Félix A. Bas's Blog, page 90
June 25, 2018
Crítica: CON AMOR, SIMÓN
Un chico de 16 años no se atreve a revelar su homosexualidad y verá cómo todo su mundo se desmorona tras la filtración de unos emails en las manos equivocadas. Una comedia con toques dramáticos muy pedagógica y conveniente para trabajar la empatía. Esta semana hemos visto: CON AMOR, SIMÓN.
Love, Simon, está dirigida por Greg Berlanti y explica, de una manera muy clara y normalizada, como ha de ser, la vida de un chaval (Nick Robinson), que tiene muy clara su orientación sexual, pero que teme que todo el mundo que hay a su alrededor se desmorone con la noticia. Tanto es así, que con 16 años todavía oculta un secreto que, para su desgracia, se verá revelado contra su voluntad, comenzando así una serie de desafortunados incidentes que pondrán en peligro el mundo que le rodea.
CON AMOR, SIMÓN, no es una película de grandes artificios, tampoco busca la lágrima fácil, sino explicar el día a día de tantas personas que, muy a pesar de lo normalizada que pueda estar la orientación sexual de cada uno, conviven con una sociedad a la que deben dar explicaciones. ¿Por qué los heteros no salen del armario y los gays sí?, es una de las preguntas que se hace el protagonista al inicio de la película. El entorno social, las amistades, la comprensión de unos padres o familiares demasiado tradicionales; todo ello hace que la situación se haga un mundo para cualquiera. Tienen que luchar contra una sensación de frustración contra sí mismos que el filme sabe retratar con certeza.
Además, la película dirigida por Greg Berlanti es divertida y funciona como comedia. También como drama romántico, pues asistimos a algunas situaciones por las que el protagonista ha de lidiar y que, por desgracia, todavía muchos han de convivir. Quizás Nick Robinson carece del carisma necesario, y quizás Jennifer Garner y Josh Duhamel son los padres del año; seguro que tiene mucho azúcar y que todo se desarrolla como se espera por parte de la sociedad, pero antes que eso, sabe retratar bien la angustia y los sentimientos encontrados que se generan en una situación así.
En definitiva, CON AMOR, SIMÓN, es una película que no solo habla del hecho de ser homosexual, sino de todo el peso social que han de cargar en sus hombros. Propuesta normalizadora e integradora que funciona acertadamente y que se convierte en una película que funcionará bien en clase y que todos los educadores deberían tener en su videoteca particular. Os lo pasaréis bien y además os ayudará a empatizar, así que ni se os ocurra perdérosla.
Love, Simon, está dirigida por Greg Berlanti y explica, de una manera muy clara y normalizada, como ha de ser, la vida de un chaval (Nick Robinson), que tiene muy clara su orientación sexual, pero que teme que todo el mundo que hay a su alrededor se desmorone con la noticia. Tanto es así, que con 16 años todavía oculta un secreto que, para su desgracia, se verá revelado contra su voluntad, comenzando así una serie de desafortunados incidentes que pondrán en peligro el mundo que le rodea.
CON AMOR, SIMÓN, no es una película de grandes artificios, tampoco busca la lágrima fácil, sino explicar el día a día de tantas personas que, muy a pesar de lo normalizada que pueda estar la orientación sexual de cada uno, conviven con una sociedad a la que deben dar explicaciones. ¿Por qué los heteros no salen del armario y los gays sí?, es una de las preguntas que se hace el protagonista al inicio de la película. El entorno social, las amistades, la comprensión de unos padres o familiares demasiado tradicionales; todo ello hace que la situación se haga un mundo para cualquiera. Tienen que luchar contra una sensación de frustración contra sí mismos que el filme sabe retratar con certeza.
Además, la película dirigida por Greg Berlanti es divertida y funciona como comedia. También como drama romántico, pues asistimos a algunas situaciones por las que el protagonista ha de lidiar y que, por desgracia, todavía muchos han de convivir. Quizás Nick Robinson carece del carisma necesario, y quizás Jennifer Garner y Josh Duhamel son los padres del año; seguro que tiene mucho azúcar y que todo se desarrolla como se espera por parte de la sociedad, pero antes que eso, sabe retratar bien la angustia y los sentimientos encontrados que se generan en una situación así.
En definitiva, CON AMOR, SIMÓN, es una película que no solo habla del hecho de ser homosexual, sino de todo el peso social que han de cargar en sus hombros. Propuesta normalizadora e integradora que funciona acertadamente y que se convierte en una película que funcionará bien en clase y que todos los educadores deberían tener en su videoteca particular. Os lo pasaréis bien y además os ayudará a empatizar, así que ni se os ocurra perdérosla.
June 20, 2018
Crítica: NO DORMIRÁS
Osado título para un thriller psicológico que se vende como terror, que promete mucho en su inicio pero se pincha como un globo conforme avanza la trama. Lo mejor son las interpretaciones principales y el ambiente que se respira en el psiquiátrico. Poco más para la cooperación uruguaya-argentina-española. Esta semana hemos visto: NO DORMIRÁS.
Desde luego que dormiréis, os lo adelanto. No es, ni será, una película de terror. Algún susto que se ve venir de lejos y un final retorcido que tampoco satisface al público. Un inquietante psiquiátrico en el que un grupo de actores vanguardistas, con el personaje de Belén Rueda a la cabeza, trabaja para una obra revolucionaria. Dos actrices (Natalia de Molina y Eva de Dominici) se juegan el papel principal, pero tendrán que ir más allá de los límites del sueño para meterse en un papel que les marcará para siempre.
Desde luego, NO DORMIRÁS promete mucho, los tráilers están haciendo mucho daño a según qué filmes, y con este lo logran. Se nos vende como algo que no es y, por supuesto, el espectador sale decepcionado de una sala que ya de por sí no se llena. Es un género tan trillado que no logra aportar nada, y el guion se retuerce al final de forma innecesaria, más que nada porque lo único que se desea a esas alturas es que acabe de una vez. El ambiente del psiquiátrico está aprovechado a medias y en ningún momento sentimos esa tensión total que transmiten los referentes del género.
En definitiva, NO DORMIRÁS es una decepción maquillada por las interpretaciones de Eva de Medici y Natalia de Molina. Juega a terror y no lo consigue, una tensión a medias y un thriller que promete mucho y que no logra levantar el vuelo en ningún momento. Gustavo Fernández, su director, logra darle cierta impronta a la obra, pero no es suficiente. No la apuntéis en vuestra agenda porque la olvidaréis enseguida. Estáis advertidos.
Desde luego que dormiréis, os lo adelanto. No es, ni será, una película de terror. Algún susto que se ve venir de lejos y un final retorcido que tampoco satisface al público. Un inquietante psiquiátrico en el que un grupo de actores vanguardistas, con el personaje de Belén Rueda a la cabeza, trabaja para una obra revolucionaria. Dos actrices (Natalia de Molina y Eva de Dominici) se juegan el papel principal, pero tendrán que ir más allá de los límites del sueño para meterse en un papel que les marcará para siempre.
Desde luego, NO DORMIRÁS promete mucho, los tráilers están haciendo mucho daño a según qué filmes, y con este lo logran. Se nos vende como algo que no es y, por supuesto, el espectador sale decepcionado de una sala que ya de por sí no se llena. Es un género tan trillado que no logra aportar nada, y el guion se retuerce al final de forma innecesaria, más que nada porque lo único que se desea a esas alturas es que acabe de una vez. El ambiente del psiquiátrico está aprovechado a medias y en ningún momento sentimos esa tensión total que transmiten los referentes del género.
En definitiva, NO DORMIRÁS es una decepción maquillada por las interpretaciones de Eva de Medici y Natalia de Molina. Juega a terror y no lo consigue, una tensión a medias y un thriller que promete mucho y que no logra levantar el vuelo en ningún momento. Gustavo Fernández, su director, logra darle cierta impronta a la obra, pero no es suficiente. No la apuntéis en vuestra agenda porque la olvidaréis enseguida. Estáis advertidos.
June 18, 2018
Crítica: McQUEEN
A veces vemos por la tele documentales que hacen que uno se siente en el sofá y, hechizados por las imágenes que se nos muestran, sucumbimos sin más. Dicho magnetismo fluye de esta película documental que trata sobre uno de los más influyentes diseñadores de moda británicos. Su vida, al igual que su obra, fue tan aclamada como criticada, pero es un personaje digno de un gran biopic. Esta semana hemos visto: McQUEEN.
McQUEEN es una película documental, dirigida por Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, que narra la vida de Lee Alexander McQueen desde sus inicios hasta las cotas más altas de la fama en el mundo de la moda. Sin duda, uno de los diseñadores más transgresores, dejando huella en todos y cada uno de sus desfiles y colecciones. Su fin era el de causar emociones, y vaya si lo hacía, y a menudo no se le entendía. Un hombre al que se odiaba o amaba sin medias tintas y con un pasado tan oscuro que se plasmaba en un trabajo con tintes góticos, oscuros y depresivos. Sin embargo, consiguió llegar a la alta costura francesa de la mano de Givenchy para luego pasar a Gucci. Y mientras trabajaba en esas marcas mantenía la suya propia: McQueen.
McQUEEN habla de un personaje fascinante, de la vida y de la persona tras un artista que plasmaba sus demonios en todas sus obras y cuya vida laboral había pasado por las manos de una mentora: Isabella Blow. Alexander McQueen tuvo una carrera fulgurante, siendo nombrado en numerosas ocasiones mejor diseñador británico y haciéndose un hueco importante en el armario de muchas celebridades. La luz del carismático diseñador fue apagándose por el consumo de cocaína y medicamentos, acabando con su vida a los 40 años de edad. Pero lo que más daño le hizo fue el suicidio de su mentora y la muerte de su madre.
En definitiva, McQUEEN es una película documental excelentemente montada y tan hipnótica que no deja que tus ojos se despeguen de la pantalla. La vida de un diseñador polémico, de sus desfiles y de la forma que tenía de trabajar. Un talento innato que vivió atormentado por un duro pasado, pero reconocido como uno de los más grandes en la moda. Si os gustan los documentales, el mundo de la moda y los personajes carismáticos, esta es vuestra película. Ni se os ocurra perdérosla.
McQUEEN es una película documental, dirigida por Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, que narra la vida de Lee Alexander McQueen desde sus inicios hasta las cotas más altas de la fama en el mundo de la moda. Sin duda, uno de los diseñadores más transgresores, dejando huella en todos y cada uno de sus desfiles y colecciones. Su fin era el de causar emociones, y vaya si lo hacía, y a menudo no se le entendía. Un hombre al que se odiaba o amaba sin medias tintas y con un pasado tan oscuro que se plasmaba en un trabajo con tintes góticos, oscuros y depresivos. Sin embargo, consiguió llegar a la alta costura francesa de la mano de Givenchy para luego pasar a Gucci. Y mientras trabajaba en esas marcas mantenía la suya propia: McQueen.
McQUEEN habla de un personaje fascinante, de la vida y de la persona tras un artista que plasmaba sus demonios en todas sus obras y cuya vida laboral había pasado por las manos de una mentora: Isabella Blow. Alexander McQueen tuvo una carrera fulgurante, siendo nombrado en numerosas ocasiones mejor diseñador británico y haciéndose un hueco importante en el armario de muchas celebridades. La luz del carismático diseñador fue apagándose por el consumo de cocaína y medicamentos, acabando con su vida a los 40 años de edad. Pero lo que más daño le hizo fue el suicidio de su mentora y la muerte de su madre.
En definitiva, McQUEEN es una película documental excelentemente montada y tan hipnótica que no deja que tus ojos se despeguen de la pantalla. La vida de un diseñador polémico, de sus desfiles y de la forma que tenía de trabajar. Un talento innato que vivió atormentado por un duro pasado, pero reconocido como uno de los más grandes en la moda. Si os gustan los documentales, el mundo de la moda y los personajes carismáticos, esta es vuestra película. Ni se os ocurra perdérosla.
June 13, 2018
Crítica: JURASSIC WORLD: EL REINO CAÍDO
J. A. Bayona consigue, casi sin duda, una de las mejores secuelas de nuestra saga de dinousarios favorita. Buenas dosis de nostalgia, de acción y, cómo no, de tensión. Un entretenimiento puro y duro que se convierte en el blockbuster del verano y que vuelve a encaminar la obra de Steven Spielberg. Esta semana hemos visto: JURASSIC WORLD: EL REINO CAÍDO.
Jurassic World: Fallen kingdom tiene la impronta persona de J. A. Bayona desde el principio. Ese toque de tensión, la gran atmósfera que crea; el director español ha conseguido captar la esencia de Jurassic Park y ha conseguido dirigir una gran película que entretiene de principio a fin y que no cae en el romanticismo inoportuno de una pareja de actores que se comunican tan bien como Chris Pratt y Bryce Dallas Howard. El filme también tiene tiempo para hacerse preguntas ecológicas e incluso trascendentales.
En la isla Nublar, en la que ocurrieron los sucesos de Jurassic World, un volcán entra en erupción, amenazando la vida de todo el lugar y, por supuesto, de los dinosaurios que habitan en ella. Una organización privada tratará de salvarlos, para ello contratará a Claire (Bryce Dallas Howard), por su conocimiento de la isla. Y ella tendrá que recurrir a Owen (Chris Pratt), para intentar dar con Blue, aquel velociraptor que había criado desde casi su nacimiento. Sin embargo, pronto se darán cuenta de que no todo es lo que parece.
JURASSIC WORLD: EL REINO CAÍDO, es una película de aventuras, de idas y venidas, de huidas hacia adelante, y de mucha tensión. Hay escenas que nos recuerdan con nostalgia algunas ya vividas; pero no son iguales que las de Jurassic Park, sino que más bien nos recuerdan cómo nos atemorizábamos con la primera entrega. J. A. Bayona logra que volvamos a recuperar esos recuerdos y nos presenta una película de nivel que debería guiar la nueva senda de los próximos filmes de la saga.
En definitiva, JURASSIC WORLD: EL REINO CAÍDO, supone una de la mejores entregas de la saga. Un taquillazo asegurado que hará que comamos palomitas a manos llenas. No aburre en ningún momento, es tensa como solo J. A. Bayona sabe imprimir a sus películas y bastante consistente en su guion. Da que pensar y tanto Chris Pratt como Bryce Dallas Howard y el resto del elenco de actores se implican al cien por cien. Más oscura, más trascendental. Ni se os ocurra perdérosla.
Jurassic World: Fallen kingdom tiene la impronta persona de J. A. Bayona desde el principio. Ese toque de tensión, la gran atmósfera que crea; el director español ha conseguido captar la esencia de Jurassic Park y ha conseguido dirigir una gran película que entretiene de principio a fin y que no cae en el romanticismo inoportuno de una pareja de actores que se comunican tan bien como Chris Pratt y Bryce Dallas Howard. El filme también tiene tiempo para hacerse preguntas ecológicas e incluso trascendentales.
En la isla Nublar, en la que ocurrieron los sucesos de Jurassic World, un volcán entra en erupción, amenazando la vida de todo el lugar y, por supuesto, de los dinosaurios que habitan en ella. Una organización privada tratará de salvarlos, para ello contratará a Claire (Bryce Dallas Howard), por su conocimiento de la isla. Y ella tendrá que recurrir a Owen (Chris Pratt), para intentar dar con Blue, aquel velociraptor que había criado desde casi su nacimiento. Sin embargo, pronto se darán cuenta de que no todo es lo que parece.
JURASSIC WORLD: EL REINO CAÍDO, es una película de aventuras, de idas y venidas, de huidas hacia adelante, y de mucha tensión. Hay escenas que nos recuerdan con nostalgia algunas ya vividas; pero no son iguales que las de Jurassic Park, sino que más bien nos recuerdan cómo nos atemorizábamos con la primera entrega. J. A. Bayona logra que volvamos a recuperar esos recuerdos y nos presenta una película de nivel que debería guiar la nueva senda de los próximos filmes de la saga.
En definitiva, JURASSIC WORLD: EL REINO CAÍDO, supone una de la mejores entregas de la saga. Un taquillazo asegurado que hará que comamos palomitas a manos llenas. No aburre en ningún momento, es tensa como solo J. A. Bayona sabe imprimir a sus películas y bastante consistente en su guion. Da que pensar y tanto Chris Pratt como Bryce Dallas Howard y el resto del elenco de actores se implican al cien por cien. Más oscura, más trascendental. Ni se os ocurra perdérosla.
June 11, 2018
Crítica: LAS ESTRELLAS DE CINE NO MUEREN EN LIVERPOOL
Largo título que, sin embargo, resume a la perfección de lo que va esta película. Una historia de amor entre una veterana estrella de Hollywood venida a menos y un joven aspirante a actor que quedará prendado de todo lo que le rodea a su pareja. Interesante biopic sobre la vida de la actriz Gloria Grahame en sus últimos años de vida. Vais a llorar, y lo sabéis. Esta semana hemos visto: LAS ESTRELLAS DE CINE NO MUEREN EN HOLLYWOOD.
Film stars don't die in Liverpool está dirigida por Paul McGuigan, que al personaje de Gloria Grahame, una actriz de Hollywood que incluso llegó a ganar un Óscar como actriz de reparto y que trabajó con los más grandes, como Bogart. Casada cuatro veces, la última con su propio hijastro, esta femme fatale de las películas en blanco y negro acabó trabajando a medio camino entre California y Londres. En Liverpool fue donde, de casualidad, conoció a un vecino llamado Peter Turner. Y el resto nos lo cuenta la película. Una historia de amor que rompió la barrera de la edad y que acabó cuando la salud de la actriz entra en declive. Al poco de romper la relación, sin embargo, Gloria Grahame decide volver a Liverpool para recuperarse junto a la familia de Peter. Pero, como reza el cartel de la película, las estrellas de cine no mueren en Liverpool.
Es una película protagonizada por Annette Bening, que sin duda habría merecido la nominación al Oscar (creo que entraba en las del año pasado, quizás sobraba ya Meryl Streep). Su parecido físico es notable con Gloria Grahame, pero su desgarradora interpretación es digna de alabanzas. Por otra parte, también es el mejor trabajo de Peter Turner desde la inolvidable Billy Elliot que tantos recordaréis. Como película, LAS ESTRELLAS DE CINE NO MUEREN EN LIVERPOOL es un drama en toda regla. Un biopic de los que hacen saltar la lágrima, sobre todo porque el título ya nos indica qué sucederá. Sin embargo, es un filme que vale la pena ver, sobre todo por la gran y sublime interpretación de Annette Bening.
En definitiva, LAS ESTRELLAS DE CINE NO MUEREN EN LIVERPOOL es un gran biopic sobre una estrella de Hollywood de la que no sabíamos gran cosa, y de las que tanto habrá rondando por el cielo de Los Ángeles. Nos descubre, a ojos de Peter Turner, cómo es la actriz en la intimidad y de cara a los medios, y también qué significa ser una estrella de cine. Un drama en mayúsculas, así que coged los cleenex que os harán falta. Ni se os ocurra perdérosla.
Film stars don't die in Liverpool está dirigida por Paul McGuigan, que al personaje de Gloria Grahame, una actriz de Hollywood que incluso llegó a ganar un Óscar como actriz de reparto y que trabajó con los más grandes, como Bogart. Casada cuatro veces, la última con su propio hijastro, esta femme fatale de las películas en blanco y negro acabó trabajando a medio camino entre California y Londres. En Liverpool fue donde, de casualidad, conoció a un vecino llamado Peter Turner. Y el resto nos lo cuenta la película. Una historia de amor que rompió la barrera de la edad y que acabó cuando la salud de la actriz entra en declive. Al poco de romper la relación, sin embargo, Gloria Grahame decide volver a Liverpool para recuperarse junto a la familia de Peter. Pero, como reza el cartel de la película, las estrellas de cine no mueren en Liverpool.
Es una película protagonizada por Annette Bening, que sin duda habría merecido la nominación al Oscar (creo que entraba en las del año pasado, quizás sobraba ya Meryl Streep). Su parecido físico es notable con Gloria Grahame, pero su desgarradora interpretación es digna de alabanzas. Por otra parte, también es el mejor trabajo de Peter Turner desde la inolvidable Billy Elliot que tantos recordaréis. Como película, LAS ESTRELLAS DE CINE NO MUEREN EN LIVERPOOL es un drama en toda regla. Un biopic de los que hacen saltar la lágrima, sobre todo porque el título ya nos indica qué sucederá. Sin embargo, es un filme que vale la pena ver, sobre todo por la gran y sublime interpretación de Annette Bening.
En definitiva, LAS ESTRELLAS DE CINE NO MUEREN EN LIVERPOOL es un gran biopic sobre una estrella de Hollywood de la que no sabíamos gran cosa, y de las que tanto habrá rondando por el cielo de Los Ángeles. Nos descubre, a ojos de Peter Turner, cómo es la actriz en la intimidad y de cara a los medios, y también qué significa ser una estrella de cine. Un drama en mayúsculas, así que coged los cleenex que os harán falta. Ni se os ocurra perdérosla.
June 6, 2018
Crítica: ALGO CELOSA
Una profesora de humanidades, divorciada, pasa por una extraña época de su vida. Tanto es así que comienza a sentir celos no solo de su hija de 18 años, sino de todo lo que le rodea, llenándola de una infelicidad que le costará mucho superar. Divertida tragicomedia francesa, por llamarle de alguna manera. Esta semana hemos visto: ALGO CELOSA.
Jalouse está dirigida por los hermanos David y Stéphane Founkinos, y comienza con la profesora Nathalie Pêcheaux (Karin Viard) en un estado diferente al que acostumbraba. Siente que la juventud se le escapa de las manos, que su ex ha rehecho su vida, que todo a su alrededor es felicidad y que su hija de 18 años, bailarina de ballet, es bellísima (Dara Tombroff). Los celos y la crisis de la etapa madura de su vida le llevarán a una vorágine de actuaciones que harán que su vida se tambalee.
Karin Viard protagoniza y se echa a la espalda esta comedia con tintes de drama que hará reír al espectador, pero que también lleva alguna lección de vida y que, sin duda, más de uno se sentirá identificado con su actitud. Quizás en ocasiones se estira demasiado la cuerda, se abren demasiados frentes y se soluciona de una manera algo precipitada en los últimos minutos de metraje. Pero ALGO CELOSA tiene cierto encanto que logrará convencer al espectador. Algo tienen las películas francesas que siempre logran conseguir su propósito.
En definitiva, ALGO CELOSA se convierte en una comedia interesante, una comedia que se envenena y da lugar a un drama que, sin embargo, no deja de ser divertido. La revisión a una época que tarde o temprano llega y a la que debemos prepararnos mentalmente. Quizás se pasa de drama, aunque logra siempre sacar una sonrisa y lo endereza. Karin Viard en los momentos más serios es cuando mejor está. La mayoría de comedias francesas suelen cumplir las expectativas de los espectadores, y esta también. Echadle un vistazo.
Jalouse está dirigida por los hermanos David y Stéphane Founkinos, y comienza con la profesora Nathalie Pêcheaux (Karin Viard) en un estado diferente al que acostumbraba. Siente que la juventud se le escapa de las manos, que su ex ha rehecho su vida, que todo a su alrededor es felicidad y que su hija de 18 años, bailarina de ballet, es bellísima (Dara Tombroff). Los celos y la crisis de la etapa madura de su vida le llevarán a una vorágine de actuaciones que harán que su vida se tambalee.
Karin Viard protagoniza y se echa a la espalda esta comedia con tintes de drama que hará reír al espectador, pero que también lleva alguna lección de vida y que, sin duda, más de uno se sentirá identificado con su actitud. Quizás en ocasiones se estira demasiado la cuerda, se abren demasiados frentes y se soluciona de una manera algo precipitada en los últimos minutos de metraje. Pero ALGO CELOSA tiene cierto encanto que logrará convencer al espectador. Algo tienen las películas francesas que siempre logran conseguir su propósito.
En definitiva, ALGO CELOSA se convierte en una comedia interesante, una comedia que se envenena y da lugar a un drama que, sin embargo, no deja de ser divertido. La revisión a una época que tarde o temprano llega y a la que debemos prepararnos mentalmente. Quizás se pasa de drama, aunque logra siempre sacar una sonrisa y lo endereza. Karin Viard en los momentos más serios es cuando mejor está. La mayoría de comedias francesas suelen cumplir las expectativas de los espectadores, y esta también. Echadle un vistazo.June 4, 2018
Crítica: LA CHICA EN LA NIEBLA
Los thrillers gustan por sus giros de guion impredecibles y esa sensación de que todo el mundo tiene que algo que ocultar. La adaptación de la novela best-seller del propio director, Donato Carrisi, es efectiva, aunque sobreexplica el final. Te atrapa de principio a fin, algo que no todas pueden decir. Esta semana hemos visto: LA CHICA EN LA NIEBLA.
La Ragazza nella nebbia está dirigida por Donato Carrisi, cuya impronta nos deja un misterio que nos ata a la butaca a medida que se suceden los acontecimientos en un pequeño pueblo donde una joven desaparece. Su búsqueda llevará a un detective (Toni Servillo) a valerse de los medios de comunicación, en una crítica brutal al sensacionalismo que siempre buscan, para crear un culpable que acabe con el caso lo antes posible. Un profesor (Alessio Boni), es quien tiene todas las papeletas para ser el asesino, sin embargo, no existen indicios claros de que lo sea. Con los medios de comunicación encima, harán que su vida sea poco más que un infierno.
Disparar antes de apuntar siquiera es algo muy común en nuestra sociedad. De ahí la acertada crítica a los medios de comunicación de Donato Carrisi. En cuanto al filme, como thriller funciona a la perfección de principio a fin. Ahí es donde, precisamente, pierde fuelle, pues se sobreexplica un final que a todas luces era claro y, además, se saca un giro de los acontecimientos algo inexplicable. En todo caso, el guion es poco realista, teniendo en cuenta todo lo que sucede, pero como cine comercial no hay duda de que funciona.
En definitiva, LA CHICA EN LA NIEBLA es un thriller efectivo, basado en el best-seller de la obra de Donato Carrisi y con un buen elenco de actores, entre ellos Jean Reno y Toni Servillo. Lo mejor, quizás, la gran crítica que se le hace a los medios de comunicación, donde lo más importante no son los resultados de la investigación, sino los datos de audiencia y la carnaza para el espectador. Sensacionalismo que nos envuelve por todas partes y del que debemos huir. Si queréis pasar un buen rato de misterio e intriga, esta es vuestra película. Echadle un vistazo.
La Ragazza nella nebbia está dirigida por Donato Carrisi, cuya impronta nos deja un misterio que nos ata a la butaca a medida que se suceden los acontecimientos en un pequeño pueblo donde una joven desaparece. Su búsqueda llevará a un detective (Toni Servillo) a valerse de los medios de comunicación, en una crítica brutal al sensacionalismo que siempre buscan, para crear un culpable que acabe con el caso lo antes posible. Un profesor (Alessio Boni), es quien tiene todas las papeletas para ser el asesino, sin embargo, no existen indicios claros de que lo sea. Con los medios de comunicación encima, harán que su vida sea poco más que un infierno.
Disparar antes de apuntar siquiera es algo muy común en nuestra sociedad. De ahí la acertada crítica a los medios de comunicación de Donato Carrisi. En cuanto al filme, como thriller funciona a la perfección de principio a fin. Ahí es donde, precisamente, pierde fuelle, pues se sobreexplica un final que a todas luces era claro y, además, se saca un giro de los acontecimientos algo inexplicable. En todo caso, el guion es poco realista, teniendo en cuenta todo lo que sucede, pero como cine comercial no hay duda de que funciona.
En definitiva, LA CHICA EN LA NIEBLA es un thriller efectivo, basado en el best-seller de la obra de Donato Carrisi y con un buen elenco de actores, entre ellos Jean Reno y Toni Servillo. Lo mejor, quizás, la gran crítica que se le hace a los medios de comunicación, donde lo más importante no son los resultados de la investigación, sino los datos de audiencia y la carnaza para el espectador. Sensacionalismo que nos envuelve por todas partes y del que debemos huir. Si queréis pasar un buen rato de misterio e intriga, esta es vuestra película. Echadle un vistazo.
May 30, 2018
Crítica: BORG MCENROE
Antes de Nadal y Federer han habido muchas rivalidades en el tenis. Una de ellas es la que tuvieron en los 80 Björn Borg y John McEnroe. Una película deportiva a la altura de los acontecimientos. Bien narrada y, sobre todo, con cierto toque de drama psicológico con el que el espectador empatiza. Esta semana hemos visto: BORG MCENROE.
Janus Metz Pedersen, director sueco, regala a los fans del tenis una rivalidad de altura. Y es que Björn Borg (Sverrir Gudnason) ganó 5 Winbledon seguidos y era el rey del tenis por aquella época. Pero, como siempre pasa, apareció una figura que se alejaba de la elegancia y el saber estar del sueco. Y no era otro que John McEnroe, un torbellino de emociones que logró poner contra las cuerdas a Borg para, al año siguiente de los hechos que se narran en la película, desbancarlo de lo más alto del número 1 del tenis mundial.
Pero en BORG MCENROE no solo se nos narra el quinto Winbledon seguido de Björn Borg y su rivalidad con McEnroe, sino también las entrañas de los jugadores. Un rey como Borg, atenazado por el fracaso de no seguir ganando, exigente, maniático hasta la saciedad y con un volcán interno a punto de reventar. Por otro lado, el siempre luchador McEnroe, jugador de raza, que no se callaba ni debajo del agua y con fama de protestón como casi ninguno hasta la actualidad. Un par de personajes interpretados con solvencia por Sverrir Gudnason y un Shia LaBeouf conocedor del caramelo que es interpretar al gran McEnroe.
En definitiva, BORG MCENROE no es solo una película deportiva, así que la pueden disfrutar todos los públicos. Es un drama psicológico en el que asistimos a la forma de llevar el éxito de dos jugadores, de todos sus fantasmas y de una rivalidad que más tarde se tornó en profunda amistad. Algún día harán lo mismo sobre Nadal y Federer. Buena película sobre el género deportivo que tanto escasea últimamente. Echadle un vistazo y no os la perdáis.
Janus Metz Pedersen, director sueco, regala a los fans del tenis una rivalidad de altura. Y es que Björn Borg (Sverrir Gudnason) ganó 5 Winbledon seguidos y era el rey del tenis por aquella época. Pero, como siempre pasa, apareció una figura que se alejaba de la elegancia y el saber estar del sueco. Y no era otro que John McEnroe, un torbellino de emociones que logró poner contra las cuerdas a Borg para, al año siguiente de los hechos que se narran en la película, desbancarlo de lo más alto del número 1 del tenis mundial.
Pero en BORG MCENROE no solo se nos narra el quinto Winbledon seguido de Björn Borg y su rivalidad con McEnroe, sino también las entrañas de los jugadores. Un rey como Borg, atenazado por el fracaso de no seguir ganando, exigente, maniático hasta la saciedad y con un volcán interno a punto de reventar. Por otro lado, el siempre luchador McEnroe, jugador de raza, que no se callaba ni debajo del agua y con fama de protestón como casi ninguno hasta la actualidad. Un par de personajes interpretados con solvencia por Sverrir Gudnason y un Shia LaBeouf conocedor del caramelo que es interpretar al gran McEnroe.
En definitiva, BORG MCENROE no es solo una película deportiva, así que la pueden disfrutar todos los públicos. Es un drama psicológico en el que asistimos a la forma de llevar el éxito de dos jugadores, de todos sus fantasmas y de una rivalidad que más tarde se tornó en profunda amistad. Algún día harán lo mismo sobre Nadal y Federer. Buena película sobre el género deportivo que tanto escasea últimamente. Echadle un vistazo y no os la perdáis.
May 28, 2018
Crítica: SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS
Sin referencias a la Fuerza, sin política, ubicado diez años antes que "Una nueva esperanza", la primera en línea temporal de la saga. Es la historia de Han Solo y sus inicios como contrabandista, cómo conoce a Chewbacca y se convierte en uno de los mejores pilotos de la galaxia. Esta semana hemos visto: SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS.
Solo: A Star Wars Story es un filme que se aleja de las originales. No existen rebeldes, sí el imperio, pero ni rastro de sables láser ni política evidente. Han Solo (Alder Ehrenreich) vive en Corellia, atrapado junto a Qi'ra (Emilia Clarke), soñando con escapar y vivir miles de aventuras, pero no les será fácil conseguirlo. Los inicios de Han Solo nos indican la dureza de su vida y el porqué de intentar salvar siempre su cuello a costa de otros. Es un personaje que, si bien no tiene tanto carisma como el inigualable Harrison Ford, construye un propio Han Solo joven que, en mi opinión, cumple con creces. Bien por Alder Ehrenreich.
Junto a él encontramos a Chewbacca, los orígenes de su estrecha relación se nos abren, también con Lando Calrrissian (Donald Glover), que logra comerse la pantalla cuando aparece y que dará mucho más juego. Woody Harrelson es una especie de mentor de Han Solo, su personaje destila carisma, como siempre logra el actor. Sin embargo, si hay algún personaje que literalmente saca de pantalla al resto es un robot: L3. Segundo en la nave de Lando, este ciborg femenino luchará por liberar al resto de droides en su particular cruzada por la libertad. Un puntazo que es bienvenido.
SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS es divertida de principio a fin. Una especie de película de robos, de idas y venidas y de mucha acción. Particularmente interesantes las secuencias de persecuciones, donde ya vemos que Han Solo domina cualquier tipo de nave y logra sacar de más de un apuro a su equipo. Su lengua a veces le hará caer en problemas, algo que el Han Solo también conseguía, y hay ciertas dosis de humor que encajan bien en el conjunto. Podemos decir que es una película del universo Star Wars que, sin embargo, no acumula en su seno los elementos más característicos de la saga. Jedis y Sith no aparecen y se nos muestra una galaxia dominada por un imperio dedicado a la explotación de recursos valiosos para la causa.
En definitiva, Alden Ehrenreich no es Harrison Ford, pero dota de un carisma particular al personaje, algo que es muy de agradecer, y el elenco que le acompaña está a gran nivel. Emilia Clarke y esa candidez que le acompaña quizás ha de demostrar mucho todavía, porque habrá más películas de Han Solo, desde luego. Ron Howard, el director, se encarga de realizar una muy buena película que gustará a los fans y no lo hará con la crítica en general. Sin embargo, SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS es un entretenimiento puro de principio a fin que no os podéis perder.
Solo: A Star Wars Story es un filme que se aleja de las originales. No existen rebeldes, sí el imperio, pero ni rastro de sables láser ni política evidente. Han Solo (Alder Ehrenreich) vive en Corellia, atrapado junto a Qi'ra (Emilia Clarke), soñando con escapar y vivir miles de aventuras, pero no les será fácil conseguirlo. Los inicios de Han Solo nos indican la dureza de su vida y el porqué de intentar salvar siempre su cuello a costa de otros. Es un personaje que, si bien no tiene tanto carisma como el inigualable Harrison Ford, construye un propio Han Solo joven que, en mi opinión, cumple con creces. Bien por Alder Ehrenreich.
Junto a él encontramos a Chewbacca, los orígenes de su estrecha relación se nos abren, también con Lando Calrrissian (Donald Glover), que logra comerse la pantalla cuando aparece y que dará mucho más juego. Woody Harrelson es una especie de mentor de Han Solo, su personaje destila carisma, como siempre logra el actor. Sin embargo, si hay algún personaje que literalmente saca de pantalla al resto es un robot: L3. Segundo en la nave de Lando, este ciborg femenino luchará por liberar al resto de droides en su particular cruzada por la libertad. Un puntazo que es bienvenido.
SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS es divertida de principio a fin. Una especie de película de robos, de idas y venidas y de mucha acción. Particularmente interesantes las secuencias de persecuciones, donde ya vemos que Han Solo domina cualquier tipo de nave y logra sacar de más de un apuro a su equipo. Su lengua a veces le hará caer en problemas, algo que el Han Solo también conseguía, y hay ciertas dosis de humor que encajan bien en el conjunto. Podemos decir que es una película del universo Star Wars que, sin embargo, no acumula en su seno los elementos más característicos de la saga. Jedis y Sith no aparecen y se nos muestra una galaxia dominada por un imperio dedicado a la explotación de recursos valiosos para la causa.
En definitiva, Alden Ehrenreich no es Harrison Ford, pero dota de un carisma particular al personaje, algo que es muy de agradecer, y el elenco que le acompaña está a gran nivel. Emilia Clarke y esa candidez que le acompaña quizás ha de demostrar mucho todavía, porque habrá más películas de Han Solo, desde luego. Ron Howard, el director, se encarga de realizar una muy buena película que gustará a los fans y no lo hará con la crítica en general. Sin embargo, SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS es un entretenimiento puro de principio a fin que no os podéis perder.
May 23, 2018
Crítica: DEADPOOL 2
Vuelve con más fuerza que nunca nuestro superhéroe verborreico favorito. Y lo hace funcionando como la primera, quizás mejor, aunque ya sin el factor sorpresa. Y qué importa eso siempre y cuando tengamos a un Ryan Reynolds entregado con el papel y grandes dosis de acción visceral con humor negro del bueno. Qué queremos más. Esta semana hemos visto: DEADPOOL 2.
David Leith vuelve a ponerse a los mandos del superhéroe más interesante de Marvel con una claridad que a más de uno en el universo Marvel le gustaría tener. El humor Deadpool está presente de principio a fin. Es lo más negro que veréis, así que disfrutaréis como enanos con la verborrea de un Ryan Reynolds que se come la pantalla en un filme mucho más serio de lo que parece. Sin embargo, por muy seria que se ponga la cosa es inevitable que el espectador se parta el culo con Deadpool y sus infinitas referencias al universo Marvel. No faltarán las que dirige a la franquicia y, sobre todo, a su querido Logan.
El guion comienza con un feliz Deadpool, disfrutando de su novia (Morena Baccarin), de los desmembramientos a la mafia, yakuza y un sinfín de malotes que al final provocarán un suceso que marcará la vida de Wade Wilson. La familia, la amistad, todo se derrumbará y dará con sus huesos en la cárcel, donde conocerá a un niño mutante con particulares poderes. Por allí irrumpirá un Josh Brolin que, aparte de a Thanos, también está disponible para interpretar a Cable. Un villano interesante que se suma a la lista de secundarios que encabezará una chica con mucha suerte (Zazie Beetz), que aportará grandes momentos y escenas de acción al conjunto. Junto a ellos algunos X-Men, como el hombre de latón y los que ya salieron en la primera entrega.
Al final nos quedamos con unas secuencias de acción con sello Deadpool, son impresionantes a la par que impredecibles y casi vergonzantes en ocasiones. Porque Deadpool es el antihéroe, y ya se encarga él de hacérnoslo pasar en grande. DEADPOOL 2 es más grande, más cómica, con mejor acción y, en definitiva, mejor que la predecesora, y lo tenía difícil. Una comedia de acción que es de lo mejor del año, y una taquilla que va a echarle el guante a Los Vengadores en un abrir y cerrar de ojos. Además, hay escenas postcréditos imperdibles que resumen la esencia de Deadpool; nadie como él para reírse de él mismo en un universo Marvel que tiende a ser cada vez más serio.
En definitiva, DEADPOOL 2 constituye una buena sorpresa, esperada quizás, pero no por ello menos bienvenida. Plagado de acción, de gags aberrantes, humor negro a espuertas y colaboraciones especiales que harán las delicias de los fans. Ya era hora que Ryan Reynolds tuviera un superhéroe a su altura. Deadpool volverá, vaya que si lo hará. Su humor vulgar lo ha vuelto a hacer en forma de uno de los mejores filmes de superhéroes que se pueden hacer. Ni se os ocurra perdérosla.
David Leith vuelve a ponerse a los mandos del superhéroe más interesante de Marvel con una claridad que a más de uno en el universo Marvel le gustaría tener. El humor Deadpool está presente de principio a fin. Es lo más negro que veréis, así que disfrutaréis como enanos con la verborrea de un Ryan Reynolds que se come la pantalla en un filme mucho más serio de lo que parece. Sin embargo, por muy seria que se ponga la cosa es inevitable que el espectador se parta el culo con Deadpool y sus infinitas referencias al universo Marvel. No faltarán las que dirige a la franquicia y, sobre todo, a su querido Logan.
El guion comienza con un feliz Deadpool, disfrutando de su novia (Morena Baccarin), de los desmembramientos a la mafia, yakuza y un sinfín de malotes que al final provocarán un suceso que marcará la vida de Wade Wilson. La familia, la amistad, todo se derrumbará y dará con sus huesos en la cárcel, donde conocerá a un niño mutante con particulares poderes. Por allí irrumpirá un Josh Brolin que, aparte de a Thanos, también está disponible para interpretar a Cable. Un villano interesante que se suma a la lista de secundarios que encabezará una chica con mucha suerte (Zazie Beetz), que aportará grandes momentos y escenas de acción al conjunto. Junto a ellos algunos X-Men, como el hombre de latón y los que ya salieron en la primera entrega.
Al final nos quedamos con unas secuencias de acción con sello Deadpool, son impresionantes a la par que impredecibles y casi vergonzantes en ocasiones. Porque Deadpool es el antihéroe, y ya se encarga él de hacérnoslo pasar en grande. DEADPOOL 2 es más grande, más cómica, con mejor acción y, en definitiva, mejor que la predecesora, y lo tenía difícil. Una comedia de acción que es de lo mejor del año, y una taquilla que va a echarle el guante a Los Vengadores en un abrir y cerrar de ojos. Además, hay escenas postcréditos imperdibles que resumen la esencia de Deadpool; nadie como él para reírse de él mismo en un universo Marvel que tiende a ser cada vez más serio.
En definitiva, DEADPOOL 2 constituye una buena sorpresa, esperada quizás, pero no por ello menos bienvenida. Plagado de acción, de gags aberrantes, humor negro a espuertas y colaboraciones especiales que harán las delicias de los fans. Ya era hora que Ryan Reynolds tuviera un superhéroe a su altura. Deadpool volverá, vaya que si lo hará. Su humor vulgar lo ha vuelto a hacer en forma de uno de los mejores filmes de superhéroes que se pueden hacer. Ni se os ocurra perdérosla.
