Félix A. Bas's Blog, page 112

Crítica: LOS SIETE MAGNÍFICOS

Una película donde comparten cartel Denzel Washington, Chris Pratt y Ethan Hawke nos asegura buenas dosis de diversión. Si además se trata de un western, la cosa se pone más interesante. El remake de Los siete samuráis rodado en el lejano oeste. Directa y contundente. Esta semana hemos visto: LOS SIETE MAGNÍFICOS.

Antoine Fuqua (Training Day o The Equalizer) ya ha trabajado con Denzel Washington y nunca decepciona. Tampoco lo hace en un western moderno que no huye de los clichés del género. Mucha acción, maniqueísmo y pólvora a raudales en una película que no escatima en dureza y que goza de una fotografía potente que reaviva facciones, sudor, suciedad y todos los elementos de un buen western. No faltan los pistoleros insuperables, secuencias de acción imposibles y, en definitiva, entretenimiento puro y duro durante algo más de dos horas.
Denzel Washington en un western derrochando carisma y balas. ¿Qué queremos más?Obviamente, como ocurre en muchas películas donde aparecen tantos personajes, las interpretaciones de los siete magníficos no tienen el mismo peso o importancia, quedando la mayoría en la superfície menos los eficaces Denzel Washington, Chris Pratt y Ethan Hawke. Al primero siempre es un placer verlo en la gran pantalla, aportando carisma y seguridad en un personaje que clama venganza enmascarada tras el velo del buen samaritano. Chris Pratt es el actor de moda, ya en Guardianes de la Galaxia sorprendió y en Jurassic World convenció, postulándose para el próximo Indiana Jones y aportando a LOS SIETE MAGNÍFICOS la mayor cantidad de escenas de humor, por no decir que es lo mejor del filme.
Ethan Hawke y el resto se presentan con mayor premura; mención especial para el villano, un Peter Sarsgaard bien interpretado y que logra despertar cierto odio en el espectador, sin duda un buen trabajo por parte del actor. La narración es ágil y aunque el guión puede pecar de ser predecible, monta la base de lo que va a ser una escabechina de cuidado en la parte final del metraje, sin duda la más espectacular e interesante, donde la sangre, la crudeza y los tiroteos se suceden sin cesar, dando al espectador la satisfacción de asistir a uno de los mejores blockbusters del verano, o de lo que ya queda de él.
Chris Pratt, presente y futuro de las películas de acción, de lo mejor de la películaEn LOS SIETE MAGNÍFICOS se mezcla la acción con unos personajes carismáticos que luchan junto a un pueblo contra un villano rico que se dedica a atormentar a los pueblerinos y a explotar sus minas, enriquenciéndose a su costa y pagando a pistoleros para que proteja y coaccionen. El guión es de manual de primero de Western, pero las escenas de acción y su desarrollo convence, y mucho, algo que Antoine Fuqua parece dominar a la perfección. También predomina el buen humor, por encima de una época dura en la que se podía perder la vida por una mala mirada. En aportar toque cómico al asunto no hay otro como Chris Pratt, quien parece estar muy cómodo en papeles como este.
El equipo de Antoine Fuqua recrea el lejano oeste con gran acierto, no solo con una gran fotografía, que recrea la suciedad, la sangre y los bares de mala muerte, sino un vestuario muy cuidado y algunos de los males de la época, como el racismo y el machismo. Cuesta creer que se viviera así hace tan solo un par de siglos, pero LOS SIETE MAGNÍFICOS, como tantas otras películas del estilo, se encarga de recordarnos que las armas las carga el diablo, y que la esperanza de vida de la época era demasiado corta. Que el que mejor vivía fuera el enterrador habla bastante bien del tema.
Los siete magníficos, algunos con más peso que otros, pero todos dignos de tal nombreEn definitiva, LOS SIETE MAGNÍFICOS nos da lo que buscamos, que no es otra cosa que el carisma de siete superhéroes con pistola, acción a raudales, sentido del humor y entretenimiento puro y duro. Es una película sencilla, clara y directa, no intenta engañarnos y nos satisface, puesto que en ningún momento nos aburre. Además, siempre es un placer ver a Denzel Washington y a Chris Pratt divirtiéndose. Unámonos a la fiesta, pues.

Crítica: EL HOGAR DE MISS PEREGRINE PARA NIÑOS PECULIARES

Uno de los directores que más polémicas desata es Tim Burton. Muchos esperan sus películas año tras años y otros tantos son los que se decepcionan cuando las ven. La adaptación de una novela de éxito vuelve a caer a unas manos que parecen haber haber perdido el toque mágico con el que nos encandiló en el pasado. Esta semana hemos visto: EL HOGAR DE MISS PEREGRINE PARA NIÑOS PECULIARES.

Sí, a Tim Burton le va lo friki, ya lo demostró con Eduardo Manostijeras, un clásico brillante como Pesadilla antes de Navidad, Beetlejuice, Batman o Big Fish, sin duda obras fascinantes, cuanto menos. Sin embargo, también ha hecho otras como los remakes de El planeta de los simios, Alicia en el país de las Maravillas o Sombras tenebrosas, sin duda obras mucho menores y decepcionantes a partes iguales. En este caso, tengo claro que EL HOGAR DE MISS PEREGRINE PARA NIÑOS PECULIARES no solo es uno de los títulos más largos y menos acertados para esta versión, sino una nueva decepción. Aún así, entretiene a veces, que ya es mucho.
Tim Burton vuelve a encasillarse en una manera de hacer las cosas que no sorprende pero brilla en ocasiones. Una marca y forma de hacer que se sostiene gracias a sus fans, pero que carece de esa inventiva de la que hacía gala hace unas décadas. Encasillado, pues, con esta película no logra convencer con unos personajes poco carismáticos, aunque raros, a los que se les podía haber dado mucho más peso. Es más carismático el abuelo, que apenas sale, que todo el resto del reparto, algo que habla bastante mal de unos personajes que gracias a sus peculiaridades deberían despertar cierto interés. Ni siquiera el protagonista, un soso Asa Butterfly (El Juego de Ender) consigue convencernos.
Frikis a lo Big Fish. Mucho ruido y pocas nueces, pero muy de Tim BurtonEl caso es que el chaval, por ir hablando un poco de la película, ha tenido una infancia llena de cuentos e historias que su abuelo le contaba. Fascinantes y llenas de magia y niños peculiares, pero que con la edad acabó por entender que eran mentiras. Sin embargo, la desaparición de su abuelo coloca al nieto a la caza de pistas sobre el orfanato del que tanto le hablaba. Finalmente consigue llegar a él y descubrir que su abuelo no solo no mentía, sino que él mismo podrá tomar partido para proteger al orfanato que regenta Miss Peregrine (Eva Green), un lugar en el que se repite siempre el mismo día, es decir, viven seguros en un bucle temporal.
Pero no todo es tan bonito y seguro en el orfanato de Miss Peregrine, existen unos seres llamados huecos que se dedican a comerse los ojos de los niños para revertir una mutación que el doctor Barron (Samuel L. Jackson) provocó en busca de la inmortalidad. Sí, la trama parece peculiar, pero todo se desarrolla con excesiva previsibilidad. Además, el toque freak que se les da a los personajes recuerda demasiado a anteriores obras de Tim Burton como Big Fish, y cuando un autor comienza a autoreferenciarse a sí mismo significa que comienza a haber un agotamiento peligroso que, además, el espectador nota.
Eva Green, desaprovechada como la mayoría de los intérpretes, su personaje podría haber dado mucho más de síY es que una película en la que aparecen tantos personajes, puede caerse en el error de no centrar la atención en lo necesario, precisamente uno de los peores errores de la película. Eva Green, Judy Dench, Asa Butterfly, y un sinfín de etcéteras, ninguno de ellos goza de gran protagonismo, algo que se evidencia en el personaje de Miss Peregrine, una Eva Green de la que, además de ser cabeza de cartel, se esperaba más protagonismo, ya que encaja en el papel a la perfección y el carisma de su personaje era evidente. Los niños peculiares tienen todo tipo de poderes: invisibilidad, dar vida a objetos inanimados, tener un avispero en el cuerpo, una boca en la nuca... en fin, pero ninguno de ellos con peso evidente en la trama, hasta tal punto de que nos da igual lo que les pase. 
Eso sí, de efectos especiales y escenas CGI va sobrado, quizás demasiado. Y el único que se divierte no es otro que Samuel L. Jackson, pasado de revoluciones por completo pero al que siempre divierte verlo en ese tipo de papeles. EL HOGAR DE MISS PEREGRINE PARA NIÑOS PECULIARES no alcanza a tocar la fibra en ningún momento, ni siquiera llegamos a tomarla en serio, y mucho menos nos creemos la esforzada historia de amor que tratan de colarnos. Al final no sabemos mucho de qué va la película, más allá de la lucha del bien contra el mal y de la supervivencia de esos seres peculiares.
La historia de amor, una excusa para que los jóvenes acudan a verla. Tan previsible como su guiónEn definitiva, Tim Burton vuelve a carecer de inventiva y de frescura, algo que comienza a ser preocupante, sobre todo si el éxito en taquilla no es tan positivo como hace décadas. EL HOGAR DE MISS PEREGRINE PARA NIÑOS PECULIARES no entra dentro de las mejores películas del director, ni mucho menos, se abusa de CGI's y el guión no sorprende, pero se deja ver y divierte hasta cierto punto. Echadle un vistazo si no tenéis nada mejor que ver, cosa que dudo.

Crítica: CAPTAIN FANTASTIC

Cómo me gusta ir al cine y dejar que una película emocione, conmueva y además enseñe. Didáctica donde las haya, y para aquellos que se salgan de lo ordinario, Viggo Mortensen y su familia nos harán reír, llorar y aplaudir en un film que se convierte en uno de las mejores del año y obligatoria para educadores. Esta semana hemos visto: CAPTAIN FANTASTIC.

Drama y comedia a la vez, CAPTAIN FANTASTIC resulta un soplo de aire fresco y ese brillo en los ojos del espectador que sale satisfecho con lo que ha visto. "Los educó para todo excepto para la vida real", así reza en el cartel de la película una frase que resume bien el tipo de educación que reciben los seis hijos, que casi con entrenamiento militar y diálogo se apartan de la educación ordinaria y viven en medio de un bosque con su padre y sin madre, fallecida muy recientemente, eje de la trama y del viaje que les llevará a descubrir que hay vida más allá de los bosques y la naturaleza.
La educación ordinaria se basa en el abandono del niño a un espacio llamado colegio con un profesor que, además de intentar aportar conocimientos al niño, se ve obligado también a educarlo, puesto que los padres están demasiado ocupados en sus trabajos como para dedicarse al niño; demasiado hicieron trayéndolo al mundo. La educación que el personaje de Viggo Mortensen trata de transmitir a sus hijos se sale de lo ordinario en tanto en cuanto rechaza que estos acudan al colegio y apuesta por una educación libre, en la naturaleza, con expresión musical, oratoria, reflexión y, sobre todo, ningún tabú. Y es que a las cosas hay que llamarlas por su nombre.
Fuertes física y mentalmente, rodeados de naturaleza y con el diálogo y la reflexión por banderaCAPTAIN FANTASTIC es maravillosa en su planteamiento y guión, bella en su fotografía y con unos actores a la altura, comenzando por los niños, con diálogos especialmente interesantes por lo peculiar de su educación, hasta un brillante Viggo Mortensen que hace que evolucionemos junto a él desde que muestra su aplastante seguridad hasta que comienza a cuestionar si los métodos eran los adecuados. Padres, madres y tutores no dejarán de hacerlo durante toda la película y bastantes días después, en lo que se convierte en un filme básico para educadores, ya que ayudará a debatir acerca del sistema educativo y sus alternativas. ¿Cuál es mejor?
Estrenada en el Festival Sundance de Utah, y vencedora del premio al mejor director en Cannes, Matt Ross nos enseña otra manera de educar a los hijos en un filme que nos muestra de principio a fin cuáles son los aspectos positivos del método y que también se encarga de evidenciar sus lagunas. "Todo lo que sé está en un libro", dice en algún momento de la película el hijo mayor en un arrebato de furia contra su padre. Una burbuja que revienta en cuanto la familia ha de viajar por medio país y que evidencia que no es oro todo lo que reluce. Por un lado tenemos unos niños que son casi atletas, que no pasarán hambre en su vida y que están preparados para afrontar inclemencias temporales y sobrevivir en un ambiente hostil. También, ayudados por la reflexión, la literatura y la música, tienen un nivel educativo ampliamente superior que cualquier alumno de colegio ordinario. Sin embargo, ¿qué es lo que falla?
Salir al mundo real puede provocar más de un momentazo. No podéis perder detalleEl ser humano es un animal sociable, por lo que la relación entre personas se antoja como básica en el sistema. Algo que los chavales comienzan a entrever durante su viaje; sobre todo el mayor, en una escena que oculta bajo lo cómico una enseñanza demoledora: no están preparados para el mundo real. Aún así, CAPTAIN FANTASTIC, en uno de sus muchos aciertos, no juzga sino que muestra para que el espectador sea el que saque sus propias conclusiones. Desde luego, si pudiéramos coger un poco de cada sistema educativo no nos iríamos nada mal.
CAPTAIN FANTASTIC deja que Viggo Mortensen realice una interpretación fantástica ayudado por seis chavales con los que se percibe gran complicidad y unión. Desborda carisma y el espectador empatiza con él enseguida, por lo que ayuda a que se entienda la evolución de un personaje que trata a sus hijos como adultos, les educa y les quiere como un padre y no le tiembla el pulso a la hora de establecer autoridad. A su vez sabe reconocer los méritos y disfrutar del ocio en unos bosques sin electricidad, videojuegos y sucedáneos. Los libros, el silencio y la reflexión son los ejes de su educación. Ah, y no se celebra la navidad, sino el día de Noam Chomsky (uno de los mejores pensadores contemporáneos).
Visualmente bella y vestuario vintage que funciona. Una familia diferente y especialEn definitiva, CAPTAIN FANTASTIC es una cinta redonda que ya ha recabado premios internacionales y que logra sorprender, emocionar y también hacernos reír. Una película que hace que el espectador salga con una sonrisa de satisfacción en la cara y que, amigos pedagogos y educadores, rondará por las clases de muchas universidades del mundo como ejemplo de pedagogía alternativa, con la que se podrá debatir sobre los aciertos y errores del método y también sobre la educación ordinaria actual. Ni se os ocurra perdérosla.

Crítica: EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS

Después de la brillante La isla mínima, Alberto Rodríguez nos ofrece un thriller político sobre uno de los personajes más esquivos y misteriosos de nuestro país: Franciso Paesa. Una persona que ayudó a Luis Roldán a esconderse y sacó los colores del gobierno socialista de la época, acabando con la carrera política de muchos de ellos. Esta semana hemos visto: EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS.

Propuesta interesante, sobre todo para los que vivieron aquella época tan convulsa y rocambolesca que nos retrata bien como país. Un continuo de sucesos descabellados donde los políticos quedaron retratados y abocados a la dimisión, y posterior abandono de la política, y todo eso a cargo de un solo hombre con mucha ambición y recursos. EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS es una película que gustará a amantes de los biopics y de la historia, pero quizás al resto no le haga ni fú ni fá.
Una jeta increíble era lo que tenía Franciso Paesa, pero eso quedaba mal para el títuloEduard Fernández encarna a la perfección a un Franciso Paesa con dontes premonitorios, que está por encima del resto y siempre está un paso por delante, de ahí que el espectador a veces sienta cierta exclusión con lo que ocurre en el filme y no acabe de entrar en él como debiera. Pocos piensan ya que después conseguir la Concha de Plata a mejor actor en Donostia se le vaya a escapar el Goya. Carlos Santos (Los hombres de Paco) se encarga de ser Luis Roldán, el hombre más buscado a del mundo durante cerca de un año, ex-director de la Guardia Civil que puso en jaque a todas las autoridades y al que Francisco Paesa pudo esconder.
Pero, ¿quién es Francisco Paesa? Aquí tenéis dos pinceladas: su vida como banquero y espía le llevó a ser director del Banco Nacional de Guinea, diplomático de Santo Tomé y Príncipe, traficante de armas con ETA, galerista de arte, fundador de bancos, empresario fantasma en Panamá y protegido de la Stasi. ¿Qué os parece? Desde luego, han tardado mucho en hacer una película sobre él. Después de lo de Roldán, Paesa apareció "muerto" solo para resucitar al sexto año, justo cuando prescribían la mayor parte de los cargos de los que se le acusaba, entre ellos de llevarse más de 1100 millones malversados por Luis Roldán.
Los secundarios están muy a la altura de un Eduard Fernández que es firme candidato al GoyaComo habéis podido comprobar, y si no leedlo en wikipedia, Franciso Paesa fue un mago del dinero. Cuentas en Panamá, paraísos fiscales, espía con gran cantidad de contactos, buscado internacionalmente y capaz de aparecer y desaparecer a su antojo. Un personaje del que todavía hoy se sabe bien poco, solo que Jesús Camoe era inseparable de él (José Coronado) y que su sobrina era aspirante a su sucesora (logró con su ayuda esconder los fondos malversados y esconderlo después de darlo por muerto en Luxemburgo).
EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS funciona como thriller y biopic a medias, puesto que la trama es compleja, y seguramente fuera más en la realidad, hay una gran cantidad de nombres y para los que no vivieron la época no ayuda a implicarse demasiado, y vemos a Paesa como una especie de deidad que logra salir siempre de los apuros, y además con los bolsillos llenos. En aspectos ténicos poco que decir de un Alberto Rodríguez siempre solvente, dando fuerza con esos primeros planos y con la gran actuación de Eduard Fernández, sin duda la atracción principal de la película. Carlos Santos como Luis Roldán no está mal, aunque ha de lidiar con actores de la talla de José Coronado, Marta Etura, Luis Callejo, etc., y el postizo es demasiado evidente.
Técnicamente no es La isla mínima, pero Alberto Rodríguez realiza una notable películaEn definitiva, EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS supone una mirada hacia atrás en parte de la historia más ridícula del país. Una historia que sigue y seguirá repitiéndose, quizás no con tanto artificio, pero con la sombra del fraude y corrupción como telonero. No es apta para todos los públicos, sobre todo al que no interese la política o los biopics, pero nunca está de más saber qué tipo de personas han estado gobernando y gobiernan nuestro país. No os la perdáis.

Crítica: BRIDGET JONES' BABY

Una década después de la segunda parte, Renée Zellweger vuelve al personaje que le catapultó a la fama. Cuarentona, soltera, sin hijos y viviendo en un apartamento londinense, lo único que tiene es un buen trabajo, y le va a costar mantenerlo. Una comedia más digna de lo que se esperaba. Esta semana hemos visto: BRIDGET JONES'S BABY.

12 años han pasado desde la segunda parte en la que Bridget dejaba a Darcy (Colin Firth) y se convertía en solterona. Los años han pasado y todo sigue igual. Un paso por el cirujano que ha levantado toda clase de críticas, y más de cuatro años sin que Renée Zellweger se dedicara al cine, parecen ser suficiente para que los productores se atrevieran a llevar a la gran pantalla otra nueva secuela de nuestra solterona favorita. Eso sí, ahora ya nos alejamos de aquella imagen cándida de la rubia actriz para casi espantarnos por lo estirado y artificioso de su cara. Aún así, Renée Zellweger deja claro que hay pocas como ella a la hora de ser indigna en la gran pantalla.
Esta vez vuelve Darcy (Colin Firth), quien está en proceso de divorcio y aparece Jack (Patrick Dempsey), el típico amor de película romántica que en la vida encontraréis en la vida real. Simpático, extrovertido, guapo y atento que hará que Bridget caiga rendida a sus pies. El problema es que también lo hará con Darcy, y cuando el test de embarazo da positivo, Bridget entiende que tiene un problema, pues no tiene ni idea de quién será el padre. El guión es de Emma Thompson (quien hace de cirujana y tiene buenos puntazos), no es nada innovador, pero sigue metiendo a Bridget en líos en los que la dignidad y la verguenza se darán de la mano.
Con mil operaciones estéticas, Zellweger pierde expresividad, pero sigue siendo ellaSharon Maguire debuta en los largometrajes con una película bien llevada, donde los gags más interesantes radican en los secundarios, compañeros de trabajo y ginecóloga, donde Darcy (Colin Firth), acaba por dejar de ser tan estirado al ver que Jack (Patrick Dempsey) se lleva las atenciones de su amada Bridget. Un triángulo amoroso interesante, aunque no podemos disfrutar esta vez de Hugh Grant; quizás para la próxima, por lo que sucede en el filme. Los actores están bien, Patrick Dempsey se esfuerza y lo consigue, Colin Firth es la elegancia en persona, quizás demasiado estirado para lo que necesita Bridget, y los secundarios dan aire a un filme que lo necesita en ocasiones.
Pero la verdadera protagonista de todo esto es Bridget Jones, una Renée Zellweger que pierde expresividad con todo lo que se ha hecho en la cara, pero que sigue siendo esa solterona tan especial que ya se ganó al público hace 12 años. Ha nacido para ser Bridget Jones y el éxito de esta película imagino que no será la última entrega, aunque sí que hay que renovarse de ideas y dejar los triángulos amorosos para las películas de los 90.
Colin Firth y Patrick Dempsey lucharán por el amor de Bridget y darán pie a situaciones muy cómicasEn definitiva, BRIDGET JONES'S BABY es una buena comedia, sobre todo para aquellos que vieron las dos anteriores hace más de una década y que pretenden pasar un buen rato por las aventuras de esta solterona con hijo en camino y con dos padres potenciales haciendo méritos para llevarla al altar. No es el colmo de la originalidad pero nos da lo que le pedimos. Echadle un vistazo.

Crítica: KUBO Y LAS DOS CUERDAS MÁGICAS

El estudio Laika nos trae una maravillosa historia ambientada en el Japón feudal, con animación stop-motion de una belleza y detallismo asombroso. Candidata segura a mejor película de animacion a los Oscar, es una película que todo el mundo debería ver, tanto grandes como pequeños. Esta semana hemos visto: KUBO Y LAS DOS CUERDAS MÁGICAS.

El estudio Laika había comenzado con buen pie su andadura con Los mundos de Coraline, con historia de Neil Gaiman, sin embargo, la cosa decayó con El alucinante mundo de Morgan y la última, Boxtrolls. Con KUBO Y LAS DOS CUERDAS MÁGICAS, no solo han seducido a la crítica, sino que han realizado su mejor película, posiblemente entre las mejores del año. Una sorpresa que, con trasfondo e historia para niños, sabe contentar al público más adulto. Y es que la historia de Kubo es oscura y triste, desmarcándose de la amabilidad de otras películas de animación y aportando mayor credibilidad, enseñando que la vida no todo es de color de rosa.
Alucinaréis con la belleza y recreación de los entornos naturales y de la época del Japón feudalNos situamos en el Japón feudal, donde Kubo toca el shamisen, con el que cuenta cuentos y de forma mágica consigue dar vida al papel, unas figuras de origami que se mueven a su voluntad y logran embaucar al espectador. Esos primeros minutos de metraje ya nos han ganado, igual que a los asitentes a su espectáculo. Pero no todo es alegría en la vida de este joven al que le falta un ojo: su madre era una maga poderosa y él ha de volver a casa siempre antes de que caiga el sol, de lo contrario la oscuridad y el mal que les persigue dará con ellos.
Misticismo oriental y oscuridad a la hora de mostrar a esos enemigos que le persiguen, diferenciándose de otras películas del estilo, e incluso pudiendo llegar a "asustar" a los más pequeños. Sin embargo, KUBO Y LAS DOS CUERDAS MÁGICAS sabe dar luz con unos personajes redondos, simpáticos y agradables, utilizando el humor cuando hace falta, igual que implementa el drama con fuerza, llevando al espectador a las lágrima si es preciso. La aventura de Kubo tendrás dos acompañantes: una mona y un escarabajo, ambos intentarán protegerle con sus vidas, y existirá gran complicidad entre ellos, así como secretos que serán revelados a su tiempo. Un guión sencillo, un cuento que merece ser contado y visto, y una ténica de animación que nos deja con la boca abierta desde el principio.
Escarabajo es un soldado, una figura que aporta carisma y simpatía a la aventuraY es que el estudio Laika demuestra estar a la altura de Pixar y Disney con una historia profunda y convincente. Raro sería ver la estatuilla de los Oscar yendo a parar a otro estudio que no sea Laika, porque KUBO Y LAS DOS CUERDAS MÁGICAS se ha ganado por propio derecho el reconocimiento de ser la mejor película de animación del año, sin medias tintas. La calidad de la animación es espectacular, realizado con gran mimo y detalle la  recreación del Japón feudal y el diseño de los personajes. La película contiene enseñanzas que se nos transmiten sin llegar a forzar nada, fluído, como debe ser.
Con el shamisen de fondo, el instrumento japonés, la banda sonora gana muchos enteros, el papel cobra vida y la animación de los cuentos de Kubo gana espectacularidad. KUBO Y LAS DOS CUERDAS MÁGICAS nos transportan a ese mundo de principio a fin, nos muestra la oscuridad y la crudeza sin amabilidad y también nos deleita con grandes combates y conversaciones humorísticas cuando toca. En el caso de las voces en la versión original, cuenta con Art Parkinson como Kubo, Charlize Theron como Mona, Mattew McConaughey como Escarabajo, Ralph Fiennes como el Rey Luna y Rooney Mara como las hermanas. Como veréis, todo un lujo.
Los tres van en busca de tres piezas mágicas que les ayudará a combatir a la oscuridadEn definitiva, KUBO Y LAS DOS CUERDAS MÁGICAS suponen el trampolín definitivo para que estudios Laika obtenga el reconocimiento merecido a un gran trabajo de animación en stop-motion que quita el sentido y llena la sala de cine de espectacularidad y belleza. Una película para niños y mayores que se disfruta, y mucho. La mejor película de animación del año, y se dice pronto. Ni se os ocurra perdérosla.

Crítica: LOS HOMBRES LIBRES DE JONES

En la Guerra de Secesión nortearmericana, Newton Knight lideró a un grupo de desertores del bando confederado. Lucharon contra las injusticias y saqueos que cometía su propio ejército y posteriormente contra el racismo en el sur. Una película para amantes de la historia y de los hombres buenos. Esta semana hemos visto: LOS HOMBRES LIBRES DE JONES.

Jones es un condado del sur de norteamérica, la película dirigida por Gary Ross comienza con un enfrentamiento entre unionistas y confederados, dejando claro que la guerra es cruel, con planos que a más de uno revolverán el estómago. Ahí conocemos a Newton Knight (Matthew McConaughey), enfermero en el campo de batalla, o más bien el que se dedica a recoger a los heridos y llevarlos al equipo médico. En un primer momento ya nos damos cuenta de que el rango está por delante, por lo que si alguien ha de vivir, estos serán los oficiales. Después de presenciar un duro hecho, Newton decide abandonar y se convierte en un desertor.
La película recrea a la perfección la crueldad de la Guerra de Secesión norteamericanaLOS HOMBRES LIBRES DE JONES es una película bien dirigida, dura y bélica que nos muestra las miserias de una época bárbara que terminó con la actual bandera estadounidense. La gran cantidad de muertes que provocó no cesó en la propia Guerra de Secesión, sino que años después nuevas batallas seguían librándose: el racismo. En el sur, sobre todo, el odio hacia los negros se cobraba muchas víctimas y vemos los inicios del Ku Klux Klan y también movimientos a favor de que los negros pudieran votar, pese a que no tuviera repercusión su voto. Como véis, la película de Gary Ross toca muchos palos, quizás el punto más flojo de la película.
Con la brillante y oscarizada 12 años de esclavitud en la mente en casi la totalidad del metraje, LOS HOMBRES LIBRES DE JONES bebe de esta y por ello no logra sorprender. Además, el racismo aquí no se abarca con la agresividad y fiereza con la que narraba Steve McQueen, y nos deja a medias en un tema que ocupa más de la mitad del interés de la película. Eso sí, la puesta en escena, la recreación de esa época es magnífica, con todo lujo de detalles, sobre todo en la crueldad de las batallas que se libran, aunque por lo general el tono de la película suele ser algo lento, donde dominan los silencios de un Matthew McConaughey que gusta y se gusta. Los secundarios, en especial Mahershala Ali y Gugu Mbatha-Raw, se muestran a gran nivel.
Una de las escenas que recrean la dureza de la vida en esa época. Y pensar que solo hace 150 años...Un biopic, o recreación historica de un hecho tan importante como la independencia del condado de Jones de Mississippi en plena Guerra de Secesión a manos de un grupo de desertores, esclavos y, hombres libres en general, es un caramelo en manos de un director, como también lo es encarnar a Newton Knight. El protagonismo de McConaughey es absoluto, y aunque la película se ha producido por y para los Oscar, me atrevería a afirmar que parte con pocas posibilidades de nominación a candidaturas interesantes. Más que nada por las similitudes que comparte con la gran 12 años de esclavitud, con la que pierde inevitablemente en las comparaciones.
Eso sí, LOS HOMBRES LIBRES DE JONES contiene mucha didáctica, sobre todo para estos tiempos en los que la lucha racial vuelve a estar en actualidad por los tristes sucesos que acontecen casi a diario en Estados Unidos. Un recordatorio de la lucha que se libró hace más de 100 años, incluso en el filme se nos da información sobre un juicio posterior en el que se juzga la validez de un matrimonio porque por las venas del marido corre un cierto porcentaje de sangre raza negra. De locos. Un salto temporal, por cierto, que considero innecesario y no aporta demasiado al filme, ya que es una reiteración de la lucha que ya se ha librado y que conocemos.
Los hombres libres del condado de Jones son desertores en su mayoría, pero también esclavosNo es que LOS HOMBRES LIBRES DE JONES sea mala película, en absoluto. Buena fotografía, dirección e interpretaciones más que solventes, pero no aporta nada nuevo al género, quizás es excesivamente larga y también algo lenta. Toca demasiados palos y, ya se sabe, quien mucho abarca poco aprieta. Es precisamente por eso que pierde fuelle al pretender salir de la Guerra de Secesión y meterse con los conflictos raciales en una misma película. En todo caso, disfrutaréis con Mattew McConaughey.

Crítica: JUEGO DE ARMAS

A veces la realidad supera a la ficción. Ya sabemos lo mucho que a los estadounidenses les gusta las armas, pero si eso le añadimos picaresca, que está basado en hechos reales y que la realiza el director de Resacón en Las Vegas, tenemos una película interesante, aunque no termina de convencer. Esta semana hemos visto: JUEGO DE ARMAS.

El humor de Resacón en Las Vegas era excesivo, aunque se daba a ello, sin embargo, el tono de JUEGO DE ARMAS es algo más oscuro, se deja llevar por el cliché gángster y funciona, aunque realmente el único que está a la altura es Jonah Hill, dando vida a un traficante de armas del tres al cuarto que invita a su amigo de la infancia, interpretado por Milles Teller, a asociarse con él y ganar dinero fácil. Tanto es así que consiguen, con trabajo duro y algún que otro engaño, hacerse con gran parte del pastel en una época donde la Guerra de Irak estaba en auge. El caso es que ambos harán lo que sea para lograr sus propósitos.
Con Bush a sus espaldas, la Guerra de Irak fue muy lucrativa para la industria armamentísticaObjetivos que, aparte de Jonah Hill, nadie más conoce. Hacerse rico, obviamente, aunque como todo en esta vida, la avaricia rompa el saco y se lleve a su amigo por delante. David es un masajista que ve frustrado un negocio en el que había invertido todo su dinero y al que no le queda otra que asociarse con él. Tenemos a un Milles Teller que convence, pero que no tiene esa garra que demostró tener en Whiplash, la antítesis de un Jonah Hill que crea una risa característica para un personaje que no es nadie sin él. Su mirada habla por sí sola y logra aportar un gran carisma. Sin duda, son lo mejor de la película.
El caso es que tiene su tono didáctico, enseña lo que es EEUU con el tema armamentístico, la picaresca y un sistema corrupto por todos lados en el que fue fácil lucrarse si tenías la suficiente jeta como para querer comerte el mundo y de paso a todo lo que se pusiera por delante. JUEGO DE ARMAS deja a la luz la oscuridad y los negocios turbios que se suceden a las espaldas de los ciudadanos, capitalismo puro y duro. A pesar de que pueda parecer una película cómica, que es lo que tratan de vender los tráilers, la crítica es feroz, incluso irónica con el sistema, dejando entrever las costuras al país más poderoso del mundo.
Jonah Hill muy carismático y Miller Teller solvente, una dupla con complicidadTodd Phillips nos muestra las aspiraciones de dos jovencísimos chavales cuyo objetivo es hacer dinero. Uno, con su novia embarazada, una Ana de Armas que aporta fondo al personaje de Milles Teller y poco más, y otro, Jonah Hill, cuyos objetivos parecen hacerse más a sí mismo que otra cosa. Y si no mirad a quién tiene en un cuadro de su oficina: nada más y nada menos que a Al Pacino en Scarface. En todo caso, JUEGO DE ARMAS es una película crítica, aunque podría haber mordido más fuerte y se queda en un poco de todo. Cómica, bélica y algún que otro adjetivo más para un filme que se queda a medio de todo.
En uno de sus viajes, han de viajar con sus armas por la frontera hasta IrakEn definitiva, JUEGO DE ARMAS es una película entretenida, aunque no tardaréis en olvidarla. Lo más relevante son las actuaciones de Milles Teller, siempre solvente, y un Jonah Hill que después de El Lobo de Wall Street al fin parece tener el protagonismo que merece. Ambos son futuro de Hollywood y han venido para quedarse. Si ya habéis visto la brillante Tarde para la ira, la película de Todd Phillips es una buena opción en cartelera.

Crítica: TARDE PARA LA IRA

Ya tenemos candidata a los Goya de este año. Raúl Arévalo estrena su ópera prima a lo grande. Un thriller con garra, que sorprende y nos hace disfrutar de dos grandes actores como Antonio de la Torre y Luis Callejo. Un espectáculo que va in crescendo y que no os podéis perder, de las mejores películas españolas del año. Esta semana hemos visto: TARDE PARA LA IRA.

Pocos debuts hay más brillantes que el de Raúl Arévalo, actor de La isla mínima, entre otras. Gran aprendizaje ha tenido de los más grandes, pero ni en nuestros mejores sueños pensábamos que nos traería una ópera prima tan magnífica como TARDE PARA LA IRA. Rodeado de un equipo de garantías y de un reparto a la altura, Raúl Arévalo se gana a pulso el Goya a mejor director novel y, de paso, se postula para mejor director junto a los grandes realizadores del año. ¿Vaticinio apresurado? Veremos.
La tensión es máxima y asfixiante. De la Torre y Callejo forman un gran binomio. BrilantesCurro (Luis Callejo) espera a la salida de una joyería. Sus cómplices están dando un gran golpe y él los tiene que sacar en coche de allí. Sin embargo, la cosa se complica y todos se desperdigan. En un increíble plano-secuencia, TARDE PARA LA IRA comienza demostrando que es una de las grandes. A Curro lo detienen y ha de pasar ocho años a la sombra. Rodada en súper 16mm, la tensión se nos transmite cuando el protagonismo pasa a José (Antonio de la Torre), un hombre de rostro indescifrable, que apenas muestra emociones y en un estado latente de furia controlada que parece querer explotar en el momento adecuado.
El guión de Raúl Arevalo y David Pulido nos sitúa en la Madrid castiza, barrios obreros y pobres donde la familia es lo más importante y los colegas forman parte de ella. Ese rodaje en súper 16mm nos transmite sensación de calor continua, algo que se agrava conforme avanza el filme y hace que el espectador se deje llevar por 88 minutos de metraje a los que asistimos casi con la boca abierta. El director utiliza primeros planos para detallarnos las emociones de los personajes, unas interpretaciones que se salen de lo común y que probablemente acaben en nominación, si no en premio seguro.
La venganza no sabe de lugares, ni tampoco de amigos o de familia. El fin justifica los mediosEl protagonista no es otro que Antonio de la Torre, es ya casi como Luis Tosar, sinónimo de éxito y grandes interpretaciones. Hermético, contenido e insensible, planificador letal que sabe transmitir con la mirada y nos hiela la sangre conforme avanza la película. Una interpretación brillante que tendrá su reconocimiento. Luis Callejo es todo lo contrario, una estampida de orgullo y violencia amenazante, sobre todo en los primeros compases de la película, algo que sabe matizar conforme avanza el guión, en una evolución digna de elogio y para nada fácil. Nominación a mejor secundario casi garantizada. Para nada desdeñables las interpretaciones de Ruth Díaz, mujer del personaje de Callejo, que también logra transmitirnos la difícil situación por la que atraviesa. Sin embargo, hay que destacar a Manolo Solo y su brevísima aparición, algo que quedará en la memoria del espectador como la mejor escena del año, y hace honor a aquello de "lo bueno, si breve, dos veces bueno". Fantásticos todos.
TARDE PARA LA IRA es la mejor película española del año. Y muy bueno tiene que ser lo que venga para arrebatarle tal reconocimiento. La venganza se sirve en frío y pese a que el guión no es nada novedoso, quizás lo más flojo de una película soberbia, el espectador disfruta con el avance y la evolución de los personajes de De la Torre y Callejo, un binomio que se complementa a la perfección y transmite esa tensión bochornosa en todo momento. Tarde es para la ira, pero la venganza viene cuando viene, y los acontecimientos se precipitan mostrándonos un espectáculo frío y tenso en el que el director no se regodea. La venganza no sabe de eso.
Tarde o no, la venganza ha de cobrarse y las emociones explotan. Un espectáculo digno de ver En definitiva, TARDE PARA LA IRA es lo mejor que podéis ver ahroa mismo en el cine. El mejor estreno de un director posible, una de las grandes candidatas a todo en los Goya que vienen y un espectáculo interpretativo a cargo de Antonio de la Torre y Jesús Callejo. ¿Necesitáis algo más para ir a verla? 88 minutos que vuelan y hacen que el espectador salga con una gran sonrisa de satisfacción del cine. ¿Qué queréis más? Corred a verla.

Crítica: NO RESPIRES

Por fin una película más que decente en cartelera. Con ella entenderéis enseguida lo que significa la palabra tensión en estado puro. Tres chicos planean un robo en una casa en la que solo vive un ciego. Un golpe fácil, pero nada más lejos de la realidad. Agarraos bien a la butaca. Esta semana hemos visto: NO RESPIRES.


El uruguayo Fede Álvarez realiza una magistral película con un presupuesto de lo más ajustado que a buen seguro cosechará grandes resultados en taquilla. Es un periodo más que interesante por la poca calidad de los filmes en estos momentos. NO RESPIRES es un llamamiento que no podéis dejar pasar si os gustan este tipo de películas con mucha carga de tensión y nervios a flor de piel. La trama es de lo más sencilla, a priori, y todo sucede en la casa de un ciego que perdió la vista en combate. Sí, es un veterano de guerra y los tiene muy buen puestos.

El trío opresor pasará a ser oprimido en menos de lo que canta un gallo. Simple pero efectivoEn los primeros compases se nos muestra la vida de los tres jóvenes que pretenden dar el golpe. Habituados a salirse con la suya, gracias en parte al negocio en seguridad de uno de los padres, los chicos planean entrar en la casa de un ciego del que se dice que está forrado de dinero a causa de un desafortunado accidente que sufrió su hija. Claro y directo, en poco más de 15 minutos ya estamos metidos en el ajo, o en la casa mejor dicho. Una casa aparentemente impenetrable, por lo que también será difícil salir de ella.

Angustia, claustrofobia y terror durante 88 minutos es lo que nos ofrece NO RESPIRES. No se anda por las ramas y enseguida nos da a entender que el golpe no va a ser fácil. Jane Levy interpreta con mucha solvencia a la chica del grupo, destaca por encima del resto gracias al trasfondo que le dan. Junto a ella tenemos a Dylan Minette algo más plano pero convincente y Daniel Zovatto, el líder atolondrado del grupo. Los tres se las verán con el alma de la película, que no es otro que Stephen Lang, magistral, violento y visceral.

Stephen Lang logra una interpretacion brillante e imponente. Las cosas no son lo que parecenEl director, Fede Álvarez da una clase de enfoques y planos interesantes, dotando a la película de una calidad poco vista en este tipo de filmes. Las escenas en la oscuridad, algún plano secuencia y la violencia de algunos momentos hacen que el director uruguayo se gane el reconocimiento del público, por lo que esperaremos nuevos trabajos suyos con ansia. Los tres ladrones, que eran los opresores, pasan a ser oprimidos por un viejo ciego y ex combatiente que todavía tiene mucha guerra que dar y muchos secretos que esconder. El espectador se mantiene aferado a su silla mientras reza por lo que les pueda pasar a los tres chicos.

Brillante el trabajo de Stephen Lang, una vez más, interpretando a un ciego que en cada plano nos provoca un escalofrío y que domina su casa hasta el más mínimo detalle. Capaz de captar olores, ruidos y con una tremenda fuerza, fruto de su entrenamiento como soldado, dotan a su personaje de un poder que someterá al espectador. Pocas veces un villano nos deja con la boca abierta y es justo decir que Stephen Lang es la base sobre la que NO RESPIRES funciona tremendamente bien. Y ojo al perro que se las trae, también entenderéis de verdad porqué el perro es el animal más fiel.


La atmósfera de la película es asfixiante, nos agobiamos con los protagonistas y sufrimos.Poco más que decir, salvo que no todo es bueno, quizás el final se aleja de lo brillante que es toda la película hasta su desenlace. Aún así, NO RESPIRES funciona y da al espectador al dosis de tensión y miedo que busca. Abstenéos aquellos que lo paséis realmente mal con este tipo de filmes; a los que disfrutéis como enanos, esta es vuestra película. Aprovechad que la cartelera está muy floja y no desperdiciéis la oportunidad de pasar 88 minutos que recordaréis. Ni se os ocurra perdérosla.