Félix A. Bas's Blog, page 31

Crítica: OPPENHEIMER

Una de las grandes del año llega a la gran pantalla. El biopic sobre el creador de la bomba atómica, Julius Robert Oppenheimer, al que encarna un Cillian Murphy, como mínimo, de nominación. Con gran pulso narrativo, carisma a raudales por parte de sus protagonistas y una película que te lleva a la reflexión. Esta semana hemos visto: OPPENHEIMER.

Oppenheimer está dirigida por Christopher Nolan, que es alérgico al CGI y ha decidido realizar una explosión atómica a su manera, nada de tecnología y sí mucha ciencia. Se ha rodeado de científicos, se ha ido a Los Álamos y el resultado son 3 horas de metraje que no te dejan parpadear y que te absorben con la historia de la creación de la bomba atómica, con todas las reflexiones éticas y morales que nos sobrevienen, en una época en la que alcanzar el mayor potencial militar era vital para acabar con la guerra, sobre todo si los alemanes te llevaban la delantera. Por lo demás, una película que estará nominadísima a los Oscar y a todos los premios habidos y por haber, pero sobre todo destaca Cillian Murphy y los secundarios, como Emily Blunt, Robert Downey Jr., Matt Damon y Florence Pugh. Un reparto muy coral, con caras muy conocidas que aportan mucho empaque al conjunto, que brilla técnicamente en todos sus apartados.
El guion, pese a las licencias que habrá tenido Nolan, es una adaptación de la novela American Prometheus, es bastante verídico. En una época en la que Oppenheimer es un brillante advenedizo, se intercalan partes en blanco y negro, que tratan del momento en que el Lewis Strauss (Downey Jr.) va a ser nombrado miembro del gobierno, pero cómo se le va complicando la cosa a raíz de un juicio encubierto a Oppenheimer (una figura en declive) y otra parte que narra lo propiamente sucedido en Los Álamos, y centrado en la figura del Oppenheimer carismático, contradictorio, tímido y sumamente inteligente que se rodea de los mejores (a excepción de Einstein, en una especie de relación de tensión cómoda entre mentes brillantes). No es una película ágil, hay que decirlo, y se pueden cuestionar ciertos momentos que no aligeran la carga, pero en general es un gran biopic que hará las delicias de los fans del género y que, además, es muy bienvenido dentro de lo académico de Hollywood. Además, Oppenheimer pasó buena parte de su vida posterior a la creación de la bomba atómica defendiendo su no-uso y la moralidad, cosa que le valió para crearse enemigos en su propio país.
En definitiva, OPPENHEIMER es una de las grandes del año. Es posiblemente la película más densa del Christopher Nolan, pero es un biopic que merece ser visto por su tensión moral, por la importancia de las decisiones. Es como ver la historia pura en la gran pantalla, cómo sucedió todo y las personas que estaban implicadas. Estará nominada a casi todo, comenzando por un enorme Cillian Murphy a Emily Blunt o el más que posible Robert Downey Jr. Tres horas de puro cine que te dejan tocado a nivel moral. El ser humano en pleno esplendor. Es imposible que no la veáis si os gusta el cine.

Crítica: TE ESTOY AMANDO LOCAMENTE

Inspiradora y coral película que nos muestra la lucha del movimiento LGTBIQ+ andaluz en el año 77 donde, a pesar de la muerte de Franco, sus ideas estaban todavía muy presentes. Esta semana hemos visto: TE ESTOY AMANDO LOCAMENTE.

Te estoy amando locamente está dirigida por Alejandro Marin, quien nos transporta al año 1977, en Sevilla concretamente, donde un niño de 17 años (Omar Banana) siente que es distinto al resto de la sociedad que le rodea. Su madre, Reme (Ana Wagener), es muy tradicional, como el barrio, y le escandalizan algunas situaciones en las que se ve envuelta a causa de su hijo. Poco a poco se ve atraído por el movimiento LGTBIQ+, que se reúne en la propia iglesia (Jesús Carroza), donde se van gestando algunas manifestaciones, sobre todo, en consideración a la ley de peligrosidad pública y a dar visibilidad a la libre sexualidad y al feminismo. Conviene aclarar que era la España post-franquista, con la cuadratura de ideas conservadoras que eso trae.
Es interesante el reparto tan coral que tiene la película, con el protagonismo de Omar Banana, aunque quien realmente está espléndida es Ana Wagener, la madre del chaval, que con su cara lo dice todo y, de paso, consigue hacer un viaje personal que lleva al espectador a la empatía y a la lucha de una madre por la liberta de su hijo. Comprender eso en aquellos tiempos, cabe decir, era ponerse en contra de toda una sociedad. Además, acompañan La Dani y Alba Flores, entre otras, que consiguen aligerar el peso dramático, aunque nunca acaba de caer en ello y se convierte en una película histórica con dosis de feel-good que ayuda al espectador a situarse en la lucha de la época.
En definitiva, TE ESTOY AMANDO LOCAMENTE es una película que no tiene otra pretensión que seguir visibilizando el movimiento LGTBIQ+ y feminista, y que consigue narrar unos hechos que sucedieron hace casi cincuenta años. El problema es que la sociedad todavía está lejos de convivir con esas ideas, a raíz de las noticias que se suceden día a día. Hay que seguir en la lucha. Es altamente educativa. No os la perdáis.

Crítica: ELEMENTAL

No será la mejor película de Pixar, desde luego, le falta alma, pero es muy entretenida, vistosa, original y con protagonistas carismáticos. Un Romeo y Julieta en una ciudad donde los elementos se dan la mano. Esta semana hemos visto: ELEMENTAL.

Elemental está dirigida por Peter Sohn, una película de Pixar y Disney que ofrece un bello y original diseño de escenarios, con una Ciudad Elemento que irradia luz y mucha imaginación. Una ciudad en la que conviven el agua, la tierra, el viento y el fuego, aunque estos últimos están algo apartados del resto, porque tienen cierto peligro, ya se sabe. En cualquier caso, los padres de Candela regentan una tienda que han montado con sus propias manos y el sudor de su frente, y a Candela le toca heredarla, solo que no sabe que quizás no es lo que desea. Por otra parte, tenemos a Nilo, un joven inspector que acaba en su tienda y se embarca en una aventura para arreglar unas goteras que pretenden acabar con la herencia de Candela. Por si eso no fuera poco, la historia de amor que nace entre ellos complicará todavía más las cosas, puesto que fuego y agua no pueden tocarse.
Como toda película de Pixar, es una obra magnífica a nivel técnico, con multitud de guiños a la sociedad de Ciudad Elemento, pero creo que está algo desaprovechado. Es la típica película que funciona muy bien para niños, pero se han olvidado algo de los más adultos, algo a lo que Pixar nos tenía muy malacostumbrados. En cualquier caso, es una historia de amor muy bonita, y la relación entre la familia y los lazos que les vinculan, así como las tradiciones imperantes, etc., pueden crear símiles con la sociedad de hoy en día, por lo que da para buenas reflexiones a nivel educativo. El punto de comedia es algo disfuncional, ya que hay gags que funcionan, pero en general no acaban de explotar.
En definitiva, ELEMENTAL es una buena película, de las mediocres de Pixar, y aun así de gran calidad, pero estamos muy mal acostumbrados, desde luego. No permanecerá en nuestra retina como Up, Toy Story o Inside Out, pero supone un gran entretenimiento y algún que otro aprendizaje que conviene llevarse. La decisión y el rumbo que toma nuestra vida la toma uno mismo, no las tradiciones, ni los familiares. No os la perdáis.

Crítica: MISIÓN IMPOSIBLE: SENTENCIA MORTAL - PARTE 1

Impresiona ver lo que es capaz de conseguir alguien que todavía cree en el poder del cine. Es el caso de Tom Cruise, que siempre sorprende y que nos mete de lleno en una misión realmente imposible de perderse. Esta semana hemos visto: MISIÓN IMPOSIBLE: SENTENCIA MORTAL - PARTE 1.

Mission: impossible - dead reckoning - part 1 es, como bien reza su título, la primera parte de una aventura que nos lleva del desierto a Roma, a Venecia y a Innsbruck en tren, en moto, en avión o adonde le plazca al señor Ethan Hunt (Tom Cruise), quien con sus incansables compañeros (Ving Rhames y Simon Pegg) intentarán salvar a otra conocida (Rebecca Ferguson) y se encontrarán con una ladrona (Hayley Atwell) que se hace con la llave que contiene la clave para destruir a una IA que se ha vuelto loca y que pretende dominar el mundo. La misión de todas las naciones debería ser destruirla, pero no, la condición humana hace que ansíen hacerse con su poder para dominar y controlar el mundo. A excepción de Ethan Hunt, claro, que pretende destruirla y evitar que eso suceda. Por el camino se tendrá que enfrentar a emisarios enviados por la IA (Esai Morales y Pom Klementieff) e incluso con alguna vieja conocida (Vanessa Kirby).
La película contiene grandes dosis de adrenalina, como se preveía, y escenas de acción que quitan el hipo. Aquí tenemos a Tom Cruise pegando saltos en paracaídas como un descosido, sin doble ni chorradas, a sus 61 años. Y la cuerda que le queda todavía. Un disfrute para el espectador, que goza con un guion muy bien elaborado y el carisma de unos personajes ya afianzados. Además, descubrimos el talento de Hayley Atwell, todo un descubrimiento, con gran complicidad cómica con un Tom Cruise que se sale de la pantalla con su carisma. Es de esos actores que ganan más con el paso de los años y, desde luego, con cada Misión Imposible, además de ser un taquillazo seguro, se gana su sueldo. El elenco coral encaja a la perfección en la comicidad de la película, con Rhames y Pegg a la cabeza, pero también con Kirby. Podríamos tener algún tipo de duda para ver esta primera película, pensando que es muy introductoria, pero nada más lejos de la realidad. Las escenas de persecución son impresionantes y muy cómicas, y las del tren más de lo mismo. No hay ningún momento valle en el que el espectador pueda tomarse apenas un respiro. En definitiva, MISIÓN IMPOSIBLE: SENTENCIA MORTAL - PARTE 1 es el preludio de un final magnífico para la bilogía. Evidentemente, no queremos que Tom Cruise deje de embarcarse en este tipo de proyectos, pero sabemos que tiene una edad, y ya veremos hasta cuándo le aguanta la mecha. En cualquier caso, es el mejor taquillazo veraniego del año y no hay que perdérselo. No os la perdáis.

Crítica: THE FIRST SLAM DUNK

Impresionante despedida de uno de los manga deportivos más aclamados de la historia, con una calidad en animación muy cuidada y con los protagonistas de siempre y el carisma que les caracteriza. Esta semana hemos visto: THE FIRST SLAM DUNK.

Eiga Slam Dunk está dirigida por el propio mangaka que creó la leyenda, Takehiko Inoue. Hay que destacar la cuidada animación y el CGI, y la calidad de un guion que está muy cuidado y es perfecto para aquellos que son fans del manga y del anime o, por el contrario, también para quienes no lo han visto en su vida. No es necesario conocer la serie para disfrutarlo, pero es evidente que se pierde empatía con el quinteto de jugadores de baloncesto que protagonizan la película. El fan de toda la vida, disfrutará, reirá y se emocionará con las vivencias de estos guerreros de la canasta. Pero el protagonista, con permiso de Hanamichi Sakuragi, es Ryota Miyagi, el base, de quien conoceremos su pasado y su presente, una vida dura que se basa en la superación y en la resiliencia.
THE FIRST SLAM DUNK juega un solo partido: el todopoderoso Sannoh contra el Shohoku de nuestros protagonistas: Sakuragi, Miyagi, Rukawa, Mitsui i Akagi. Es un acierto total cambiar de protagonista, pues profundizamos en la vida del base del equipo, pero también lo es que se quiten de encima el "endiosamiento" típico de los animes, donde los protagonistas arrasan y son los mejores. Esta película es una oda al baloncesto, donde hay idas y venidas, donde Rukawa es un novato y tiene errores, al igual que el resto de jugadores, algo a lo que no nos tenía acostumbrados en el manga y que lo humaniza. Cada tiempo y cada pelota es un mundo, es tensión y es una lección por parte del mítico entrenador del Shohoku. En definitiva, es una gran película deportiva que pone la guinda al pastel de una serie inolvidable.
En definitiva, THE FIRST SLAM DUNK es de lo mejorcito de la animación que os podéis encontrar este año. Además, el guion está cuidado, los personajes son carismáticos y, pese a que los fans disfrutarán más que nunca, no es necesario haber seguido la serie para disfrutar de un gran partido de básquet, por lo tanto, hayáis visto Slam Dunk o no, id a verla igualmente. Animación y CGI de la mano para el estreno del mangaka Takehiko Inoue, que demuestra que los autores han de estar detrás de sus adaptaciones a la gran pantalla. No os la perdáis

Crítica: INDIANA JONES Y EL DIAL DEL DESTINO

Vuelve Indiana Jones para despedirse, o no, y lo hace por todo lo alto, con una entrega que sucede a su predecesora y con elementos que provocan la nostalgia de los cinéfilos. Para Harrison Ford, 80 años no son nada. Esta semana hemos visto: INDIANA JONES Y EL DIAL DEL DESTINO.

Indiana Jones and the dial of destiny está dirigida por James Mangold, que deja que veamos a Harrison Ford en pleno esplendor y con los achaques propios de la edad. Y es que para Indiana Jones ha pasado el tiempo, y el profesor de la universidad aburrido recibirá una visita (Phoebe Waller-Bridge) que lo llevará hacia una nueva aventura. Esta vez, por Arquímedes y su dial del destino, el arqueólogo luchará contra los remanentes nazis (Mads Mikkelsen) que pretenden hacerse con él, aprovechar una grieta temporal y volver para ganar la guerra que perdió Hitler. Casi nada, pero todo muy bien parido. Toby Jones, Antonio Banderas, etc., también aparecen en pantalla, pero el gran protagonismo se lo llevan Harrison Ford y Phoebe Waller-Bridge, que parece dispuesta a seguir con la saga y le da un toque de feminismo que le viene genial al filme.
La película contiene todo lo que necesita una película de aventuras de Indiana Jones: acción, personajes carismáticos, una historia con gancho, comedia, persecuciones y buenas dosis de historia y polvo. Harrison Ford, a pesar de su edad, no se preocupa demasiado por ella y hace que Indiana peque de los achaques de la edad, como debe ser. Siempre con esa sonrisa de medio lado en la boca, parece que no haya pasado tanto desde la primera entrega. Se añade un punto de nostalgia en los inicios de la película, cuando vemos que el CGI bien llevado hace milagros y es capaz de llevarnos a un Indiana Jones joven, un Harrison Ford en plenitud. Sí que tiene alguna escena digital que puede chirriar, pero a nivel general, será una entrega digna que puede mantenerse en la memoria del espectador, sobre todo de los fans de la saga.
En definitiva, INDIANA JONES Y EL DIAL DEL DESTINO es una entrega que puede cerrar la saga y que no deja regusto amargo. Sí, hay miles de películas con persecuciones y mejores escenas de acción, pero no tienen a Harrison Ford como Indiana Jones, ni a su sombrero o a su látigo, y eso siempre es un plus. En la parte final, la película gana, por lo que es una buena razón para disfrutarla. No os la perdáis.

Crítica: SIN MALOS ROLLOS

Típica comedia adolescente de verano con la que se puede disfrutar, sobre todo, porque Jennifer Lawrence se implica, se lo pasa genial y carga con el peso cómico del filme junto a Andrew Barth Feldman. Esta semana hemos visto: SIN MALOS ROLLOS.

No hard feelings está dirigida por Gene Stupniktsy, quien nos trae a una Jennifer Lawrence que se entrega no sé si en alma, pero sí en cuerpo, y acaba siendo determinante para que la película funcione. Y es que las comedias adolescentes veraniegas no dan para mucho más que dos carcajadas y un olvido rápido. Esta también es así, pero al menos disfrutamos de la sirvengüencería de la actriz. Y es que una familia (Matthew Broderick y Laura Menanti), enviarán a su hijo a la universidad (Andrew Barth Feldman) y quieren que espabile a todos los niveles; todo muy norteamericano, claro, de manera que aparecerá en escena Jennifer Lawrence. Y es que el premio por espabilar al chaval será un coche, que necesita esta para seguir trabajando como conductora Uber. En cualquier caso, ambos se encontrarán, o más bien ella lo encontrará a él, produciéndose un acoso y derribo y una relación un tanto forzada para el espectador que, sin embargo, contendrá algún que otro gag gracioso que hará que nos olvidemos de ciertas licencias.
Andrew Barth Feldman tampoco se lo pasa mal, demostrando su vis cómica y gran complicidad con Jennifer Lawrence, pero es que esta aparece desatada por momentos; especialmente en la escena del desnudo en la playa, que no tiene desperdicio.  Por lo demás, como película no es nada del otro mundo y tampoco hará que riamos a mandíbula batiente. Apuesta también por la sensiblería en ocasiones y el punch inicial se va perdiendo, pero al final lo que se pretende es ofrece un producto que se pueda vender a todos los públicos, siempre con la adolescencia y la virginidad de por medio. Esa manía de los estadounidenses para desvirgar a sus hijos antes de llegar a la universidad es algo que todavía sigo sin entender, pero ha dado para muchas películas ya, y parece que el recurso no se agota.
En definitiva, SIN MALOS ROLLOS es una comedia olvidable más que, sin embargo, ofrece buenos momentos y nos permite pasar un rato amable y divertido. Jennifer Lawrence es su principal atractivo, eso no hace falta ni decirlo, demostrando que no ha perdido su vis cómica. Andrew Barth Feldman lo hace bien y tiene gran compenetración con su colega. No busquéis un guion coherente, esto trata de desvirgar al niño que se va a la universidad. Si os gusta la comedia ligera y sin más, echadle un vistazo.

Crítica: ASTEROID CITY

No es lo mejor que ha hecho Wes Anderson, pese a que algunos se empeñen. La cantidad de personajes que aparecen son tantos que pretende abarcar mucho y quizás no es necesario tanto. En cualquier caso, los fans de los planos perfectamente cuadrados y del humor andersoniano están de enhorabuena. Esta semana hemos visto: ASTEROID CITY.

Asteroid City está dirigida por Wes Anderson, algo que se ve de inmediato, casi en el primer plano de la película, pues su huella personal siempre queda enmarcada en esos planos en los que predominan las líneas rectas y el personaje como eje central. A partir de aquí, tenemos una gran cantidad de personajes que viajan a Asteroid City a raíz de una convención astronómica que aglutinará a los jóvenes científicos más interesantes de EEUU de 1955. Pero ese fenómeno cultural contrastará con una visita inesperada del más allá, lo cual hará que la ciudad quede confinada hasta nueva orden. Los tres actos de los que se compone la película narran el antes, el durante y el después de todo ello, presentándonos a una retahíla de personajes interpretados, entre otros, por Jason Schwartzman, Scarlett Johansson, Jake Ryan, Tilda Swinton, Adrien Brody, Tom Hanks y un largo etcétera.
A uno le gusta ver a tanta estrella junta, pero al final acaban siendo dos los protagonistas mientras el resto se diluye y el espectador se pregunta si quizás menos hubiera sido más. A pesar de eso, la historia fluye y seduce al espectador con un humor peculiar, al más puro estilo Wes Anderson, con unos personajes sacados de una fantasía y, a su vez, muy humanos. Especial atención a Schwartzman y Johansson, además de Jake Ryan como principales protagonistas.  Al final, las películas de Wes Anderson suelen ser muy corales, pero algunas intervenciones se reducen a meros cameos que no llevan a ninguna parte. Por lo demás, es una historia que sacará de plano a los que no conozcan al cineasta ni sean fans de él, convirtiéndolos en sus mayores detractores; pero que gustará a aquellos que reconozcan en el filme la mano de uno de los directores con sello personal de Hollywood. Los tonos verdoso-azulados de la fotografía y la estética de los años 50 recreada a la perfección, provocan un impacto visual interesante.
En definitiva, ASTEROID CITY es una película que los fans de Wes Anderson sabrán apreciar, porque vuelve a llevarnos al mundo de planos rectos, de encuadres perfectos y de personajes absurdamente cómicos y humanos. El guion no importa demasiado, pues se navega entre humanidad, catarsis y relaciones personales que pueden ser efímeras, o no. Una película que no dejará a nadie indiferente, para bien o para mal, algo que ya dice mucho de ella. Además, está rodada en Chinchón. No os la perdáis.

Crítica: FLASH

Buena propuesta que sube el listón del universo DC y, de paso, despide a viejas glorias. Un CGI que envejecerá mal, eso sí, pero con grandes dosis de comedia y acción que engrandecen el filme. Esta semana hemos visto: FLASH.

Flash está dirigida por Andy Muschietti, quien se ha dispuesto dejar el pabellón bien alto en cuando a un cierre de ciclo en las películas de DC. Ya sabemos que Henry Cavill no continúa (pues ni siquiera aparece), y que Ben Affleck tampoco. Este sí sale, pero lo ningunean bastante. En cuanto a Wonder Woman, Aquaman y el propio Flash, es una incógnita, pero bien harían en mantenerlos. Y es que el Flash del cabra-loca de Ezra Miller es fantástico. Lástima que el actor que lo interpreta sea un ególatra imbécil al que deban cubrirle las espaldas. El caso es que Flash tiene remordimientos por la muerte de su madre (Maribel Verdú), y tras comprobar sus enormes poderes se da cuenta de que es capaz de viajar al pasado. Dicho y hecho, intentando tocar lo mínimo posible, hará que su madre sobreviva y, por tanto, se cargue el multiverso. Eso provocará que la vuelta a casa llene de nostalgia a un espectador que se topará nada más y nada menos que con el Batman de Michael Keaton. Y con su propio yo, claro.
Y es que Michael Keaton nos trae buenos recuerdos a los fans de Batman, tanto es así que se come la pantalla. Además de eso, se nos presenta también a una Superman alternativa (Sasha Calle) a la que le falta carisma, evidentemente, pues si hay algo que le va a costar a DC será encontrar un Superman mejor que Henry Cavill. En cualquier caso, el villano de turno es Zod (Michael Shannon), un tanto distorsionado por las idas y venidas en el plano temporal de Flash, carente del carisma del que dispuso en las películas de Superman y que el propio actor cuestionó. En todo caso, la película tiene un CGI que chirría, pese a que Andy Muschietti haya aclarado que pasa en el mundo de Flash y que su percepción de los recuerdos es así de distorsionad, fea, etc. En cualquier caso, de aquí a 5 años nos hará daño a los ojos. Por lo demás, tiene gags que funcionan muy bien, escenas de acción espectaculares (las que no abusan de CGI) y mucha épica y nostalgia (ojo a los últimos minutos de metraje).
En definitiva, FLASH es una de las mejores películas de DC de lo últimos años. Si bien no era muy difícil de conseguir, al menos es disfrutable y nos encontramos ante un Ezra Miller que está sembrado, que traslada su locura y diversión al público y que no debería estar preocupado por el reboot de la saga y por mantener al personaje. Esperemos que deje de hacer el zumbado por la vida y no la cague. No os la perdáis si sois fans y nostálgicos de DC.

Crítica: QUÉDATE A MI LADO

La lucha contra el cáncer siempre ha estado presente en el cine. En esta ocasión, la propuesta es sencilla, pero bien interpretada. Sabes lo que va a suceder y, aun así, logra conmover. Esta semana hemos visto: QUÉDATE A MI LADO.

Spoiler alert está dirigida por Michael Showalter, quien hace que Jim Parsons y Ben Aldridge sostengan la película. El guion es simple: dos personas se conocen, se enamoran, conviven y tiene una relación de amor con sus altibajos. Sin embargo, el cáncer terminal aparecerá en el personaje de Ben Aldridge, lo cual condicionará la vida que ambos han tenido junto, la de sus amigos y sus padres (Sally Field). Se pasan por alto muchas cosas y puede ser algo simple en su concepción, pues se centra más en la relación de la pareja que en el cáncer en sí (hasta que llega el último cuarto). Se refleja, eso sí, las terceras o cuartas opiniones, la resistencia a afrontar la verdad, unos padres devastados que miran a otro lado, etc. Cabe decir que la interpretación de Jim Parsons me ha hecho sacarle del encasillamiento al que le tenía por The Big Bang Theory, como Sheldon Cooper.
Es precisamente el trabajo de ambos intérpretes lo que salva a la película de ser una más. Durante la primera mitad del filme se trabaja mucho con el fondo de los personajes, sobre todo con el de Jim Parsons, que viene de ser un niño que ha interpretado una sitcom, con grandes traumas en su infancia, además de manías que son descubiertas por su pareja y el espectador. Se dedica a las series de televisión como crítico, mientras que su pareja es fotógrafo. La comedia funciona y esa empatía que se genera con el espectador ayuda al filme a obtener esas cuotas lacrimógenas que se necesitan para calar en el espectador. Su último tercio muestra cómo afecta a las relaciones la enfermedad, cómo se afronta y, sobre todo, el miedo a cómo será. También se reflejan los roces con la pareja, las dificultades familiares, laborales, etc.
En definitiva, QUÉDATE A MI LADO es una película didáctica que puede ser interesante en secundaria, pese a que hay muchas que narran el cáncer y su afrontamiento, pero también toca aspectos importantes de la homosexualidad, como la dificultad que todavía a día de hoy se tiene para expresarse. No es de las más duras sobre el cáncer pero tampoco es excesivamente amable. Si os gusta el género, no os la perdáis, y preparad pañuelos.