Roschar, con lo cual podemos adivinar que nuevos personajes, igual o más interesantes que los ya conocidos, llegarán con fuerza. No sabemos con qué nos sorprenderá su autor, lo que es cierto es que esta quinta novela deja buen sabor de boca, aunque hay muchos momentos valle que quizás podría haberse ahorrado. Es, sin duda, el estilo del autor, pero quien ha llegado a esta novela ya sabe que Sanderson tiene en su haber muchas novelas, de todo tipo, y que El Archivo de las Tormentas es el más exigente de todos. De aquí a cuatro o cinco años, imagino, llegará la sexta entrega, y veremos qué nos depara el futuro. Se antoja que Seth y Adolin han de ser fundamentales, además de Shallah, Jasnah e incluso Renarin, que todavía está algo oculto, aunque como personaje sigue creciendo. En definitiva, VIENTO Y VERDAD es la quinta entrega, de manera que todo está rodado, todo hecha proyectado para que su final sea impactante e impresionante. No deja con mal sabor de boca, aunque llegar al fin haya sido un camino larguísimo. El ritmo en estas entregas está por debajo del primero y del segundo, que siempre serán los mejores, pero Sanderson lo ha vuelto a hacer y dejará con esta decalogía una nueva saga de fantasía inmortal.  VALORACIÓN: 8/10

Crítica: BLANCANIEVES

El mayor desastre de Disney ya está en los cines y próximamente en streaming. Remake del clasicazo del 37 adaptado a los nuevos tiempos que, sin querer ofender a nadie e incluir a todo el mundo, logra todo lo contrario, pues no convence a nadie. Basura que irá al top 10 de peores películas del año en cualquier blog decente. Esta semana hemos visto: BLANCANIEVES.

Snow White está dirigida por Marc Webb, que se luce con un guion al que ha tocado todo el mundo. Y es que a la princesa ya no la llaman así por el color de su piel, sino por una tormenta de nieve. Tampoco es tan ingenua como la anterior, si no que sus padres, los reyes, la están formando para asumir el liderazgo y ser buena reina. Tampoco hay un príncipe que vaya a salvarla, si no que hay una especie de ladrón del bosque, a lo Robin Hood, acompañado de otros 6. En total habrá dos grupos de siete, porque los enanitos, aunque se les haya sacado del título de la película, también aparecen. Y no son personas con enanismo (que también se han ofendido porque era un papel que quizás necesitaban), sino creados por ordenador e igualmente encorsetados en sus papeles de Gruñón, Tontín o Mudito (el único que quizás tiene algo de evolución). Y también tenemos a la Reina (Gal Gadot), que ni sabe cantar ni se esfuerza demasiado en hacerlo bien; tan solo pone su cara para que el espejo le diga, y muy acertadamente, que es la más bella del reino. Desde luego Blancanieves no lo es (Rachel Zegler), pues a la actriz latina -más críticas a Disney- le han tenido que retocar el pelo para que no quedara peor. Y mira que queda mal. En resumen, tenemos una película que se ha adaptado mal y que, hablando mal y pronto, tiene poco salvable. Lo peor de todo esto, por si la lista no fuera corta, es que tenemos tres canciones que funcionaban y que no se tocan, pero claro, el diseño de producción es pésimo y la acción real no se ve igual que en la animación del 37. Tenemos a los enanitos que dan más miedo que pena cantando por la mina su mítica canción, pero apenas conmueven. El caso es que eso todavía es tolerable, pero los bufidos de la sala cuando a la mínima se ponen a cantar cualquier mierda es intolerable. Han metido con calzador canciones que son estúpidas y que no aportan nada solo para reafirmar en que Rachel Zegler es la actriz perfecta para el papel, puesto que otra cosa no, pero cantar sí que canta bien; no como Gal Gadot, desde luego. Por otra parte, ya que se han empeñado en la acción real, ¿qué pasa con el vestido de Blancanieves? Ni siquiera se mancha y se seca nada más salir del río; debería estar lleno de mugre, pues no se lo cambia en todo el filme. Qué mensaje de Disney hay que creerse, ¿que una princesa siempre debe estar perfecta? ¿Estamos en 1937 o en 2025? Y por eso, y entre otras muchas cosas tenemos una película de Disney que pretendía ser inclusiva y que no ha gustado a nadie, porque estamos en un mundo que no tolera filmes del pasado por ser machistas o retrógrados, ya que no toleramos que hayamos sido así en el pasado como sociedad. Y en vez de crear historias nuevas, con personajes femeninos potentes, se limitan a hacer remakes de historias que narran otros tiempos mientras pretenden llenarse los bolsillos. El resultado es que es una basura de primer nivel, infumable, pésima en todos sus apartados y carente de innovación. En definitiva, BLANCANIEVES es una de las peores, si no la peor, adaptaciones de la historia del cine por derecho propio. Nació muerta y la han acabado de rematar, con personajes carentes de profundidad, cambios que no convencen a nadie y canciones vomitivas e insulsas que solo provocan hastío en el espectador. Los enanitos, al igual que los animales, dan más miedo que otra cosa. Gastaos el dinero en otra cosa, porque esta manzana está podrida.

Crítica: NOVOCAINE

Nueva película de acción con una premisa bastante original, que no es otra que no sentir dolor físico por parte del protagonista. Un arma de doble filo, no obstante, que convierte el filme en divertido y alocado. Esta semana hemos visto: NOVOCAINE.

Novocaine está dirigida por Dan Berk y Robert Olsen, y tienen en Jack Quaid (The Boys) al protagonista absoluto de esta comedia de acción. Se toma cierta pausa para empezar, pero ya comenzamos a intuir que la vida de una persona sin sufrir dolor físico no es todo lo placentera que podría llegar a ser, porque ha vivido en una burbuja de temor y porque, evidentemente, que no sientas dolor no significa que el cuerpo no lo sufra. Es subdirector en un banco cuando asiste a un atraco al poco de conocer a una chica que le cambia la vida (Amber Midthunder). Entonces, por lo que sucede allí, emprenderá una persecución en la búsqueda de los atracadores (Ray Nicholson), que han dejado un reguero de sangre a su paso. Se valdrá de todo el potencial de no sufrir dolor, pero también de ayuda externa por parte de un amigo de juegos online al que nunca ha visto (Jacob Batalon). La película destila humor negro y encaja muy bien en el personaje, pero también asistimos a unas escenas bastante sangrientas y explícitas, no aptas para algunas personas, que engullimos ojipláticos y con media carcajada en la boca, pues son excesivas. No es que sea el mejor guion del año, pero sí que tiene algún giro que la hace algo más interesante. Desde luego, las maneras en las que el protagonista se hace daño, o le hacen más bien, son bastante originales, de manera que verlo andar cojeando, hecho un trapo, sin sentir dolor alguno, es bastante desternillante. Imagino que en taquilla irá a mejor y funcionará bien, y veremos si hay una segunda parte, algo que no desentonaría y vería con buenos ojos, puesto que el personaje tiene margen y el espectador se queda con las ganas de más, lo cual siempre es positivo. En definitiva, NOVOCAINE es la película de acción que todo fan del humor negro y de la violencia muy explícita necesita. Ya hacía tiempo que no veíamos maneras originales de matar y de morir, y además aderezadas con algunas carcajadas perplejas. No es la mejor película de acción, ni mucho menos, pero sí que es muy graciosa y entretenida. Qué más queréis. No os la perdáis.

Crítica: WOLFGANG

Importante película que trata sobre el TEA, las altas capacidades y la pérdida. Quizás demasiado para abarcar, aunque logra sobrevivir gracias al trabajo del joven Jordi Catalán y a Miki Esparbé. Interesante para educadores. Esta semana hemos visto: WOLFGANG.

Wolfgang está dirigida por Javier Ruiz Caldera, y explica la vida de un joven con altas capacidades y con Asperger (Jordi Catalán). Su madre muere (Nausicaa Bonnín), y tendrá que vivir con su padre, a quien no conoce. Su abuela (Àngels Gonyalons) no lo verá con buenos ojos, pero fueron las últimas voluntades de su hija, de manera que accede. Y el mundo desde los ojos de Wolfgang no es sencillo, puesto que su alto coeficiente intelectual lo han llevado a acelerar dos cursos y a ser pianista como lo fue su madre; pero no uno cualquiera, sino que pretende entrar en la academia francesa de París, donde también su madre estudió. El padre por sorpresa es un actor de segunda fila con un agente cuestionable (Berto Romero), pero con ganas de conocer a un hijo. Y vaya si lo conoce.
Y es que una persona Asperger con altas capacidades como Wolfgang no se lo va a poner fácil, puesto que necesita unas rutinas específicas (como tocar el piano y dar clases con Anna Castillo), nunca miente y tampoco entiende los dobles sentidos. Además, se junta que su gran inteligencia lo ubica más allá de su edad, pero a nivel social tiene grandes dificultades. Todo eso lo hace una bomba a punto de estallar, más si cabe que todavía no ha pasado el duelo, pues no ha hablado todavía de la muerte de su madre. A nivel de película, funciona por Jordi Catalán y Miki Esparbé, que clavan sus papeles a la perfección. A nivel ya pedagógico, me quedo con ganas de que ahonde más en el mundo educativo y social del niño, puesto que se centran más en la trama del duelo. En mi opinión, podría haber sido una película más dura todavía, pero el tono cómico siempre sobrevuela el filme, algo que tampoco desentona.  En definitiva, WOLFGANG es una película que puede parece feel-good, y aunque en cierta parte lo sea, sí que visibiliza el Asperger, las altas capacidades y la gestión del duelo, de manera que la hace altamente recomendable para educadores, padres y sociedad en general, pues nunca está de más aprender sobre la diversidad; al fin y al cabo, todos los somos. No os la perdáis.

Crítica: ESTADO ELÉCTRICO

Adaptación de los hermanos Russo de la novela de Simon Stalenhag, careciendo del alma de esta y haciéndolo un producto blockbusteriano de gran presupuesto que, no obstante, no logra convencer en absoluto. Esta semana hemos visto: ESTADO ELÉCTRICO.

The Electric State está dirigida por Anthony y Joe Russo, que se han salido de Marvel para encadenar constantes y decepcionantes filmes. Esta vez le ha tocado el turno a la novela de Simon Stalenhag, poniendo de fondo de pantalla a los blockbusterianos Millie Bobby Brown y Chris Pratt, ambos en el mismo personaje de siempre. El caso es que ellos son tan planos como el guion de los Russo, puesto que en ningún momento aparece nada medianamente predecible que pueda desarticular lo predecible. A nivel visual no está mal, no en vano se han gastado más de 300 millones de dólares en ella, pero tampoco es que la chatarra valga demasiado la pena, y aunque los efectos estén bien, es todo como muy gris y apagado, de manera que lo que era una buena idea en papel, se ha quedado a medias en la gran pantalla. Y ya van unas cuantas. Y eso que el uso de la IA al principio de la película hace intuir al espectador que puede ser algo grande. Pero ahí se queda. Es posible que sea un éxito en Netflix, pero sí que es cierto también que uno se espera mucho más de lo que ofrece, más con el cartel de protagonistas y los secundarios como Stanley Tucci, Ke Huy Quan o Giancarlo Esposito, así como los dobladores de los robots, que en la versión inglesa son Woody Harrelson o Anthony Mackie. El presupuesto se lo han llevado ellos y los efectos especiales, porque la adaptación al libreto ha sido más que simple y plana. Un derroche de efectos especiales que se traduce en idas y venidas sin demasiada imaginación, y mira que el mundo en el que sucede todo da mucho de sí. No he leído la novela, pero puedo imaginarme la decepción de los fans de la novela de Simon Stalenhag revolviéndose entre sus páginas. Al final, todo acaba siendo un producto sin alma, pero de gran portada y presupuesto. El hecho de que una hermana busque a su hermano, raptado por una gran organización puntera en IA, y que se encuentre a un salvador por el camino ya está algo visto. En definitiva, ESTADO ELÉCTRICO es una decepción de la ciencia ficción, y no porque no tuviera una buena novela que adaptar, sino porque no se han molestado en hacerlo y buena parte de su presupuesto se ha ido a actores y dobladores que bien podría haber sido cualquiera, puesto que el resultado no lo pueden levantar ni Millie Bobby Brown ni tampoco Chris Pratt, que además andan ya encasillados. No os perdéis nada, pero para echar la tarde ya sirve.

Crítica: A COMPLETE UNKNOWN

Peso pesado de este año pasado, con 8 nominaciones a los Oscar, aunque con resultado en blanco que, sin embargo, no empaña un filme que habla sobre la vida de Bob Dylan, Nobel de literatura, interpretado por un enorme Timothée Chalamet. Esta semana hemos visto: A COMPLETE UNKNOWN.

A complete unknown está dirigida por James Mangold, y narra la vida de Bob Dylan, quien no asistió a la ceremonia de los Oscar, cosa esperable, pues tampoco acudió a la de los Nobel. En cualquier caso, Timothée Chalamet coge al personaje y lo hace suyo, cantando incluso, demostrando que es el futuro de Hollywood desde hace más de un lustro. Junto a él, secundarios de lujo como los también nominados Edward Norton, y Monica Barbaro, además de Elle Fanning o Dan Fogler. Se nos explica la vida de un desconocido cantante de folk que con 19 años llega a Nueva York, de los años 60 a 65, cinco años en los que pasó de cantar en garitos a transgredir en el Newport Folk Festival. Para los fans del cantante y de los biopic es suficiente como para ser interesante, aunque no entre en todas las aristas ni detalles como para que acabe siendo trascendental. Evidentemente, se deja caer que el artista no es fan de los actos sociales y que a lo largo de los años eso no ha mejorado en absoluto. Si algo sustenta al filme no es otra cosa que los números musicales y, por ende, Timothée Chalamet, que escoge bien sus papeles y que con su voz nos hace imaginarnos al mismísimo Bob Dylan. También tenemos a Monica Barbaro deslumbrando con su voz; incluso a Edward Norton, pero es evidente que la estrella es Chalamet. Que se expliquen solo 5 años de su vida no será suficiente para muchos, pero sí que nos permite conocer los inicios de un joven que cambió el folk con la letra de sus canciones, y se atrevió a incluir guitarras eléctricas y demás, pese a que su propia audiencia no lo entendía. Es evidente que fue el precursor del cambio y que aun a día de hoy se valora la calidad de sus composiciones, hasta tal punto de haber sido galardonado con el Premio Nobel de literatura en 2016. No puede decirse que el ritmo de la película sea ágil, pero uno cae hipnotizado entre canción y canción, y tampoco se hacen especialmente largas las más de dos horas de duración. En definitiva, A COMPLETE UNKNOWN es una película que ha obtenido 8 nominaciones a los Oscar, y que pese a que se haya ido de vacío en la gala, vale la pena ver, sobre todo para fans de los biopics o de Bob Dylan. Timothée Chalamet está espectacular, al igual que el resto de reparto. Ha llegado tarde a España, pero la dicha es buena. No os la perdáis.

Crítica: DELICIOUS

A veces Netflix sorprende con alguna película, pero este no será el caso. Un thriller del cual nos quedamos constantemente esperando más y que no llega a sorprender, pese a que podría haber dado de sí. Esta semana hemos visto: DELICIOUS.

Delicia, o Delicious, está dirigida por Nele Mueller-Stöfen, quien nos cuenta la historia de una familia aparentemente feliz, con una madre de éxito en su trabajo (Valerie Pachner) y un padre que parece ocultar cosas (Fahri Yardim). Junto a ellos viajan sus hijos (Nalia Schuberth y Caspar Hoffmann). Suelen vivir en Alemania, pero se trasladan de vacaciones a Francia, adonde les espera una residencia espectacular, que refleja bien la posición social de ellos y, de paso, las miradas de aquellos quienes trabajan en los hoteles cercanos. Entre ellos hay un grupo de camareros y limpiadores, que parecen diseñar un plan para que una de ellas (Carla Díaz) se interne en su familia como cuidadora, cocinera, etc., hasta el punto de hacerse importante en el seno de esta. La semilla está plantada.
La película es lenta y avanza a paso cauteloso mientras el espectador se espera que el guion estalle y sucedan cosas, pero esto no llega a pasar y poco a poco se va perdiendo el interés. De alguna manera, la familia comienza a romperse. Tenemos a la madre de familia tomando una serie de cuestionables decisiones que, precedidas por un matrimonio aburrido y con problemas, y por el estrés de su trabajo, decide recuperar su juventud perdida. Por otra parte, tenemos a un padre que huye hacia adelante a nivel laboral; a una hija a la que nadie hace caso y a un hijo en completa adolescencia, buscando los límites. Todo eso hace que la chica de la limpieza se convierta en una figura referente, que poco a poco va comiéndoles la tostada, nunca mejor dicho, y que vaya implicando al resto de compañeros de trabajo. Digamos que es algo así como una Parásitos a la alemana, pero que no acaba de arrancar. En definitiva, DELICIOUS es un thriller lento, que parece que tiene una premisa interesante, pero que no marcha todo lo ágil que a uno le habría gustado. Sí que hay una crítica al poder y a los estratos, pero quizás se pierde en derroteros que no convencen. Su clímax final es interesante, pero pierde pegada para cuando llega. Tarde de Netflix, aunque hay cosas mejores.

Crítica: LA ACOMPAÑANTE

Disfrutable y original comedia negra que pone en debate la cuestión de las IA. El espectador se deja llevar y la película cumple con creces su propósito de divertir. Esta semana hemos visto: LA ACOMPAÑANTE.

Companion está dirigida por Drew Hancock, quien se sustenta en Sophia Thatcher y en Jack Quaid (algunos lo recordaréis por The Boys) para llevar hasta el final esta comedia negra que no deja títere sin cabeza y en la que has de dejarte llevar, puesto que los giros de guion son variados e interesantes. Y es que la pareja realiza un viaje para llegar a casa de unos amigos, en concreto otras dos parejas con las que convivirán unos días. Sin embargo, el multimillonario que les da cobijo morirá y se desencadenará una serie de tramas, idas y venidas y giros de mano que nos sacarán más de una sonrisa. El spoiler el propio cartel ya nos da a entender que la chica es una IA, de las que están por venir, pero el espectador empatizará mucho con ella y con sus decisiones, pese a que tiene algunas funcionalidades y habilidades capadas.
La película es un divertimento de principio a fin, no se hace larga y desde el inicio intuimos que nos lo vamos a pasar bien. Tiene un humor interesante, negro, que se adapta bien al conjunto, pero a su vez también invita a la reflexión, pues tanto ella como él tienen bondades y aristas que llegan a perturbarnos. ¿Hasta dónde podrá llegar una IA? Ha situaciones realmente interesantes y a la vez perturbadoras, que dejan de manifiesto la frialdad del ser humano ante una máquina más humana que ellos, y eso provoca contrastes desiguales. El final de la película está bien llevado y, en general, el espectador saldrá con una sonrisa en la boca. Es un filme adictivo, por decirlo de alguna manera, y ata al espectador a la butaca hasta que aparecen los créditos finales.  En definitiva, LA ACOMPAÑANTE es una buena opción para echar un buen rato en cualquier momento. No promete nada pero cumple con creces, más incluso de lo esperado. Las interpretaciones son correctas, pero lo mejor son los giros de guion y el debate que puede crearse a posteriori. Una sorpresa agradable, que ya tocaba. No os la perdáis.

Crítica: AÚN ESTOY AQUÍ

Película ganadora del Oscar a mejor película internacional, con una Fernanda Torres también nominada merecidamente. Una historia que está narrada desde el punto de vista de una matriarca en la dictadura del 71 en Brasil. Esta semana hemos visto: AÚN ESTOY AQUÍ.

Ainda estou aqui, o I'm still here, está dirigida por Walter Salles. Este carga todo el filme en la experimentada Fernanda Torres, quien con sus miradas y sus gestos se erige como cabeza de familia cuando a su marido Rubens Paiva (Selton Mello) lo secuestra el propio gobierno, quedándose al cargo de una familia muy numerosa. Hasta entonces, suenan rumores de guerra, de tanques y de golpes de estado, pero en una familia acomodada como la suya no acaban de calar. Desde ese día en el que se llevan a su marido, Eunice estudiará la carrera de derecho y se hará activista, y de muy reconocido prestigio, mientras educa a sus hijos y trata de esclarecer qué pasó con su marido. Mientras todo eso sucede, vemos cómo una familia feliz se apaga poco a poco, saliendo de Río de Janeiro, dejando atrás toda una vida y recuerdos. Nominada a 3 Oscars, entre ellos a mejor película y mejor actriz protagonista, casi nada, ha logrado quitarle a Emilia Pérez un premio que parecía asegurado para los franceses, que era el de película internacional. Y es que la película narra una de tantas injusticias que se cometieron en la época de la dictadura, y que aún a día de hoy siguen sin esclarecerse del todo. Desde luego, nadie ha pagado por ello, pese a que se ha asumido la culpa. No es un filme ágil, desde luego, puesto que se toma su tiempo en arrancar y ponernos en antecedentes, en una Brasil que vemos desde los ojos de los mayores, hundiéndose en plena crisis, y también desde el punto de vista de los niños, compartiendo fiestas, jugando a voleibol y a fútbol o yendo a la playa y divirtiéndose. Creo que esa bipolaridad de mundos es lo que hace de la película, entre otras muchas cosas, una propuesta tan interesante.
En definitiva, AÚN ESTOY AQUÍ es una de las películas del año para los académicos de Hollywood, pues la han ensalzado como mejor película internacional, que ha ido cosechando éxitos. Fernanda Torres, Globo de Oro en mano, se carga el filme a sus espaldas, encarnando a una madre todoterreno que no duda en luchar y hacer justicia. No os la perdáis.