Félix A. Bas's Blog, page 108

Crítica: LION

Seguimos con la carrera hacia los Oscar con una película que nos trae a la memoria la maravillosa Slumdog Millionaire, recordádonos cómo es la vida y las penurias en la India. Saroo se pierde en una estación de tren y finalmente acaba adoptado por una familia en Australia, pero los recuerdos de su madre y de su hermano le persiguen hasta que decide emprender su búsqueda a casa. Con seis nominaciones a los Oscar, entre ellas mejor película, y cuatro a los Globo de Oro, esta semana hemos visto: LION.

Y cómo no vamos a acordarnos de la imperecedera Slumdog Millionaire, ganadora de 8 Oscars de 10 nominaciones, cuando tenemos al mismísmo Dev Patel protagonizando la película con un aire bastante familiar que, por desgracia, pesa en contra de LION, pues no es capaz de dotar de gran agilidad una trama que avanza paso a paso y que se toma su tiempo para despegar. Aún así, su primera parte nos pone en la piel del pequeño Saroo (Sunny Pawar), que apenas con dos palabras se hace entender y sufre de bien pequeño la vida en las pobres calles de su país. Suerte acabará teniendo cuando una familia australiana le adopta, dándole seguridad, estabilidad y grandes oportunidades. LION está basada en una historia real, es el drama que no debe faltar en toda carrera hacia los Oscar, y le han caído 6 nominaciones, pero que por desgracia acabará sin llevarse nada. Al menos esa es mi opinión.
El joven Sunny Pawar también habría sido digno nominado. Con pocas palabras lo trasmite todoY no es que esté mal hecha, o no interese lo que se narre, al contrario. La película decae justamente cuando vemos crecer a Saroo, un Dev Patel que ha salido adelante gracias al cariño y amor de sus padres. Aquí es donde aparece su familia adoptiva, una resucitada Nicole Kidman, nominada a mejor actriz secundaria, y a David Wenham. La autraliana interpreta la perfección el sufrimiento de una madre adoptiva. Esta parte es quizás la que más le pesa a la película de Garth Davis, pues es la más lenta y quizás intrascendente de la historia, muy a pesar de que aparece brevemente Rooney Mara (una pena), la novia que Saroo ha conocido mientras estudiaba.
Eso sí, LION se anima y se viene arriba en el último tercio, que le ha servido a Dev Patel para estar nominado como mejor actor secundario, una búsqueda que llega por fin, como se dirá en la sala, tras mucho período de reflexión y dolor, pues Saroo no olvida sus pasos, no olvida cómo se llega a su casa, tampoco a su madre y a su hermano, y mucho menos la estación de tren en la que se perdió. Y Google Earth, que por aquel entonces nacía, le ayudó a encontrar el lugar al que volver. El aspecto técnico de LION es ejemplar y le ha servido para ganarse el resto de nominaciones en mejor guión adaptado, banda sonora, (brillante y que dará pelea a La La Land, aunque ya sabemos cómo acabará la cosa), la espectacular fotografía de Greig Fraser, quizás la candidatura con más posibilidades. Son increíbles los paisajes desde las alturas y cualquier plano en la India.
Nicole Kidman aparece poco, pero consigue transmitir todo el sufrimiento de una madre adoptiva.La película de Garth Davis, como le sucede a Figuras ocultas, está hecha para acumular nominaciones a grandes premios, algo que es mucho más evidente en la película sobre las tres mujeres que trabajan en la NASA, pues se trabaja con un guión basado en una historia real, aumentado todavía más el interés del espectador y el drama. Es una gran película que consigue hacernos abrir los ojos ante lo que sucede en un país tan desconocido como la India y que nos ofrece buenas interpretaciones, tanto es así que Dev Patel y Nicole Kidman pelearán por el secundario. Difícil lo tienen, como LION en el resto de categorías, pero bien merecido está.
LION muestra en imágenes lo que no se dice, no es necesario, recrea la pobreza tal y como es, los peligros que acechan a los niños por la noche y un gran problema que hace que el espectador abra los ojos. Siempre es mejor sugerir que no mostrar. Se nota el desarraigo de un joven adoptado, de sus recuerdos más inolvidables, de su navegar entre dos aguas para no decepcionar a su madre adoptiva y lanzarse en busca de sus orígenes. Drama del bueno, de los que pegan con fuerza, aunque mucho me temos que La La Land aguantará con firmeza.
Dev Patel y Rooney Mara, esta última aparece demasiado poco y podian haber aprovechado más su talentoEn definitiva, LION es digna merecedora de ser nominada a mejor película y a 6 candidaturas en total. Un drama de los que no faltan en estas fechas, una inyección de información y dosis de realidad necesarias para darnos cuenta de la suerte que tenemos y de que podemos ayudar para que todo mejore. El joven Sunny Pawar, Dev Patel, Nicole Kidman y Rooney Mara completan un elenco de gran nivel que aporta mayor nivel a una ya de por sí gran película. Veremos cómo le tratan los Oscar, aunque lo tiene difícil. No os la perdáis.

Gala Goya 2017

Gala con pocas novedades, presentada de nuevo por Dani Rovira y con tres nombres propios. El primero Emma Suárez, que se lleva dos cabezones como Mejor actriz de Reparto por su papel en La próxima piel y también el de Mejor actriz protagonista por su brillante interpretación en Julieta de Almodóvar. El segundo nombre de la noche es Bayona y su Un monstruo viene a verme, que se ha llevado 9 Goyas, incluyendo mejor director y las previsibles en el resto de candidaturas técnicas. Y el tercero, para mí la gran vencedora y por la que había apostado desde el principio, no es otra que la gran Tarde para la ira, de Raúl Arévalo. Es la ópera prima del ganador a Mejor director novel (y es una injusticia que no estuviera incluido como mejor director también, porque la habría ganado) que también se ha llevado el codiciado galardón a Mejor película, además de mejor guión original y mejor actor secundario (Manolo Solo).

Destacar también el galardón a Mejor actor protagonista para Roberto Álamo por su brutal interpretación en Que Dios nos perdone y también a Anna Castillo, vencedora en la candidatura de actriz revelación por su papel en El olivo. Carlos Santos se lleva el de mejor actor revelación por llevar a la gran pantalla a Luis Roldán en El hombre de las mil caras. Previsible ganadora  a mejor película extranjera es Elle, que ganó también el Globo de Oro. Por lo demás, una Gala dominada por el papel de la mujer y de la igualdad. En todo caso, quizás es excesivo el número de galardones para Un montruo viene a verme, aunque Tarde para la ira se erige como la mejor película española del año. Si no la habéis visto, es muy probable que tengáis la oportunidad de hacerlo gracias a los Goya, a buen seguro que la reestrenarán en cine en breve. 
Os dejo con el resto de ganadores, y ya sabéis que pinchando encima de las películas podréis acceder a su crítica en el blog. ¡Viva el cine español de calidad!
Mejor película
 - El hombre de las mil caras- Julieta- Que Dios nos perdone- Tarde para la ira - Un monstruo viene a verme



Mejor director


- Alberto Rodríguez, El hombre de las mil caras- Pedro Almodóvar, Julieta- Rodrigo Sorogoyen, Que Dios nos perdone- Juan Antonio Bayona, Un monstruo viene a verme



Mejor director novel
 
- Salvador Calvo, 1898. Los últimos de Filipinas- Marc Crehuet, El rey tuerto- Nely Reguera, María (y los demás)- Raúl Arévalo, Tarde para la ira
  
Mejor actor protagonista
 
- Eduard Fernández, El hombre de las mil caras- Roberto Álamo, Que Dios nos perdone - Antonio de la Torre, Tarde para la ira- Luis Callejo, Tarde para la ira
 
Mejor actriz protagonista
  - Emma Suárez, Julieta - Carmen Machi, La puerta abierta- Penélope Cruz, La reina de España- Bárbara Lennie, María (y los demás)
  
Mejor actor de reparto
  - Karra Elejalde, 100 metros- Javier Gutiérrez, El olivo- Javier Pereira, Que Dios nos perdone- Manolo Solo, Tarde para la ira
  
Mejor actriz de reparto
  - Candela Peña, Kiki, el amor se hace- Emma Suárez, La próxima piel - Terele Pávez, La puerta abierta- Sigourney Weaver, Un monstruo viene a verme
   Actor revelación
  - Ricardo Gómez, 1898. Los últimos de Filipinas- Rodrigo de la Serna, Cien años de perdón- Carlos Santos, El hombre de las mil caras - Raúl Jiménez, Tarde para la ira
   Actriz revelación
  - Silvia Pérez Cruz, Cerca de tu casa- Anna Castillo, El olivo - Belén Cuesta, Kiki, el amor se hace- Ruth Díaz, Tarde para la ira
  
Mejor guión original
Cien años de perdónEl OlivoQue Dios nos perdone Tarde para la ira
Mejor guión adaptado
El hombre de las mil caras JulietaKiki, el amor se haceUn monstruo viene a verme
Mejor dirección de producción
1898. Los últimos de FilipinasEl hombre de las mil carasLa reina de España Un monstruo viene a verme
Mejor montaje
El hombre de las mil carasQue Dios nos perdoneTarde para la ira Un monstruo viene a verme
Mejor dirección de fotografía
1898. Los últimos de FilipinasLa reina de EspañaTarde para la ira Un monstruo viene a verme
Mejor dirección artística
1898. Los últimos de FilipinasEl hombre de las mil carasLa reina de España Un monstruo viene a verme
Mejor diseño de vestuario
1898. Los últimos de Filipinas La reina de EspañaNo culpes al karma de lo que te pasa por gilipollasTarde para la ira
Mejor maquillaje y peluquería
1898. Los últimos de FilipinasEl hombre de las mil caras Julieta Un monstruo viene a verme
Mejores efectos especiales
1898. Los últimos de FilipinasGernikaJulieta Un monstruo viene a verme
Mejor sonido
1898. Los últimos de FilipinasEl hombre de las mil carasOzzy Un monstruo viene a verme
Mejor música original
El hombre de las mil carasEl olivoJulieta Un monstruo viene a verme
Mejor canción original
Bollywood made in Spain Cerca de tu casa Frágil equilibrioKiki, el amor se hace
Mejor película documental
2016. Nacido en SiriaEl Bosco, el jardín de los sueños Frágil equilibrio Omega
Mejor película de animación
Ozzy Psiconautas, los niños olvidados Teresa y Tim
Mejor película iberoamericana
Anna (Colombia)Desde allá (Venezuela) El ciudadano ilustre (Argentina) Las elegidas (México)
Mejor película europea
El editor de libros (Reino Unido)El hijo de Saúl (Hungría) Elle (Francia) Yo, Daniel Blake (Reino Unido)
Mejor cortometraje de ficción
Bla, bla, blaEn la azoteaGraffitiLa invitación Timecode
Mejor cortometraje documental
Cabezas habladoras EsperanzaPalabras de carameloThe resurrection Club
Mejor cortometraje de animación
Darrel Decorado Made in SpainUka
Goya de Honor
Ana Belén

Crítica: MÚLTIPLE

Mucho se espera ya de M. Night Shyamalan, autor que desde el Sexto sentido consigue generar una expectativa que nunca llena. Aún así, consigue sacar adelante una película en la que James McAvoy es el protagonista indiscutible; su personaje tiene 23 personalidades y todo parece indicar que hay otra escondida. Esta semana hemos visto: MÚLTIPLE.

La película de Shyamalan me recuerda bastante a Calle Cloverfield 10, aunque no ha logrado gustarme tanto ni generarme esa sensación claustrofógica y de tensión que sentí con John Goodman como anfitrión. En todo caso, el guión trata de una persona con trastorno de identidad, y es tal su nivel que es capaz de adoptar la personalidade hasta veintitrés personas diferentes, todas con sus rasgos, sus fobias y su enfermedades y su gestualidad única. James McAvoy logra lucirse y Shyamalan se reencuentra con su público dándoles algo interesante para satisfacer sus ansias de grandes películas de género. Lo consigue a medias, pues si no es su peor película tampoco es la mejor, aunque demuestra que todavía tiene fuelle para rato.
[image error] Kevin asiste a tratamiento y la doctora intenta ayudarle, pero la personalidad con la que va no ayudaAnya Taylor-Joy es una de las jóvenes que comparte planos con él, la de mayor protagonismo, al igual que la veterana Betty Buckley, quien será la que nos ponga en antecedentes sobre las personalidades y la enfermedad del protagonista, un James McAvoy que brilla y hace un esfuerzo más que plausible y notorio. Lograr interpretar cada una de las personalidades y que el espectador inmediatamente reconozca de quién se trata, es algo que habla por sí mismo. Aunque, y es algo que no le resta importancia ni nivel a su interpretación, pese a tener veintitrés solo conocemos bien a seis o siete. Pero, como ya digo, James McAvoy adopta la voz y gestualidad de cada una de ellas con gran solvencia. Bravo por él.
La relación que establece con Anya Taylor-Joy es muy interesante, pues ella intenta sonsacar información y obtener ayuda de alguna de las otras personalidades, lo que mantiene al espectador pegado a su butaca, pensando en las alternativas y, en definitiva, con la tensión en aumento a medida que avanza MÚLTIPLE. El desenlace, no destriparé, creo que no es potente y le falta fuerza, posiblemente no os sorprenda si estáis atentos a los detalles que narran la vida de la joven, pero nos deja con ganas de más, como si faltara algo, ese gran impacto final. La personalidad escondida de Kevin tratará de salir, se le llama La Bestia y, como os imaginaréis, el poder de la mente logra crear un ser que no dejará títere con cabeza y al que el bueno de Kevin no es capaz de controlar, sobre todo porque sus propias personalidades toman posiciones a favor y en contra de La Bestia. Una idea muy original que aporta solidez al conjunto.
James McAvoy se luce y es lo mejor de la película. El carisma de su personaje perdurará en el tiempoEn definitiva, MÚLTIPLE es una buena película de género, tensa e interesante como pocas, con sello Shyamalan y con un James McAvoy inmenso al que no le habríamos discutido una nominación al Oscar. Vale la pena verla por su interpretación y la personalidad con que dota a sus personajes, alternando incluso varios de ellos en un mismo momento. Hay sorpresa final bastante interesante y buena dosis de entretenimiento. ¿Qué queréis más?

Crítica: TONI ERDMANN

Arrasó en Cannes y también ha sido nominada al Globo de Oro y también al Oscar como mejor película extranjera, os traigo una película de las que dejan huella y hacen pensar. Con un humor muy peculiar y con rumbo hacia película de culto, no os dejará indiferentes la relación entre un padre atípico y una hija que vive para trabajar. Esta semana hemos visto: TONI ERDMANN.


La película alemana, dirigida por Maren Ade, podría catalogarse de comedia, aunque tiene tiempo para el drama y mucha reflexión. El guión es sencillo, un padre (Peter Simonischek) decide visitar a su hija (Sandra Hüller), una directiva alemana de éxito que trabaja en un nuevo proyecto en Rumanía. El padre tiene una personalidad digna de estudio, algo que en la primera escena comenzamos a comprender. En la sala escucharéis sonrisas tímidas, incluso vosotros también comentaréis qué leches está pasando. Pues bien, esa es la tónica general de TONI ERDMANN durante las dos horas y cuarenta minutos de dirección que os volarán antes de que os deis cuenta.
El padre, al ver que su hija vive engullida por su actividad laboral, teme que esta no sea feliz, por lo que trata de volver a acercarse, aunque para ello toma decisiones más bien cuestionables que darán más de un quebradero de cabeza. Tomará el nombre de Toni Erdmann y se hará pasar por un coach para empresarios famosos y conectará con el entorno de su hija, con la que se entiende cada vez menos. Esta asiste con estupor a la visita de su padre y a sus intentos por boicotear su vida laboral mientras que él comprende que su hija no está viviendo plenamente y su trabajo ocupa toda su vida. Así pues, estamos ante dos personajes muy distintos pero que a la vez se necesitan, aportando una riqueza hipnótica y una gran curiosidad por ver cómo evolucionará su historia.


Toni Erdmann es uno de los personajes más peculiares que os encontraréis nunca en el cineTONI ERDMANN es una película que provoca incomodidad al espectador en las sucesivas escenas en las que ambos protagonistas aparecen juntos. Esto sucederá durante todo el metraje, y por supuesto no a todo el mundo gustará, es obvio que es un cine diferente y que no deja a nadie indiferente, algo que habla mucho y bien del filme. Bucarest como ciudad en la que se recrea la Europa actual, multicultural y con cero vivencias y mucho trabajo, donde el trabajo está por delante del trabajo y donde la hija parece engullida por esa ansia de sentir reconocimiento y ascenso continuo. La película alcanza su cénit justo al final, donde podemos disfrutar de una de las escenas más surrealistas e incómodas desde hace mucho tiempo. No sabremos si reír o llorar, pero funciona, y tanto si lo hace.
En TONI ERDMANN tendremos mucho tiempo para reflexionar, los silencios de los protagonistas son líneas que invitan a ello, y tanto Peter Simonischek como Sandra Hüller bordan unos papeles que, si bien el primero no tiene demasiada evolución, al tener una vida más rica y vivida, su hija Inés sí evoluciona y logra transformarse, regalándonos escenas difíciles y complejas, robando el protagonismo a un Peter Simonischek que hace de guía espiritual y que sabe diluirse para ceder el testigo a compañera de reparto.
Padre e hija, o como recuperar el vínculo paterno-filial en cuestión de unas semanasEn definitiva, TONI ERDMANN es una joya no apta para todos públicos, pero que seguro encantará a aquellos que sepan darle su merecida oportunidad. Humor surrealista, viaje de vida e interpretaciones grandiosas para una película que merece todos los premios que le den y un hueco privilegiado en la lista de películas que hay que ver. Merecidísima nominación a mejor película extranjera en los Oscar. No os la perdáis.

Crítica: CONTRATIEMPO

Estamos ante una película de esas que indigna a la crítica y gusta a un público no demasiado exigente, un filme que juega con las expectativas y se basa en giros de guión que logran cargarse lo que estaba bien planteado desde un principio. Mario Casas protagoniza un thriller en el que los detalles marcan las diferencias. Esta semana hemos visto: CONTRATIEMPO.

Un joven empresario (Mario Casas), exitoso, infiel, ambicioso y todo lo que conlleva la palabra éxito en una persona de esas características es detenido por la policía. Le han atacado en su habitación de hotel, matando a su amante (Bárbara Lennie) y dejándole como único culpable del suceso. El crimen ha sido en una habitación cerrada y necesita un abogado para defender su causa. Uno de los buenos, además, que será una exitosa mujer (Ana Wagener) que nos descubrirá cómo se prepara una defensa casi imposible y capacitada para sacar a su cliente del problema en el que se ha metido.
Los abogados son esos diablos que te sacan de cualquier apuro aún cuando todo parece perdidoA partir de ahí se producen flashbacks, historias que el joven empresario cuenta a su abogada que podrían ayudarle a solucionar el problemilla. Un buen comienzo, sin duda, que nos aporta datos de la vida de un empresario razonable que se ve abocado a realizar acciones cuestionables acompañado por su amante. Es hacia la mitad de la película donde el espectador asiste al desmoronamiento de CONTRATIEMPO, pues se juega con todas las espectativas, llegando a saquear todo lo antes contado, haciendo de él una bola de papel y tirando a la basura cualquier atisbo cualquier explicación lógica a lo que sucede ante nuestras narices.
Y es que a mitad de metraje al empresario le da por contar cosas nuevas, añadimos una muerte por aquí, un uy, quizás eso sí lo hice y agitamos, haciendo que CONTRATIEMPO sea precisamente eso, una sucesión de contratiempos adecuadamente encajados para dar sentido a algo que no lo tiene. Y lo peor es que el espectador que vaya con la mente desconectada incluso podrá disfrutar con el zarandeo al que se le somete hasta un desenlace en el que debemos frotarnos los ojos. Porque si había algún desenlace descabellado ahí lo tenemos.
Cuando un padre ha de luchar por la verdad sobre el asesinato de su hija es capaz de hacer de todoLa película de Oriol Paulo tiene un aspecto claramente americano, el típico thriller en el que hay que adivinar quién es el asesino, aunque en las buenas películas del género se nos dan las pistas en dosis adecuadas y no giros de guión mareantes donde dejarse llevar es la mejor opción. Y esto es así porque CONTRATIEMPO puede atraparte o desconectarte si eres demasiado exigente, así que ir con las luces apagadas es la mejor opción. Asistiremos a una reconstrucción de los hechos en la que se dejan flecos que después han de ser despejados por el propio protagonista al ver en la comprometida situación en la que se ha metido.
No todo en CONTRATIEMPO es mediocre, pues las interpretaciones al menos son solventes. Bárbara Lennie no destaca y es Ana Wagener quien más brilla, casi incluso por delante de un Mario Casas que se esfuerza pero no estoy seguro de que logre pasar por un emprendedor de éxito. Aún así, es un registro nuevo que se agradece, pues se conoce que el actor puede dar más de sí. También tenemos, oh, vaya sorpresa, a José Coronado, que parece tener una cláusula para salir en cada thriller español que se ruede. Su papel es clave en la trama y él siempre cumple.
Mario Casas en un nuevo registro, no está mal, pero parece que no es su hábitat natural
Por todo esto, CONTRATIEMPO es una película que veréis y quizás os guste, pero no tardaréis demasiado en olvidar. No es un thriller sincero y se convierte en una alternativa que se disuelve ante obras de arte como La La Land y otras películas que no os podéis perder y que próximamente llegará a cartelera Si no tenéis nada mejor que ver podéis usarla como última carta.

Nominados OSCAR 2017

Tan solo Eva al desnudo (1950) y Titanic (1997) igualan a La La Land en número de nominaciones, nada menos que 14 para una película inolvidable que ya hizo récord de Globos de Oro al ganar nada menos que 7, y que está llamada a arrasar en la 89ª Gala de los Oscar 2017 del 26 de Febrero. Por detrás, con 8 candidaturas, llegan Moonlight y La llegada, y con 6 nominaciones encontramos a Manchester frente al mar, Lion y Hasta el último hombre, que trataran de arrebatarle alguna a una La La Land que, a modo de curiosidad, tiene una doble nominación en mejor canción.

Personalmente, creo bien merecidas todas y cada una de las nominaciones de La La Land, y pienso que debería arrasar, aunque ya sabemos que se suelen dar compensaciones cuando existe una gran dominadora tan clara. En todo caso, espero el Oscar para Emma Stone, que ya va siendo hora, e imagino que Ryan Gosling se quedará sin él en favor de Casey Affleck. Hay que mencionar que Meryl Streep recibe su 20ª nominación, en lo que viene siendo ya casi una tradición año tras año. También encontramos, y sigo sin explicarme esa nueva tontería, nada menos que a nueve candidatas a mejor película, aunque realmente compitan cuatro o cinco y el resto deben tomárselo como un premio.

Esperamos con ansia la 89ª Gala de los Oscar presentada por Jimmy Kimmel, la alfombra roja y los discursos de los vencedores, que seguramente tendrán como protagonista a su nuevo presidente, Donald Trump. Una gala que, imagino, dominará La La Land en las candidaturas más potentes y que, salvo sorpresas inesperadas, encumbrará a Damien Chazelle como mejor director, por fin.

La La Land: 14 nominaciones
Moolight: 8 nominaciones
La llegada: 8 nominaciones
Manchester frente al mar: 6 nominaciones
Lion: 6 nominaciones
Hasta el último hombre: 6 nominaciones
Comanchería: 4 nominaciones
Fences: 4 nominaciones
Figuras ocultas: 3 nominaciones

Os dejo con todas las nominaciones. Pinchando sobre ellas podréis acceder a su crítica. Recordad que algunas todavía no han llegado a nuestra cartelera, pero las iré incluyendo a medida que las vea. Y vosotros, ¿tenéis ya vuestros favoritos?

MEJOR PELÍCULA
MoonlightManchester frente al marLa La LandComancheríaLa llegadaHasta el último hombreLionFencesFiguras ocultas

MEJOR DIRECTOR
Daniel Chazelle, La La Land 
Kenneth Lonergan, Manchester frente al marBarry Jenkins, MoonlightDennis Villeneuve, La llegadaMel Gibson, Hasta el último hombre

MEJOR ACTOR
Casey Affleck, Manchester frente al marRyan Gosling, La La LandViggo Mortensen, Captain FantasticDenzel Washington, FencesAndrew Garfield, Hasta el último hombre

MEJOR ACTRIZ
Isabelle Hupert, Elle Ruth Negga, LovingNatalie Portman, JackieEmma Stone, La La LandMeryl Streep, Florence Foster Jenkins

MEJOR ACTOR DE REPARTO 

Mahershala Ali, MoonlightJeff Bridges, ComancheríaLucas Hedges, Manchester frente al marDev Patel, LionMichael Shannon, Animales nocturnos


MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Viola Davis, FencesNaomi Harris, MoonlightNicole Kidman, LionOctavia Spencer, Figuras ocultasMichelle Williams, Manchester frente al mar


MEJOR GUIÓN ORIGINAL
ComancheríaLa La LandLangostaManchester frente al mar20th Century Women
MEJOR GUIÓN ADAPTADO
La llegadaFencesFiguras ocultasLionMoonlight

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Kubo y las dos cuerdas mágicasVaianaMi vida de calabacínLa tortuga rojaZootrópolis

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA 

El viajante (Irán)Toni Erdmann (Alemania)Land of mine (Dinamarca)Tanna (Australia)Un hombre llamado Ove (Suecia)

El resto de premios que completan las nominaciones a los OSCAR 2017 son los siguientes:

Mejor diseño de producción
La llegada
Animales fantásticos y dónde encontrarlos
¡Ave, César!
La La Land
Passengers 
Mejor fotografía 
La La Land
La llegada
Silencio
Moolight
LionMejor diseño de vestuario
Aliados
Animales fantásticos y dónde encontrarlos
Florence Foster Jenkins
Jackie
La La Land

Mejor montaje

La llegada
Hasta el último hombre
Comanchería
La La Land
Moonlight

Mejores efectos especiales

El libro de la selva
Rogue One: una historia de Star Wars
Marea negra
Kubo y las dos cuerdas mágicas
Doctor Strange

Mejor maquillaje y peluqueria

A man called Ove
Star Trek: Más allá
Escuadrón suicida

Mejor edición de sonido

La llegada
Marea negra
Hasta el último hombre
La La Land
Sully

Mejor mezcla de sonido

La llegada
Hasta el último hombre
La La Land
Rogue One: una historia de Star Wars
13 horas: los soldados secretos de Bengasi
Mejor banda sonora

Jackie
La La Land
Lion
Moonlight
Passengers
 Mejor canción original

Audition (The Fools Who Dream), La La Land
Can't Stop The Feeling, Trolls
City of Stars, La La Land
The Empty Chair, Jim: The James Foley Story
How Far I'll go, Vaiana
 Mejor documental
O. J.: Made in America
Life, Animated
13th
Fuego en el mar
I Am Not Your Negro  
Mejor corto documental

Extremis
Joe's Violin
Watani: My Homeland
The White Helmets
4.1 Miles
Mejor cortometraje

Timecode
Sing (Mindenki)
Ennemis Intérieurs
La Femme et le TGV
Silent Nights
Mejor corto de animación

Blind
Borrowed Time
Pear Cider and Cigarettes
Pearl
Piper

Crítica: FIGURAS OCULTAS

Corrían los años sesenta cuando dio inicio la carrera espacial y la lucha por los derechos civiles de los negros estadounidenses. En la sede de la NASA trabajaron tres brillantes mentes que, además de ser negras eran mujeres. Una película que narra el empoderamiento de la mujer a pesar de las dificultades que encontraron en su camino. Esta semana hemos visto: FIGURAS OCULTAS.

La lucha por la discriminación de raza y género, parece mentira, comenzó en los años sesenta, justo en el momento en el que los Estados Unidos y Rusia pugnaban por llevar al primer astronauta al espacio. En una época convulsa, un equipo de mujeres consiguió ser reconocido, y tres de ellas aportaron un salto cualitativo a la NASA. Las matemáticas Katherine Johnson (Taraji P. Henson), Dorothy Vaughan (Octavia Spencer) y la ingeniera Mary Jackson (Janelle Monáe) luharon contra los prejuicios raciales y consiguieron abrir su camino a pesar de estar acostumbradas a vivir en el ostracismo.
Un trabajo, el de calculadoras, que repasaba los cálculos de matemáticos e ingenieros de la NASA. FIGURAS OCULTAS está basada en una historia real, pero peca de ser demasiado amable, sobre todo porque no afronta con dureza todo lo que las mujeres tuvieron que sufrir hasta llegar a ser reconocidas. Si la comparamos con grandes películas como Doce años de esclavitud o Selma, queda bastante por debajo de ellas. Quizás ese exceso de amabilidad y de dar al espectador lo que desea ver es la principal causa de que se haya caído de la lucha por los Oscar, como ya le sucedió a El mayordomo en su tiempo. Es una película que busca la complacencia y el riesgo ínfimo.
Supieron aprender, redirigir esfuerzos y, sobre todo, mantenerse unidas y lucharAún así, es una buena película, sobre todo en su recreación de la época, de la sociedad y de la estética. Pero si en algo brilla la película dirigida por Theodore Melfi es en sus interpretaciones. Grandes figuras a las que Taraji P. Henson, Janelle Monáe y Octavia Spencer (esta última nominada a mejor secundaria en los Globos de Oro) dan vida con total convencimiento, secundadas por dos actores como Kevin Costner y Jim Parsons. El primero en un papel demasiado amable y el segundo aglutinando la vetusta moralidad de la época.
FIGURAS OCULTAS será una película taquillera, con buen hacer en todos los aspectos, algo que quizás se vea recompensado en los Oscar, aunque no será competencia para verdaderos pesos pesados. Busca en demasiadas ocasiones gustar y emocionar, y a veces lo consigue, algo que el espectador agradecerá, pero que se aleja demasiado de la lucha racial que se vivía en aquella época, cuando los negros morían calcinados en autobuses y personalidades como Martin Luther King luchaban en las calles por sus derechos. Pasar de puntillas por esas cosas sin duda afecta al conjunto, pese a centrarse en una carrera espacial que solo importaba a rusos y americanos en un momento crucial para la sociedad del momento.
La carrera espacial tuvo protagonistas femeninas que hoy tiene su reconocimiento en la películaEn definitiva, FIGURAS OCULTAS gustará y os hará descubrir tres mentes privilegiadas que se abrieron camino en un mundo duro. Supusieron un gran avance para la mujer y los negros en su país, verdaderas pioneras y luchadoras que merecían tener una película digna y de calidad, cosa que se ha cumplido. Aún así, podía haber aspirado a más y se queda algo lejos de verdaderas obras de referencia. Echadle un vistazo.

Crítica: LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS (LA LA LAND)

Con el récord de haber sido la única película en ganar 7 Globos de Oro de la historia, este musical supone una oda a la vida, a los sueños y al amor. Con una habilidad magistral para ponerse tras las cámaras, Damien Chazelle nos trae la película del año, favorita para los Oscar y aclamada por crítica y público. Emma Stone y Ryan Gosling protagonizan este filme que os hará salir de la sala tarareando sus canciones. Inolvidable. Esta semana hemos visto: LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS (LA LA LAND).

A veces, cuando una película es tan alabada por la crítica, esta llega a las salas de cine y pasa con más pena que gloria. Sin embargo, LA LA LAND es un largometraje con alma que tiene todo aquello que hace que el espectador quede hipnotizado y que la crítica no deje de subrayar sus aspectos positivos, más allá de la interpretación o del guión. Por eso, la película de Damien Chazelle ha conseguido pasar a la historia en los Globos de Oro y parte como favorita en la carrera hacia los Oscar. Eso sí, veremos cómo se las apaña ante las películas dramáticas, puesto que los Oscar no separa comedias de drama. En todo caso, la experiencia de ver y sentir este musical no debéis dejarla pasar.
Todo comienza en un atasco, una secuencia inicial que deja entrever lo que se nos viene encimaLA LA LAND comienza fuerte, una escena en una carretera que nos avisa de lo que está por llegar. La música suena y el espectador sabe dónde está, un derroche coreografiado en un atasco en el que comenzamos a atisbar el manejo con la cámara de Damien Chazelle, que con 31 años, y siendo este su tercer largometraje, ya nos asombró con la siempre genial e inolvidable Whiplash, con la que consiguió cinco Oscar. Sin embargo si en Whiplash se hablaba de los sueños, de lo mucho que costaban y del sacrificio para alcanzarlos, en LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS se suma también una preciosa historia de amor, de esas que muchos espectadores han tenido y de la que todavía conservan los mejores recuerdos.
Porque LA LA LAND consigue crear empatía desde el primer momento, sobre todo cuando conocemos a Mia (Emma Stone), una camarera aspirante a actriz en Hollywood y a Sebastian (Ryan Gosling), un pianista apasionado del Jazz que desea montar su propio club de música en directo. Ambos se conocerán casualmente y coincidirán en varias ocasiones, dando lugar a una historia de amor que les unirá en busca de sus sueños. El espectador entonces piensa qué sueños ha tenido, si se han cumplido o si han evolucionado, justo como sucede en la película. En todo caso, los protagonistas no pueden ser más acertados, pues si Emma Stone y Ryan Gosling evidencian una gran compenetración, tampoco se quedan atrás musicalmente hablando y demuestran tener una gran voz y desparpajo bailando.
Emma Stone es hipnótica. El diseño de vestuario es sencillo pero elegante, un derroche de buen gustoDamien Chazelle logra hipnotizarnos en las secuencias de baile, estupendamente coreografiadas y con canciones tan pegadizas que saldréis de la sala embelesados y tatareándolas. A su vez, no podréis evitar discutir con el final de la película que, por cierto, no puede ser más acertado, y ya comprobaréis el porqué. El director mantiene su creatividad y logra mejorar lo realizado con Whiplash, una experiencia que le ha hecho crecer más, si cabe, y que lo coloca como uno de los mejores directores del momento, y eso con 31 años. El montaje es un gran acierto, la música es pegadiza, las coreografías son geniales, el reparto inmejorable y un largo etcétera. LA LA LAND hace muchas cosas, y las hace todas bien, y para los que no sean muy fans de los musicales hay que decir que no es tampoco el típico, pues durante más de una hora de metraje no suena ni un acorde.
Hora de hablar de lo visualmente optimista y colorido de LA LA LAND, con Emma Stone y Ryan Gosling vestidos con cientos de vestidos y trajes que recrean los sueños y aspiraciones de los jóvenes en Los Ángeles: atascos, fiestas, obras de teatro, audiciones y cástings, conciertos... La ciudad de las estrellas, nunca mejor dicho, es el lugar donde los sueños pueden hacerse realidad mientras se comparte la vida con la pareja deseada. El diseño de vestuario, por si no os fijáis, es sencillo pero de un buen gusto exquisito. Emma Stone sabe llevarlos como nadie y le van como anillo al dedo, intentad contar cuántos se pone, y también Ryan Gosling, el galán de moda, no se queda atrás. En definitiva, LA LA LAND no se deja nada en el tintero, por eso es tan grande.
Pocas parejas interpretativas habrá con tanta química y compenetración como Emma Stone y Ryan GoslingHora de hablar de los protagonistas, también ganadores del Globo de oro en la categoría de mejor actor y actriz de comedia. Veremos cómo les va cuando en los Oscar se les incluya junto a pesos pesados del drama. En todo caso, ambos hacen papeles inolvidables, derrochan carisma y son la pareja perfecta. Ryan Gosling lo tendrá difícil en los Oscar, pero despliega gran cantidad de registros que en una película de este corte es más que plausible, y es que Damien Chazelle logra sacar esa vena artística y emocional al actor que hace que el espectador enseguida sienta empatía. Una especie de caradura soñador que lucha por conseguir sus sueños y compaginarlos con su amor. Todavía quedan por llegar las películas que plantarán cara a su interpretación, pero Ryan Gosling con esta película se hace inmortal.
Y qué decir de Emma Stone, una de las mejores actrices del momento sin discusión. Con una mirada hipnótica y una sonrisa que quita el sentido, la actriz no solo logra emocionar y crear empatía en momentos clave, sino que transmite esa alegría, jovialidad y ensoñación que una chica aspirante a actriz de Hollywood necesita. Aquí tengo más claro que a Emma Stone tendrán que pelearle mucho el Oscar si quieren arrebatárselo, puesto que hay pocas como ellas a la hora de transmitir tanto en un primer plano. Si se le suma que canta como los ángeles, se mueve como pocas y genera una empatía tremenda con los espectadores gracias a sus sueños y al desenlace del filme. Tenemos a una actriz con un talento desbordante que sabe qué papeles elegir, como ya demostró en Birdman, entre otras muchas. Si Ryan Gosling es inmortal, Emma Stone es inolvidable.
Ambos dan lo mejor de sí en una película llena de matices, inolvidable, romántica y de ensueñoHablar de un musical es sentir cada nota, acompañar el baile y que sus canciones animen desde el primer momento a entrar en la película. En eso LA LA LAND logra como pocas hacerse con el espectador, que disfrutará y se asombrará con el tema inicial, se emocionará con el tema de Mia y Sebastian a piano, y no dejará de tararear su canción principal, ganadora del Globo de oro y posiblemente del Oscar, la pegadiza y emotiva "City of stars". Hay que elogiar el gran trabajo de Justin Hurwitz, su compositor, que seguro que será recompensado con la mejor banda sonora y canción en los Oscar. ¿Qué podemos pedirle más a LA LA LAND? Pues una historia de amor de las que dejan huella, de las que hace que el espectador se sienta identificado por haberla vivido en algún momento de su vida. Es imposible hablar mal de una película que logra transmitir tanto con sus interpretaciones y música.

En definitiva, LA LA LAND no solo cumple con las expectativas, sino que las supera. Un cúmulo de matices que enamoran y una realización sublime que la colocan como principal candidata a todo en los Oscar mientras entra en la historia de los Globos de Oro. Sentid la música, los sueños y las metas, la confrontación con el amor y la emotividad de un desenlace inmejorable. LA LA LAND es una película que habla de las apuestas personales, de la vida, y que derrocha romanticismo por todos lados. No os perdáis esta maravillosa película de Damien Chazelle con Emma Stone, que brilla con luz propia junto a un Ryan Gosling que enamora. Y recordad, al salir del cine no olvidéis silbar y tararear una letra que comienza tal que así (os la dejo en enlace arriba, porque sé que no podéis evitar escucharla): "City of stars, are you shining just for me?". Qué grande es el cine.

Crítica: SILENCIO

El gran Martin Scorsese nos trae una historia que se centra en el Siglo XVII, cuando dos misioneros jesuitas viajan a Japón para encontrar a su maestro, del quien dice que ha cometido apostatía. Es un momento donde el cristianismo está siendo erradicado y castigado en todo el país. Una película muy personal y filosófica que encantará a la crítica pero que no logrará seducir al espectador. Esta semana hemos visto: SILENCIO.

La película ahonda en la fe de unos pocos cristianos japoneses, es lo que queda tras una gran revuelta campesina. Obligados a rechazar a su Dios pisando un fumie (una imagen de Cristo o la Virgen María), tiene la opción de apostatar y vivir con la vergüenza o no hacerlo y se encarcelados, torturados y posiblemente asesinados. El padre Ferreira (Liam Neeson) era el último sacerdote cristiano, de él comentan que ha apostatado también, aunque sus discípulos, Andrew Garfield y Adam Driver, deciden ir en su búsqueda, convirtiendo su viaje en una odisea llena de obstáculos.
Adam Driver y Andrew Garfield se consolidan como actores de futuro que saben elegir bien sus papelesSILENCIO es quizás la película más personal de Martin Scorsese, una obra filosófica, lenta y profunda que puede llegar a agotar al espectador. Su fotografía y planos son poderosos, pero por desgracia todo cae en saco roto tras dos horas y cuarenta minutos de duración. Es en ocasiones soporífera, pues tarda su tiempo en contarnos las cosas y se aleja de la potencia física de El lobo de Wall Street, y otras tantas obras suyas. Se plasma a la perfección la época, la arquitectura japonesa, el clima lluvioso y gris, la tristeza y la pobreza de los agricultores japoneses y la ferviente fe cristiana y budista de ambos bandos.
SILENCIO es una obra que se añadirá a las típicas películas religiosas que se muestran en pantalla durante semana santa, el fervor religioso, la odisea y el sufrimiento de dos jesuitas que luchan por mantener viva la llama del cristianismo en un país que se cerraba a lo occidental por completo. Sin embargo, la película toma posición a favor del cristianismo en el momento en el que a los japoneses se les da una imagen de asesinos inmisericordes, y quizás sea así, pero la profundidad de los personajes japoneses es nula en comparación de los dos jesuitas.
La belleza de cada plano no tiene discusión. Una película cuidada hasta el más mínimo detalleAndrew Garfield protagoniza con gran solvencia, como ya hizo en Hasta el último hombre, una película que se carga a los hombros, sabedor que es el último hombre en llevar el cristianismo a Japón. Repetiré que no me acaba de gustar el actor, pero está escogiendo bien sus papeles y no será la última vez que lo veamos haciendo una gran interpretación. Adam Driver, por su parte, se mantiene durante la primera parte, aunque su aparición es de comparsa de Garfield, más alejado del protagonismo que tuvo como Kylo Ren o la poética Paterson. Todavía menos se le ve a Liam Neeson, eje central de la trama que sugiere que ha cometido apostatía y ahora trabaja para el gobierno en materia de anticristianismo. Los tres son grandes actores y están a la altura, pero es Andrew Garfield quien lleva el peso, incluso narra la historia.
Por desgracia, no es la mejor película de Scorsese, pero sí la más personal. Llevaba 30 años en mente y se nota el cuidado y el mimo en cada plano. Tiene algunas escenas fuertes e impactantes y logra trasmitir el tipo de vida que se llevaba en la época. Los actores japoneses también brillan, sobre todo el inquisidor, pero es necesario decir que no es la película que la gente espera que haga alguien como Scorsese, acostumbrado a que nos golpee de otra manera. En todo caso, tampoco es un borrón, ni mucho menos, sino una película hecha para una minoría que sin duda la disfrutará y elogiará. Como ya he dicho antes, técnicamente es brillante y la crítica la alabará como tal, pero en taquilla las cosas irán por otros derroteros.
El sufrimiento de los cristianos en un Japón que los erradicaba sin piedad. O apostatabas o estabas muertoEn definitiva, SILENCIO no gustará a la gran mayoría de espectadores, tiene una duración excesiva y es tediosa. Por el contrario, tiene una fotografía maravillosa, recrea el japón del Siglo XVII con brillantez y algunas escenas son realmente duras, convirtiéndose en una obligatoria para todos aquellos a los que les gusten las películas religiosas en el que los protagonistas sufren una larga odisea de dolor y sufrimiento para transmitir sus ideas. Avisados estáis.

Crítica: TRAIN TO BUSAN

Hoy os traigo una joya coreana, la mejor película de zombis que se ha visto desde hace muchos años. Así, sin más. Y es que la infección zombi asola todo el país y llega hasta un tren en el que un padre y una hija viajan y tendrán que lidiar con hordas de infectados para sobrevivir. Fans del género, no dudéis en ir a verla. Esta semana hemos visto: TRAIN TO BUSAN.

La película de Yeon Sang-ho se alzó con el premio a mejor director y efectos especiales en el Festival de Sitges, y gracias a eso se ha seleccionado junto con otros cuatro filmes, por lo que los fans del género de terror están de enhorabuena. Y más, si cabe, cuado estamos ante la mejor película de zombis del momento, pasándole la mano por la cara a Guerra Mundial Z y demás, en un desparrame de acción y conceptos originales, además de unos personajes que crean empatía y el interesante lugar en el que ocurre la acción: un tren.

Cuando estalla la infección el apocalipsis comienza y faltan piernas para correrTRAIN TO BUSAN se centra en la relación paterno filial que ha de llevarles hasta la madre de la niña en un viaje de más de 400km en tren. Mientras eso sucede, se inicia la catástrofe que hará que miles de personas se conviertan en unos zombis de creación rápida, tanto que al poco de ser mordidos se convierten en una especie de Usain Bolt zombi con una agilidad y fuerza sin igual, algo que hace el filme  todavía más espectacular. La potencia de las imágenes y la fotografía nos muestra el terror, la tensión y unas escenas de acción bien llevadas. Hay sangre, lógicamente, excesiva como en toda buena película de zombis, pero en ningún caso está fuera de lugar. En un primer momento del filme se nos da tiempo a conocer a los personajes protagonistas, entre ellos a un padre y a una hija con una relación complicada, pues el padre es más bien frío y distante, absorbido por el trabajo, mientras la niña prefiere irse a vivir con la madre en Busan.
Es su cumpleaños y el padre, dispuesto a aceptar su deseo, la va a llevar a ver a su madre a Busan, viaje que se verá alterado por el cataclismo que, todo hay que decirlo, no se sabe bien debido a qué es provocado, una de las muchas licencias inexplicables, o como mínimo que se deja en el aire, de ROAD TO BUSAN. Y es que el comportamiento y actitud de algunos personajes es algo cuestionable en algunos momentos, pero no vamos a entrar a valorar eso en una película de zombis donde prima la acción, a pesar de que hay momentos para todo y con carga emotiva, sobre todo en su parte final. Al padre y a la hija se le une un equipo de béisbol, un par de hermanas cincuentonas, un matrimonio cuya mujer está embarazada y él parece un yakuza, y un odioso hombre que se llevará las iras del espectador.

Las escenas de acción son espectaculares, trepidantes y sangrientasCada uno con sus motivaciones y personalidad, se verán envueltos en una escabechina sin igual en un tren en el que no existen muchos lugares para esconderse ni lidiar con tal turba sedienta de sangre. Si además le añadimos que los infectados son más rápidos que el hijo del rayo, tenemos todos los ingredientes para disfrutar, y de qué manera, una película que es honesta en todas sus facetas. ROAD TO BUSAN no quiere innovar, sino contar lo de siempre, aunque llevada a cabo de una manera más que solvente, espectacular en la acción y en su puesta en escena. La tensión se palpa, el apocalipis ha estallado y sus personajes harán cualquier cosa para salvar al resto, o al menos salvar sus propios culos.
TRAIN TO BUSAN nos ofrece momentos memorables que no voy a describir, pero en las escenas donde la acción, los zombis y las escabechinas aparecen es donde mejor funciona el filme, donde más velocidad y angustia aparece. Las escenas violentas han sido brillantemente coreografiadas y planificadas, los efectos especiales fantásticos y la caracterización de los zombis está muy bien llevada; se acabó esquivar a caminantes, ahora toca lidiar con infectados que corren y muerden como si no hubiera un mañana. A todo esto, a los protagonistas, intérpretes coreanos, se les dota de cierto carisma, sobre todo a la relación paterno-filial y al yakuza, quien parece un superhombre que no duda en proteger a su mujer embarazada de todo lo que aparezca por medio.

La fotografía es más que acertada y muestra el horror y la tensión en todas su formasEn definitiva, ROAD TO BUSAN es una historia de zombis, la mejor desde hace mucho, un filme que narra la supervivencia y el alma humana, a veces podrida y carente de bondad, quizás uno de los aspectos más reseñables. Un espectáculo trepidante y lleno de acción que da a los fans lo que llevamos pidiendo desde hacía mucho tiempo. Ni se os ocurra perdérosla.