Félix A. Bas's Blog, page 110

Nominados Goya 2017

El 4 de febrero tendrá lugar la ceremonia de entrega de los Goya en una gala presentada, de nuevo, por Dani Rovira. Como era de esperar, Un monstruo viene a verme, con 12 nominaciones y El hombre de las mil caras y Tarde para la ira, con 11, son las favoritas para alzarse como vencedoras. Es destacable comentar que 1898. Los últimos de Filipinas se lleva 9 nominaciones, todas técnicas, Julieta consigue 7 y Que Dios nos perdone 6. La reina de España, con su sonoro batacazo en taquilla, ha sido nominada en cuatro categorías. ¿Será una estrategia de promoción? 
Como siempre, os dejo con la lista de nominados y con sus enlaces a las películas que ya he criticado, que son la mayoría. Hay que admitir que este año, igual que el pasado, se han hecho películas de gran calidad. Por mi parte decir que mi gran favorita a todo es Tarde para la ira, pero ya sabemos que en los Goya todo es posible.
NOMINACIONES A LA 31 EDICIÓN DE LOS GOYA  Mejor película
- El hombre de las mil caras- Julieta- Que Dios nos perdone- Tarde para la ira- Un monstruo viene a verme

Mejor director
- Alberto Rodríguez, El hombre de las mil caras- Pedro Almodóvar, Julieta- Rodrigo Sorogoyen, Que Dios nos perdone- Juan Antonio Bayona, Un monstruo viene a verme

Mejor director novel
- Salvador Calvo, 1898. Los últimos de Filipinas- Marc Crehuet, El rey tuerto- Nely Reguera, María (y los demás)- Raúl Arévalo, Tarde para la ira

Mejor actor protagonista
- Eduard Fernández, El hombre de las mil caras- Roberto Álamo, Que Dios nos perdone- Antonio de la Torre, Tarde para la ira- Luis Callejo, Tarde para la ira

Mejor actriz protagonista
- Emma Suárez, Julieta- Carmen Machi, La puerta abierta- Penélope Cruz, La reina de España- Bárbara Lennie, María (y los demás)

Mejor actor de reparto
- Karra Elejalde, 100 metros- Javier Gutiérrez, El olivo- Javier Pereira, Que Dios nos perdone- Manolo Solo, Tarde para la ira

Mejor actriz de reparto
- Candela Peña, Kiki, el amor se hace- Emma Suárez, La próxima piel- Terele Pávez, La puerta abierta- Sigourney Weaver, Un monstruo viene a verme

Actor revelación
- Ricardo Gómez, 1898. Los últimos de Filipinas- Rodrigo de la Serna, Cien años de perdón- Carlos Santos, El hombre de las mil caras- Raúl Jiménez, Tarde para la ira

Actriz revelación
- Silvia Pérez Cruz, Cerca de tu casa- Anna Castillo, El olivo- Belén Cuesta, Kiki, el amor se hace- Ruth Díaz, Tarde para la ira

Mejor guión original
Cien años de perdónEl OlivoQue Dios nos perdoneTarde para la ira
Mejor guión adaptado
El hombre de las mil carasJulietaKiki, el amor se haceUn monstruo viene a verme
Mejor dirección de producción
1898. Los últimos de FilipinasEl hombre de las mil carasLa reina de EspañaUn monstruo viene a verme
Mejor montaje
El hombre de las mil carasQue Dios nos perdoneTarde para la iraUn monstruo viene a verme
Mejor dirección de fotografía
1898. Los últimos de FilipinasLa reina de EspañaTarde para la iraUn monstruo viene a verme
Mejor dirección artística
1898. Los últimos de FilipinasEl hombre de las mil carasLa reina de EspañaUn monstruo viene a verme
Mejor diseño de vestuario
1898. Los últimos de FilipinasLa reina de EspañaNo culpes al karma de lo que te pasa por gilipollasTarde para la ira
Mejor maquillaje y peluquería
1898. Los últimos de FilipinasEl hombre de las mil caras JulietaUn monstruo viene a verme
Mejores efectos especiales
1898. Los últimos de FilipinasGernikaJulietaUn monstruo viene a verme
Mejor sonido
1898. Los últimos de FilipinasEl hombre de las mil carasOzzyUn monstruo viene a verme
Mejor música original
El hombre de las mil carasEl olivoJulietaUn monstruo viene a verme
Mejor canción original
Bollywood made in SpainCerca de tu casaFrágil equilibrioKiki, el amor se hace
Mejor película documental
2016. Nacido en SiriaEl Bosco, el jardín de los sueñosFrágil equilibrioOmega
Mejor película de animación
OzzyPsiconautas, los niños olvidadosTeresa y Tim
Mejor película iberoamericana
Anna (Colombia)Desde allá (Venezuela)El ciudadano ilustre (Argentina)Las elegidas (México)
Mejor película europea
El editor de libros (Reino Unido)El hijo de Saúl (Hungría)Elle (Francia)Yo, Daniel Blake (Reino Unido)
Mejor cortometraje de ficción
Bla, bla, blaEn la azoteaGraffitiLa invitaciónTimecode
Mejor cortometraje documental
Cabezas habladorasEsperanzaPalabras de carameloThe resurrection Club
Mejor cortometraje de animación
DarrelDecoradoMade in SpainUka
Goya de Honor
Ana Belén

Crítica: HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE

Estamos en plena Segunda Guerra Mundial, Desmond Doss desea servir en el ejército pero sin empuñar arma alguna para defenderse del enemigo. Un biopic que narra sus orígenes y nos hace entender el porqué de su decisión. Mel Gibson dirige la que posiblemente es su mejor película, tan real y cruda como la vida misma. Nominada ya a Globos de Oro, promete dar guerra en los Oscar. Esta semana hemos visto: HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE.

El primer aviso va para aquellos con estómagos sensibles, pues Mel Gibson ya dirigió La Pasión de Cristo y sabemos que la sangre se servía en cantidades abundantes. En esta película no va a ser menos, no cuando hay que narrar la crudeza de las batallas de la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, durante los primeros minutos de metraje conoceremos a Desmond Doss, un hombre cuyo pasado nos revelará sus acciones futuras. Su padre, ex soldado y alcohólico (muy bien Hugo Weaving) marca su forma de ver la vida. Andrew Garfield (The Amazing Spider-man) da vida a Doss, un actor que, si bien no es santo de mi devoción, me hace admitir lo brillante de su interpretación.
La primera parte es predecible y ligera, lo justo para que conozcamos las motivaciones de DesmondLa primera parte es quizás ligera y fácil, endeble incluso, aunque necesaria para que se genere la empatía necesaria con Desmond Doss, pero cuando se enfoca hacia lo bélico es un no parar de idas y venidas, confusión controlada, sangre, vísceras y dosis de cruenta realidad que salpica al espectador y hace que nos demos cuenta de la obra ante la que estamos. Hacía tiempo que no se realizaba una película bélica de tal calibre, inevitable comparar sus escenas con Salvar al soldado Ryan. Que HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE no sea una obra de mayor nivel es a causa de esa primera parte, en la que todo va con demasiada rapidez y, quizás, no era importante haberle dedicado tanto tiempo. Su amor (la bella Teresa Palmer) es demasiado forzado y fácil como para creérselo.
Los secundarios están bien, empezando por Hugo Weaving e incluso con Vince Vaughn, un actor cómico que intenta aspirar a ser el sargento de La chaqueta metálica pero que poco a poco consigue desquitarse de esa vis cómica a la que nos tiene tan acostumbrados. Digamos que la primera parte, el entrenamiento en el cuartel, la presentación de su escuadrón y el juicio por ser objetor de oonciencia es algo muy manido ya en películas del género, por lo que HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE despega de forma sobresaliente cuando llegan a las trincheras para batirse contra unos japoneses a los que se les presenta como auténticos animales sin miedo a morir.
La acción es apabullante, cruenta y salvaje hasta más no poder. Un espectáculo visual
Las escenas son impactantes, violentas y sangrientas a más no poder. Seremos testigos, mientras Desmond Ross lucha por sus convicciones y por salvar cuantos más miembros de su equipo mejor, de balazos en la cabeza, desmembramientos, vísceras y ratas devorando todo a su paso. Una película que reza ser antibelicista y que nos muestra la crueldad de una guerra que no solo arrebata vida, sino que psicológicamente te deja hecho trizas. Lucharemos junto a Desmond Ross y seremos testigos de situaciones aderezadas para que sepamos de la valentía del muchacho y su fe en la religión. Porque sí, seamos claros, Mel Gibson es lo más ultracatólico que puedas echarte a la cara, así que la religión planfletaria se exacerba de tal manera que llega a abusar. Hay escenas, planos y conversaciones en las que se le ve el plumero a Mel Gibson, pero el resultado global de HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE es tan brillante que se lo perdonamos.
Llevaba 10 años Mel Gibson sin aparecer, y el director de La Pasión de Cristo y Apocalypto deja bien claro su buen hacer detrás de las cámaras. Sus declaraciones y extremismo pueden alejarle de las nominaciones al Oscar, pero sin duda se erige como un director contundente que ha logrado hacer un biopic sobresaliente, en especial durante la segunda parte del filme. La elección de Andrew Garfield se ve acertada, pese a que a veces parece que no encaje, aunque su aspecto bobalicón cree cierte empatía. Es un trabajo importante para el actor, pues las críticas a su Amazing Spider-Man no fueron muy positivas. En todo caso, el elenco de secundarios es bueno y hace su papel, aunque podrían haber tenido mucha mayor presencia.
Si queréis épica, en esta película tenéis para rato. Aprenderéis a hacer lazos y todoEn definitiva, estamos ante una de las mejores películas bélicas, lejos de obras maestras, aunque tan potente e impactante que tardaremos en olvidarla. ¿Puede un hombre sobrevivir a la guerra sin llevar armas para protegerse? Desmond Doss lo hizo y fue el primer objetor de conciencia condecorado. Planos, fotografía y acción apabullantes de la mano de un Mel Gibson al que ya veremos si la Academia premia con alguna nominación. Tantos si sois fans del género, como si no, debéis verla.

Crítica: ALIADOS

Irregular thriller romántico de Robert Zemeckis con Brad Pitt alejado de su nivel y una Marion Cotillard voluntariosa. Lo mejor es el aspecto vintage que luce la película. Los hechos la sitúan durante la Segunda Guerra mundial, donde el espionaje, la intriga y los sentimientos a veces se acostaban juntos. Esta semana hemos visto: ALIADOS.

No ha tenido buena crítica en Estados Unidos, un recibimiento tan frío como la interpretación de Brad Pitt y su poca complicidad con Marion Cottillard. Esta lo intenta de todas maneras, pero el actor no estaba demasiado inspirado. Eso hace que este melodrama acabe por alejar al espectador de esa empatía necesaria para que le importe lo que les sucede a los protagonistas. Tampoco es la mejor película de Robert Zemeckis (Forrest Gump), aunque con un guión tan escaso poco se podía hacer.
ALIADOS es una película que se podría haber salvado con las interpretaciones de Brad Pitt y Marion Cotillard, no siendo esto así, se resiente y cae en una historia contada durante la Segunda Guerra mundial, una guerra encubierta de espías e informadores que llega hasta Marrakech, donde Max se ha de encontrar con una espía francesa y llevar a buen puerto una misión de asesinato de la que tienen pocas posibilidades de salir con vida. Un par de tiros y un enamoramiento después, se nos sitúa en una Londres asediada por los bombardeos alemanes y con un Max al que le asaltan las dudas sobre su entregada mujer.
El inicio es bueno, desconocidos afrontando una misión casi suicida en MarrakechElla es la madre de sus hijos, fiel esposa y, quizás, una espía alemana. En esas se las verá el espectador, quien en esos momentos, con casi total seguridad, ya le dará igual si lo es o no y también todo lo que hace Max para intentar limpiar el buen nombre de su mujer. Resumiendo, tenemos una primera parte de acción y una segunda tediosa de recolección de información que parece más un ir y venir forzado y sin ton ni son que un thriller de espías al uso. Si a ello le sumamos que ni Brad Pitt ni Marion Cotillard están a su mejor nivel y no transmiten nada, acabamos con que ALIADOS es una película pasable en cartelera.
Lo mejor de ALIADOS, sin duda alguna, es su diseño de vestuario de la época de la Segunda Guerra Mundial. Exquisitos vestidos lucidos por Marion Cotillard y trajes por Brad Pitt, fiestas vintage, coches de época y, en general, una sensación de inmersión total y cuidada con todo lujo de detalles. Una gran puesta en escena que acompaña al filme hasta el final, pero que no es suficiente para levantar la película.
Lo mejor de la película es su cuidado aspecto vintage y todo lo que tiene que ver con la épocaPoco más que decir sobre ALIADOS, un thriller que no sorprende, una historia de amor que no es magnética y unos protagonistas que no crean empatía. Brad Pitt decepciona, y más teniendo en cuenta su capacidad, mientras que Marion Cotillard se esfuerza aunque su partenaire no esté por la labor. Si tenéis algo mejor que ver no os perdéis mucho.

Crítica: LA LLEGADA

Los amantes de la ciencia ficción no podríamos estar más de enhorabuena. Dennis Villeneuve dirige la mejor cinta del género en este año y lo hace de una manera tan sobria como elegante. Con una gran Amy Adams y una herramienta clave: la inteligencia del espectador. Si no queréis pensar no hace falta que la veáis. Esta semana hemos visto: LA LLEGADA.

Es justo decir que la ciencia ficción últimamente no está para muchas alegrias, pero todo cambia con LA LLEGADA, una cinta que no peca de grandiosos efectos especiales ni giros bruscos de guión, sino que se dota de una linealidad y realismo, al margen de que doce naves extraterrestre aparecen de repente en la Tierra. Entonces es cuando a la lingüista Louise Banks (Amy Adams) la reclutan (Forest Whitaker) para intentar comprender o descifrar el lenguaje de los extraterrestres. De dónde vienen?, qué quieren y si vienen en son de paz, entre otras cosas. En la base militar cercana a la nave también se encontrará con un físico, Ian Donnelly (Jeremy Renner), con el que trabajará para hallar las respuestas con una visión muy pedagógica.
Doce como estos por todo el mundo. ¿Qué intenciones traen? El mundo se agitaDennis Villeneuve (Sicario), dirige una obra que pronto será un clásico del género. Será incomprendida y vapuleada por aquellos que desean un ritmo más ágil, directo y poco reflexivo, pero será apreciada por aquellos que acepten su realismo y la lógica que impera durante todo el filme. LA LLEGADA es simple explicando algo muy complejo, de ahí su grandeza, sin necesidad de echar mano de fuentes tan explotadas como un guión saturado de acción y efectos especiales. Todo en la película supura serenidad y misterio, y el espectador se ve llevado de la mano hasta su final dos horas después, pero tampoco hay que obviar que es un gran espectáculo audiviosual.
Cómo la lingüista intenta comunicarse con los extraterrestres, lo que estos consiguen lograr a su llegada, sus efectos en la humanidad: saqueos, indefensión, más preguntas que respuestas, vileza y, en concepto, el miedo a no saber. Ella (Amy Adams), soporta el peso de una película en la que apenas necesita hablar, sino que la expresividad y los conceptos no verbales y visuales serán los que impriman carácter a su interpretación. Por medio de flashbacks el espectador conocerá un personaje bien trabajado y comenzará a entender lo que realmente está sucediendo. Poco más se puede decir de una de las mejores actrices del momento. Su compañero, Jeremy Renner, la acompaña, pero está lejos de destacar y quizás es el punto débil de LA LLEGADA, aunque su personaje es crucial para la vida de la lingüista.
Amy Adams bien acompañada, aunque ella es quien carga con el peso argumental e interpretativoLa atmósfera de LA LLEGADA podría resurmirse como una tensa quietud. El uso de planos en lugares cerrados, cierto agobio y misterio logran que el espectador se evada y solo piense en avanzar y llegar hasta el final mientras crea conjeturas sobre lo que sucederá. En este caso, la película es sincera, sin golpes de efecto graves que suelen lograr el efecto contrario, de ahí que para muchos peque de lineal y lenta. Sin embargo, una vez que entras ya no puedes salir. La fotografía es una delicia, la banda sonora es inmersiva y técnicamente es brillante, sin nada que envidiar a otras en las que prima lo comercial: la invasión alienígena y los efectos especiales.
LA LLEGADA es una película cerebral, va hilando poco a poco, tejiendo una conclusión que deja al espectador embobado tras haber aprendido cómo se toma contacto con los extraterrestres, cómo se intenta comunicar con ellos y de qué manera aprende la lingüista su lengua y se beneficia de ello. Es difícil comentar este filme sin spoilear, pero el dominio del idioma es fundamental para el devenir de la protagonista y, por ende, de la humanidad, pues ayudará a descubrir las verdaderas intenciones del invasor. Mientras eso sucede, esa quietud se desarrolla en el trabajo de lingüista y físico, el mundo se altera a su alrededor de forma implacable. La inseguridad se apodera no solo de la base militar, sino de todo el mundo, pues no hay que olvidar que ellos trabajan en una nave de las doce que se han plantado en todo el mundo.
Una experiencia audiovisual fantástica donde predomina el lenguaje no verbal y lo cerebralEn definitiva, LA LLEGADA es la mejor película de ciencia ficción del año, y no contenta con ello quedará en el top del género por cómo explica, cómo nos hace pensar y cómo se resuelve. Presente, pasado y futuro que hipnotiza al espectador y hace que este salga con una sonrisa de la película después de reflexionar sobre lo sucedido. Eso le pasará al cerebral, porque aquel que desee acción a raudales será mejor que se alquile un blockbuster. Esperemos que los Oscar reconozcan el trabajo realizado. Fans de la ciencia ficción, no os la perdáis.

Crítica: EL CIUDADANO ILUSTRE

Estamos ante la película preseleccionada por Argentina para los Oscar, presentada en el festival de Venecia y ganador del premio a mejor actor para Óscar Martínez, él es Daniel Mantovani, un escritor de renombre que ha ganado incluso el premio Nobel y recibe la invitación de su pueblo, Salas, en la Argentina del sur. Un viaje que cambiará su vida y, como reza el cartel, demuestra que nadie es profeta en su tierra. Esta semana hemos visto: EL CIUDADANO ILUSTRE.

Si la última participación argentina en los Oscar nos dejo un gran sabor de boca con Relatos Salvajes, este año no se quedan atrás y nos regalan una película solvente en todos los apartados, sobre todo en la interpretación del gran Óscar Martínez. Daniel Mantovani ha escrito muchísimos libros, pero sus personajes siguen viviendo en Salas, un pueblo que el escritor abandonó con 20 años y que no ha vuelto a visitar hasta cuarenta años después. Después de recibir el Nobel, en un discurso que nos describe bien la interesante personalidad del escritor, recibe la invitación para acudir a su pueblo natal a pasar unos días, dar unas clase y, en definitiva, se nombrado como ciudadano ilustre de Salas. Receloso en un principio, el autor finalmente decide acudir.
Todo es paz y amor, sobre todo el primer día, aunque poco tardará la cosa en torcerseEL CIUDADANO ILUSTRE mezcla humor negro con toques de drama, aunque la tensión se palpa en el ambiente y el espectador es consciente de que el pueblo de Salas, acogedor en un principio, tiene mucho que reclamarle al premio Nobel de literatura. Este, de principios firmes, ve cómo poco a poco debe moldearlos para agradar a sus habitantes, aunque nunca llueva a gusto de todos. Que nadie es profeta en su tierra no es nada nuevo, y menos en Argentina (preguntadle a Messi), pero lo que sucede en Salas forma parte de un cúmulo de resentimiento por parte de unos habitantes que han leído a los personajes de Daniel Mantovani (que vive en Barcelona) y los han reconocido por ser sus propios conciudadanos. Por si eso no fuera poco, en algunas declaraciones el autor no hablaba precisamente bien de Salas, por lo que la bomba está agitada y lista para explotar.
Daniel Mantovani (Óscar Martínez) en todo momento se siente incomodado en un ambiente hostil y mezquino, lleno de envidia y reclamaciones hacia su recién nombrado ciudadano ilustre. Atención a las clases de literatura, llenas en un inicio, que se vacían conforme avanzan los días y el autor interacciona con el pueblo. O las tensas conversaciones con su mejor amigo, casado ahora con la que fue la ex-novia del premio Nobel y con una preciosa hija a la que, por cierto, Mantovani habría preferido no conocer. Vamos, que el pobre autor recibe palos por todos lados mientras trata de mantener firme su dignidad.
Reencuentro con su ex-pareja, mujer de su mejor amigo y madre de una hija. Atrapada en el puebloLa película, dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat, es sobresaliente en todos los sentidos. Un guión que engancha al espectador desde buen principio y un protagonista que se echa al hombro la obra y la saca adelante solito. Eso sí, el bailecito y la participación de Dady Brieva lo convierten en un auténtico robaplanos que, a su vez, consigue aportar ese toque de tensión tan necesario en EL CIUDADANO ILUSTRE. Unos secundarios que forman parte del pueblo de Salas, iracundo y dispuesto a ajustar cuentas con un escritor que se las deseaba muy felices al regresar a su pueblo natal.
Hay que destacar, por encima de todo, la interpretación de Óscar Martínez, un auténtico lujo y un grandísimo actor que dota a Daniel Mantovani de una personalidad carismática, firme y seca que se gana la empatía del espectador a medida que reclama el odio de todo el pueblo de Salas. El guión, como he mencionado anteriormente, nunca sabes por donde te va a llevar, ni tampoco cómo se resolverá, por lo que el espectador se mantiene en su asiento, lleno de tensión e incredulidad ante lo que está viviendo el escritor.
La descripción del pueblo y sus habitantes es brutal de principio a fin, y este hombre es un robaplanosEn definitiva, inmejorable película argentina para presentar a los Oscar, veremos si finalmente la seleccionan, pero es de esas películas que te dejan una sonrisa en el rostro y que vale la pena pagar para ver. La descripción social del pueblo de Salas es brutal. No será un taquillazo, las mejores nunca lo son, pero os encantará alucinar con la aventura de un premio Nobel en un pueblo argentino que se la tiene jurada. Ni se os ocurra perdérosla.

Crítica: ANIMALES FANTÁSTICOS Y DÓNDE ENCONTRARLOS

Se nos viene la fiebre de Harry Potter de nuevo, y aunque esta nueva saga está situada temporalmente antes de esos hechos, tiene todos los ingredientes para seguir ganando adeptos. Su protagonista es Newt Scamander, un apasionado de la fauna mágica, quien creará algún que otro altercado cuando dichos animales escapan y se ven sueltos por la ciudad. La introducción a una saga que nos deja con ganas de más. Esta semana hemos visto: ANIMALES FANTÁSTICOS Y DÓNDE ENCONTRARLOS.

J.K. Rowling es la guionista de este spin-off que, parece ser, contará con unas cinco películas, un proyecto ambicioso que los fans de la saga aplaudirán y acudirán varitas en mano a las salas de cine. En esta precuela se nos sitúa en la Nueva York del siglo pasado, años veinte, donde el mundo mágico y la realidad no se entremezclan, aunque la delgada línea que los separa es tan frágil que tiene nombre propio: Gellert Grindelwald (Johnny Depp). Él es el mago oscuro y villano oficial de la saga, aunque apenas se deje ver. Será Percival Graves (Colin Farrel) el que lleve el peso de la oscuridad en esta entrega, algo que deja un poso algo amargo sobre la película.
Eddie Redmayne es Newt Scamander. Derrocha carisma y timidez, pero sobre todo una candidez sin igualPero comencemos por el principio, cuando Newt Scamander (Eddie Redmayne) llega a Nueva York con una maleta llena de animales fantásticos y dispuesto a hacerse con otro bicho raro. En su camino se cruza con Jacob Kowalsky (Dan Floger), un muggle (no mágico) con el que intercambiará maletas sin querer, propiciando algún que otro desastre y que ambos, ayudados también por Porpentina Goldstein (Katherine Waterson) y su hermana Queenie (Alison Sudol), tendrán que poner solución antes de que estalle una guerra entre el mundo mágico y el real. Mientras eso sucede, además, la oscuridad que se apodera de los chicos que retienen su magia, para no mostrarla ante sus iguales humanos, se convierte en un monstruo con sed de sangre que provoca graves altercados en Nueva York.
Y hasta ahí puedo leer y valorar el esfuerzo por ambientar y engrandecer todavía más el vasto universo de la saga Harry Potter. Una imaginación desbordante y no forzada, lleno de guiños a la saga pero sin depender de ella en absoluto. Y es David Yates, que realizó 4 de las 8 películas de Harry Potter, quien ayudado por el guión de J.K. Rowling consigue aportar carisma y fuerza a este nuevo mundo lleno de criaturas fantásticas que visualmente son extraordinarias, un derroche de efectos especiales que, gracias a su compenetración con los protagonistas, logran generar simpatía entre el espectador. Sin duda, el universo Harry Potter sigue vivo y en muy buena forma.
Colin Farrell es agente del MACUSA y exigirá a Scamander que encuentre a las bestias escapadasNewt Scamander es Eddie Redmayne, y ese personaje quedará ligado al grandísimo actor (Oscar por La Teoría del Todo y nominado también por La chica danesa en los últimos dos años, casi nada). Una interpretación que dota de gran carisma y afabilidad a un Newt Scamander apasionado que crea empatía en cuanto aparece en pantalla. Su candidez, serenidad, timidez y simpatía se transmite al espectador, así como su pasión por los seres fantásticos que habitan en su mundo. Desde luego, Eddie Redmayne era el actor más adecuado para ser Newt Scamander, un gran acierto contar con uno de los grandes actores del momento.
Pero el resto del reparto no se queda atrás. Si bien secundarios, robaplanos de primer lugar es Jacob Kowalsky, el muggle interpretado por Dan Floger. Un aspirante a pastelero que descubre el mundo mágico y ayuda a Newt a cazar a esos animales y que, de paso, mantiene un inesperado romance con una maga. Su personaje es cómico, pero nunca llega a cargar, rozando el humor y la incredulidad a partes iguales. Kowalsky es tan necesario como Eddie Redmayne en el filme, y esperamos verlo en más entregas para que aporte luz a la oscuridad que se avecina en la saga. El resto de secundarios se mantienen más tapados, como el caso de las dos hermanas, Colin Farrell y el propio Johnny Depp.
Los animales están creados con mimo y todo lujo de detalles, una delicia visual para el espectadorAquí es donde hay que hablar del villano, que no voy a spoilear pero se ve venir y su final es una grandilocuencia que quizás no era adecuada pero sus fans perdonarán al ser una película introductoria. Colin Farrell es jefe en el MACUSA (Mágico Congreso de Estados Unidos) y obviamente oculta algo, pero no funciona como villano ni siquiera cuando se quita la máscara, algo que nos recuerda a las películas de Marvel y a su mal hacer a la hora de crear esos enemigos carismáticos que tanto se necesitan en este tipo de películas. Esperamos que Johnny Depp, meramente testimonial en esta entrega, no se pase de revoluciones con su Grindelwald y nos regale un villano de altura. Crucemos los dedos.
Por lo demás, ANIMALES FANTÁSTICOS Y DÓNDE ENCONTRARLOS es una película para todos los públicos, para fans y advenedizos (no es necesario haber leído o visto la saga de Harry Potter para entrar en el mundo, todo un acierto). Quizás se abusa de CGI's, algo que se perdona teniendo en cuenta el mágico mundo y la fauna que rodea el mundo de Newt Scamander y compañía. David Yates completa una introducción de más de dos horas que en ningún momento llega a aburrir, divierte y nos adentra en una saga que promete dar muchas alegrías a Warner. Sin duda, el taquillazo de las navidades que no hará más que aumentar las ganas de ver la segunda parte.
Nuestros protagonistas deberán luchar contra la oscuridad mientras dan caza a los animales fantásticosEn definitiva, ANIMALES FANTÁSTICOS Y DÓNDE ENCONTRARLOS tiene fallos evidentes, sí, pero es una digna introducción y precuela de la saga Harry Potter que ofrece nuevos y carismáticos personajes, un guión algo más oscuro y la promesa de un villano a la altura de lo que se espera. Id a verla porque después de esta vienen otras cuatro, sentid la magia y la fantasía desbordante del mundo creado por J.K. Rowling. No os la perdáis.

Crítica: QUE DIOS NOS PERDONE

Si algo sabe hacer bien el cine patrio son thrillers, y qué gusto da ver el nivel que tienen las películas españolas desde hace algunos años ya. Roberto Álamo y Antonio de la Torre, descomunales, buscando a un psicópata que se dedica a violar a personas mayores. Una de las mejores películas del año y clara candidata a todo en los Goya. Esta semana hemos visto: QUE DIOS NOS PERDONE.

Rodrigo Sorogoyen nos mete en la piel de dos policías, ambos con problemas evidentes: unos tiene una agresividad incontrolable y su trabajo pende de un hilo; mientras que el otro es introvertido, tartamudo y le cuesta relacionarse con el género opuesto. Un cóctel que explota desde el primer minuto, una pareja de personajes redondos, carismáticos y apabullantes, que van desde lo intimidante a lo minucioso de su actos. Su objetivo, cazar a la presa. Roberto Álamo y Antonio de la Torre presentan sus credenciales con sendas interpretaciones que, además de creíbles, logran impactar al espectador.
El inspector Velarde es un gran profesional, metódico y concienzudo, aunque es hombre de pocas palabrasEs 2011, en plena crisis, con indignados en las calles, el paro por las nubes y la visita de Benedicto XVI a Madrid. Por lo que un violador de esas características es prioritario que se silencie lo antes posible. Los medios no saben qué sucede y todo se oculta, por lo que el psicópata se aprovecha de ello y sigue matando a ancianas. Son interesantes los planos grabados a cámara, sobre todo al inicio de la película, mientras que al final todo se estabiliza, y gracias a los efectos de luz y a la asfixiante banda sonora hacen de QUE DIOS NOS PERDONE un thriller con una atmósfera deprimente y agobiante, justo como sucedía en esas fechas. Eso sí, es una película un tanto larga, quizás sobra algo de metraje, pero desde el primer minuto engancha.
Y eso es gracias a dos portentos, el primero es Antonio de la Torre, que debería estar nominado por esta película y por Tarde para la ira (para mí la mejor película española del año). El actor es como Luis Tosar, allá donde va triunfa, y es uno de los mejores actores españoles de todos los tiempos. Aquí es el inspector Velarde, metódico, con problemas relacionales con las mujeres y tartamudo; aún así, en el cuerpo es una persona relativamente respetada y posee gran carácter, aunque su gran hándicap es ir acompañado por el personaje de Roberto Álamo. Él es el inspector Alfaro, un volcán en continua erupción, acalorado, tenso, nervioso, rudo y con problemas con la autoridad, y siendo él la autoridad imaginad en qué problema está. Ambos, merecen sin duda la nominación al Goya, esperemos que la Academia sea consecuente y premie el esfuerzo no solo de ellos, sino de Rodrigo Sorogoyen a la dirección.
Roberto Álamo y Antonio de la Torre forman una pareja extraña, tanto que explotará en más de una ocasiónEn QUE DIOS NOS PERDONE se nos muestra también el perfil psicológico del asesino de ancianas, una persona con dificultades relacionales, al igual que nuestros dos protagonistas. Pronto descubriremos que los tres podrían ser asesinos en potencia y que, de una u otra manera, todos se retroalimentan. Es un thriller negro con cierto toque cómico para descargar, pero con imágenes realmente impactantes y tremendas, como la vista de los cadáveres en el lugar del crimen y en la morgue, y también cómo se les ha asesinado. Sin lugar a dudas, ciertas escenas no son aptas para estómagos revoltosos, pero ayuda a imprimir oscuridad al filme y también crea odio contra el asesino.
Hay que hablar de la banda sonora, puesto que en un clima tan asfixiante como Madrid en 2011, con la visita del Papa y la crisis política-social en pleno auge, es inevitable sentir ese agobio constante que Roberto Álamo es capaz de transmitirnos en camisa de manga corta y botella de agua de dos litros en mano. La tensión se palpa y cualquier motivo es tan digno como otro para reventar. La banda sonora sabe potenciar esos momentos, llevando de la mano al espectador a otro nivel de abstracción. A favor, también, la cantidad de planos oscuros y primeros planos sobre los personajes, revelando sin explicar cómo son y qué piensan.
Roberto Álamo demuestra el gran actor que es. El cine español se lo debía tras el teatro y la televisiónEn definitiva, QUE DIOS NOS PERDONE forma parte ya de otro brillante thriller del cine español. Si los académicos fueran consecuentes, debería optar a todo: película, dirección y ambos actores nominados, banda sonora, etc., pero como esto son los Goya, y el año pasado fue ciertamente decepcionante, os invito a que vayáis a verla, si no lo habéis hecho ya, y disfrutéis de una de las mejores películas españolas del año. Ni se os ocurra perdérosla.

Crítica: 100 METROS

Un hombre de éxito ve cómo una enfermedad llamada esclerosis múltiple, desconocida para la mayoría de personas, le provoca una serie de brotes que se dan con cierta aleatoriedad y pueden dejarle postrado en silla de ruedas. Esta es la historia de Ramón Arroyo, que tras ser diagnosticado se sobrepuso a la adversidad y pudo completar un IronMan. Dani Rovira y Karra Elejalde nos muestran una historia sentimental y de superación. Esta semana hemos visto: 100 METROS.

Marcel Barrena nos trae una película que se centra en el entrenamiento de Ramón Arroyo desde que conoce a su enfermedad hasta que acaba su primer IronMan. Se basa en el sentimentalismo, que consigue y se espera. Aunque tiene un par de errores, hay que alabar el trabajo de Dani Rovira y Karra Elejalde, que dotan a sus protagonistas de un alma especial, sobre todo el segundo. Alexandra Jiménez es la esposa luchadora que logra insuflar alientos a ambos para que, a pesar de la difícil relación entre suegro y marido, consigan unirse por un bien común: el IronMan.
Las etapas psicológicas y el trato a la esclerosis múltiple se ha tratado con gran sensibilidadPero comencemos por el principio, donde vemos a Ramón Arroyo (Dani Rovira) como una persona de cierto éxito profesional, un hombre extrovertido y con labia que sabe ganarse a sus clientes y, en definitiva, es un profesional admirado. Sin embargo, esa parte del filme tiene un problema, y es que no sentimos empatía por esa persona, puesto que no se le da suficiente tiempo como para que se la cree al espectador, y además se le muestra como una persona fría y distante. Nada que ver con lo que demuestra ser después de recibir la información sobre lo que padece. A partir de entonces sí se crea un gran feeling con un Dani Rovira que, aunque esté hasta en la sopa, se disfruta con un registro totalmente distinto a lo acostumbrado, si bien 100 METROS tiene sus dosis de simpatía.
El duro entrenamiento, las salas de terapia y el suegro acabarán por hacer de Ramón todo un luchador. Karra Elejalde, brillante en un papel que se le da bien: gruñón, bebedor, fumador y con poco respeto al marido de su hija, verá cómo se va entregando a la causa para que Ramón pueda volver a caminar, correr, nadar y pedalear hasta conseguir participar en un IronMan. La vida del suegro no ha sido fácil, y aquí es donde encontramos uno de los errores del filme, y es haberle dado una historia de amor propia (con Maria Medeiros) que poco o nada tiene que ver con 100 METROS y que no consigue ganarse al espectador, más que nada porque Karra Elejalde lo consigue desde el primer momento en que aparece en pantalla. Prescindible metraje.
Karra Elejalde está soberbio en su interpretación y la complicidad con Dani Rovira es evidenteMarcel Barrena, a la dirección, ha transmitido mucha sensibilidad con la enfermedad, la ha puesto en el mapa y ha sabido explicar en qué consiste, algo que al espectador le queda bien claro después de su visionado. Se refleja bien el cambio de vida que provoca en cualquier persona una enfermedad así, cayendo del cielo al infierno en cuestión de segundos; dependiendo de que el brote sea más o menos fuerte es capaz de dejarte ciego, paralizar la mitad de tu cuerpo o incluso postrarte en silla de ruedas. Ante tal amenaza, el heroísmo de Ramón Arroyo es digno de mención, algo que en 100 METROS solo se refleja en una milésima parte.
Así pues, podemos decir que es un filme dramático pero con tintes cómicos, casi siempre de la mano del dúo de moda que han formado Dani Rovira y Karra Elejalde. Ambos muestran gran complicidad y, además, Dani Rovira sabe desenvolverse bien en un papel dramático, algo que sorprende y es digno de mención. Demuestra, por fin, que no solo de comedias vive el hombre, y eso ya es merecedor de halagos. Veremos si los Goya le premian con una nominación, algo casi asegurado para Karra Elejalde, que a golpe de carisma y personalidad arrolladora se gana al público. Con los Goya nunca se sabe, pero ambos pueden acabar nominados sin problema.
Dani Rovira demuestra que tiene gran futuro como actor no solo de películas cómicasEn definitiva, 100 METROS es una película que hace caer en la sensiblería, en  la última parte de metraje cae en ese error y los fallos anteriormente mencionados provocan que no haya sido algo más. Sin embargo, logra conmover gracias a las interpretaciones de un reparto a la altura. Además, hay que aplaudir que pongan en escena a la esclerosis múltiple, una enfermedad muy desconocida por el gran público que sufre mucha gente. Sus efectos pueden comprobarse en la película. Echadle un vistazo.

Crítica: SULLY

Cuánto echaremos de menos a Clint Eastwood y qué mejor que disfrutarlo mientras podamos. Esta vez se pone junto a Tom Hanks a los mandos de un Airbus y nos reconstruye lo sucedido en el río Hudson, un suceso que salvó la vida de 155 personas tras un amerizaje en sus heladas aguas. Competirá en los Oscar, aunque todavía es pronto para decirlo. Esta semana hemos visto: SULLY.

Salvar un avión del desastre es un acto heróico. Sin embargo, para las compañías de seguros no lo es tanto, pues a esas 155 personas había que indemnizarlas. Chesley Sullenberger, más conocido como Sully, es un Tom Hanks sereno, pensativo y, ante todo, un profesional como la copa de un pino. Sin embargo, le persigue una profunda autocrítica y un tribunal que asegura que su maniobra fue tan innecesaria como estúpida. En un cuarto de hora de filme, Clint Eastwood ya nos ha enseñado de lo que va el asunto, pero no todo acaba ahí.
Sobrevivir a una amerizaje fue una gesta heróica que salvó la vida de 155 personasY es que no se cuenta como todos la contarían, se cuenta de manera que el espectador tiene hasta tres puntos de vista diferentes de lo sucedido. El primero en forma de suceso, el segundo en el pellejo de los aterrados tripulantes, y un tercero en las propias manos de Tom Hanks y su segundo, Aaron Eckart. Asistimos a un espectáculo de efectos especiales que parece que no estén, sin duda su gran acierto, pues todo hace que sea tan natural como lo que realmente fue. En el aspecto técnico, SULLY es una película sobresaliente que consigue explicarnos los sucedido de una manera que solo Clint Eastwood sabe hacer.
Pero en todo suceso de estas características se necesita un héroe sin capa, la persona que estaba a los mandos del vuelo 1549 del US Airways, Chesley Sullenberger, un Sully encarnado por un Tom Hanks acostumbrado a papeles de héroes mundanos, corrientes y humanizados. Por encima de todo, Sully es sereno, algo que hace que el espectador no empatice del todo con él, aunque deba hacerlo a raíz de su sufrimiento y su largo proceso de autocrítica. Junto a Tom Hanks viajamos en el vuelo, en su amerizaje, en la posterior salvación de los viajeros y en sus duras batallas contra tribunales que vieron con malos ojos tener que indemnizar a 155 personas. Amerizaje en aguas heladas del río Hudson que hicieron de Sully un personaje muy querido en su país.
Tom Hanks y su inseparable copiloto Aaron Eckart, ambos transmitiendo el peso de las decisionesPero la realidad era bien distinta para él, eso nos muestra Clint Eastwood en sus largas noches de hotel junto a su copiloto (un Aaron Eckart en su lugar), en sus conversaciones telefónicas con su mujer, quizás de lo más irrelevante del filme, su preocupación por la pensión tras 40 años a los mandos de un avión, y que los expertos consideren que esos 208 segundos desde lo sucedido hasta el amerizaje fueran un claro error. Clint Eastwood nos narra con maestría todo ese camino sin altibajos, con una serenidad y naturalidad que en ocasiones produce cierto aplanamiento en el espectador, quizás ávido de situaciones más límite de lo que nos ofrece SULLY. Y es que ver una cinta en la que se conoce que todo el mundo sobrevive puede restar impacto y tensión.
Personalmente creo que es SULLY brilla en lo técnico y hace brillar a Tom Hanks, un actor con el que nadie se atrevería a viajar vista su filmografía, pero acostumbrado a mostrar tal nivel de interpretación que parece que se mimetice con sus personajes. Sin duda, uno de los mejores y más solventes. En cuanto a la historia, es todo un acierto que se cuente como lo hace Clint Eastwood, desgranando poco a poco y con todo lujo de detalles, desde perspectivas diferentes y datos técnicos que no alejan al espectador de la película. Pero si hay que darle algún palo a SULLY, sin duda es por la poca empatía que genera, llegando incluso a forzar dramatismo o cierta épica que desentona con el carácter general de la obra, puesto que Clint Eastwood se decide por la sobriedad por encima de todo reconocimiento heróico.
Las aseguradoras juzgando a héroes por salvar vidas. Quizás preferían que hubieran muerto todosEn definitiva, SULLY es una muy interesante que nos desvela el suceso en las aguas del río Hudson como nadíe habría podido contar como Clint Eastwood. Otra pequeña joyita que añadir a su gran filmografía, que apunta a nominaciones y con un Tom Hanks que presentará batalla en los Oscar si nadie pone solución. Si os van los altos vuelos y las biografías, es una película que os va como anillo al dedo.

Crítica: ONE PIECE GOLD

Felices de poder acudir al cine para ver la última película del que ya es el mejor manga y anime de la historia, quedamos satisfechos tras comprobar que no es solo una película más del universo creado por el mangaka Eiichiro Oda, sino que todo ha estado cuidado hasta el más mínimo detalle: animación, guión, personajes y villano. Si sois fans de los piratas del Sombrero de Paja, no os la podéis perder. Esta semana hemos visto: ONE PIECE GOLD.
Más de 400 millones de tomos vendidos, líder absoluto de ventas en Japón año tras año, con más de 700 capítulos de anime y pilar fundamental de la revista Shonen Jump japonesa, One Piece se ha convertido en la serie más querida de las últimas dos décadas con permiso de Dragon Ball y nuestro amado Goku. ONE PIECE GOLD es la decimotercera película ya, aunque la primera que llega a nuestro país en gran pantalla, y de la misma manera que ocurrió con Dragon Ball Z: La resurrección de F, no podíamos perdérnosla. Un par de sobris dispuestas y un carro de palomitas y a disfrutar.
Bienvenidos a Gran Tesoro, isla-estado en la que podréis ganar dinero sin tener que preocuparos de la MarinaOne Piece es una película que interesará a fans del anime y del manga, por lo que hay que aclarar que el arco argumental de esta película se sitúa tras los acontecimientos de Dresrossa. Entended, pues, que a España y a Cataluña (que posee los capítulos más avanzados de One Piece) todavía no han llegado. Por lo tanto, esta película va a ser una ametralladora de spoilers para aquellos que no estén al día con las aventuras de la tripulación del Sombrero de Paja en Japón, por lo que os haréis un favor si no la véis hasta que hayáis pasado dicho arco argumental. Avisados quedáis.
Los Mugiwara, o tripulación del Sombrero de Paja, llegan a una isla nueva, pero no es una cualquiera, sino a Gran Tesoro, una especie de Las Vegas que el Gobierno Mundial ha calificado como estado independiente, por lo que piratas y marines pueden campar a sus anchas sin tener que enfrentarse entre ellos. Su rey no es otro que Gild, un hombre carismático cuyo poder de fruta del diablo (akuma no mi) consiste en la manipulación del oro. Un villano interesante y a la altura de lo que estamos acostumbrados en el manga, cuyos personajes secundarios consiguen quedarse en la memoria del lector por su desbordante carisma.
Gild Tesoro, poseedor del poder para controlar el oro gracias a una fruta del diablo. Un villano con carismaLuffy y su tripulación se verán en aprietos a raíz de una mala apuesta, por lo que han de pagar una deuda exorbitante y pronto se darán cuenta de que en Gran Tesoro no es oro todo lo que reluce. En ONE PIECE GOLD tenemos todo lo que disfrutamos en el manga o el anime: nuestros personajes favoritos, mucho humor y acción que hace las delicias de los fans de la saga. El guión no es nada del otro mundo, aunque se nota el mimo y el cuidado que han tenido para no hacer una película más. La animación es fluida y la pantalla rebosa de color gracias una isla tan especial como Gran Tesoro.
Como no todo es oro en ONE PIECE GOLD, diré que han desperdiciado el poder de dos conocidos personajes de la saga que aparecen y nos dejan con la miel en los labios, pues son personajes de gran interés para los fans. Alabar la labor del gran doblaje en catalán, que han mantenido las voces de los personajes del anime y, como siempre, mantienen el gran nivel que atesoran. Imagino que en castellano habrán estado a la altura. También echamos de menos mayor protagonismo de algunos miembros de la tripulación, como Zoro, el gran damnificado en la película, aunque con tal cantidad de personajes se veía venir.
La tripulación del Sombrero de Paja lista para hacernos reír y disfrutar con sus aventurasEn definitiva, ONE PIECE GOLD es quizás una de las mejores películas que podéis ver de One Piece. Imposible aburrirse con las aventuras de nuestros piratas favoritos, humor por doquier y acción e imaginación desbordante a la que ya nos tienen acostumbrados. Es un placer que este tipo de película comiencen a llegar a la gran pantalla de nuestro país, así que los fans de la saga estamos de enhorabuena.