Félix A. Bas's Blog, page 103

Crítica: WONDER WOMAN

Hay que hablar de mujeres, y no solo para decir que esta película es la mejor del universo DC desde el Caballero Oscuro de Nolan, sino también para ver cómo ha sido una mujer, Patty Jenkins, la que ha levantado un universo que veía cómo Marvel se alejaba rápidamente. Una superheroína genuina, una mujer que no imita a ningún superhéroe, sino que se crea a sí misma y nos hace creer en lo que está por venir. Esta semana hemos visto: WONDER WOMAN.
Diana de Temiscira vive en la isla de las amazonas, en la Tierra aunque invisible para el resto de la humanidad. Es una princesa, y se entrena en secreto junto a su tía Antíope, ya que su madre, la reina Hippolyta (Robin Wright) se empeña en protegerla. Sin embargo, Diana (Gal Gadot) se convierte rápidamente en la más poderosa de las amazonas, en una introducción de personaje bastante bien orquestado y que en ningún momento se hace pesado. Todo transcurre con normalidad hasta la llegada del espía británico Steve Trevor (Chris Pine), quien ha robado un importante cuaderno de Poison (Elena Anaya), la química más importante de los nazis. Y ya imaginaréis que Diana se unirá a Steve para salvar el mundo y, de paso, conocer qué hay más allá de la isla.
Diana es inocente, bondadosa, seria y hasta torpe en algunas ocasiones, aunque instruida y poderosa, y también sexy, porque Gal Gadot, y hay que decirlo con mayúsculas, es la Wonder Woman que necesitaba DC. Fue lo mejor en Batman V Superman y su película acaba por confirmar lo que todos deseábamos: DC no está muerto, por mucho que la penosa El Escuadrón Suicida se empeñara. Así pues, Diana tomará partido en la Primer Guerra Mundial, salvará el culo de Chris Pine en bastantes ocasiones y repartirá mamporros a todo lo que se mueva mientras descubre sus poderes y se plantea si el mundo merece que ella tome parte en esto. El icono feminista del cómic vuelve a resurgir, actualizando el concepto de superheroína y haciendo que Wonder Woman vuelva a estar de moda, no solo en cine, sino en la industria textil y demás. Y esto se hace con esfuerzo, dedicación y confianza. Que las mujeres no interesan como heroínas ahora ya es inconcebible. Y menos mal. Porque ha sido la directora Patty Jenkins (Monster), la encargada de hacer que WONDER WOMAN haya recaudado ya más de 600 millones de dólares, y sí, llegará a la cifra mágica de los mil sin problemas. El mundo de los superhéroes, tan ligado a lo masculino, recibe un revés más que espero sea definitivo a la hora de llevar a la gran pantalla este tipo de superproducciones. DC ha hecho su trabajo, veremos qué tal le va a Marvel y a Brie Larson enfundada en el traje de Capitán Marvel. Y ya que hablamos de mujeres, por qué no hablar de Gal Gadot, criticada por su delgadez y el tamaño de sus senos (sí, porque en el cómic está más hipertrofiada y con curvas). Pues señores, las mujeres pueden tener o no tener curvas, pero lo que es indiscutible es que Gal Gadot es Wonder Woman y su nombre queda unido a la de la superheroína desde ya. Gal Gadot demuestra su buen hacer enfundada en un traje que, sí, es sexy, pero es más que fiel al cómic, y no precisamente deslumbra por eso, sino porque hace de Wonder Woman una mujer inteligente, atrevida, con carácter y decidida: un icono para las nuevas generaciones. Pero Wonder Woman, a pesar de darle buenas dosis de aire al universo DC, también tiene sus pegas, obviamente. Son las mismas que casi todas, y es un abuso de CGI, sobre todo al final, y también de escenas a cámara lenta que acaban siendo demasiado pesadas. Un gusto excesivo por los planos épicos, también a cámara lenta, hasta aburrir. También cuenta con un guión simple pero efectivo, con los nazis y la Primera Guerra Mundial de trasfondo, y el enemigo, que sigue siendo el talón de Aquiles de toda película del género, exceptuando al Joker de Heath Ledger y al Loki de Tom Hiddleston. Por lo demás, cuenta con una gran introducción, donde vemos a Robin Wright y a sus amazonas en impresionantes coreografías y espectaculares movimientos, sí, a cámara lenta, y con una Gal Gadot que es perfecta para el espectador. Después de esto nadie osará cuestionar a la israelí como Wonder Woman.
En definitiva, WONDER WOMAN es el encumbramiento de una de las superheroínas más famosas del universo DC, un icono feminista que se alza con poderío frente al concepto masculinizado de las películas de este estilo. No solo abre el camino para la mujer en estas superproducciones, y de paso encumbra a Patty Jenkins como directora, sino que muestra el buen camino a DC, que parecía tocada y hundida. Gal Gadot es una maravilla, que por eso es Wonder Woman, y el resto de secundarios hacen su papel, aunque hay que destacar a un buen Chris Pine. Con casi 1000 millones que va a recaudar es difícil que no vayáis a verla, pero aún lejos de ser la mejor película de superhéroes, es puro entretenimiento y diversión, con efectos especiales de lujo y un espectáculo visual con sus coreografías de combate. Qué os voy a decir más, id a verla.

Crítica: MAUDIE, EL COLOR DE LA VIDA

Hoy os traigo una joya que brilla con gran fuerza entre tanto blockbuster veraniego pero que, a buen seguro, os encantará tanto como a mí. Un biopic sobre Maud Dowley, una de las artistas más representativas de Canadá, que narra su vida y su curiosa historia de amor junto a Everett Lewis. Una película que no podréis olvidar y con unos Sally Hawkins y Ethan Hawke brillantes. Esta semana hemos visto: MAUDIE, EL COLOR DE LA VIDA. Maud Dowley (Sally Hawkins) vive confinada en Nueva Escocia, Canadá, bajo el amparo de una familia muy protectora, ya que tiene artritis reumatoide, una rara enfermedad que, sin embargo, no impide a Maud soñar con tener una vida normal, y mucho menos dejar de pintar unos cuadros que la llevaron a convertirse en una de las artistas más importantes del país. Y los comienzos no fueron fáciles, pero encontrarse con Everett Lewis, un vendedor de pescado malhumorado y explosivo que buscaba asistenta. Ella, ni corta ni perezosa, se plantó en su casa demandando el puesto, y lo que comenzó con una extraña relación laboral acabó siendo una historia de amor tan imperfecta como sus protagonistas. Tan real como la vida misma. MAUDIE, EL COLOR DE LA VIDA es un relato sincero sobre dos parias sociales, dirigida por la irlandesa Aisling Walsh con gran sensibilidad y sin forzar nada. Se sustenta en el gran trabajo de Ethan Hawke, uno de los mejores de su carrera, y de la brillantísima Sally Hawkins, que ya obtuvo su nominación al Oscar por Blue Jasmine. Una actriz que no da mucho que hablar, pero cuya calidad interpretativa es digna de elogio. Ella es Maud Dowley, una artista humilde hasta decir basta, enamorada de una persona como Everett Lewis, tan aleatorio y duro con ella desde el principio que nos parece imposible que fuera el amor de su vida. Ella lo cambia y el Everett acaba cediendo ante la bondadosa Maud, aún a pesar de llegar a vejarla públicamente. El amor en tiempos pasados era duro.
En MAUDIE, EL COLOR DE LA VIDA no se pretende dar giros de guión, ni siquiera forzar la lágrima, algo que también podria haber resultado, sino que se opta por decir las cosas como son: rodada desde una pequeña casa que evoluciona junto a las estaciones, en la que se pinta una pequeña flor y se acaba vendiendo cuadros hasta al mismísimo Nixon, convirtiendo a Maud Dowley en una de las figuras más representativas de la pintura en todo el mundo. Y es que a pesar de su dura vida, fue víctima de bullying en el colegio debido a su enfermedad, de ahí que la confinaran en casa, sus pinturas transmitían una alegría y felicidad que nunca perdió, a pesar de las dificultades. Y eso es algo que Sally Hawkins ha clavado en su interpretación sobre la artista. En definitiva, MAUDIE, EL COLOR DE LA VIDA es un relato de amor sobre una persona muy importante para el mundo artístico, rodada con muy buen gusto y con unas interpretaciones de nivel (veremos si Sally Hawkins llega a los Oscar, demasiado pronto nos llega). Si queréis conocer más sobre Maud Dowley y su vida podéis leer su biografía por internet o acudir al cine, algo que sin duda no hará más que acrecentar vuestra curiosidad sobre su peculiar estilo de vida en una casa de 3x4 metros hecha obra de arte. Mi consejo es que si os gusta el cine no podéis dejarla pasar. Ya me lo agradeceréis.

Crítica: SEÑOR, DAME PACIENCIA

La relación entre un padre y sus hijos es complicada, pero si estos aglutinan todos los clichés de una comedia típica española, como nacionalidad, condición sexual, social, etc, ya ni te cuento. En todo caso, se trata de una comedia alegre, con buen rollo y si no se llevan grandes pretensiones puede incluso hasta dar una sorpresa. Esta semana hemos visto: SEÑOR, DAME PACIENCIA. Álvaro Díaz Lorenzo nos trae una cinta que no aporta nada al género, sobre todo con las tan manidas ya apellidos vascos y catalanes. Sin embargo, Jordi Sánchez (Recio para los amigos) consigue sacar esa mala leche que tanto nos gust de su mítico personaje y se convierte en un facha estirado, cuya mujer es Rossy de Palma (que fallece pero sigue en el ajo). El pobre hombre, tan del madrid que es, tiene un yerno del Barça (David Guapo), su otro hijo es gay (Eduardo Casanova) y encima sale con un vasco negro, y su otra hija sale con un perroflauta (Salva Reina). Pues ya tenemos todos los elementos para sacar de quicio a un hombre que ha de lidiar con la muerte de su mujer y que, además, esta en su última voluntad desea que se vayan todos un fin de semana juntos para hacer familia.
SEÑOR, DAME PACIENCIA es una comedia muy manida, hay que ir a verla sin pretensiones, porque es demasiado amable y las partes sentimentales rechinan. Aún así, tiene gags divertidos, algunos, la mayoría con Jordi Sánchez, David Guapo y Salva Reina. El problema es que los chistes sobre todo esto ya los tenemos más que vistos, por lo que se echa en falta algo más de frescura y, por qué no decirlo, comenzar a hacer comedias interesantes que no se repitan más que el ajo. Quitando la labor de los mencionados, añadir a Rossy de Palma y poco más, puesto que el resto sigue los clichés del género y tampoco es que sean demasiado graciosos. Quizás Paco Tous se salva.
En definitiva, dosis de humor previsible, pero entretenida, demasiado azucarada quizás, pero optimista al fin y al cabo. Le sobran partes demasiado sensibleras y algunos personajes repetitivos, pero sobre todo que se dejen de hacer películas de este estilo, porque el tema de las nacionalidades, la sexualidad y demás ya está demasiado visto. Aún así, y tal y como está la cartelera ahora mismo, no es una mala opción siempre y cuando vayáis sin muchas expectativas. Estáis avisados.

Crítica: TESTIGO

Un hombre en paro y con problemas con el alcohol recibe una oferta de trabajo que consiste en transcribir escuchas telefónicas. Un trabajo sencillo que, sin embargo, llevarán al protagonista hacia un complot político con los servicios secretos de por medio. Una coproducción franco-belga con un ritmo pausado pero más que entretenida. Esta semana hemos visto: TESTIGO. La Mécanique de L'ombre es su título original. Dirigida por Thomas Kruithof y sustentada interpretativamente por un François Cluzet, que recordaréis por la gran Intocable (y cuyo parecido con Dustin Hoffman es increíble) cuyo personaje acaba de ser despedido, es alcohólico y está dispuesto a hacer cualquier cosa por mantener la mente ocupada. Contactarán con él, para un trabajo un tanto peculiar, pero en ningún momento imaginaría lo que iba a encontrarse. Un thriller político y de intriga que avanza con un ritmo pausado pero firme, con un personaje en constante evolución, que pasa de la ingenuidad inicial a tomar las riendas de su futuro tomando decisiones importantes. TESTIGO hace una crítica impotante al sistema. En este caso el francés, pero la corrupción, como ya sabréis, es algo que asola nuestro mundo, y tampoco se iban a salvar nuestros vecinos. La película de Thomas Kruithof nos lleva de la mano en todo momento, asistiendo con incredulidad, la misma que tiene el protagonista, a todo lo que sucede ante nuestros ojos. Un ir de mal en peor y un transcurrir entre dos aguas cuyo protagonista deberá sortear de la mejor manera posible, manteniendo la cabeza sobre el cuello. Y eso es tarea importante teniendo en cuenta que ha de lidiar con los servicios secretos franceses y con un sistema de lo más corrupto. En definitiva, y como toda buena película de intriga, TESTIGO se toma su tiempo para presentar al personaje y poder crear así empatía. Un hombre solitario, separado, alcohólico y casi desesperado por un puesto de trabajo. Una reinserción que parece ver la luz aceptando un trabajo que lo llevará a situaciones por las que jamás pensaría siquiera que existían. François Cluzet se desmarca de interpretaciones cómicas para ofrecernos a un Duval oscuro, circunspecto y superado por la situación. Supera con nota la prueba y nos hace disfrutar de un thriller político que hará que nos preguntemos muchas cosas sobre la clase de hilos que se mueven en la sociedad. No os la perdáis.

Crítica : CAPITÁN CALZONCILLOS, SU PRIMER PELICULÓN

Simpática y divertida película de animación de DreamWorks, utilizando un humor muy básico que nos recuerda a nuestra más tierna infancia. Ahí radica gran parte de su interés, pues el espectador más adulto se sentirá identificado con sus protagonistas y, además, sentirá la crítica al sistema y a sus métodos de enseñanza. Esta semana hemos visto: CAPITÁN CALZONCILLOS, SU PRIMER PELICULÓN. David Soren dirige una película que gustará a pequeños y convencerá a los mayores. Su humor es básico, pero es inevitable que ambos protagonistas nos lleven a nuestra infancia, donde inevitablemente teníamos un compañero con el que sabíamos entendernos y no hacía falta ni hablarse. Es el caso de Jorge y Berto, amigos que dibujan cómics y tienen un peculiar sentido del humor: basado en caca, culo, pedo, pis. Sin embargo, en su mundo de felicidad han de lidiar con un colegio aburrido y con su director, un hombre triste y solitario al que, sin querer y con hipnosis, convierten en su héroe de cómic: El Capitán Calzoncillos. Junto a él deberán derrotar al malo, un clon de Einstein a lomos de un inodoro que no hace sino que extirpar la parte del cerebro que provoca la risa, es decir, la infancia. Un guión básico con gags más o menos afortunados y unos personajes carismáticos que rompen la cuarta pared para hablar con el público y que, en resumen, nos caen simpáticos en cuanto los conocemos. Por supuesto, CAPITÁN CALZONCILLOS proviene de los libros, best-seller de Dav Pilkey que se ha llevado a la gran pantalla con buenos resultados. La animación es bonita, con algunos planos 2D y un look pop que llama la atención, mucho color y técnicas de animación interesantes que nos hacen muy ameno el rato. Tiene buenas dosis de humor y de imaginación que encandilará al público más pequeño y que contentará al adulto que los acompañe. La crítica al sistema educativo de antaño es feroz, algo con lo que muchos nos sentiremos identificados: el arte apenas existe y la memorización es lo predominante. Sin embargo, Jorge y Berto conseguirán con sus travesuras convertir ese espacio gris de tristeza en un mundo mejor. Gracias, sobre todo, a la ayuda del Capitán Calzoncillos, que no tiene tanto peso en la película como imaginaba, pero es un héroe que pone más empeño que resultados. Si tenéis pequeños con los que ir, no os aburriréis.

Reseña: MAÑANA AZUL

Se cierra una de las trilogías más brillante de los últimos años y lo hace por todo lo alto. Pierce Brown nos ofrece la tercera parte de la saga Amanecer Rojo (Red Rising), adrenalina pura y un sinfín de sorpresas aguardan a Darrow y a los suyos en su afán por derrocar la pirámide de la sociedad donde los dorados gobiernan sobre el resto de colores. Esta semana hemos leído: MAÑANA AZUL (Trilogía Amanecer Rojo).


Título: Mañana Azul
Autor: Pierce Brown
Editorial: Molino
Nº de páginas: 672
Fecha de publicación: 2017
ISBN: 978-84-272-1023-3




INFORMACIÓN
Sinopsis: Arriesgándolo todo para hundir la Sociedad dorada, Darrow ha sobrevivido a las despiadadas rivalidades entre los guerreros más poderosos. Ha logrado ascender y ha aguardado pacientemente el momento de desencadenar la revolución que acabará con la jerarquía desde dentro. Por fin ha llegado la hora...
TRAICIONADO POR SUS ALIADOS. ABANDONADO A LA OSCURIDAD.UNA VOZ SE ALZARÁ POR LA JUSTICIA. 
Para vencer, necesitará persuadir a los que están sumidos en la oscuridad para que rompan sus cadenas y reclamen un destino que se les ha negado durante mucho tiempo. Un destino demasiado glorioso para renunciar a él. El Esperado final de Amanecer Rojo.
Autor: Pierce Brown se crió construyendo fuertes en los bosques de seis estados de Norteamérica e inventando historias en los desiertos de otros dos. Se graduó de la Universidad de Pepperdine, donde se especializó en ciencias políticas y economía. Ha trabajado como experto en redes sociales para medios como Disney, ABC o la NBC. Amanecer Rojo, su primera trilogía, es una distopía futurista ambientada en Marte. Hijo Dorago y Amanecer Azul, segunda y tercera parte, han convertido la saga Amanecer Rojo en una de las más populares del momento. Tanto es así que sus derechos cinematográficos ya han sido vendidos.
RESEÑA

Estaba deseando hincarle el diente a la tercera parte de la Saga Amanecer Rojo, y si las dos primeras, AMANECER ROJO e HIJO DORADO , eran adrenalina pura, esta última es el no va más. Pierce Brown se confirma como un autor a seguir, y por lo que parece el universo literario de Amanecer Rojo no está cerrado, pues escribirá otra trilogía diez años después de lo sucedido en esta. En todo caso, MAÑANA AZUL, la última parte, es una novela cuya conclusión está bien cerrada, de manera que no sufráis que hay final y no tendréis que esperar más novelas para conocerlo. Imagino que quien entre a leer esto es porque ha leído la primera y segunda parte, pero para los que no la conozcan les diré que es, sin duda, la mejor novela distópica (si se le puede llamar así) que van a poder leer. Ni Juegos del Hambre, ni Divergente, ni por supuesto El Corredor del Laberinto están a la altura de lo que nos ofrece Pierce Brown en la saga Amanecer Rojo. Y tranquilos que intentaré no hacer spoiler. Y es que el sistema de colores, estratificados en una pirámide donde rojos son la base y dorados son la cúspide, funciona, y lo hace de tal manera que Darrow, un rojo ahora convertido en dorado único tiene un plan para vengar a su mujer y cambiar el sistema social. Va a ser difícil, pues tiene gran oposición, pero gracias a los compañeros dorados y a gran parte de la sociedad que le apoya, intentará que el sistema solar cambie de una vez por todas. Y eso pasa por derrocar a una pirámide social que los dorados se erigieron hace ya 600 años, y que ahora gobierna Octavia con mano de hierro desde hace 60. Darrow no está solo, pero tras la traición sucedida en HIJO DORADO , que no desvelaré, pasará penas y sufrimiento durante la primera parte de una novela que, como las anteriores, no tarda demasiado en lanzar imprevistos, giros de guión y secuencias impactantes de una guerra que toca a su fin.
Como siempre, Pierce Brown nos deleita con una pluma ágil y adrenalítica. No hay espacio para el descanso, aunque el espectador, por ser la última novela de la saga ya comienza a sufrir por el futuro de Darrow, su protagonista. Junto a él los Aulladores con el gran Sevro a la cabeza, sin duda mi personaje favorito, el menos dorado de todo, un lenguaraz y leal amigo que no dudará en arriesgar su vida por Darrow y los Hijos de Ares, como así se llama la organización que lucha por derrocar a la sociedad liderada por algunos dorados. También Victra y Ragnar cumplen un papel importante en esta última novela, la primera sedienta de venganza y el segundo que es la clave para poner a los obsidianos en favor del movimiento de Darrow, un pueblo luchador y guerrero que también es esclavizado por los dorados. No podía faltar tampoco la conclusión a esa parte romántica de MAÑANA AZUL, como es Mustang, un personaje clave en las tres novelas y que constituye el soporte vital más importante de Darrow. Sin embargo, y como ya he hecho más de una vez, he de agradecer a Pierce Brown no haberse dejado llevar por esa relación, puesto que el amor en la saga Amanecer Rojo es muy importante (de hecho todo empieza por el amor que siente Darrow por Eo, su esposa), pero no es lo que prima, y mucho menos nos logra desviar de la parte más importante, que es el cambio social. Es decir, que no atosiga ni empalaga, sino que es todo muy natural.
La gran clave de esta trilogía distópica no solo es situarla en Marte, y en todo el sistema solar, sino ese punto de ciencia ficción que hace que la Saga Amanecer Rojo sea abismalmente diferente de otra clase de trilogías distópicas como las antes mencionadas. No solo nos creemos que existen naves que en 6 meses nos llevan de Marte a Júpiter, sino que sabemos qué son los cañones de pulsos y demás artilugios que Pierce Brown incorpora a su universo. Y eso marca diferencias, puesto que nada nos es ajeno ni nos parece extraño. Un gran acierto que se ha ido añadiendo poco a poco y que el lector absorbe y logra acostumbrarse al lenguaje técnico sin problemas. Además, el uso de las metáforas y el sentido del humor de algunos personajes, como Sevro fundamentalmente, es de lo más acertado. Por último, hay que aplaudir su capacidad de descripción en las batallas, cómo las recrudece y las hace reales, sin medias tintas y tan visceral como debe ser una guera.
En definitiva, y sin querer alargarme más, porque podría hacerlo contándoos las bondades de esta gran trilogía, no puedo hacer otra cosa que recomendar su lectura. Os la beberéis sin pestañear, os mantendrá enganchados a sus páginas hasta que la acabéis y disfrutaréis como pocas veces lo habéis hecho. Si os gusta la ciencia ficción no podéis dejarla pasar. Y, además, hay que añadir que sus derechos cinematográficos se vendieron hace unos años, así que muy pronto veremos la primera parte en gran pantalla, algo que ha de ser increíble y que, por supuesto, levanta grandes expectativas en los lectores que hemos disfrutado de AMANECER ROJO , HIJO DORADO y MAÑANA AZUL. También se ha confirmado que Pierce Brown continuará con este universo, y lo situará 10 años después de lo sucedido. Así que id leyendo y ni se os ocurra dejarlo pasar.
VALORACIÓN: 9/10

Crítica: NORMAN, EL HOMBRE QUE LO CONSEGUÍA TODO

Tenemos ante nosotros la mejor actuación de Richard Gere hasta la fecha. No era muy difícil, pero la figura tragicómica de un personaje embaucador, que percibe el poder y allí se planta. Una historia llena de moralejas, corrupción y cadena de favores en las que estar conectado, como en la actualidad, es fundamental, aunque solo sea para posturear. Esta semana hemos visto: EL HOMBRE QUE LO CONSEGUÍA TODO.
Norman: The moderate rise and tragic fall of a New Yorker fixer, así es como se llama la película original, al menos la han podido acortar algo y encima nos quitan el spoiler, trata de un hombre de edad avanzada, el típico que podría tirarse las horas muertas caminando, haciendo yoga o aprendiendo nuevas tecnologías. Pero no, Norman (Richard Gere) es un embaucador al que le gusta estar cerca del poder, un charlatán de cuidado al que no parecen irle demasiado bien las cosas. Eso hasta que se topa con el que va a ser el futuro primer ministro israelí (Lios Ashkenazi), que le catapultará a una red social a la que jamás había conseguido entrar, teniendo también que adaptarse al cambio para afrontar lo que se viene encima.
Joseph Cedar, su director, demuestra buena capacidad para rodar una película que termina por hacerse larga y que, como reza su título original, es precedible. Sin embargo, el elenco de actores mantiene a buen nivel todo el filme. Y es que a Richard Gere también le acompañan Michael Sheen, Charlotte Gainsbourg, Dan Stevens, Steve Buscemi... En fin, unos cuantos que acompañan a su protagonista mientras este hace que el espectador sienta empatía, pena e incluso le caiga mal. Todo eso es producto del buen hacer de Richard Gere, en la que es sin duda su mejor interpretación. Vale que el protagonista de Pretty Woman no tenga nada demasiado potable en su currículum, pero en NORMAN, EL HOMBRE QUE LO CONSEGUÍA TODO está sencillamente sublime y lleno de matices.

Y es que la vida de un conseguidor no es fácil, pues Norman le pone mucho esfuerzo en no se sabe bien qué para llegar a figuras de poder y obtener favores, o más bien facilitarlos. Unas relaciones que se van ampliando cuando conoce al hombre más importante de Israel, abriéndole una cartera de figuras conocidas que comenzarán a calar a Norman y que incluso acabará por hacer estar un conflicto político a causa de la corrupción, aceptación de regalos y demás. Algo por lo que la peli pasa de puntillas pero que ayuda a empatizar más con Norman y los valores de hoy en día: si no tienes contactos no eres nada, fidelidad, amistad, hacer el bien, etc.
En definitiva, NORMAN, EL HOMBRE QUE LO CONSEGUÍA TODO es una buena película, quizás no con el ritmo que a muchos gustaría, pero se toma su tiempo y entretiene. Una película diferente, con la que pensar sobre la sociedad de hoy en día, sobre lo fácil o difícil que es impostar un personaje (y sino decídselo al pequeño Nicolás) y sacar tajada de ello. El ego, el protagonismo, la foto del día, el postureo... En fin, si sois de los que os morís por obtener likes o seguidores, os recomiendo que la veáis, quizás aprenderéis acerca de lo efímero y la poca importancia que debéis darle a todo eso. No os la perdáis.

Crítica: MIL COSAS QUE HARÍA POR TI

Un domingo cualquiera sin nada que ver, acudo a una comedia española, no puede fallar, pero sin embargo lo hace. Dani pierde el Rolex que su prometida le ha comprado, y esta, decepcionada, rompe con él. En su afán por recuperarlo para retomar la relación, el chaval acudirá a su amigo, aspirante a psicólogo, que le meterá en una historia que se enreda por sí misma con unos gags que apenas funcionan y que, en definitiva, decepciona. Esta semana hemos visto: MIL COSAS QUE HARÍA POR TI. No llevaba aspiraciones de ningún tipo, no esperaba una maravilla, pero tampoco lo que me encontré. El guión, como habéis leído, no es ninguna maravilla, pero su director, Dídac Cervera se atreve a romper la cuarta pared, es decir, que los protagonistas se dirigen directamente la espectador. Inicialmente no es una mala idea, a Woody Allen le sale bien, pero el abuso es tan constante que llega incluso a cortar el ritmo. Podemos decir, pues, que MIL COSAS QUE HARÍA POR TI se boicotea a sí misma tratando de imitar lo inimitable, por lo que se queda en una película que querréis olvidar nada más salir de la sala. Lo mejor de MIL COSAS QUE HARÍA POR TI, sin duda alguna, son Carmina Barrios y Jordi Vives. Ambos son madre e hijo, esta es una prestamista mafiosa llamada La Malagueña y su queriendo seguir sus pasos, sin embargo eso de la extorsión no se le da muy bien. Quizás en los pocos momentos en los que me he podido reír y le he encontrado la gracia al asunto. Por lo demás, los gags son previsibles y apenas tienen gracia, rozando a veces límites que lo llevan a un vacío de donde no acaba de salir nunca. Aún así, se agradece el intento y hay que decir que funciona bien cuando más se exagera y se roza lo absurdo, que es más bien en pocas ocasiones y casi siempre con Carmina Barrios y Jordi Vives presentes. El guión se retuerce creando tramas innecesarias que llevan a los personajes a dar tumbos y al espectador a aburrirse, algo que en una comedia es pecado mortal. En definitiva, y para no alargarme más, si queréis ver MIL COSES QUE FARIA PER TÚ, vaciad las mentes si vais a verla, pues a poco que querráis extraer de ella algo os llevaréis una decepción. Se le ha de reconocer valentía, pero el producto final queda muy por debajo de comedias nacionales que ya de por sí rozan la línea de lo comestible. No vayáis a menos que os hayáis visto toda la cartelera, y aún así igual mejor invertir en dinero en otra cosa. Una pena, pero estáis avisados.

Crítica: LA PROMESA

Corren los años 20, en el final del Imperio Otomano se produjo el genocidio Armenio que aún todavía sigue sin ser reconocido por los Turcos. Una película larga, sin grandes alardes que gustará a los fans de lo histórico, y entre medio un triángulo amoroso protagonizado por actores tan solventes como Oscar Isaac, Christian Bale y Charlotte Le Bon. Esta semana hemos visto: LA PROMESA. Michael (Oscar Isaac) es un estudiante de medicina que paga las tasas en la universidad con la dote de su suegro, sin embargo, estudiar en Constantinopla siendo Armenio va a costarle caro a él y a la familia que tiene allí. El genocidio Armenio se ha visto silenciado, algo que hay que agradecer al director Terry George por darle visibilidad. Michael conocerá a Ana (Charlotte Le Bon), una armenia que ha visto mucho mundo y de la que se enamora. Sin embargo, esta sale con el periodista estadounidense Chris Myers, corresponsal de guerra en el contexto de la I Guerra Mundial. Así pues, y con el genocidio de trasfondo, intentarán sobrevivir mientras tratan de conseguir el amor de Ana. El problema de LA PROMESA es que se centra más en la historia de amor que en el conflicto Armenio, por lo que, a pesar de narrar y mostrar la crudeza de los hechos, no acaba de ser tan protagonista como debiera. Y es que en una situación así es algo frívolo que se narren tríos amorosos. Eso sí, hacia el final de la película la acción y la crudeza de los hechos se nos muestra con gran fuerza, haciendo que haya valido la pena pagar la entrada. No le habría ido mal un metraje menor, puesto que los 134 minutos a más de uno se le harán muy largos en una película que me recordó a El médico de Ben Kingsley. El repato es internacional y podemos reconocer a Jesús Calleja o Alicia Borrachero. Además, el genial trabajo de fotografía corre a cargo de Javier Aguiresarobe.
Oscar Isaac es quien tiene el peso de un filme que recae sobre sus hombros en todo momento, pero es en su parte final donde la interpretación gana enteros. Por su parte, Charlotte Le Bon demuestra solvencia y Christian Bale es un personaje necesario por su papel de periodista, pero, como ya he dicho, su relación con Ana y el triángulo amoroso que se forma junto a Michael hace que LA PROMESA pierda impacto. Podría haber sido una cruda historia sobre el genocidio Armenio y se queda a medio camino entre una historia de amor en un contexto muy difícil. El comienzo de la película es algo lento, incluso aburrido, pero cuando todo estalla la película gana muchos enteros. En definitiva, LA PROMESA (The Promise) es una buena película que narra un conflicto que todavía en estos días los turcos niegan. Un genocidio al pueblo armenio que se narra con crudeza, pero que podría haber dado mucho más de sí si hubieran apartado la parte romántica. Un filme que gustará a los aficionados a una historia que quiso ser silenciada y que se produjo en los años 20, en la caída del imperio otomano. No os la perdáis.

Crítica: NO SÉ DECIR ADIÓS

Debut de Lino Escalera con una película incómoda sobre cómo afrontar la inminente muerte de un padre (Juan Diego), y cómo las viejas rencillas renacen entre dos hermanas (Lola Dueñas y Nathalie Poza) que viven en Almería y Barcelona cuando al padre le diagnostican un cáncer terminal. Negación frente a resignación en un filme en el que predomina la tristeza. Esta semana hemos visto: NO SÉ DECIR ADIÓS. Buen estreno de la ópera prima de Lino Escalera, que se hizo con cuatro estatuillas en el Festival de Málaga y que basa su éxito en la deprimente escala de colores grises y sensación de agobio constante, habitaciones cerradas y situaciones incómodas que afronta José Luis (Juan Diego) y sus hijas (Lola Dueñas y Nathalie Poza). NO SÉ DECIR ADIÓS es una película de actores, y los tres sostienen el drama con unas interpretaciones de altura. El duelo sobrevuela en todo momento el filme, y los tres protagonistas lo afrontan como pueden. En caso de José Luis, que tiene cáncer terminal, la procesión va por dentro, una interpretación brillante que quizás pueda valerle una nominación al Goya, aunque todavía queda mucho. Nathalie Poza interpreta a una mujer llena de adicciones, sin marido e hijos pero con un trabajo de éxito en Barcelona, sin embargo, al verse superada por los acontecimientos opta por la negación, la ira y la frustración. Un personaje que roza el extremo pero que no acaba perdiéndose, y eso es gracias a Nathalie Poza y su estupendo trabajo. Finalmente queda la otra hermana, que se quedó con el negocio de la autoescuela junto a su padre, con marido e hija. Ella opta por la resignación, por aceptar lo que sucede mientras se ve arrastrada por la misma vida, esa que tantos sueños le ha arrebatado y pretende recuperar.
Un guión simple, directo y muy efectivo sobre las relaciones que se establecen entre el ámbito familiar. Cómo se encajan golpes de ese tipo y de qué manera es capaz cada uno de asumir dicha noticia, una preparación del duelo que, como veremos, no es para nada fácil en el personaje de Nathalie Poza, que decide hacer caso omiso y buscar alternativas, dejándose llevar por la ira y pisando todo lo que encuentra a su paso. NO SÉ DECIR ADIÓS podría también recompensar el gran trabajo como director novel de Lino Escalera en los Goya, aunque la espera será larga. En definitiva, NO SÉ DECIR ADIÓS no es una película apta para todos los públicos, es incómoda pero muy interesante para comprender un proceso tan difícil y natural como es la muerte de un familiar querido. Los tonos grises y las habitaciones cerradas ayudan a crear una atmósfera deprimente que acompaña al filme de principio a fin, aunque el humor negro tampoco falta. Al fin y al cabo, no todo en la vida va a ser sufrimiento. No os la perdáis.