Félix A. Bas's Blog, page 86
November 14, 2018
Crítica: INFILTRADO EN EL KKKLAN
La nueva película de Spike Lee produce sentimientos encontrados. Por una parte tenemos la parte cómica e irreverente que choca frontalmente con la seriedad de unos hechos y la manía de sermonear y tratar de dirigir la opinión pública. Aun así, es la mejor de Spike Lee en años; divertida, atrevida y setentera. Esta semana hemos visto: INFILTRADO EN EL KKKLAN.
Basada en una historia real, BlacKkKlansman, como reza su título original, es una divertida propuesta que tiene a John David Washington y a Adam Driver como protagonistas. Tras las cámaras un Spike Lee que, por fin, logra hacer algo potable. Es larga, demasiado, pero consigue mezclar el humor y la seriedad de la lucha racial con gran acierto. Tanto es así que un policía negro (John David Washington) tendrá que infiltrarse en el Ku Klux Klan. Sin embargo, al ser negro, deberá ser su compañero (Adam Driver) quien se lo haga físicamente. Uno al teléfono y otro en cuerpo, tendrán que trabajar codo con codo y enfrentarse a situaciones hilarantes mientras la agitada sociedad de los años setenta observa cómo se desarrolla el Black Power.
El humor que derrocha INILTRADO EN EL KKKLAN roza lo irreverente y sarcástico, a veces hilarantes situaciones nos hacen soltar una carcajada descontrolada. Sin embargo, conforme avanza el filme la cosa se va poniendo más seria, sin perder el toque, y quizás acaba siendo demasiada panfletaria, como si no diera al público la capacidad de escoger o pensar por sí mismo. Está claro lo que ocurrió en esos años, la discriminación racial y la gran lucha que se produjo por parte de la sociedad de la época. Pero no acabo de quitarme la sensación de que he sido sermoneado, cuando en realidad no era necesario.
En definitiva, INFILTRADO EN EL KKKLAN es una gran propuesta de Spike Lee. Hacía años que no hacía nada tan interesante. Una idea original que derrocha flow por los cuatro costados, unos actores entregados y un guion irreverente que mueve al filme de la comedia hacia el drama. Le sobra metraje, sí, también el sermón, pero es divertida y te mantiene en constante atención. No os la perdáis.
Basada en una historia real, BlacKkKlansman, como reza su título original, es una divertida propuesta que tiene a John David Washington y a Adam Driver como protagonistas. Tras las cámaras un Spike Lee que, por fin, logra hacer algo potable. Es larga, demasiado, pero consigue mezclar el humor y la seriedad de la lucha racial con gran acierto. Tanto es así que un policía negro (John David Washington) tendrá que infiltrarse en el Ku Klux Klan. Sin embargo, al ser negro, deberá ser su compañero (Adam Driver) quien se lo haga físicamente. Uno al teléfono y otro en cuerpo, tendrán que trabajar codo con codo y enfrentarse a situaciones hilarantes mientras la agitada sociedad de los años setenta observa cómo se desarrolla el Black Power.
El humor que derrocha INILTRADO EN EL KKKLAN roza lo irreverente y sarcástico, a veces hilarantes situaciones nos hacen soltar una carcajada descontrolada. Sin embargo, conforme avanza el filme la cosa se va poniendo más seria, sin perder el toque, y quizás acaba siendo demasiada panfletaria, como si no diera al público la capacidad de escoger o pensar por sí mismo. Está claro lo que ocurrió en esos años, la discriminación racial y la gran lucha que se produjo por parte de la sociedad de la época. Pero no acabo de quitarme la sensación de que he sido sermoneado, cuando en realidad no era necesario.
En definitiva, INFILTRADO EN EL KKKLAN es una gran propuesta de Spike Lee. Hacía años que no hacía nada tan interesante. Una idea original que derrocha flow por los cuatro costados, unos actores entregados y un guion irreverente que mueve al filme de la comedia hacia el drama. Le sobra metraje, sí, también el sermón, pero es divertida y te mantiene en constante atención. No os la perdáis.
November 12, 2018
Crítica: EL ÁNGEL
A principio de los 70, Carlos Robledo Puch, el asesino más famoso de Argentina, mató a una decena de personas y cometió múltiples robos. Con 20 años fue condenado a cadena perpetua y 40 años después la película que narra esa parte de su vida ve la luz. Éxito en taquilla en Argentina y preseleccionada para los Oscars. Esta semana hemos visto: EL ÁNGEL.
EL ÁNGEL es una gran película de principio a fin. Luis Ortega, su director, nos regala grandes dosis de sarcasmo y de personalidad. Lorenzo Ferro, que se estrena en el cine, no ha podido hacerlo mejor. Encarna a Carlos con una naturalidad y belleza que logra hechizar, justo lo que hacía el asesino, de ahí su apodo. La cinta es hipnótica de principio a fin, y el humor negro que destila, según voces más experimentadas, tiene tintes que recuerdan a Tarantino. No sé si será el caso, pero ya es la película más taquillera en Argentina, y bien merecido lo tiene.
Carlos Robledo Puch, el Ángel, fue un chaval que creció en el seno de una buena familia, decente y normal. Sin embargo, pronto demostró sus dotes de psicópata. Primero robando y después matando, fue alargando su lista de delitos. Entró en la cárcel con 20 y todavía hoy, con 45 años dentro, es el preso de mayor duración de Argentina. EL ÁNGEL logra retratar su personalidad, carente de empatía e incluso de satisfacción ante el logro. Lorenzo Ferro encarna a ese personaje de manera brillante, y nos regala algunas escenas impagables. Le acompaña también el Chino Darín como compañero de robo, eclipsado ante el arrollador Ángel.
En definitiva, EL ÁNGEL es una de las mejores películas argentinas del año y, por lo tanto, una seria candidata a representar finalmente a Argentina en los premios Oscar. Ha llegado a España y, si le dais oportunidad, os logrará hechizar. Un filme que deja huella y narra la vida de un psicópata con cara de ángel, lleno de explosividad, de una ambientación muy lograda y grandes dosis de sarcasmo. Es una película que no podéis dejar pasar. Avisados estáis.
EL ÁNGEL es una gran película de principio a fin. Luis Ortega, su director, nos regala grandes dosis de sarcasmo y de personalidad. Lorenzo Ferro, que se estrena en el cine, no ha podido hacerlo mejor. Encarna a Carlos con una naturalidad y belleza que logra hechizar, justo lo que hacía el asesino, de ahí su apodo. La cinta es hipnótica de principio a fin, y el humor negro que destila, según voces más experimentadas, tiene tintes que recuerdan a Tarantino. No sé si será el caso, pero ya es la película más taquillera en Argentina, y bien merecido lo tiene.
Carlos Robledo Puch, el Ángel, fue un chaval que creció en el seno de una buena familia, decente y normal. Sin embargo, pronto demostró sus dotes de psicópata. Primero robando y después matando, fue alargando su lista de delitos. Entró en la cárcel con 20 y todavía hoy, con 45 años dentro, es el preso de mayor duración de Argentina. EL ÁNGEL logra retratar su personalidad, carente de empatía e incluso de satisfacción ante el logro. Lorenzo Ferro encarna a ese personaje de manera brillante, y nos regala algunas escenas impagables. Le acompaña también el Chino Darín como compañero de robo, eclipsado ante el arrollador Ángel.
En definitiva, EL ÁNGEL es una de las mejores películas argentinas del año y, por lo tanto, una seria candidata a representar finalmente a Argentina en los premios Oscar. Ha llegado a España y, si le dais oportunidad, os logrará hechizar. Un filme que deja huella y narra la vida de un psicópata con cara de ángel, lleno de explosividad, de una ambientación muy lograda y grandes dosis de sarcasmo. Es una película que no podéis dejar pasar. Avisados estáis.
November 7, 2018
Crítica: BOHEMIAN RHAPSODY
Sentimientos encontrados ante una expectación tan grande como una película sobre Queen y la leyenda en que se ha convertido su cantante, Freddie Mercury. El ascenso de la banda, las crisis existenciales, los momentos más trascendentales de la vida de Freddie y el culmen en su concierto Live Aid en Wembley. Los fans estarán encantados. Esta semana hemos visto: BOHEMIAN RHAPSODY.
Dirigida por Bryan Singer y protagonizada por un sensacional Rami Malek, mimetizado por completo en Freddie Mercury. Le acompañan Joseph Mazzello, Ben Hardy y Gwilym Lee completando a Queen, y también la bella Lucy Boynton, uno de los amores de su vida. Es una película que narra el primer encuentro de la banda, un momento social importante en el que Freddie Mercury no solo rompió moldes con su estilo, sino también estereotipos. El ascenso de Queen fue meteórico; no encajaban en ningún estilo, sino que tenían el suyo propio. Sus canciones tenían alma, un sonido peculiar y un showman como Freddie Mercury, sin duda la mejor voz de la historia de la música (para un servidor, al menos).
Todo el interés que genera Queen y Freddie Mercury, sin embargo, no logra ser traducido en un filme que peca de abarcar mucho y no meter el cuchillo hasta el fondo. Quiere hablar de la unión de la banda, de su ascenso imparable hasta la cima, de los problemas de Freddie con las malas influencias, de sus escarceos amorosos con los hombres y del vacío que toda estrella siente al alcanzar la fama. Y todo eso se cuenta de manera superficial. No ahonda en nada concreto, simplemente narra y avanza, y deja al espectador la sensación de que no es una película completa. Y no lo es porque no se centra solo en Freddie Mercury, tampoco en sus problemas, ni mucho menos en Queen. Todo gira alrededor del Live Aid de Londres, pero cómo llegan hasta allí está narrado con demasiada premura. Incluso diría que hay escenas que son prescindibles.
Pero en cuanto a calidad musical y puesta en escena BOHEMIAN RHAPSODY sí está a la altura de la mítica banda. Con un Rami Malek impresionante, que no solo nos recuerda físicamente a Freddie Mercury, sino que hace que siga vivo. Lo mismo con el resto del elenco, algo más difuminados ante la arrolladora interpretación de Malik. Cuando Freddie aparece en escena, como cuando cantaba, se lleva la atención del espectador enseguida. Los números musicales nos transportan a la década de los 80 y 90 con su sonido, potencia y puesta en escena. Escuchar y rememorar las canciones en la gran pantalla es un lujo para los oídos. Sin embargo, podría haber sido un biopic enorme, sobre Queen o sobre Mercury, pero se ha quedado en un biopic correcto por no saber ahondar o escoger los temas principales.
En definitiva, BOHEMIAN RHAPSODY es un espectáculo para los oídos y la vista. Queen en estado puro. Conoceremos su historia, su ascenso, la vida de Freddie Mercury y los problemas en su vida y con la banda. Sin embargo, no ahondaremos en nada más y querremos más, mucho más. Es el sentimiento que te deja saber que el gran interés que despierta Queen no acaba de ser saciado. En todo caso, es obligatoria para fans de Queen y, sobre todo, para los que no los conocen todavía. Si es que existen. Ni se os ocurra perdérosla.
Dirigida por Bryan Singer y protagonizada por un sensacional Rami Malek, mimetizado por completo en Freddie Mercury. Le acompañan Joseph Mazzello, Ben Hardy y Gwilym Lee completando a Queen, y también la bella Lucy Boynton, uno de los amores de su vida. Es una película que narra el primer encuentro de la banda, un momento social importante en el que Freddie Mercury no solo rompió moldes con su estilo, sino también estereotipos. El ascenso de Queen fue meteórico; no encajaban en ningún estilo, sino que tenían el suyo propio. Sus canciones tenían alma, un sonido peculiar y un showman como Freddie Mercury, sin duda la mejor voz de la historia de la música (para un servidor, al menos).
Todo el interés que genera Queen y Freddie Mercury, sin embargo, no logra ser traducido en un filme que peca de abarcar mucho y no meter el cuchillo hasta el fondo. Quiere hablar de la unión de la banda, de su ascenso imparable hasta la cima, de los problemas de Freddie con las malas influencias, de sus escarceos amorosos con los hombres y del vacío que toda estrella siente al alcanzar la fama. Y todo eso se cuenta de manera superficial. No ahonda en nada concreto, simplemente narra y avanza, y deja al espectador la sensación de que no es una película completa. Y no lo es porque no se centra solo en Freddie Mercury, tampoco en sus problemas, ni mucho menos en Queen. Todo gira alrededor del Live Aid de Londres, pero cómo llegan hasta allí está narrado con demasiada premura. Incluso diría que hay escenas que son prescindibles.
Pero en cuanto a calidad musical y puesta en escena BOHEMIAN RHAPSODY sí está a la altura de la mítica banda. Con un Rami Malek impresionante, que no solo nos recuerda físicamente a Freddie Mercury, sino que hace que siga vivo. Lo mismo con el resto del elenco, algo más difuminados ante la arrolladora interpretación de Malik. Cuando Freddie aparece en escena, como cuando cantaba, se lleva la atención del espectador enseguida. Los números musicales nos transportan a la década de los 80 y 90 con su sonido, potencia y puesta en escena. Escuchar y rememorar las canciones en la gran pantalla es un lujo para los oídos. Sin embargo, podría haber sido un biopic enorme, sobre Queen o sobre Mercury, pero se ha quedado en un biopic correcto por no saber ahondar o escoger los temas principales.
En definitiva, BOHEMIAN RHAPSODY es un espectáculo para los oídos y la vista. Queen en estado puro. Conoceremos su historia, su ascenso, la vida de Freddie Mercury y los problemas en su vida y con la banda. Sin embargo, no ahondaremos en nada más y querremos más, mucho más. Es el sentimiento que te deja saber que el gran interés que despierta Queen no acaba de ser saciado. En todo caso, es obligatoria para fans de Queen y, sobre todo, para los que no los conocen todavía. Si es que existen. Ni se os ocurra perdérosla.
November 5, 2018
Crítica: EL FOTÓGRAFO DE MAUTHAUSEN
Un episodio más de los excesos nazis, esta vez narrado con voz española. Francesc Boix, fotógrafo que trabaja en el laboratorio del campo de concentración de Mauthausen, arriesgó su vida para salvar los negativos que, posteriormente, ayudaron a condenar a altos cargos nazis en el juicio de Nüremberg. Una película cruda y pedagógica. Esta semana hemos visto: EL FOTÓGRAFO DE MAUTHAUSEN.
Mar Targarona nos muestra, con todo lujo de detalles, la vida en el campo de concentración de Mauthausen (Austria). Allí murieron aproximadamente dos tercios de los ocho mil españoles internados. Francesc Boix (Mario Casas), trabajaba de ayudante en el laboratorio fotográfico. Se hicieron miles de fotos, las cuales mostraban el horror nazi: ajusticiamientos, muertes, presos desnutridos y un largo etcétera que sigue horrorizando. Sin embargo, al conocer que perderían la guerra, se quemó gran parte de las imágenes. Pero no todas, pues Francesc Boix arriesgó su vida y escondió numerosas. Esto sirvió para enjuiciar a los altos cargos de las SS, pues las fotos de Boix mostraban a Himmler y demás personajes del régimen visitando el campo de concentración.
EL FOTÓGRAFO DE MAUTHAUSEN pueden no contar con un presupuesto enorme, pero no es necesario. Recrea con acierto el campo de concentración, aunque quizás es más fluida y no se centra tanto en el horror como podría haber hecho. Pese a todo, cuenta con un Mario Casas desmejorado, al que le sobran películas para demostrar que su camino en el cine español es tan firme como seguro, y que es más versátil de lo que a algunos les parecía. Mar Targarona logra realizar una película intensa que logra atrapar al espectador y levanta indignación en algunas escenas, que son realmente terroríficas. Solo una muestra de todo lo que sucedía en los campos de concentración y que quizás otras películas sí muestran con mayor visceralidad.
En definitiva, EL FOTÓGRAFO DE MAUTHAUSEN nos habla de un héroe español. Comunista, republicano, considerado no español por los franquistas, que acabó en un campo de concentración y que, lejos de rendirse, luchó hasta el final contra el régimen nazi. Fue el único testigo que participó en los juicios de Nüremberg y, gracias a sus fotografías, consiguió que fueran penadas dichas atrocidades. Cine para aprender del pasado, aumenta la videoteca para docentes. No os la perdáis.
Mar Targarona nos muestra, con todo lujo de detalles, la vida en el campo de concentración de Mauthausen (Austria). Allí murieron aproximadamente dos tercios de los ocho mil españoles internados. Francesc Boix (Mario Casas), trabajaba de ayudante en el laboratorio fotográfico. Se hicieron miles de fotos, las cuales mostraban el horror nazi: ajusticiamientos, muertes, presos desnutridos y un largo etcétera que sigue horrorizando. Sin embargo, al conocer que perderían la guerra, se quemó gran parte de las imágenes. Pero no todas, pues Francesc Boix arriesgó su vida y escondió numerosas. Esto sirvió para enjuiciar a los altos cargos de las SS, pues las fotos de Boix mostraban a Himmler y demás personajes del régimen visitando el campo de concentración.
EL FOTÓGRAFO DE MAUTHAUSEN pueden no contar con un presupuesto enorme, pero no es necesario. Recrea con acierto el campo de concentración, aunque quizás es más fluida y no se centra tanto en el horror como podría haber hecho. Pese a todo, cuenta con un Mario Casas desmejorado, al que le sobran películas para demostrar que su camino en el cine español es tan firme como seguro, y que es más versátil de lo que a algunos les parecía. Mar Targarona logra realizar una película intensa que logra atrapar al espectador y levanta indignación en algunas escenas, que son realmente terroríficas. Solo una muestra de todo lo que sucedía en los campos de concentración y que quizás otras películas sí muestran con mayor visceralidad.
En definitiva, EL FOTÓGRAFO DE MAUTHAUSEN nos habla de un héroe español. Comunista, republicano, considerado no español por los franquistas, que acabó en un campo de concentración y que, lejos de rendirse, luchó hasta el final contra el régimen nazi. Fue el único testigo que participó en los juicios de Nüremberg y, gracias a sus fotografías, consiguió que fueran penadas dichas atrocidades. Cine para aprender del pasado, aumenta la videoteca para docentes. No os la perdáis.
November 2, 2018
Crítica: LA NOCHE DE HALLOWEEN
Mucho ha llovido desde la primera película en 1978 y, sin embargo, el toque retro no se ha perdido en esta secuela que hará las delicias de los fans del género. Michael Myers vuelve, y también lo hace Jamie Lee Curtis interpretando a Laurie Strode. Un viaje al pasado que sale bien parado. Esta semana hemos visto: LA NOCHE DE HALLOWEEN.
Halloween, como reza su título original, es la secuela, 40 años después de la película dirigida por John Carpenter (ahora productor). David Gordon Green quien dirige y da otro punto de vista, con más comicidad, al personaje de Michael Myers y a su famosa máscara. El guion no es nada del otro mundo, pero la ambientación y la originalidad en la forma de matar del asesino hace que el espectador se mantenga en tensión de principio a fin.
Alrededor de la figura de Michael Myers, 40 años después, se ha levantado gran interés y expectación. Sin embargo, sigue recluido en un centro penitenciario/psicológico del que será trasladado. Sin embargo, como imaginaréis, la cosa no acaba de salir del todo bien, y el psicópata logrará escapar y sembrar el caos por donde pasa. Un reguero de sangre a sus espaldas que, sin embargo, le llevará a toparse con Laurie Strode (Jamie Lee Curtis). La protagonista de la película original ya es abuela, pero se ha estado preparando para este día.
En definitiva, LA NOCHE DE HALLOWEEN es una buena película de terror. Michael Myers es más duro que el pan de ayer, no muere ni a tiros, y se ha metido algunos gags cómicos que funcionan bien. Por lo demás, sustos, asesinatos, sangre y terror en una muy digna secuela. A los fans les encantará y consigue divertirnos, cosa que a otras muchas películas del género les cuesta. No os la perdáis.
Halloween, como reza su título original, es la secuela, 40 años después de la película dirigida por John Carpenter (ahora productor). David Gordon Green quien dirige y da otro punto de vista, con más comicidad, al personaje de Michael Myers y a su famosa máscara. El guion no es nada del otro mundo, pero la ambientación y la originalidad en la forma de matar del asesino hace que el espectador se mantenga en tensión de principio a fin.
Alrededor de la figura de Michael Myers, 40 años después, se ha levantado gran interés y expectación. Sin embargo, sigue recluido en un centro penitenciario/psicológico del que será trasladado. Sin embargo, como imaginaréis, la cosa no acaba de salir del todo bien, y el psicópata logrará escapar y sembrar el caos por donde pasa. Un reguero de sangre a sus espaldas que, sin embargo, le llevará a toparse con Laurie Strode (Jamie Lee Curtis). La protagonista de la película original ya es abuela, pero se ha estado preparando para este día.
En definitiva, LA NOCHE DE HALLOWEEN es una buena película de terror. Michael Myers es más duro que el pan de ayer, no muere ni a tiros, y se ha metido algunos gags cómicos que funcionan bien. Por lo demás, sustos, asesinatos, sangre y terror en una muy digna secuela. A los fans les encantará y consigue divertirnos, cosa que a otras muchas películas del género les cuesta. No os la perdáis.
October 31, 2018
Crítica: LA CASA DEL RELOJ EN LA PARED
Cine familiar con actores carismáticos pero sin mucha originalidad. Es un buen resumen para una película que cuenta con Jack Black y Cate Blanchett como protagonistas y que, además, tiene mucha magia y una casa con muchas cosas por descubrir. Los niños se lo pasarán bien y los mayores no demasiado mal, así que cumple. Esta semana hemos visto: LA CASA DEL RELOJ EN LA PARED.
The house with a clock in its wall, como si solo tuviera un solo reloj en la casa, está dirigida por Eli Roth. Es cine comercial, para todos los públicos y con dos figuras carismáticas que le aportan comicidad y entidad al conjunto. Lewis (Owen Vaccaro) es un chico huérfano que tendrá que mudarse a casa de su tío (Jack Black), en la descubrirá toda clase de rincones y mucha magia. Su tío, además, tiene una peculiar relación con su vecina (Cate Blanchett), quien no dudará en arrimar el hombro cuando el pobre Lewis, por error, despierte a un terrible mago.
Técnicamente no está nada mal. Lo tiene todo: acción, efectos especiales, magia, una casa enorme con muchas posibilidades... También es muy cómica, como no podía ser de otra manera, Jack Black se encarga de animar la película, pero también lo hace la sinuosa Cate Blanchett con un personaje agradecido y alejado de lo que suele interpretar. El pequeño Owen Vaccaro interpreta al joven Lewis, que alucinará con la magia que aprende pero que, sin embargo, no goza de demasiado carisma en su entorno. Eso le llevará a tomar decisiones cuestionables que acabarán llevando al tío y a la vecina a actuar para salvar la humanidad.
En definitiva, LA CASA DEL RELOJ EN LA PARED supone un buen entretenimiento para los más pequeños. Algo simple en su guion, pero técnicamente conseguida. No quedará para el recuerdo de los más mayores, ni seguramente de los más jóvenes, pero no se le puede pedir más a una comedia de aventuras y magia dirigida a ese tipo de público. Es amable y divertida, y tiene a Jack Black y a Cate Blanchett. Tampoco hay que pedirle más.
The house with a clock in its wall, como si solo tuviera un solo reloj en la casa, está dirigida por Eli Roth. Es cine comercial, para todos los públicos y con dos figuras carismáticas que le aportan comicidad y entidad al conjunto. Lewis (Owen Vaccaro) es un chico huérfano que tendrá que mudarse a casa de su tío (Jack Black), en la descubrirá toda clase de rincones y mucha magia. Su tío, además, tiene una peculiar relación con su vecina (Cate Blanchett), quien no dudará en arrimar el hombro cuando el pobre Lewis, por error, despierte a un terrible mago.
Técnicamente no está nada mal. Lo tiene todo: acción, efectos especiales, magia, una casa enorme con muchas posibilidades... También es muy cómica, como no podía ser de otra manera, Jack Black se encarga de animar la película, pero también lo hace la sinuosa Cate Blanchett con un personaje agradecido y alejado de lo que suele interpretar. El pequeño Owen Vaccaro interpreta al joven Lewis, que alucinará con la magia que aprende pero que, sin embargo, no goza de demasiado carisma en su entorno. Eso le llevará a tomar decisiones cuestionables que acabarán llevando al tío y a la vecina a actuar para salvar la humanidad.
En definitiva, LA CASA DEL RELOJ EN LA PARED supone un buen entretenimiento para los más pequeños. Algo simple en su guion, pero técnicamente conseguida. No quedará para el recuerdo de los más mayores, ni seguramente de los más jóvenes, pero no se le puede pedir más a una comedia de aventuras y magia dirigida a ese tipo de público. Es amable y divertida, y tiene a Jack Black y a Cate Blanchett. Tampoco hay que pedirle más.
October 29, 2018
Crítica: ANIMALES SIN COLLAR
Thriller político para el estreno de Jota Linares tras las cámaras. Una historia donde el empoderamiento de la mujer queda bien patente, y que habla sobre las segundas oportunidades y, también, del pasado. Porque este siempre vuelve, aunque a veces de la manera menos oportuna. Esta semana hemos visto: ANIMALES SIN COLLAR.
Jota Linares, su recién estrenado director, maneja con intensidad los tiempos y la tensión que, poco a poco, despierta la película en el espectador. Nos situamos en Andalucía, donde Abel (Daniel Grao), tiene cerca ganar las elecciones y hacer historia. Nora es su mujer (Natalia de Molina), una chica sumisa a la sombra del político que, sin embargo, oculta una verdad que puede sacudir los cimientos sobre los que se sostiene su relación y el futuro político de Abel. A todo ello se le unirá la inesperada visita de una antigua amiga (Natalia Mateo) y la caída en desgracia de otro de ellos, que pretende no caer solo (Ignacio Mateos).
Ese cóctel explosivo hará que el personaje de Natalia de Molina deba elegir entre mantener oculto su secreto o hacer que todo estalle. La tensión aumentará conforme avanza la trama, y también el empoderamiento de una mujer que ha vivido durante demasiado tiempo en las sombras. ANIMALES SIN COLLAR es una película interesante desde el punto de vista social y político. ¿Hasta qué punto es capaz el ser humano de indagar en el pasado de una persona para dejarle fuera del juego político? Más actual imposible, pensaréis. Sin embargo, hay alguna subtrama que no es necesaria para el desarrollo de la historia, personajes prescindibles, etc.
En definitiva, ANIMALES SIN COLLAR es un buen thriller político. Habla de cómo el pasado nos afecta, nos persigue y nos ahoga. Del empoderamiento y liberación de la mujer, del poder de la información y de las amistades. Un buen debut de Jota Linares, de quien, a partir de esta película, no le faltarán oportunidades para demostrar un talento que, a todas luces, ha demostrado tener. No os la perdáis.
Jota Linares, su recién estrenado director, maneja con intensidad los tiempos y la tensión que, poco a poco, despierta la película en el espectador. Nos situamos en Andalucía, donde Abel (Daniel Grao), tiene cerca ganar las elecciones y hacer historia. Nora es su mujer (Natalia de Molina), una chica sumisa a la sombra del político que, sin embargo, oculta una verdad que puede sacudir los cimientos sobre los que se sostiene su relación y el futuro político de Abel. A todo ello se le unirá la inesperada visita de una antigua amiga (Natalia Mateo) y la caída en desgracia de otro de ellos, que pretende no caer solo (Ignacio Mateos).
Ese cóctel explosivo hará que el personaje de Natalia de Molina deba elegir entre mantener oculto su secreto o hacer que todo estalle. La tensión aumentará conforme avanza la trama, y también el empoderamiento de una mujer que ha vivido durante demasiado tiempo en las sombras. ANIMALES SIN COLLAR es una película interesante desde el punto de vista social y político. ¿Hasta qué punto es capaz el ser humano de indagar en el pasado de una persona para dejarle fuera del juego político? Más actual imposible, pensaréis. Sin embargo, hay alguna subtrama que no es necesaria para el desarrollo de la historia, personajes prescindibles, etc.
En definitiva, ANIMALES SIN COLLAR es un buen thriller político. Habla de cómo el pasado nos afecta, nos persigue y nos ahoga. Del empoderamiento y liberación de la mujer, del poder de la información y de las amistades. Un buen debut de Jota Linares, de quien, a partir de esta película, no le faltarán oportunidades para demostrar un talento que, a todas luces, ha demostrado tener. No os la perdáis.
October 24, 2018
Crítica: LA SOMBRA DE LA LEY
Año 1921, es un momento agitado en España. Los anarquistas toman las calles y la violencia se dispara bajo un trasfondo de negocios ilegales y turbios. El robo de un tren que contiene armas hará que Aníbal Uriarte encabece la investigación para atrapar a los ladrones. Mafia a la española. Esta semana hemos visto: LA SOMBRA DE LA LEY.
Dani de la Torre dirige una producción con todo lujo de detalles. La recreación de la época es impresionante en todos los sentidos. Se ha invertido mucho esfuerzo y dinero en la España de 1921 y, desde luego, es lo mejor de la película. En cuanto a guion no está mal, pero es algo plana y sus personajes no son demasiado carismáticos. Y eso, con Luis Tosar en escena, es ciertamente difícil. Él interpreta a Aníbal Uriarte, un policía que se desplaza de Madrid a Barcelona para dar con aquellos que han robado un tren. Todo indica que son los anarquistas, por lo que su grupo de búsqueda deberá dar con ellos.
Vicente Romero y Ernesto Alterio forman parte de ese equipo. La corrupción se ha apoderado de ellos, se mueven en las sombras y sus métodos son de todo menos correctos. El personaje de Ernesto Alterio es, quizás, el que más matices e impresión deja en el espectador; un personaje soez, a la antigua, sin remordimientos, bien por Alterio. Michelle Jenner encabeza la lucha femenina por los derechos, y verá cómo la situación se complica hasta tal punto que su padre (Paco Tous), cabeza visible de la lucha trabajadora, verá puesta su vida en peligro. Mientras el equipo de policías busca a los ladrones y los trabajadores luchan por sus derechos, encontramos en el epicentro a un empresario de dudosa reputación que ansía subir a lo más alto de la sociedad barcelonesa (Manolo Solo). Él lo sabe todo, y utilizará su influencia cuando le convenga.
En definitiva, LA SOMBRA DE LA LEY cuenta con una producción asombrosa. La España de 1921 nunca ha lucido mejor. Los planos son interesantes, la fotografía y el detalle general de los emplazamientos y objetos de época. Sin embargo, el carisma de sus personajes y el guion no son para tirar cohetes. En todo caso, recrea a la perfección los problemas sociales de una época tan turbulenta como los años posteriores demostraron ser. Un placer visual que recuerda, de lejos, a película de mafia americana. No os la perdáis.
Dani de la Torre dirige una producción con todo lujo de detalles. La recreación de la época es impresionante en todos los sentidos. Se ha invertido mucho esfuerzo y dinero en la España de 1921 y, desde luego, es lo mejor de la película. En cuanto a guion no está mal, pero es algo plana y sus personajes no son demasiado carismáticos. Y eso, con Luis Tosar en escena, es ciertamente difícil. Él interpreta a Aníbal Uriarte, un policía que se desplaza de Madrid a Barcelona para dar con aquellos que han robado un tren. Todo indica que son los anarquistas, por lo que su grupo de búsqueda deberá dar con ellos.
Vicente Romero y Ernesto Alterio forman parte de ese equipo. La corrupción se ha apoderado de ellos, se mueven en las sombras y sus métodos son de todo menos correctos. El personaje de Ernesto Alterio es, quizás, el que más matices e impresión deja en el espectador; un personaje soez, a la antigua, sin remordimientos, bien por Alterio. Michelle Jenner encabeza la lucha femenina por los derechos, y verá cómo la situación se complica hasta tal punto que su padre (Paco Tous), cabeza visible de la lucha trabajadora, verá puesta su vida en peligro. Mientras el equipo de policías busca a los ladrones y los trabajadores luchan por sus derechos, encontramos en el epicentro a un empresario de dudosa reputación que ansía subir a lo más alto de la sociedad barcelonesa (Manolo Solo). Él lo sabe todo, y utilizará su influencia cuando le convenga.
En definitiva, LA SOMBRA DE LA LEY cuenta con una producción asombrosa. La España de 1921 nunca ha lucido mejor. Los planos son interesantes, la fotografía y el detalle general de los emplazamientos y objetos de época. Sin embargo, el carisma de sus personajes y el guion no son para tirar cohetes. En todo caso, recrea a la perfección los problemas sociales de una época tan turbulenta como los años posteriores demostraron ser. Un placer visual que recuerda, de lejos, a película de mafia americana. No os la perdáis.
October 22, 2018
Crítica: FIRST MAN
Esperada película de Damien Chazelle que narra la vida y obra de Neil Armstrong desde el momento en que ingresa en la NASA para convertirse en el primer hombre en pisar la Luna. La misión más arriesgada posible en plena carrera espacial con los soviéticos y un panorama social demasiado inestable en Estados Unidos. Técnicamente impresionante, intensa y bien interpretada por Ryan Gosling. Esta semana hemos visto: FIRST MAN.
FIRST MAN se sitúa entre 1961 y 1969. Numerosas pruebas salen mal en los proyectos Gemini. Mueren muchas personas antes de que Neil Armstrong (Ryan Gosling) se embarque en el Apolo para llegar a la luna y pisarla. Nunca sabremos qué hay de verdad en todo eso, pero de lo que hay que hablar es de que Damien Chazelle, su director, nos ponía en gran expectativa sobre su trabajo. Es un cambio radical con respecto a sus dos obras maestras (La la land y Whiplash), y, aunque técnicamente es impresionante y fiel a lo sucedido en la realidad, no acaba de emocionarnos y, en ocasiones, acaba siendo algo monótona. No acompaña el carácter de Neil Armstrong (Ryan Gosling), que es una persona sumamente fría y centrada en su objetivo. A su lado, una Claire Foy que, como esposa, nunca parece entender qué le pasa por la cabeza a su marido.
FIRST MAN cuenta también con la acertada banda sonora de, cómo no, Justin Hurwitz, y con la impresionante fotografía de Linus Sandgren. Dos personas que van unidas allá donde va Damien Chazelle. Abundan los primeros planos y la originalidad de estos, la tensión de algunos momentos y la magnitud del evento se ven reflejados en momentos de silencio tenso y algo opresivo, reflejado en los rostros de sus protagonistas. Un elenco encabezado con un Ryan Gosling siempre cumplidor, aunque con un personaje que no luce. Le acompañan Claire Foy, Jason Clarke, Kyle Chandler y Corey Stoll. Sin embargo, es Ryan Gosling el eje sobre el que se centra el filme, como no podía ser de otra manera.
Se acercan los Oscars, y esta película luchará por algunos. Banda sonora, fotografía, efectos especiales, sonido, montaje y un largo etcétera. Falta mucho todavía, pero técnicamente FIRST MAN es impecable. Se hará algo lenta y tediosa para el espectador, sin duda puede llegar a serlo, y hemos tenido ya muchas películas sobre el espacio durante estos años, así que tampoco es rompedora, como lo fue Gravity en su momento. Eso no quiere decir que Damian Chazelle no realice una obra impresionante en todos los sentidos. Documentación, recreación histórica... es una película muy bien trabajada en todos los aspectos y cuidada hasta el más mínimo detalle. Una película que se convierte en una de las mejores del año, sin lugar a dudas.
En definitiva, FIRST MAN nos da un paseo por la luna junto a un Neil Armstrong interpretado fielmente por Ryan Gosling. Es lenta, detallista, reflexiva y en ocasiones opresiva (utiliza muchos planos cortos para ello). Su fotografía es exquisita y es muy fiel con los hechos que ocurrieron (o no). Es una de las películas del año, pero no todo el mundo sabrá apreciarlo. En todo caso, la veremos en los Oscars. Solo sus competidores decidirán hasta dónde es capaz de llegar. No es lo mejor de Damien Chazelle, pero el listón estaba muy alto.
FIRST MAN se sitúa entre 1961 y 1969. Numerosas pruebas salen mal en los proyectos Gemini. Mueren muchas personas antes de que Neil Armstrong (Ryan Gosling) se embarque en el Apolo para llegar a la luna y pisarla. Nunca sabremos qué hay de verdad en todo eso, pero de lo que hay que hablar es de que Damien Chazelle, su director, nos ponía en gran expectativa sobre su trabajo. Es un cambio radical con respecto a sus dos obras maestras (La la land y Whiplash), y, aunque técnicamente es impresionante y fiel a lo sucedido en la realidad, no acaba de emocionarnos y, en ocasiones, acaba siendo algo monótona. No acompaña el carácter de Neil Armstrong (Ryan Gosling), que es una persona sumamente fría y centrada en su objetivo. A su lado, una Claire Foy que, como esposa, nunca parece entender qué le pasa por la cabeza a su marido.
FIRST MAN cuenta también con la acertada banda sonora de, cómo no, Justin Hurwitz, y con la impresionante fotografía de Linus Sandgren. Dos personas que van unidas allá donde va Damien Chazelle. Abundan los primeros planos y la originalidad de estos, la tensión de algunos momentos y la magnitud del evento se ven reflejados en momentos de silencio tenso y algo opresivo, reflejado en los rostros de sus protagonistas. Un elenco encabezado con un Ryan Gosling siempre cumplidor, aunque con un personaje que no luce. Le acompañan Claire Foy, Jason Clarke, Kyle Chandler y Corey Stoll. Sin embargo, es Ryan Gosling el eje sobre el que se centra el filme, como no podía ser de otra manera.
Se acercan los Oscars, y esta película luchará por algunos. Banda sonora, fotografía, efectos especiales, sonido, montaje y un largo etcétera. Falta mucho todavía, pero técnicamente FIRST MAN es impecable. Se hará algo lenta y tediosa para el espectador, sin duda puede llegar a serlo, y hemos tenido ya muchas películas sobre el espacio durante estos años, así que tampoco es rompedora, como lo fue Gravity en su momento. Eso no quiere decir que Damian Chazelle no realice una obra impresionante en todos los sentidos. Documentación, recreación histórica... es una película muy bien trabajada en todos los aspectos y cuidada hasta el más mínimo detalle. Una película que se convierte en una de las mejores del año, sin lugar a dudas.
En definitiva, FIRST MAN nos da un paseo por la luna junto a un Neil Armstrong interpretado fielmente por Ryan Gosling. Es lenta, detallista, reflexiva y en ocasiones opresiva (utiliza muchos planos cortos para ello). Su fotografía es exquisita y es muy fiel con los hechos que ocurrieron (o no). Es una de las películas del año, pero no todo el mundo sabrá apreciarlo. En todo caso, la veremos en los Oscars. Solo sus competidores decidirán hasta dónde es capaz de llegar. No es lo mejor de Damien Chazelle, pero el listón estaba muy alto.
October 17, 2018
Crítica: VENOM
Una oportunidad perdida para un personaje que podría haber sido un villano muy oscuro pero que, por desgracia, acaba siendo un héroe más del montón. Tom Hardy lo intenta, pero el producto es tan malo que ni siquiera él lo levanta. Decepción mayor por lo que podía haber sido y no fue. Esta semana hemos visto: VENOM.
Eddie Brock (Tom Hardy), vive del periodismo de investigación junto a su mujer abogada (Michelle Williams). Pretende, en su próximo trabajo, desenmascara a la Fundación Vida, dirigida por Carlton Drake (Riz Ahmed). En VENOM se gesta el inicio del personaje, y casi su muerte cinematográfica si alguien no le pone remedio. El villano, como es en realidad el simbionte, acaba aliándose con su humano y juntos tratan de salvar el mundo. No tiene sentido que un personaje tan oscuro haga eso, pero Marvel consigue hacerlo y se carga el poco interés que había por el filme. El talento de Tom Hardy nunca ha estado tan malgastado.
Tom Hardy lo intenta, sobreactúa, claro, pero aun así es el alma de la película. Funcionan algunos gags cómicos, y la acción no es mala, pero entre tanto efecto especial al final acaba siendo algo mareante. El guion no es nada del otro mundo y sus personajes tampoco nos transmiten empatía. Las conversaciones entre simbionte y humano tienen algo de chispa, pero ese no es Venom, es su versión con purpurina y azúcar. No es lo que los fans necesitan, y tampoco lo que un fan de la acción desea. Es decir, se queda a medio camino de todo lo que propone y, lo único que hace bien, es dejar insatisfecho al espectador.
En definitiva, sin alargarme más, VENOM es el fracaso de Marvel para hacer películas con personajes oscuros. Un villano interesante con el que poder hacer algo diferente acaba convirtiéndose en un superhéroe más unido a la causa de la justicia. Saldréis de la película igual que entrasteis, decepcionados y preguntándoos hacia dónde se encamina el Venom que Marvel se ha inventado. Yo lo tengo claro, si siguen así mejor que no haya segunda parte. Que la habrá. No vale la pena verla.
Eddie Brock (Tom Hardy), vive del periodismo de investigación junto a su mujer abogada (Michelle Williams). Pretende, en su próximo trabajo, desenmascara a la Fundación Vida, dirigida por Carlton Drake (Riz Ahmed). En VENOM se gesta el inicio del personaje, y casi su muerte cinematográfica si alguien no le pone remedio. El villano, como es en realidad el simbionte, acaba aliándose con su humano y juntos tratan de salvar el mundo. No tiene sentido que un personaje tan oscuro haga eso, pero Marvel consigue hacerlo y se carga el poco interés que había por el filme. El talento de Tom Hardy nunca ha estado tan malgastado.
Tom Hardy lo intenta, sobreactúa, claro, pero aun así es el alma de la película. Funcionan algunos gags cómicos, y la acción no es mala, pero entre tanto efecto especial al final acaba siendo algo mareante. El guion no es nada del otro mundo y sus personajes tampoco nos transmiten empatía. Las conversaciones entre simbionte y humano tienen algo de chispa, pero ese no es Venom, es su versión con purpurina y azúcar. No es lo que los fans necesitan, y tampoco lo que un fan de la acción desea. Es decir, se queda a medio camino de todo lo que propone y, lo único que hace bien, es dejar insatisfecho al espectador.
En definitiva, sin alargarme más, VENOM es el fracaso de Marvel para hacer películas con personajes oscuros. Un villano interesante con el que poder hacer algo diferente acaba convirtiéndose en un superhéroe más unido a la causa de la justicia. Saldréis de la película igual que entrasteis, decepcionados y preguntándoos hacia dónde se encamina el Venom que Marvel se ha inventado. Yo lo tengo claro, si siguen así mejor que no haya segunda parte. Que la habrá. No vale la pena verla.
