Félix A. Bas's Blog, page 99

Crítica: EL MUÑECO DE NIEVE

La adaptación a la gran pantalla de las novelas de Jo Nesbø no podían haber comenzado peor. Lo que todavía es peor si le sumamos un reparto tan interesante como el que maneja, pero que parecen ajenos a lo que sucede en el filme. Un thriller que acumula sucesos, que parecen se interesantes, pero que se disuelve rápidamente y acababa decepcionando. Esta semana hemos visto: EL MUÑECO DE NIEVE. The Snowman es la adaptación libre llevada a la gran pantalla de las 11 novelas de Jo Nesbø sobre el detective Harry Hole por Tomas Alfredson. Una adaptación que nos deja helados y poco o nada tiene que ver con sus novelas, y más teniendo en cuenta que el país escandinavo suele hacer buenos thrillers. Sin embargo, esto no es Los hombre que no amaban a las mujeres, y muchas veces llevar una novela a la gran pantalla acaba por dejarse cosas en el tintero. Y EL MUÑECO DE NIEVE se deja demasiadas, algo inconcebible es, además, que los actores, comenzando por Fassbender, se pasean por la película como si nada fuera con ellos. Harry Hole (Michael Fassbender) es un detective legendario venido a menos, atacado por sus problemas personales y la bebida, al final acaba encontrando un problema a su medida: asesinatos con la presencia de un muñeco de nieve. Porque estamos en Noruega, y la fotografía y las imágenes son impresionantes y logran congelarnos, casi tanto como lo que va sucediendo en pantalla. Ayudará a una compañera (Rebecca Ferguson) a encontrar al asesino del muñeco de nieve mientras la trama se va desenrollando y el espectador comienza a marearse ante idas y venidas sin ton ni son. El elenco de actores, a pesar de ser bueno, es meramente testimonial, y sobre todo útil para ver cómo causa estragos la edad en Val Kilmer.
En definitiva, EL MUÑECO DE NIEVE es una gran decepción. Si se le quita a Michael Fassbender, que pone su imagen y el piloto automático, estamos ante una película de intriga de la hora de la siesta, sin más. No sorprende, no crea interés y lo poco interesante es la fotografía, sus grandes planes nevados y montañosos de Noruega. Por lo demás, manteneos alejada de ella porque, creedme, os dejará muy fríos.

Crítica: ANNABELLE: CREATION

Habíamos tenido una buena hornada de películas de terror pero, como suele pasar en el género, no suele abundar demasiado. Tenemos ante nosotros un filme técnicamente bien realizado y poco más. No sorprende, los sustos se esperan y aporta poco o nada al género, así que no tardaréis en olvidarla. Esta semana hemos visto: ANNABELLE: CREATION. Esta segunda película explica el origen de la muñeca, aunque no hace falta ver la primera para saber de qué va, y menos teniendo en cuenta que esa primera entrega era más olvidable que esta. Y ya es mucho decir. ANNABELLE: CREATION parte de la base de que un conjunto de niñas de un orfanato van a vivir a una gran casa, la del creador de muñecas y su mujer, que perdieron a su hija en un accidente de tráfico. Sin embargo, pronto comenzarán a pasar una serie de sucesos que harán que su estancia en la casa sea toda una aventura de terror. Sí, premisa típica a más no poder, y además nada sorprendente. Puerta que no puede abrirse pero que las niñas abren, armario que contiene a una muñeca y que te mira cuando no te das cuenta, o sustos cuando la música de tensión se detiene. En fin, lo típico, y al final te asusta más el sonido que el propio suceso en sí, eso si es que alguno te pilla desprevenido, porque el filme es un querer y no poder en ese aspecto. Lo que le sitúa, por supuesto, detrás de IT o de Verónica, las auténticas películas del año en cuanto a terror se refiere.

La película de David F. Sandberg es convencional, aunque técnicamente bien hecha. Sin embargo, el lastre del conjunto hace que nunca llegue a despegar del todo. Las interpretaciones son más bien justas, demasiada gente para lo que al final es. No es un metraje largo en absoluto, pero se hace incluso pesado, así que imaginaréis que no es una sensación demasiado positiva.
En definitiva, ANNABELLE: CREATION no hacía falta, no nos interesaba de dónde había salido la muñeca, y ahora mucho menos. Asusta lo justo, un guión endeble y pocos sustos de entidad, por lo que se convierte en una película olvidable y nada aconsejable, y menos con las mencionadas películas todavía en cartelera. Id a verla como última opción, la olvidaréis enseguida.

Crítica: LA SUERTE DE LOS LOGAN

Las películas de robos y atracos suelen ser interesantes, cómicas y con buenas dosis de originalidad. La película de Steven Soderbergh, que ya dirigió la saga Oceans Eleven, no escatima en nada de lo mencionado, por lo que se convierte en un filme divertido y con gran elenco de actores que se lo habrán pasado en grande. Esta semana hemos visto: LA SUERTE DE LOS LOGAN. Logan Lucky tiene tres partes bien diferenciadas. La primera es la búsqueda de información por parte de los tres hermanos (Channing Tatum, Adam Driver y Riley Keough) para poder dar el golpe. Sin embargo, habrán de buscar más ayuda en un experto en hacer volar cajas fuertes (Daniel Craig). Una segunda parte en la que el golpe se lleva a cabo y otra tercera de desenlace que, quizás, acabe siendo lo más flojo por su lentitud de desarrollo. Cuando crees que ha acabado te das cuenta que todavía queda un rato, pero en todo caso es un filme bastante redondo, aunque no tan divertido y frenético como Baby Driver. LA SUERTE DE LOS LOGAN nos mete en la piel de dos hermanos interpretados por Channing Tatum, cojo, y Adam Driver, al que le falta una mano; y de suerte tienen más bien poco. A su lado la hermana, una peluquera explosiva (Riley Keough), que verá cómo echan a su hermano del trabajo y a duras penas podrá mantener a su hija (Farrah McKenzie) tras el divorcio con la ex-mujer (Katie Holmes). Decididos a dar el golpe en la carrera más importante, las 600 millas de Indianápolis de la NASCAR, se las ingenian para conseguir la ayuda de un experto (Daniel Craig) y sus hermanos. Formado el variopinto equipo, ya solo queda dar el golpe, y entre gags cómicos y situaciones absurdas el espectador se divierte.
Elenco de actores, como veis, muy global, aunque los que mejor se lo pasan son Adam Driver, Channing Tatum y el propio Daniel Craig, que luce el pijama de rayas como poco y, además, sale de su vena más dramática de James Bond para convertirse en un ladrón de poca monta. Steven Soderbergh nos trae una Oceans Eleven protagonizada por paletos, pero bien construida, con todo su estilo, y gran precisión. Quizás cojee al final, se haga un poco lenta, pero está magníficamente hilada y consigue que el espectador se enganche, como buena película de robos y atracos. En definitiva, LA SUERTE DE LOS LOGAN no iba de gran película, pero se cuela entre ellas por su gran elenco de actores, su ligereza y astucia y el gran sentido del humor que derrocha. No siempre funciona, pero Soderbergh demuestra que sus películas siempre son tan entretenidas que no te dejan casi ni pestañear. Si os gusta el género y queréis divertidos mientras rugen los coches y se roba dinero, esta es vuestra película. No os la perdáis.

Crítica: TOC TOC

Cuando se va al cine y en realidad estás en una obra de teatro se nota, este es el caso de la película que os presento. Trata de trastornos de personalidad que, si bien los acerca al público, también son tratados de una forma algo frívola cuyo fin único es entretener al espectador. Mientras lo tomemos así, nos encontraremos ante algunos gags graciosos con un reparto bien escogido. Esta semana hemos visto: TOC TOC. Vicente Villanueva nos trae una película amable, divertida y entretenida. Una comedia que proviene del teatro, cosa que se nota en sus planos y, sobre todo, en sus diálogos. Todo transcurre en la consulta de un especialista en Trastornos Obsesivos Compulsivos, que reúne alli a una serie de personas que crearán sin querer una terapia grupal con el fin de mejorar en su trastorno. Como imaginaréis, da para unas cuantas risas y situaciones hilarantes. Eso sí, hay que ir con la mente en blanco y sin grandes expectativas, que es cuando este tipo de películas funciona. TOC TOC es divertida, sí, sobre todo por el buen reparto que nos acompaña: Paco León, Rossy de Palma, Alexandra Jiménez, Adrián Lastra, Nuria Herrero, Inma Cuevas y el gran Óscar Martínez, que es quizás el más divertido. Entre ellos nos regalan algunos buenos momentos y otros no tanto, puesto que eso de aplicar teatro en cine a veces pierde fuerza, sobre todo en sus diálogos. Se nota demasiado y eso afecta al conjunto, aunque como ya digo, a una comedia lo que se le exige es otra cosa, y logra conseguir que pasemos un rato agradable y, de paso, conozcamos algo más sobre los trastornos que parte de la población sufre y son incomprendidos. En definitiva, quizás los más críticos alegarán que el TOC no es una enfermedad de la que reírse, y posiblemente tengan razón por la frivolidad con la que se trata el problema de fondo. Sin embargo, muchos ni siquiera las conocían, así que es un buen punto de partida. Personalmente queda por debajo de La Llamada, que también proviene del teatro pero en conjunto es mejor. Id a verla, soltaréis más de una carcajada.

Reseña: ESTADOS UNIDOS DE JAPÓN

¿Qué hubiera sucedido si en la Segunda Guerra Mundial Japón y Alemania hubieran vencido? Es la original propuesta que nos trae Peter Tieryas, una novela ágil e interesante que nos muestra un mundo bien distinto, donde Japón domina el mundo con mechas (robots gigantes) y trata de establecer entre los suyos una dictadura de perfecta obediencia. Os presento: ESTADOS UNIDOS DE JAPÓN.

Título: Estados Unidos de Japón

Autor: Peter Tieryas

Editorial: Nova (Ediciones B)

Nº de páginas: 408

Fecha de publicación: 2017

INFORMACIÓN
Sinopsis: Hace unas décadas, Japón ganó la Segunda Guerra Mundial. Los estadounidenses adoran a su infalible emperador y nadie cree que la conducta de Japón en la contienda no fuera ejemplar. Nadie excepto los George Washingtons, una facción proestadounidense que intenta recuperar la gloria de los viejos Estados Unidos. Su última táctica subversiva es distribuir un videojuego ilegal que pide a los jugadores que imaginen cómo sería el mundo si Estados Unidos hubiera ganado la guerra. El capitán Beniko Ishimura se dedica a captar posibles traidores, cuando un día recibe una misteriosa llamada del general Mutsuraga, y su vida se convierte en una montaña rusa que le llevará a conocer a Akiko Tsukino, una oficial de la policía de Tokio que intenta descubrir la relación de Ishimura con el videojuego que algunos insurgentes están usando para avivar el nacionalismo estadounidense. Pero los orígenes del videojuego subversivo son aún más polémicos y peligrosos de lo que nadie sospecha…
Autor: Peter Tieryas, nacido en 1979 en Seúl, trabaja en la industria cinematográfica estadounidense. Su anterior novela, Bald New World, fue seleccionada por el Publishers Weekly como una de las mejores novelas de ciencia ficción de 2014. Estados Unidos de Japón, su primera obra publicada en castellano, fue seleccionada como una de las lecturas de verano de 2016 por el Financial Times, tras convertirse en uno de los títulos de género más esperados por medios como io9, Publishers Weekly y Kirkus Reviews. En Japón, la publicación de esta novela ha agotado tres ediciones en dos semanas, algo insólito para un autor anglosajón desconocido.
OPINIÓN
Interesante propuesta la de Peter Tieryas al crear un mundo dominado por Japón, aliado con Alemania, donde Estados Unidos, la tierra de la libertad y de los sueños, se ve dominada por la bandera del sol naciente. Sin embargo, y como siempre en todas partes, un reducto de estadounidenses pondrán en aprietos el imperio con un videojuego que imagina cómo habría sido el mundo si Estados Unidos y los aliados hubieran  ganado la guerra; vaya, lo que pasó realmente. Estados Unidos de Japón es una novela bien trabajada, donde se recrea con bastante acierto el mundo que se cuece alrededor de una dictadura, la presión que ejerce sobre el resto de países y su dominación a los suyos propios. El Emperador es Dios, y solo el hecho de cuestionarlo es motivo de muerte para cualquiera.
Beniko, Ben para los amigos, es un soldado japonés que trabaja de censor de videojuegos. Es decir, los prueba y los censura, de manera que Japón siempre salga favorecida. Sin embargo, existe un nuevo videojuego que se está extendiendo sin saber cómo, llamado USA, y que los tiene a todos revolucionados. Junto a una agente de la Tokko llamada Akiko, digamos que la Tokko es como la Gestapo o la Stasi, agentes fríos y dispuestos que matan e investigan a cualquier persona que pueda haber cometido algún delito contra Japón, se verán envueltos en un a trama para encontrar al responsable creador del videojuego que, al parecer, es de los suyos propios.
Estados Unidos de Japón sienta bien las bases de la novela, se hace muy interesante leer las primeras páginas, cómo está compuesto es nuevo mundo en el que Japón brilla por toda la humanidad y un sistema dictatorial que bebe los vientos de 1984 de George Orwell. Aplastante, humillante y violento, donde cuestionar cualquier cosa del imperio, ni siquiera soñarlo, puede llevarte a la muerte. Es un comienzo adictivo, que engancha y realmente muy original, puesto que enseña una nueva humanidad tras la derrota de los aliados y Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, conforme avanzamos todo retoma cierta normalidad y pierde ese efecto de originalidad.Mantiene la atención del espectador, sabe hacerlo durante toda la novela, sobre todo para aquellos a los que le guste todo lo relacionado con Japón. Existen palabras que solo conocerán los más interesados en la cultura, y también crea algunas nuevas: el portical es un móvil más que avanzado, con el que el protagonista puede realizar miles de maniobras que le facilitarán según qué cosas a lo largo de la aventura. Es un personaje apocado, con poco carisma que, sin embargo, gana peso conforme avanza y se nos va revelando su pasado. A su lado, Akiko es todo lo contrario, una agente obstinada que no duda en matar por el Imperio. Sin embargo, y como podéis imaginar, su viaje junto a Ben hará que sus creencias se tambaleen.
Las batallas de mechas son de gran espectacularidad y Peter Tieryas ha plasmado con gran acierto la cultura japonesa en su novela, así como parte de su peculiar forma de pensar. En ese sentido no hay ningún pero, salvo en su final, quizás demasiado precipitado. Parece que podría haber segunda parte, cosa que no me extrañaría para un autor que ha comenzado con muy buen pie su andadura. Veremos si goza de la frescura de esta primera entrega que, si bien no es la novela del año, es muy entretenida y ágil. La pluma del escritor es rápida y las escenas de acción y visceralidad las narra sin ningún tipo de censura. Echadle un vistazo, muy interesante.
VALORACIÓN: 7/10

Crítica: BLADE RUNNER 2049

Estaba difícil, pero Denis Villeneuve ha recreado a la perfección el mundo que creó Ridley Scott en el año 82. Replicantes y humanos conviviendo juntos en un mundo futurista, decadente y de grandes neones amparados en una claustrofóbica oscuridad que la convierten en una delicia visual en la que cada plano quita el sentido. Una de las películas del año y una más que digna sucesora. Esta semana hemos visto: BLADE RUNNER 2049. La pelicula dirigida por Denis Villeneuve (Sicario y la grandísima La Llegada) no solo le vuelve a situar en el disparadero para la carrera hacia los Oscar, cosa que todavía es prematura asegurar, sino que se convierte en una de las películas más esperadas y, a su vez, de mayor calidad del año. Todo en Blade Runner da la sensación de estar rodado con la mayor dosis de elegancia, tacto y mimo posibles, y con la que el espectador alucinará. Roger Deakins, ha hecho un trabajo excepcional con la fotografía, quizás este sea el año en que, por fin, se lleve la preciada estatuilla. Desde luego la nominación la tiene asegurada.
BLADE RUNNER 2049 es una obra de arte en sus dos horas y cuarenta minutos de metraje. Alguna decisión puede ser cuestionable, sin embargo, mantiene el ritmo y es tan profunda y reflexiva que no se hace larga. Además, viéndola en Atmos real, el sonido y la música desasosegante (de Hans Zimmer, al que imagino que nominarán por Dunkerque y no por esta) hacen que el espectador se implique en lo que está viendo. Tiene un guión cuidado, un reparto de lujo y unos secundarios bien escogidos. Nada está hecho al azar, las secuencias de acción son agónicas y la decadente ambientación futurista hace que cueste creer que entre la secuela y la original haya pasado la friolera de 35 años. Ciencia ficción en estado puro, con el sello personal de Denis Villeneuve, que nos invita de nuevo a pensar en la humanidad. Ryan Gosling es K, un Blade Runner que caza replicantes y que verá cómo su mundo, y todo lo que pensaba conocer de él, se desmorona. Es un personaje que debe mostrar frialdad en todo momento, sin embargo, su evolución, la relación con su "novia", Ana de Armas, la frialdad con la que ejerce su trabajo, todos los golpes morales que encaja, etc., al final harán que su humanidad salga a la luz. Ryan Gosling hace un papel excelente, el alma de la película, aunque todo lo que envuelve a BLADE RUNNER 2049 es más elegante y frío que su predecesora y no sé hasta qué punto el espectador empatiza con él. Por supuesto, no podía faltar Harrison Ford, icono que tiene su aparición y es clave en el guión; Jared Leto es el villano, no está a la altura de su predecesor, pero convence. En general, el elenco de actores está más que bien escogido.
Las imágenes son impactantes, una delicia visual que ningún amante del buen cine puede perderse. Además, invita a la reflexión, al futuro de la humanidad, hacia dónde vamos y el tipo de relaciones que existirán en un futuro inmediato. La ambientación es decadente, lluviosa, desasosegante, acompañada por una música angustiosa que hace que nos sintamos allí. Denis Villeneuve plasma con su sello de gran elegancia una continuación a la que se le echa en falta menos frialdad y, sobre todo, a Vangelis, el compositor. No desmerecemos a Hans Zimmer, ni mucho menos, pero el que ha visto la primera entrega sabe de lo que hablo. El guión se toma sus licencias, pero consigue atrapar y mantener al espectador atrapado e intrigado en todo momento. En definitiva, BLADE RUNNER 2049 es una de las películas del año. Reflexiva, profunda, provocadora y una delicia visual arrolladora. Cada plano es arte, nada casual y de una elegancia desbordante. Ryan Gosling es carismático y el elenco de actores consigue estar a la altura. No era fácil 35 años después, pero Denis Villeneuve ha vuelto a crear arte, a demostrar que es un director de futuro y más que solvente. Corred a verla, no podéis dejar pasar una de las mejores películas del año.

Crítica: LA LLAMADA

Musical, comedia y un poco de drama para una película que es, cuanto menos, sorprendente y poco convencional. Quizás subestimada a primera vista, se convierte en una de las sorpresas españolas del año. A Macarena García y Anna Castillo les acompañan unas Belén Cuesta y Gracia Olayo sembradas. Carcajadas y buena música aseguradas. Esta semana hemos visto: LA LLAMADA.
Dos jóvenes adolescentes de 17 años (Macarena García y Anna Castillo) van desde pequeñas al campamento La Brújula, dirigido por monjas en la sierra de Madrid. Serán castigadas  por acudir a un concierto de electro-latino y llegar a las tantas por la madre superiora (Gracia Olayo). Serán vigiladas por ella y por otra monja poco convencional (Blanca Cuesta) y algo más amigable. Sin embargo, todo cambiará cuando a María se le aparece en sueños Dios (Richard Collins-Moore) cantándole canciones de Whitney Houston. LA LLAMADA es un filme amable, pero que también sabe pegar donde más duele.
Así de entrada nada hace que LA LLAMADA, sea precisamente eso, un llamamiento para que el espectador acuda a ver la película. Sin embargo, la adaptación que han hecho a la gran pantalla Javier Ambrossi y Javier Calvo de la exitosa obra teatral, es divertidísima y muy entretenida. Quizás no ahonda demasiado, pero supone un golpe tras otro a las ganas de vivir, de ser feliz y de intentarlo todo, por mucho que las cosas estén mal, por conseguir nuestros sueños. La música de Leiva levanta el ambiente y las canciones de Whitney Houston cantadas por un gran Richard Collins-Moore hace que tengamos ganas hasta de aplaudir.
El magnetismo de Macarena García y la frescura sin igual de Anna Castillo se juntan y demuestran su gran complicidad juntas. El sueño de formar un grupo de éxito de electro-latino se tambaleará cuando María vea a Dios y este le cante canciones, llevando al espectador a un estado de shock absurdo y demencialmente delicioso que hará que se nos salten las lágrimas de risa. Y gran parte de esa culpa la tienen sus secundarias: Blanca Cuesta está impresionante en un papel tan cómico como entrañable, y Gracia Olaya, la madre superiora dura pero bondadosa está brillante. Entre todas se marcarán sus pasos de baile y unas canciones que atraparán y divertirán al espectador como pocas veces.
En definitiva LA LLAMADA es una de las mejores películas cómicas del año, aderezada además con muy buena música, grandes gags y un elenco de actrices que lo dan todo, y se nota. A ver si se atreven a nominar al Goya a mejor secundaria a Blanca Cuesta, lo que si está claro es que Leiva se llevará una por la canción y el espectador una imborrable sonrisa al salir de la sala. Ni se os ocurra perdérosla.

Crítica: MADRE!

Darren Aronofsky, director de Cisne Negro y Réquiem por un sueño, entre otras maravillas, es un autor único, y como tal nos lo demuestra una vez más con una de sus obras más simbólicamente fuertes e imaginativas. Cómo convertir algo tan sencillo como la creación en algo tan apabullante es algo que solo sabe hacer él. Junto a Jennifer Lawrence y Javier Bardem, que quitan el hipo, os invito a que disfrutéis de la película, siempre y cuando os guste removeros en el asiento y pensar. Esta semana hemos visto: MADRE!
Mother! es una película no apta para blockbusterianos, es decir, de aquellos espectadores casuales que deseen ir a ver un film para desconectar, pasarlo bien, disfrutar y comer palomitas como si no hubiera un mañana. MADRE! es una película que remueve, que hace pensar, que sacude, impacta, indigna y hace que uno se pregunte qué demonios hace ahí sentado sin marcharse. Sin embargo, todo al final cobra sentido: su simbología, su anarquía, su desorden y visceralidad se revelan, y el que ha estado atento ata cabos, sonríe y se marcha del cine pensando. Y por desgracia pensar no está de moda y no vende, así que solo unos pocos disfrutaran de su grandeza.

MADRE! nos pone en la piel de un escritor de éxito (Javier Bardem) en un periodo de creación, preparando una nueva novela. Junto a él convive su mujer (Jennifer Lawrence), que ha reconstruido una pedazo de casa impresionante ella solita, para formar un hogar y hacerlo sentir feliz mientras él crea. Sin embargo, no todo es lo que parece, y el espectador cree asistir a una convivencia matrimonial, con extraños sucesos aconteciendo en la casa, visitas inesperadas y, hacia la mitad final de la película, con una ingente cantidad de desastres que sacuden al espectador una vez tras otra. ¿Qué tenemos ante nuestros ojos? Pues para algunos una soberana pérdida de tiempo, mientras que para otros la revelación, muy imaginativa, de algo tan sencillo como la creación.
No voy a hacer spoilers o destripes, no voy a explicaros de qué va realmente, porque sería quitarle el sentido y para eso ya está google. Es un de esas películas que, si se llega a entender, pervive en el recuerdo del espectador, que no dejará de darle vueltas pensando en todo aquello que ha visto, atando cabos y llegando a la conclusión de que Darren Aronofsky es un verdadero genio de la inventiva. Quizás lo lleva todo al extremo, es cierto, pero lo que no podemos negarle es que MADRE! no te deja respirar, es tensa y despierta en ti sentimientos, negativos o positivos, y que eso suceda es algo que tiene mucho mérito. Obviamente, haría bien menos simbolismo y más ir al grano, pero no sería él.

Mención aparte merece el elenco de actores, desde los brillantes secundarios Ed Harris y Michelle Pfeiffer, hasta sus protagonistas: Javier Bardem, que clava a un personaje, oscuro, sombrío e inexplicable, como son sus mejores papeles. Y Jennifer Lawrence, en fin, demuestra, por si todavía no lo había hecho, que es una todoterreno, una montaña rusa de sensaciones, primeros planos y visceralidad que, espero, no pase desapercibida para los académicos estadounidenses. Aún es pronto, pero Jennifer Lawrence y Javier Bardem pueden estar ahí.
En definitiva, MADRE! es un peliculón para aquellos que disfruten del cine con mayúsculas, que lo vean como arte. El que piense en cine como divertimento, acción y comedia, que pase de ella porque ni la va a entender ni querrá hacerlo. Te hace pensar, te sacude y te remueve. Y, sobre todo, no te dejará indiferente. Darren Aronofsky, sin más. No os la perdáis, pero avisados estáis.

Crítica: LA REINA VICTORIA Y ABDUL

La reina Victoria, en su momento la más longeva en llevar la corona, y la que más dominio tuvo con su gran imperio británico, sin embargo, era una mujer solitaria que encontró amistad con Abdul, un sirviente. Comedia que pretende ser drama, y que por lo tanto se queda a medias en todo, cuya mejor carta de presentación es la interpretación de Judi Dench. Esta semana hemos visto: LA REINA VICTORIA Y ABDUL. Victoria y Abdul es un filme dirigido por Stephen Frears, y opta por la comedia más liviana y el drama más sencillo. Apostar por con medias tintas no suele tener premio, y desde luego que no ha sido así, siendo Judi Dench, viva imagen de la Reina Victoria, la que se salva de la quema. Una pelicula que intenta ser amable y fácil en sus momentos cómicos, y que en el drama acaba patinando. Apuesta, eso sí, por la concordia en un mundo xenófobo como el que era en la época (y ahora lo sigue siendo por culpa del terrorismo).
LA REINA VICTORIA Y ABDUL es entretenimiento, comercial, donde los que más disfrutarán serán, una vez más, los amantes de los biopics, y a decir verdad no se sabe qué es real de todo lo que se cuenta, siendo real que Abdul en realidad existió, aunque no hasta qué punto llegó a ser tan importante para la Reina Victoria. Judi Dench borda su papel, y sabe aportar comicidad a su personaje, como también es firme e imponente como monarca. Rodeada de hienas a su alrededor, esperando a su muerte, se plasma de manera interesante su forma de vida y la sensación de soledad que arrastra. En definitiva, LA REINA VICTORIA Y ABDUL es un buen entretenimiento. De humor sencillo y cómicamente fácil, los momentos dramáticos, sobre todo de cara al final, no acaban de remover en el espectador y nos quedamos con la sensación de que se ha quedado a medio camino entre dos géneros que en ningún momento convencen. Amantes de los biopics y las curiosidades, podéis darle una oportunidad.

Crítica: KINGSMAN: EL CÍRCULO DE ORO

No hace falta presentar demasiado un blockbuster protagonizado por caras tan conocidas, quizás demasiadas como para que brille por encima de su brillante predecesora. Tenemos ante nosotros otra sagas de películas de espía, con buenas dossis de acción y humor irreverente que, sin embargo, peca de falta de originalidad y a la que le falta frescura y un buen guión. Esta semana hemos visto: KINGSMAN: EL CÍRCULO DE ORO. KINGSMAN: THE GOLD CIRCLE vuelve a seguir las bases de la primera película, sin embargo, Matthew Vaughn, que se luce dirigiendo secuencias de acción, impactantes, violentas y muy viscerales, no hace lo mismo con un guión insulso, carente de fuerza y basado en idas y venidas sin venir a cuento. A Taron Egerton, el agente Kingsman, ahora se le unen sus primos norteamericanos encabezados por Jeff Bridges, Halle Berry, Pedro Pascal y Channing Tatum. Ellos son más grandes, más fuertes, con más dineros y recursos. Obviamente, el músculo estadounidense siempre es más de todo. Colin Firth reaparece, algo que los mismos pósters se encargan de destripar, y que por si alguien no lo sabía se le suponía muerto. El gentlemen inglés sigue siéndolo, pero comienza a vérsele desubicado frente al empuje de su pupilo, Taron Egerton. Mark Strong también continúa frente a ellos tras la crisis que hará que los Kingsman casi desaparezcan. Aliados con sus hermanos de norteamerica, harán frente a la Pablo Escobar femenina, una Julianne Moore pasada de vueltas que, sin embargo, supongo que se habrá divertido convertida en una narcotraficante estilo pin-up. Y también aparece Elton John, que mejor no comentaré su paso por el filme.
KINGSMAN: EL CÍRCULO DE ORO, es una buena película de acción que, sin embargo, ofrece momentos de cierto tedio y un guión que aporta poca frescura. Por no decir la gran cantidad de actores que aparecen y que resulta aportar más bien poco a la trama. Algo que se veía venir desde los tráilers, que parecía más bien una lluvia de estrellas que otra cosa. El humor está muy implícito en el filme, a veces funciona y otras no, pero lo que está claro es que la distingue de una película normal de espías y que, a veces, le funciona. Sin embargo, ese extremo de irse de la violencia más sangrienta y explícita a golpes de humor o escenas de lo más rocambolescas y forzadas, no ha acabado de sentarle tan bien a esta segunda entrega. En definitiva, KINGSMAN: EL CÍRCULO DE ORO sigue siendo un blockbuster entretenido, una máquina de comer palomitas, de hacernos reír y alucinar con las secuencias de acción, pero también pierde fuelle con respecto a su primera entrega, menos frescura y un guión muy poco trabajado. La tercera entrega, que vendrá, me imagino, no debería estar acompañada de tanta estrella de Hollywood, algo que acaba afectando negativamente al filme. En todo caso, es una propuesta de acción más que digna. No os la pedáis.