Félix A. Bas's Blog, page 105

Crítica: JOHN WICK: PACTO DE SANGRE

Tenemos ante nosotros una de las mejores películas de acción del año, un derroche brutal de adrenalina que no dejará a nadie indiferente. Un Keanu Reeves revitalizado al que no le hace falta hablar mucho para encarnar a un asesino que se enfrenta a todo lo que haga falta para obtener su libertad. Esta semana hemos visto: JOHN WICK: PACTO DE SANGRE. Sin haber visto la primera entrega, y doy fe, es posible entender sin problema esta segunda parte. John Wick (Keanu Reeves) forma parte de una agencia de asesinos internacionales con unas reglas propias muy claras. Sin embargo, el juramento que hizo le obliga a emprender una misión en Roma que hará que todo el mundo quiera acabar con él. Una premisa sencilla que, sin embargo, nos lleva a un tour de acción brutal, llena de coreografías interesantes y visceralidad en estado puro que hará las delicias del espectador amante del cine de acción. Además, Keanu Reeves lo da todo y el papel le va como anillo al dedo.
En JOHN WICK: PACTO DE SANGRE las escenas son explícitas, brutales y tan reales como la vida misma, de manera que los estómagos sensibles deberían mantenerse alejados de esta película. Una carrera sin frenos que lleva a Keanu Reeves hasta el límite y al espectador a aferrarse a sus palomitas. Visualmente nos lleva a emplazamientos tan interesantes como Roma, con todo lo que tiene esta ciudad para impactarnos y deleitarnos con sus bellos planos. Encontramos también un estilo muy definido y elegante, estilizado y lleno de clase, muy al estilo James Bond pero con una mayor explicitez. Además, también se opta por obtener planos continuos y no marearnos con la cámara en las escenas de acción, lo que consigue un mayor realismo y visceralidad, pues el espectador no se pierde absolutamente nada. John Wick emprende una misión que no desea realizar y que traerá consecuenciasSu director, Chad Stahelski nos regala escenas impagables, como la de Keanu Reeves con Common por los pasillos de la estación de tren disparándose mientras los viajeros caminan sin percatarse de ello. Un humor que, aunque utilizado en pequeñas dosis, encaja a la perfección con Keanu Reeves, al que tras su Neo de Matrix le faltaba fuelle en todos sus papeles. Eso ha sido hasta conocer a John Wick, pues tendremos películas sobre él pronto, pues el desenlace es abierto y está preparado para que sigamos disfrutando de sus aventuras y misiones suicidas. 
John Wick contará con el gran arsenal de su asociación, trajes antibala a medida y un hotel en el que no es posible matar según las reglas, lo que también nos lleva a alguna que otra escena interesante, también con Common por medio. Quizás la mayor pega es carecer de un enemigo más importante, pues la conclusión se queda en un menor impacto tras todo lo visto anteriormente hasta llegar ahí. En todo caso JOHN  WICK: PACTO DE SANGRE supone un divertimento en estado puro, un viaje hacia la visceralidad y la acción en estado puro, sin medias tintas ni censuras. Acción a raudales y escenas con sangre y realismo absoluto. No tiene desperdicioEn definitiva, JOHN WICK: PACTO DE SANGRE es la mejor película de acción que podréis ver en lo que va de año, sin dudarlo. Os lo pasaréis de lujo con Keanu Reeves, y las grandes y apabullantes coreografías de sus escenas de acción. Estamos deseando que regrese a la gran pantalla su continuación. No es solo una película más del género, así que ni se os ocurra perdérosla.

Crítica: FAST & FURIOUS 8

La octava película llega con más velocidad y furia que nunca, pero se la acaba de pegando como todas. Sin frenos y con una sensación de estancamiento permanente, mejor acudir al cine con la mente en blanco si se quiere disfrutar de artificio, tipos duros y traiciones que no engañan a nadie. Ah, y también salen coches. Esta semana hemos visto: FAST & FURIOUS 8. No me voy a detener mucho con esto, así que lo haré como reza la película. Porque si algo quiere el espectador una vez está viendo la película, es que acabe cuanto más rápido mejor. Así que saldremos de ahí tan rápidos y furiosos como Dom al volante de cualquier cosa que lleve cuatro ruedas y pueda derrapar. Mientras está de luna de miel con una mujer que solo sabe poner cara de asco (Michelle Rodriguez) se encuentra con Cipher (Charlize Theron), que le ofrece un trabajo que no podrá negarse a hacer. Eso le llevará a traicionar a su familia, y ahí acaba el guión. Jason Statham y The Rock, los únicos que se salvan y brindan escenas de acción de cierto interésMientras eso sucede nos encontramos también con Dwayne Johnson y toda la tropa de flipados que forman la familia. El caso es que cuando aparece Jason Statham en pantalla se lo come a todos con patatas y disfrutamos de los mejores momentos de la película, mezclando comedia y acción y demostrando que es uno de los grandes. El resto se preocupa solo de mostrar músculos, chascarrillos que dan vergüenza ajena y demostrar que cualquier excusa es buena para utilizar un cochazo para las estúpidas misiones que se les asigna. La incorporación de Charlize Theron al elenco no hace más que afirmar aquello de que más es menos, pues ni aporta carisma suficiente y lo único que intuyo es que el talón era suculento, aunque ni ella sabe qué hace en la película.
FAST & FURIOUS 8 es una película de acción desproporcionada, llena de artificios y sin ton ni son. Vaciad vuestros cerebros, si podéis, y no penséis si queréis pasarlo medianamente bien. De lo contrario asistiréis a un derroche de excesos a raudales, conversaciones estúpidas, alianzas patéticas y graciosos de turno (Tyrence Gibson) que no hacen gracia ninguna. Sin embargo, lo mejor son las escenas de acción en la que interviene los coches, sobre todo una primera carrera que supone un buen comienzo al filme. También asistiremos a la cosificación de la mujer como reclamo para las carreras, algo que gustará mucho a las feministas. El equipo comienza a ser excesivo. Una purga no le iría nada malEn definitiva, un guión escaso y falto de ideas que hacen de FAST & FURIOUS 8 una película de acción más, una mera excusa para seguir haciendo caja y aburrir a sus fans con más de lo mismo. Jason Statham y The Rock se salvan, pero el resto ni están ni se les espera. Plagado de chascarrillos y topicazos, conversaciones de tipos duros que dan grima y un sinfín de fuegos artificiales en más de dos horas que no pasan demasiado rápido. Vosotros decidís, pero sabéis a lo que vais.

Crítica: NEGACIÓN

Hay cosas que son tan ciertas como evidentes, y una de ellas es que el Holocausto Nazi existió. Pero no fue hasta hace dos décadas cuando se confirmó. Dirigida por Mick Jackson y protagonizada por Rachel Weisz, Tom Wilkinson y Timothy Spall, estos últimos en un gran duelo interpretativo, este drama judicial no será para todos los públicos, pero sí para aquellos interesados en las historias reales. Esta semana hemos visto: NEGACIÓN. No podemos negar que este tipo de filmes suelen ser farragosos y con poco ritmo, algo de lo que también peca la película de Mick Jackson. Sin embargo, se sustenta en grandes interpretaciones, comenzando por una Deborah Lipstadt (Rachel Weisz) que es demandada por David Irving (Timothy Spall), un historiador que, al parecer, hace que sus trabajos se encaminen hacia la negación de ese holocausto nazi. Una demanda que además pone en tela de juicio la libertad de expresión, enmascarada por los intereses del historiador nazi. Deborah Lipstadt tuvo que defender algo tan evidente como el Holocausto nazi existióNEGACIÓN narra la estrategia de la defensa de la escritora Deborah Lipstadt, con un bufete encabezado por el abogado de Lady Di (Andrew Scott) y con el abogado que la defiende (Tom Wilkinson). Un filme que, sin embargo, carece de garra precisamente en momentos en los que más la necesita, aunque esa lección de historia que nos aporta es muy interesante. Sin embargo, la mano tras las cámaras de Mick Jackson es lineal y predecible, no se sale de tiesto y se dedica a hacer lo que tantas otros drama judiciales hacen. Es solvente, pero sin fuerza y demasiado lenta para el público general.
Pero las interpretaciones de la pasional Rachel Weisz, y sobre todo del duelo entre Tom Wilkinson y Timothy Spall son lo que levantan a NEGACIÓN, una película que sin ellas quizás habría caído en la serie B. Ambos actores defienden sus causas con pasión e interpretan al deslenguado historiador y al abogado dedicado con mucha solvencia. Sin embargo, la película navega siempre con lentitud, tratando de rendir homenaje y tributo a las víctimas del holocausto con sobriedad en un estilo muy convencional. Tom Wilkinson y Timothy Spall tienen un gran duelo interpretativo, de lo mejor del filmeEn definitiva, NEGACIÓN es una película que disfrutarán los apasionados de la historia, cuenta la visión de un historiador capaz de defender sus creencias hasta el final, alegando que Hitler fue el mayor unificador de Europa, hasta la visión de que el Holocausto nazi existió y acabó con millones de personas en los campos de concentración. No apta para todos los públicos pero bien interpretada.

Crítica: YOUR NAME

Corren buenos tiempos para la animación japonesa en la gran pantalla y llega a España el anime más taquillero de la historia. El maestro Makoto Shinkai nos trae una obra en la que chico y chica intercambian los cuerpos mientras sueñan, creando un vínculo entre ellos que nada podrá romper, ni siquiera las catástrofes. Una película que abre camino al anime en la gran pantalla. Esta semana hemos visto: YOUR NAME.Kimi no na wa (Your Name) ha destronado a El viaje de Chihiro, y eso son palabras mayores. Taki y Mitsuha son su protagonistas; un chaval que vive en Tokio y una chica tradicional de un pequeñísimo pueblo de las montañas. Tradición versus modernidad se dan la mano en una historia visualmente preciosista y muy real, quedando en ocasiones anonadado frente a la gran pantalla viendo los cambios de luz y la recreación de la belleza de ambos mundos. Una primera parte que comienza con mucho sentido del humor, quizás lo mejor del filme, cuando ambos intercambian cuerpos algunos días a la semana, haciendo que todo a su alrededor sea una experiencia nueva, y más si cabe al cambiar incluso de género, como Taki podrá comprobar una vez tras otra. La tradición frente al modernismo, la recreación de dos mundos distintos y muy realistasYOUR NAME es la obra de Makoto Shinkai, una historia de fantasía que gustará a todo el mundo, aunque, como siempre en la animación, no contará con todo el respeto que merece por parte del gran público. Un público que, por otra parte, es capaz de perderse grandes obras como Del Revés o Kubo y las dos cuerdas mágicas al subestimar y restarle seriedad al poder de la animación. Por suerte, ser la película más taquillera de la historia del anime juega a su favor, por lo que muchos hemos podido disfrutar de ella en la gran pantalla. Y desde luego no defrauda, aunque en sus últimos compases quizás peca de alargarse.
La trama provoca que el espectador se interece y empatice con sus protagonistas y las graciosas consecuencias que lleva intercambiar cuerpos. Una historia llena de sensibilidad y que a partir de la mitad se convierte en una búsqueda, un quiero y no puedo por bellísimos parajes y rebosante de tradición y buen gusto. Una segunda parte que se llena de emoción y sentimiento, dejando aparte el sentido del humor para convertirse en una bonita historia de amor. Hay que remarcar de nuevo el gran trabajo visual de YOUR NAME, la recreación de Tokio y del pueblo de Mitsuha es espectacular, de los que te dejan con la boca abierta.El cometa es el elemento vital e imprescindible de la trama entre Taki y MitsuhaEn definitiva, YOUR NAME es una muy buena película que entra en la historia del cine, un filme que trata de amor y fantasía con un gran sentido del humor y llena de emoción en su parte más avanzada. Hace que el espectador se quede embobado en su butaca y lo lleve hacia una conclusión que quizás se alargue en exceso, pero que es bonita y satisfactoria. Una pequeña joya que debéis disfrutar sin falta, no os la perdáis.

Crítica: UN GOLPE CON ESTILO

Con Morgan Freeman, Michael Caine y Alan Arkin en el reparto es casi imposible dejar pasar esta película. Sin embargo, su mezcla de género entre crítica social y atracos a bancos se queda a medio camino y acaba convirtiéndose en una simpática película que no tardaremos en olvidar, y gracias. Esta semana hemos visto: UN GOLPE CON ESTILO. Es una pena que con un reparto de tal envergadura se deje pasar una gran oportunidad. Así ha pasado con la película de Zach Braff, que parece haber pensado que con esos tres en el cartel ya era suficiente como para pensar en un guión interesante o unos personajes carismáticos. Por suerte son ellos quien salvan la película, si es que puede decirse así, pero con la sensación de que se dejan ir, por lo típico y amable que resulta todo. UN GOLPE CON ESTILO habla de la vejez, de lo injusto del sistema económico y de tomar cartas en el asunto. Un poco lo que es Comanchería, pero en plan comedia. Ni los jubilados se salvan de la crisis económica. Habrá que robar un bancoY en ese género es donde se desenvuelve mejor, si bien hay veces que no sabe exactamente dónde posicionarse. UN GOLPE CON ESTILO tiene precisamente eso, algún que otro golpe bien dado y situaciones hilarantes por doquier, por lo que consigue su propósito, que es entretener, divertir y convertirse en una película olvidable tres días después. Un guión escaso, quizás alargada y sobreexplicada, pero con un reparto de lujo que se divierte y nos da una visión optimista de la vejez.
UN GOLPE CON ESTILO cae en los convencionalismos típicos de comedias familiares, como un tono demasiado amable y un final feliz y azucarado, como tantas otras veces hemos visto. No se queda tanto en la crítica social y opta por una visión enternecedora de unos protagonistas que hacen solos la taquilla del filme. Porque es gracias a ellos y a su carisma, y no al de sus personajes, por lo que la gente acudirá a la película. Morgan Freeman, Michael Caine y Alan Arkin están bien acompañados, como por ejemplo de Christopher Lloyd (Regreso al Futuro) o Matt Dillon. Hay que preparar la coartada, primera regla de los atracos a bancosEn definitiva, UN GOLPE CON ESTILO es una película entretenida, de esas para pasar una buena tarde, divertida y con unos personajes más tiernos que carismáticos. La crisis económica y el empuje de unos jubilados hará que el robo a un banco se convierta en excusa suficiente como para hacernos pasar un buen rato. Lo mejor son los actores, pero también están desaprovechados. Vosotros decidís.

Crítica: ÓRBITA 9

Seguimos con la ciencia ficción, esta vez con la aportación española al género, con Clara Lago y Álex Rodríguez en una especie de Blade Runner, con un abismo de distancia obviamente, previsible y que debería haberse ahorrado el tráiler para sorprender al espectador. Una misión de supervivencia que forma parte de un ensayo científico hará que Helena, encerrada en la nave desde que nació, conozca a Álex y su historia de amor precipite la realidad. Esta semana hemos visto: ÓRBITA 9. Es plausible que el cine español comience a aventurarse en géneros a los que no tiene por costumbre visitar, aun a pesar de que ÓRBITA 9 suponga una cinta previsible y desorientadora para el público, y no precisamente por su guión, que es predecible hasta decir basta, sino porque pretende aunar tantos elementos que se queda corto en todo. El guión nos mete en la vida de Helena (Clara Lago), única tripulante de una nave espacial que, al parecer, se dirige a un planeta nuevo que ha de ser colonizado. A la Tierra le queda poco de vida y la especie humana está en peligro de extinción. Pero en la solitaria vida de Helena entrará un ingeniero, que debe reparar un error técnico en la nave y que acabaran por enamorarse. Este le revelará toda la verdad sobre su situación y el resto ya os lo podéis imaginar.
Es una pena que los tráilers puedan destrozarte películas. Ya pasa con la mayoría de ellos, a veces tres y hasta cinco minutos que acaban por destrozarte la experiencia. En ÓRBITA 9 todo es mucho más acusado, puesto que por culpa del tráiler pierde toda la pegada que podría tener. A veces menos es más. Hatem Khraiche Ruiz-Zorrilla estrena su ópera prima con una mezcla de ciencia-ficción e historia de amor que, por desgracia, acaba siendo la protagonista indiscutible del metraje, optando por ella en vez de por el impacto social de una humanidad en extinción. Es una película que va de más a menos y cuyo giro de guión se ve destrozado por el propio tráiler, así que es más que recomendable no verlo para que podáis disfrutar de la película como es debido.
La cobaya humana se dará cuenta de que su vida no es tal y como pensabaClara Lago y Álex González están solventes aunque no es que creen demasiada empatía. Quizás algo más con una Helena solitaria que ve cómo todo su mundo cambia drásticamente que con un científico como Álex, que de la noche a la mañana se despierta y decide salvar a la cobaya humana de su prisión espacial. En todo caso, la historia de ÓRBITA 9 acaba siendo una historia de amor más, por lo que la primera parte, más de ciencia-ficción pierde todo el fuelle y la capacidad para sorprender. Quizás habría que haber ahondado en la personalida del personaje de Andrés Parra, el verdadero creador del proyecto, o incluso en el de Belén Rueda, simple testimonio que no aporta nada al conjunto.
Si hay algo plausible en la película, es sin duda las localizaciones y ese intento por darle a la humanidad ese cáliz oscuro tan propio de Blade Runner. Se nota el bajo presupuesto, pero se apuesta por dar una estética oriental al apocalipsis, algo que desentona sabiendo que la acción se sitúa en sudamérica y que, además, la mayoría de protagonistas hablan español. Quizás una mezcla demasiada desorientadora, pero aun así bien arriesgada. Lo más importante del filme es darnos cuenta que la cantera de directores de España está creciendo con ideas interesantes y demuestran su gran arrojo llevando a la gran pantalla propuestas de calidad. La estética es muy Blade Runner, apostando por la oscuridad y los toques orientalesEn definitiva, la ópera prima de Hatem Khraiche Ruiz-Zorrilla es una película bien llevada que acaba apostando por una historia de amor más que en las consecuencias sociales de un experimento con humanos desde su nacimiento, una idea que podría haberse explotado mejor. En cualquier caso, es una apuesta arriesgada que, espero, haga que nos demos cuenta del potencial de los realizadores españoles y los apoyemos. Ni se os ocurra ver el tráiler.

Crítica: LIFE (VIDA)

La ciencia ficción aterriza en la cartelera con fuerza este mes y la película que os presento recuerda a, cómo no, Alien. Miembros de la Estación Espacial Internacional dan evidencia de la primera forma de vida en Marte, pero pronto se darán cuenta de que esa forma de vida tiene más fuerza e inteligencia de lo que preveían. Esta semana hemos visto: LIFE (VIDA). Partiendo de la base de que es un sucedáneo de Alien, salvando todas las distancias, LIFE (VIDA) sabe estar a la altura de las expectativas aunque lógicamente queda por debajo de la de Ridley Scott. Aun así, es un gran entretenimiento, bien rodado y con buenos efectos especiales. Es curioso que en los últimos tiempos, y gracias a la tecnología, podemos disfrutar de grandes películas en el espacio. Abrió la veda Gravity y le siguieron las grandes Interstellar y Marte (The Martian) y también la previsible Passengers. La película dirigida por el chileno Daniel Espinosa parte del descubrimiento de una forma de vida que se les va de las manos a la tripulación, ofreciendo un buen espectáculo para amantes de Alien, a la espera de su nueva entrega. Jake Gyllenhaal, como el resto del reparto, está desaprovechado por carecer de fondo con el que empatizarComo imaginaréis, el guión no es lo más plausible de la cinta, pues es evidente tan solo viendo el tráiler que va a morir hasta el apuntador en una catástrofe que puede afectar incluso a la Tierra. La misión de la tripulación, por tanto, será la de evitar que Calvin, así es como llaman al extraterrestre, salga de la Estación Espacial Internacional y ponga en peligro la vida humana. Una tripulación con actores de nivel, como el caso de Jake Gyllenhaal, lejos de su mejor interpretación, y no porque no quiera el talentoso actor, sino porque la película no da para más, Ryan Reynolds (más conocido como Deadpool, y cómo se nota que ha pegado fuerte) y Rebecca Ferguson, entre otros.
Un reparto que carece de carisma y está muy desaprovechado por no haberles creado un trasfondo más interesante. No nos crea empatía, por lo que no sufrimos por lo que les pasa a los astronautas porque, además, sabemos que van a palmar. Lo más interesante es hacer conjeturas sobre el orden, o incluso si alguno llegará a salvarse. Esa previsibilidad y poco contexto en los personajes hace que LIFE (VIDA) pierda fuelle, y más si le añadimos que el espectador se espera en todo momento cómo va a acabar la cosa. De todas formas, cuenta con un buen final, de esos que te de remueven un poco en la butaca y que al menos hace pensar que ha valido la pena el viaje espacial en el cine. Calvin les hará la vida imposible, siendo los efectos especiales uno de los reclamos de la cintaLIFE (VIDA) no desea ofrecer nada nuevo y, como veréis, no innova en ningún aspecto. El diseño de Calvin es acertado y las situaciones de acción están bien conseguidas y se ciñen a la realidad de la Estación Espacial Internacional. No podemos pedirle más a una película que sigue la estela de Alien y es casi un homenaje a ese tipo de cintas, que casi podría decirse que han creado un subgénero propio. En todo caso, es una cinta decente de ciencia ficción que no defraudará siempre y cuando vuestras expectativas sean las de entreteneros y pasar un buen rato en el espacio.

Crítica: INCIERTA GLORIA

Basada en la novela de Joan Sales, con el mismo título, nos llega una de las mejores películas españolas del año. Con la Guerra Civil de fondo, y con los protagonistas atrapados en el frente aragonés, descubriremos las intrigas de un pueblo y del amor a cuatro bandas. Agustí Villaronga nos presenta una época de nuestra historia. Esta semana hemos visto: INCIERTA GLORIA. Franco ya tiene Madrid y es cuestión de tiempo que todo acabe, pero en el frente de Aragón todavía se asienta el otro bando, donde llega un joven oficial para entrenar a las tropas (Marcel Borràs). Este deja en Barcelona a su hijo y mujer (Bruna Cusí) y se reencuentra con su mejor amigo (Oriol Pla). Pero el pueblo lo controla desde su castillo una mujer, una viuda llamada Carlana (Núria Prims), sin duda protagonista principal de INCIERTA GLORIA. Ella es una araña que teje su tela alrededor de todo lo que se mueve y lo controla a su antojo. De ella  quedará prendado el joven oficial, poniendo en peligro la relación con su mujer y su mejor amigo. Carlana es uno de los personajes más interesantes del cine español de los últimos años. Su mirada lo dice todoPorque es un amor a cuatro bandas que se irá descubriendo a medida que INCIERTA GLORIA avance, atrapando al espectador en ese pueblo donde dominan los claroscuros y ambos bandos son capaces de convivir casi puerta con puerta. En medio de todo eso, de nuevo, encontramos a Carlana, la señora del pueblo que hace negocios con ambos bandos y atrapa en sus redes al joven oficial. La interpretación de Núria Prims es potente y poderosa, una mirada que habla por sí misma y que nos ofrece un par de escenas que quitan el hipo, ambas hacia el final del filme. Desde ya es firme candidata al Goya, donde la película de Agustí Villaronga, que ya dejó buen sabor de boca con Pa negre, ha de tener presencia sí o sí.
INCIERTA GLORIA cuenta con un reparto de lujo en cuanto a secundarios, pues la aportación de Terele Pávez, Fernando Esteso, Luisa Gavasa y, sobre todo, Juan Diego, consigue dar más potencia al filme, si cabe. Sobre todo este último como padre de Carlana, donde descubriremos hasta dónde es capaz de llegar la terrateniente. Además, hay que sumarle la brillante interpretación de Oriol Pla, el mejor amigo del oficial, y la consistencia de Marcel Borràs y Bruna Cusí, pese a que sus personajes están más desdibujados. Todos ellos logran ser creíbles y ayudan a que el espectador se inmerse más en la película, que te lleva de la mano de principio hasta el final. [image error] El joven oficial y su esposa verán cómo se pone a prueba la fragilidad del amor durante su estanciaLa ambientación de INCIERTA GLORIA es un gran acierto, nos mete de lleno en la película y nos hace sentir que realmente estamos viendo un acontecimiento historico. La recreación de la situación de los pueblos de aquella época, la pobreza y la oscuridad que amenazaba a sus habitantes y el dominio del poderoso por encima del resto. La película de Agustí Villaronga, pese a que relate la Guerra Civil, no es un filme que se decida entre uno u otro bando, se dedica a contar lo que sucede con sus protagonistas y no juzga, sino que se dedica a contar un acontecimiento que fue terrible para ambos bandos, cuyos miembros lo único que desean ya es que finalice cuanto antes.
El punto más débil de INCERTA GLÒRIA es su precipitado final, carece de la fuerza y potencia de los primeros compases, donde se opta por fortalecer la relación entre el joven oficial (Marcel Borràs) con su mujer (Núria Cusí) a través de su hijo. Un amor que se ve enturbiado por la casi obsesión que despierta Carlana en el joven y que logra despertar los recelos de su mujer, a la que invitan en el frente de Aragón para celebrar la Navidad. En el otro lado está su mejor amigo, una interpretación brillante de Oriol Pla que consigue aportar un gran carisma a ese soldado que navega entre dos aguas y es pura pasión. Si hay que quedarse con algo de la película de Villaronga, es sin duda con la construcción de sus personajes y cómo ambienta la pobreza de unas casas tristes, vacías y desconchadas. Así era la época de la Guerra Civil. Oriol Pla, a la izquierda, construye un gran personaje, una sorpresa que no pasará desapercibidaEn definitiva, INCIERTA GLORIA es la mejor película española en lo que va de año y candidata a todo en los Goya; aunque todavía es muy pronto, seguro que tiene su hueco. Relata las miserias de una guerra, la pobreza y el modo de vida de la época. Cuenta con la poderosa interpretación de Núria Prims como Carlana, un personaje ya inolvidable, y la no menos sorprendente actuación de Oriol Pla. Una ambientación histórica recreada a la perfección por un Agustí Villaronga que se convierte desde ya en maestro del relato histórico español. No os lo penséis más y dadle la oportunidad que merece, no os arrepentiréis.

Crítica: MAÑANA EMPIEZA TODO

Si la llegada de un bebé a la vida de una persona supone un cambio drástico, a la par que dramático, imaginad que este llega por sorpresa, con la madre a la fuga y vuestra vida llena de irresponsabilidades. Hugo Gélin nos trae un amabilísimo y azucarado melodrama con Omar Sy como protagonista. El que sea de emocionarse con facilidad que lleve clínex. Esta semana hemos visto: MAÑANA EMPIEZA TODO. El personaje de Omar Sy, cuya carrerá despegó con la inolvidable Intocable, está llena de estereotipos, como la mayoría de sus papeles. En MAÑANA EMPIEZA TODO es una persona que se deja llevar por el placer y la irresponsabilidad hasta que un buen día aparece la que dice ser la madre de su hija, que se la deja en brazos y sale huyendo en taxi. La vida del protagonista dará un giro radical hacia otro estereotipado ser bondadoso y alegre que se desvive por su hija y que, además, trabaja como especialista en una serie de televisión. Como véis, si la película la firmara Disney no nos habría extrañado, pues en un filme que a pesar de su drama implícito se encubre tras la amabilidad y la diversión de la pareja protagonista. El protagonista viaja a Londres y acaba quedándose. El productor de cine le dará trabajoOmar Sy y Gloria Colston, son los protagonistas de un filme que endulzado que en ningún momento nos creemos, y muchos menos en su parte final, donde todo se agiliza de manera surrealista. En diez minutos suceden una serie de acontecimientos muy forzados que buscan enternecer al espectador, y el caso es que con algunos lo consigue. Siempre hay quien pica, sino no tendrían tan buena acogida este tipo de películas. La película de Hugo Gélin ha buscado ser apta para grandes y pequeños y se ha quedado a medias, pues el drama se soslaya y los momentos de diversión son demasiado amables e irreales.
MAÑANA EMPIEZA TODO es un entretenimiento, sin más, basado en el carisma de su protagonista, Omar Sy y la compenetración con la pequeña Gloria Colston, que brilla gracias a su candidez. Podríamos compararla con filmes que han pasado por taquilla del estilo Lo que de verdad importa, eso supone seguir un guión predecible y echarle mucho azúcar cuando se fuerza el drama. De manera que si este tipo de películas amables os gusta, no hay duda de que la película dirigida por Hugo Gélin supondrá un buen entretenimiento sin querer ir más allá. [image error] Es un filme que se sustenta en la complicidad de Gloria Colston y Omary SyEn definitiva, MAÑANA EMPIEZA es un filme que busca emocionar, dependerá del tipo de espectador que lo logre o no, entretener y en último término divertir. Una segunda parte de filme donde todo avanza a trompicones acelerados y en el que el drama se oculta tras dosis de amabilidad en cantidades ingentes. Cuidado no os vaya a dar un subidón de azúcar.

Crítica: GHOST IN THE SHELL: EL ALMA DE LA MÁQUINA

The Major es una mezcla de cyborg y humana con un pasado turbulento y unas habilidades increíbles. Trabaja en operaciones especiales junto a la llamada sección 9, pero su vida cambiará al tener que lidiar con Hanka Robotic. Scarlett Johansson protagoniza una película que bebe del anime japonés y que supone una agradable sorpresa por la vertiente psicológica-existencial que mantiene. Esta semana hemos visto: GHOST IN THE SHELL: EL ALMA DE LA MÁQUINA. [image error] El cerebro de The Major (Scarlett Johansson) es humano, pero su cuerpo es sintético, cosa que le aporta unas habilidades increíbles y, además, le convierte en un ser casi invulnerable, siempre y cuando sepan regenerarle las partes dañadas. Según la doctora Ouelet (Juliette Binoche) es la primera en su especie y la que marca el camino para el resto de la humanidad. Entonces, ¿Major es una máquina o un ser humano? La película en anime original data del 95, y la actual película de Rupert Sanders se preocupa por tener un estilo impactante, futurista y muy adecuado al original, incluso hay escenas que se extraen directamente de ella. Pero, como es lógico, se ha optado por tomar decisiones que ayuden a que cualquier tipo de público se decida a verla. Dirección artística de aplauso, originalidad y espectacularidad a partes igualesSin duda es un acierto, pues se ha aligerado la cuestión filosófica y eliminado las referencias sexuales. Scarlett Johansson ayuda mucho a que la veamos como un cyborg con capacidad de libre albedrío. Pero, sin duda, lo que más impacta de GHOST IN THE SHELL es sin duda su poderío visual. Una dirección artística brillante en geishas y una ciudad cargada de neones, muy al estilo Blade Runner, que hará las delicias de los fants de la ciencia-ficción. Además, los combates son de una gran espectacularidad, como los efectos especiales y todo lo relativo a los tratamientos de regeneración sintética que nos recuerda mucho a la serie de HBO Westworld.
Rupert Sanders ha hecho una buena adaptación, con una carga filosófica menor que centra el guión en una persecución donde queda muy claro quién es el enemigo desde buen principio. A priori el guión no es su fuerte, pero GHOST IN THE SHELL es una película disfrutable de principio a fin. Cuenta, además de con Scarlett Johansson, con un reparto muy coral, con Juliette Binoche, Pilou Asbaek o Takeshi Kitano (lo más viejunos lo recordamos de Humor amarillo). Ante ellos Hanka Robotic, cuyo futuro depende directamente de cómo funcione la propia Major, pues es un trabajo suyo que marcará el futuro próximo en un mundo donde las evoluciones cibernéticas suponen actualizaciones importantes para el ser humano. Regeneración de texturas sintéticas. Un cyborg con cerebro humano y libre albedríoNo sabemos si supondrá una franquicia o qué, el caso es que no deja mal sabor de boca aún a pesar de contar con un guión endeble basado en la venganza de los robots contra sus creadores, o una búsqueda de los recuerdos perdidos por parte de la protagonista. Entre medio unos cuantos combates espectaculares, persecuciones y cuatro diálogos existenciales y ya tenemos un remake más o menos bien apañado. GHOST IN THE SHELL no sorprenderá en cuanto a su historia, pero sí demuestra que Rupert Sanders ha tenido mucho respeto por la obra de Shirow Masamune, quien admitió que la película había sido de su gusto.
La elección de Scarlett Johansson como Major había sido criticada porque, lógicamente, no era de rasgos orientales, pero teniendo en cuenta la pluralidad étnica de los actores en el film, no supone ningún problema. Al contrario, ella es el alma de la película en todo momento y nos hace creer que realmente es un cyborg-humano. Su gestualidad y sus facciones demuestran que se ha tomado muy en serio una película que puede acabar en franquicia con ella como protagonista, algo que sin duda son muy buenas noticias y que no me extrañaría que sucediera. Del espectador y la taquilla dependerá el resto. Scarlett Johansson es el alma de la máquina y de la película. Bravo por ellaEn definitiva, GHOST IN THE SHELL: EL ALMA DE LA MÁQUINA es una buena película de ciencia-ficción y una gran adaptación del anime, algo que pocas películas pueden decir. Visualmente es una delicia: disfrutaremos los planos aéreos de la ciudad de los neones, de las geishas robóticas, de Major y sus movimientos y de la espectacularidad de la acción. Su trama no es novedosa, ni mucho menos, pero supone un blockbuster interesante y que invita a la reflexión filosófica. Qué más queréis, no os la perdáis.