Félix A. Bas's Blog, page 62

Crítica: PERFUMES

Comedia francesa con tintes dramáticos, aunque en realidad no es ni una ni otra cosa más que el relato de una amistad Todo ello, eso sí, con el glamour francés y los olores de por medio. No es sorprendente, pero sí elegante. Esta semana hemos visto: PERFUMES.

Les parfums está dirigida por Grégory Magne y cuenta con Emmanuelle Devos para dar ese toque de elegancia que tiene la película. Ella es nariz, es decir, una persona que trabaja con aromas y fragancias para crear perfumes. Sin embargo, ahora trabaja para algo menos glamouroso, intentando relanzar su carrera. En estas topará con un chófer (Grégory Montel), a quien le quedan pocos puntos de carné y además ha de tener trabajo estable con el fin de poder ver a su hija. Ambos mundos muy distintos que, sin embargo, convergerán y sacarán lo mejor de ambos, no sin antes tener roces. PERFUMES es excesivamente francesa, tanto es así que tiene poco de comedia y de diversión. No obstante, el espectador se siente embelesado por el aroma que desprende, por el glamour de un oficio que no conoce y que parece realmente interesante. El choque de una diva venida a menos y de un hombre común y mundano que parece ser el único que se enfrenta a ella es lo que les mantiene unidos. Por lo demás, nada de giros argumentales ni abruptos, pese a que eso no empaña el conjunto.
En definitiva, PERFUMES es una película que cumple lo prometido, que es entretener. No tiene ínfulas de hacer otra cosa, algo que se le agradece, y no decepciona porque no hay más expectativas que pasar un buen rato. Comedia francesa que no trascenderá por su capacidad par arrancarnos sonrisas pero sí para que sepamos que la elegancia es algo inherente al país vecino. Echadle un vistazo.

Crítica: DESEANDO AMAR

Veinte años han pasado ya de una de las películas más románticas que existen, además de ser de las mejor valoradas por los críticos en cualquier ranking cinéfilo. Ahora lo entiendo todo, por supuesto. Un film donde el amor está implícito y las imágenes son tan poderosas que nos desarman. Cine en mayúsculas. Esta semana hemos visto: DESEANDO AMAR.

In the mood for love, o Fa yeung nin wa, dirigida por Wong Kar-Wai, es un clásico del cine, una de las maravillas que ahora nos regalan en pantalla grande con una remasterización en cines. Una película que habla precisamente de eso, del deseo de amar con todas las fuerzas y, sin embargo, parece que nunca es capaz de llegar a buen puerto. Los personajes de Tony Leung y Maggie Cheung tienen a sus respectivos cónyuges volando por todo el mundo debido al trabajo. Poco tardarán en darse cuenta de una terrible realidad que los unirá y hará que entre ambos traten de emular el comportamiento de sus respectivas parejas para combatir la soledad y el desamor. Eso los llevará a tener una relación tan especial que nos llevará por las calles de Hong Kong de 1962, tristes, decadentes, sucias y lluviosas, con unas imágenes tan potentes y evocadoras que nos sumergen de lleno en un mundo de insinuaciones y de "qué será".
La música juega un gran papel, fundamental, en DESEANDO AMAR. Tanto es así que el "quizás, quizás, quizás" se convierte en el estandarte de un filme que nos demuestra las ganas de amar de ambos y, sin embargo, la dificultad para que eso dé a lugar. La muestra de que la vida no es de color de rosa y que múltiples factores obligan. Es una película en la que ambos protagonistas se reprimen hasta límites insospechados, donde se juega con el espectador y somos nosotros los que hacemos nuestras conjeturas sobre hasta dónde han sido capaces de llegar ambos. El final es una lección de vida, de saber escoger los trenes precisos, de que la vida nos atrapa y nos arrolla si no somos lo suficientemente vivos.
En definitiva, DESEANDO AMAR es un peliculón que trasciende la pantalla. Un sinfín de imágenes potentes, sugerentes, tristes y bellas, tanto como los vestidos de Maggie Cheung, impresionantes, o las coloridas corbatas de Tony Leung. Wong Kar-Wai nos regala un film de quien alguien ha dicho ser la película más romántica de la historia. Es diferente, es arte puro, cine en todo su esplendor. Una película que debéis ver obligatoriamente. No os la podéis perder.

Reseña: EL APRENDIZ DE ASESINO

Primera novela de la trilogía del Vatídico con la que me inicio con la escritora Robin Hobb, best-seller mundial que acumula premios y reconocimientos. Fantasía clásica de corte parsimonioso que atrapará al lector con su mundo de corte feudal. Esta semana hemos leído: EL APRENDIZ DE ASESINO.

  Título: EL APRENDIZ DE ASESINO


Autor: Robin Hobb


Editorial: DeBolsillo


Nº de páginas: 392

Fecha de publicación: 2014



INFORMACIÓN
Sinopsis: La primera novela de la trilogía del Vatídico El joven Traspié es el hijo bastardo del príncipe Hidalgo, heredero al trono de los Seis Ducados. En la corte, crece bajo la tutela del arisco caballerizo de su padre. Todos los miembros de la realeza lo consideran un paria, salvo el taimado rey Artimañas, que ordena que su secretario lo adiestre en el arte del asesinato.Como era de esperar, Traspié ha heredado la Habilidad, la magia de la familia real, pero también un conocimiento más oscuro y propio de un muchacho criado en un establo entre animales. Cuando un sanguinario enemigo empieza a asolar las costas, Traspié ya está preparado para servir como un hombre. Pronto se enfrentará a su primera y peligrosa misión. Pese a que algunos lo ven como una amenaza al trono, quizá sea en realidad la clave de la supervivencia del reino. Autor: Robin Hobb nacida en 1952 en California, se ha convertido en una de las grandes estrellas del firmamento de la fantasía épica.En sus novelas huye siempre de los personajes que existen solo para cumplir su fin en la trama. Cada uno de ellos tiene vida propia y particular o, como dice la autora, cada uno es el personaje principal y protagonista.Sus libros son número uno en ventas en Estados Unidos y Gran Bretaña y la publicación de cada uno de ellos es un auténtico acontecimiento situándose, incluso, en la lista de más vendidos de The New York Times.  
RESEÑA
Assassin's aprentice, es fantasía clásica, es decir, tiene un ritmo pausado y lento, se toma casi tres cuartos de la novela para presentarnos a su protagonista y también en construir el mundo en el que se mueven. Sin embargo, Traspié, que así se llama su protagonista, o más bien lo llaman, es un niño peculiar que puede controlar a los animales (una especie de cambiaformas) y es bastardo del rey, por lo que su vida es muy difícil en la Torre del Arce. Esta primera novela forma parte de la trilogía del Vatídico (The farseer trilogy), en la que se nos presenta un mundo en el que, además de lo dicho, Traspié aprende la vía del asesino y tendrá que enfrentarse a sus propios miedos y aspiraciones, puesto que forma parte de la línea sucesoria.
El aprendiz de asesino cuenta con una creación de mundo muy interesante, aunque su personaje principal, Traspié, tiene poco carisma. Imagino que en las novelas siguientes esto mejorará, puesto que muchas de sus decisiones están tomadas desde la perspectiva de un niño abandonado, criado por un mozo de caballerizas (con más de un secreto que contar) y enseñado por hombres que poco o ningún respeto le tienen. Con el príncipe Hidalgo muerto (su padre), que era principal heredero del trono, tendrá que lidiar con sus otros dos hermanos mientras jura lealtad a su abuelo, el rey Artimañas, a quien servirá como asesino. En el último cuarto de novela Traspié ya comienza a darse cuenta de muchas cosas y se prevé una continuación algo más trepidante, si es el caso.
En definitiva, EL APRENDIZ DE ASESINO es una buena novela introductoria. Se toma su tiempo Robin Hobb, escritora de gran renombre y reconocida mundialmente por sus obras, pero vale la pena si eres un lector paciente que reconoce una buena construcción de mundos y personajes. No hay nada similar actualmente, puesto que todo es más rápido y con mayor acción. En cualquier caso, su desarrollo es similar a las obras de Patrick Rotfhuss, si os queréis hacer una idea. En cualquier caso, es fantasía medieval de la buena y os invito a conocerla.

VALORACIÓN: 7'5/10

TOP 10 mejores películas del 2020

Año duro para el cine a todos los niveles. Las mejores películas se han ido posponiendo durante el confinamiento y las premiadas para los Oscar y demás nos llegarán tarde. Las plataformas como Netflix y Amazon Prime Video siguen dando buenos resultados y el cine se niega a morir, como las buenas películas. Este año ha costado, aunque no tanto como otros. Tendréis vuestras favoritas, como siempre, pero estas son las mías. Excluyo las muy oscarizadas, que para eso hago post especial de los Oscars, aunque hago mención especial a Diamantes en bruto, Papicha, Un amigo extraordinario, Los dos papas, El faro y Ema, que fueron del 2019 y merecen reconocimiento. Podréis leer su crítica del blog pinchando en el nombre de la película. ¡Ahí va mi lista! 10. HATER
 Netflix nos trae esta película que nos habla de la manipulación de los mass media, sobre cómo influencian sobre las sociedades algunos lobbys y también sobre la presión social. Todo ello encarnado en un personaje protagonista que tiene mucha sustancia y crece en el seno de esa organización por su falta de escrúpulos a la hora de actuar y tomar decisiones. La realidad de la sociedad de unos pocos que controlan al resto se hace evidente en una película que invita a la reflexión y es ciertamente hipnótica. Bajo presupuesto, estrenada en Netflix y una de las que pegó fuerte durante el confinamiento. Trata temas de actualidad, de aspiraciones de la vida y de malas decisiones y las consecuencias de estas.

9. NO MATARÁS
 Una película de acción trepidante y adrenalítica que nos pone en la piel de un Mario Casas que se ve seducido por la peligrosa Milena Smit y lo lleva de un lado hacia a otro sin freno y cuesta abajo. No sé en qué punto de su carrera Mario Casas recibirá el merecido reconocimiento por su trabajo, pero es evidente que se marca una interpretación impresionante en una de las mejores películas españolas del año y no estar nominado al Goya sería un claro ninguneo que no se merece en absoluto. Un film que no quita el pie del acelerador en ningún momento, lo que hace que el espectador disfrute como pocas veces. Si queréis adrenalina, tensión, acción y un buen entretenimiento, esta es vuestra película.
 8. ESPECIALES
 Es probable que no la hayáis visto y que haya pasado desapercibida por cartelera, pero es tan necesaria y potente que es inevitable que se cuele en este top. La vida de esas personas que se dedican a ayudar a las demás, en este caso una organización que trabaja con personas autistas rozando la ilegalidad de unas leyes que tampoco ayudan a que todo vaya bien, o al menos como es debido. Ellos, educadores, sociales, integradores, profesionales de la educación, acompañan a personas, las forman para poder trabajar y valerse por sí mismas y también las protegen de la sociedad. Una película que ayuda a visibilizar a todos los trabajadores del sector y, de paso, abre los ojos a aquellos que pretenden seguir teniéndolos cerrados.
7. THE GENTLEMEN. LOS SEÑORES DE LA MAFIA
 Guy Ritchie dirige a un elenco de intérpretes de altura, con lo que ello conlleva. Sin embargo, todos ellos tienen un propósito y esta película de mafia contemporánea es tan original, divertida y entretenida que funciona a las mil maravillas. Estrenada justo antes de la pandemia, deja muy buen sabor de boca. McConauguey, Colin Farrell, Charlie Hunnam y un renacido Hugh Grant, que encuentra un personaje que es un filón en un registre que no le habíamos visto y con el que disfrutamos, entre otras estrellas. Mafia de nueva ola, con lo que ello conlleva: idas, venidas, traiciones, acción, humor de todo tipo y un buen espectáculo que no pasa desapercibido.
  6. FALLING

Viggo Mortensen dirige y protagoniza su primera película, además, acompañado por un enorme Lance Henriksen, a quien le regala un papel que es todo un caramelo para un actor tan veterano. Un padre que no atiende a razones, que es de lo peor y, sin embargo, cuenta a su lado con un hijo que se desvive por cuidar de él. Los roces, el abismo emocional, la familia y demás surgirán a relucir en su difícil relación. Un Viggo Mortensen comedido en su película más personal, contrasta con un Lance Henriksen desatado como padre al que un hijo jamás podría querer. Un filme de actores, duro y dramático que puede indignar al espectador en alguna de sus escenas, puesto que son duras, sobre todo cuando el padre se dirige al hijo. Padre del año desde luego que no es.

5. MANK
 Mank es un guionista de Hollywood brillante; sin embargo, el alcohol y su verborrea hacen que más a menudo de lo que le conviene asista a fiestas y deje su huella personal en ellas. Es el guionista de Ciudadano Kane, y en esta película se narran sus aventuras a la hora de escribirlo y, de paso, parte de su vida. Recordemos que esa película, que dicen cambió la historia del cine, recibió el Oscar a mejor guion precisamente, compartido entre unos cuantos pero elaborado únicamente por Mank. Gary Olman está de nominación con un personaje que es otro regalo de parte de David Fincher, quien llevaba sin dirigir durante seis años. Una película con un precioso blanco y negro donde se nos muestra la Hollywood de los años dorados. No es apta para todo el mundo, pero no por ella es menos buena.
4. EL PADRE
 Brutal y emotiva película de Florian Zeller, quien dirige a un Anthony Hopkins que interpreta a un padre de 80 años con demencia que se aferra a su libertad para decidir cómo vivir. Por otra parte, Olivia Colman, una hija abnegada que ve cómo el vínculo que tiene su padre con la realidad se va perdiendo progresivamente y, de paso, se da cuenta de que no cuenta con las herramientas suficientes como para poder ayudarlo. Una película dura, triste y cargada de emoción. Un duelo de interpretaciones que va a saldarse con la nominación segura de Anthony Hopkins a todo, y veremos si no se lo lleva. Desatado, eufórico, comedido, destrozado y emocional. Todo en uno. Una película tan imperdible como reflexiva para el espectador; eso sí, os puede dejar destrozados, pero vale mucho la pena.

3. EL HOYO
 Una impresionante película a la que no tengo claro que se le haya dado el merecido reconocimiento. La sociedad estratificada en pisos, donde el que está más arriba tiene derecho a todo y el que está abajo solo come las sobras que dejan. Un ejercicio adrenalítico, de principio a fin, con una serie de imágenes y situaciones, a cada cual más impactantes, que hace remover todo al espectador, cosa nada fácil. Una verdadera revelación que invita a la reflexión con dureza y visceralidad, pero que es tan necesaria que merece estar en lo mejor del 2020. Los valores humanos puestos a prueba mientras el espectador se horroriza ante lo que los ojos ven. La sociedad tal cual es en su más profunda visceralidad. Imperdible.

2. SOUL
 La nueva joya animada de Pixar no es una película para niños, como ya fue Del revés. En este caso, nos habla de la vida, de su profundidad, de lo que nos hace ser nosotros mismos. Un filme denso pero        entretenido, lleno de color y de luz, con animaciones preciosistas que llenan los ojos. Una estética neoyorkina con tintes del mejor jazz que se deja llevar por su ritmo y por la calidez de unos personajes inolvidables. Esta película tiene alma, como bien reza su título, y pronto pasará a formar parte de las videotecas de escuelas e institutos. Para todos los públicos, especialmente no-niños, perfecta para pensar y reflexionar. Pixar lo ha vuelto a hacer, una de sus mejores películas.
  1. TENET
 Algunos dirán que me he pasado, que hay mejores. No les diré que no, pero Nolan podría haber sacado su película tras la pandemia, incluso todavía no haberla sacado hasta que todo estuviera más normalizado y, sin embargo, apostó por el cine regalándole al espectador una obra de arte visual totalmente innovadora y revolucionaria. Me dan igual las cifras de taquilla, hay que verla más de dos veces para darse cuenta de la grandeza de la obra. Ingeniería pura, deleite visual y acción de principio a fin, con un guion de altura que marcará el inicio de una nueva forma de hacer cine de acción. En eso Nolan es único y el arrojo tiene premio. Es de lo mejor del 2020 sin duda, el puesto podemos discutirlo, pero saldrás del cine sintiendo que has visto algo que vale la pena de verdad.

Top 10 peores películas del 2020

Imaginad, con el año tan duro que hemos pasado, que esas horas de ocio y dispersión se invierten en cine. Uno espera grandes cosas de las películas que ve, o quizás no tantas pero sí entretenerse, y se encuentra con aborrecibles obras con las que jamás querría haberse topado. Como siempre, intento comerme pocas, pero siempre hay alguna y, aunque en esta ocasión quizás no sean tan malas como en años anteriores, también imperan grandes presupuestos y algún que otro batacazo y decepción. Debo decir que me ha costado hacerlo, por lo que parece que he tenido mejor ojo este año. Tendréis vuestras favoritas, aunque espero que no hayáis visto la mayorías, pero este es un top que os previene sobre lo que podéis llegar a encontraros. A partir de aquí, sois libres para comprobar si mis impresiones son acertadas o no. ¡Ahí va mi lista! 10. GREENLAND: EL ÚLTIMO REFUGIO

Imaginad qué clase de Top 10 de peores películas sería este sin Gerard Butler encabezando una de dichas posiciones. Una película apocalíptica, de esas que nunca se hacen, donde la humanidad se pone a prueba y los valores no imperan más allá del sálvese quien pueda. La hemos visto mil millones de veces y, aun así, nos la hacen comer de nuevo. Gerard Butler hace de él mismo, salvador de su familia que da más vueltas que una peonza en una película con una paleta de colores anaranjada apocalíptica con cuestiones morales más que discutibles en un guion que ni siquiera sorprende. Al menos, Butler no va de salvador inmortal de la humanidad. No es aborrecible, pero hay mejores en el género. 

9. EXPLOTA EXPLOTA

No sé cuántos meses me pasé viendo su tráiler en las salas del cine. Me decía que los éxitos de Raffaella Carrà daban para una película y que pintaba muy bien. Todo eso se torna en una película sin apenas guion, tan solo una excusa para cantar sus canciones y con unas interpretaciones ciertamente mejorables. Solo se salva Ingrid García-Jonnson y las canciones de la Carrà. Por lo demás, vemos personajes cliché encorsetados y dos horas que pasan con cierto sopor ante un guion que no sorprende en absoluto. Es un musical, es la Carrà, debería haber sido más ágil y rápido, con sus canciones brillando y, sin embargo, no acaba de estar a la altura de lo que se esperaba de ella. En cualquier caso, los fans de los musicales y de Raffaella Carrà sabrán disfrutarlo.

8. LOS NUEVOS MUTANTES

Es sorprendente la cantidad de películas que se han hecho sobre los X-Men y lo mal que suelen funcionar. En esta ocasión, se nos plantea la existencia de unos mutantes jóvenes, con el fin de revitalizar la saga y crear una nueva. Maisie Williams y la tan de moda Anya Taylor-Joy se embarcan en una película que quiere parecer un thriller de acción y se queda a medias tintas. Quizás la presentación de los personajes y el entorno sea algo pesado de  digerir y podría haber contenido algo más de acción. Lo que sí es cierto es que no acabamos sintiendo que estemos ante una película de superhéroes hasta sus últimos diez minutos. Tendrá continuación, por lo que espero que sepan arreglar ciertos detalles para que la saga alce el vuelo. 
7. AVES DE PRESA (y la fantabulosa emancipación de Harley Queen)

Se podría decir que todo el mundo estaba de acuerdo con que la Harley Queen de Margot Robbie merecía una película para ella solita. Tras verla, coincidiremos en que no era necesaria. Hay acción, sí, y Robbie lo hace bien dentro de lo que cabe; la película contiene escenas de acción cruda que no le van nada mal, pero se detiene demasiado en imágenes a cámara lenta y en planos épicos, el sentido del humor es patético y da vergüenza ajena. Además, se encaja en un feminismo que se basa en la simple idea de repetir una y otra vez que no necesita al Joker y en acompañarse de un grupo de chicas que tienen menos carisma que una piedra. Ewan McGregor se divierte como villano mientras DC malgasta otra oportunidad de alcanzar la suela del zapato de Marvel.

6. LA MALDICIÓN DEL GUAPO
Se podría decir que es una maldición verla y que no encaja ni como película de humor ni tampoco como intriga, que es lo que pretende ser. Es demasiado seria y demasiado poco interesante para considerarla como tal. Debería haber aunado el humor español y la elegancia argentina, pero el tiro ha salido por la culata. Sus personajes no tienen carisma alguno, sobre todo su protagonista, interpretado por un Gonzalo de Castro que tampoco es santo de mi devoción. En cualquier caso, tiene unas pretensiones que no cumple y tampoco logra arrancarte ninguna carcajada, quizás alguna sonrisa condescendiente, por aquello de querer sentir que vale la pena el tiempo que se ha invertido en verla.

5. BLOODSHOT

Sabéis que Vin Diesel debía formar parte de esto de la misma manera que Gerard Butler. Yo tengo muy claro que cada vez que voy al cine a ver una película suya acabará entrando en este top tan distinguido. Pero soy así, me encanta vapulear al bueno de Vin Diesel, ya que en las películas tiene por contrato nunca salir derrotado. Es una película en la que Vin Diesel se luce, para variar, con unos efectos especiales y acción correctos, pero unos secundarios que a nadie importan; mero relleno que entorpece ver en todo momento la cara de Vin Diesel en gran pantalla. Porque, recordémoslo de nuevo, es una película de Vin Diesel, tan prescindible como previsible. Si queréis ver a Vin Diesel en acción, es una Vin Diesel, su sello de no-calidad lo atestigua. ¿He dicho ya que su protagonista es Vin Diesel?

4. MADRE OSCURA
Qué bien van siempre las películas nº1 en USA para este tipo de tops. Ni siquiera recordaba haberla visto, pero el solo hecho de leer de nuevo su crítica me produjo escalofríos. Quizás era ese su objetivo real y el terror se sienta después, quién sabe. En cualquier caso, es terror del malo, de ese que pretende asustar con lo que hemos visto mil veces y que nada aporta al género. Fue número uno porque no tuvo oponentes del género, por lo que lo tenía fácil en un país donde se vota a Trump. Así logran encasquetarnos una bazofia de primer grado de la que, por suerte, nos olvidamos nada más verla. Eso sí, si os recuerdan que la habéis visto será mejor que os hagáis los suecos o sentiréis pánico verdadero al recordarla. Huid cuando os vendan que alguna película es nº1 en USA.

3. NIEVA EN BENIDORM

Empieza la mierda buena. Cuando un director se gana a pulso el derecho a rodar lo que quiera, puede caer en obras intimistas a las que tan solo aclama la crítica; en este caso porque es de Isabel Coixet y producida por los Almodóvar, claro. Sin embargo, para el espectador de a pie, ese que espera que le cuenten algo, acaba siendo un bodrio de los buenos. Dos horas soporíferas, con un personaje tan plomizo como fuera de lugar en una Benidorm depresiva con Sarita Choudhury metiéndose perlas por la vagina para vete a saber qué quiere explicarnos la Coixet. Un desenfreno de sopor que os hará dormir una buena siesta. Como no soy crítico experto, de esos que salen en periódicos y están untados y presionados por el qué dirán los que pagan, supongo que no entenderé de esto, así que no me hagáis mucho caso.

2. PINOCHO

Uno de los cuentos más populares y que Disney no dirige, por eso se narra la historia real, no la adaptación azucarada que hicieron en la empresa del ratón. Sin embargo, Pinocho alcanza cotas de oscuridad y opresión enormes para el espectador. Su diseño artístico está muy trabajado, pero el de los pesonajes no tanto, tan barrocos que asustan. Antropomorfismo por todos lados en unos personajes que no aportan demasiado, con un metraje demasiado largo como para ser disfrutado y un Pinocho que tiene tanto carisma como el tronco del árbol del que lo parieron. Solo son unos cuatnso motivos por los que la película no funciona. Nada en Pinocho lo hace, ni siquiera un Roberto Benigni contenido; casi habría preferido que se pusiera a dar saltos, quizás así la película habría tenido algo más de interés. No sé si un niño podrá ser capaz de dormir tras verla.
1. MULÁN

Los señores de Disney+ pensaban que el espectador es imbécil y que este iba a pagar la suscripción mensual más otro pago adicional demasiado abultado por ver algo que debería haberse estrenado en cines. Quisieron hacer negocio y recuperar el dinero invertido en ella e hicieron una cagada tan grande como horrible es la película. Unos personajes sosos y planos hasta más no poder, sin el carisma de la animación de la película del 98, sin Mushu y con unos primeros planos y cámaras lentas que pretenden realzar la belleza de una Mulán impoluta. Tanto es así que tras batallas y batallas su tez permanece perfectamente maquillada y bella a pesar del barrizal en el que se mueve. Un cúmulo de despropósitos que hacen que acabes odiando la película y, sobre todo, a la máquina de hacer dinero sin alma que anda detrás de ella.

Crítica: SOUL

La mejor película de animación del año, si Wolfwalkers no le pone remedio, es de Pixar, de nuevo. En esta ocasión, la vida del más allá toma lugar en un film denso y profundo con unos personajes dotados de gran carisma y un derroche de reflexión. Esta semana hemos visto: SOUL.

SOUL está dirigida por Pete Docter y Kemp Powers, estrenada directamente en Disney+, puesto que la empresa del ratón pretende sacar rédito de su plataforma, nos invita a darnos una vuelta por el mundo cósmico, más allá de la anodina vida de su protagonista, un profesor de instituto y músico de jazz frustrado. Este tiene una audición con una conocida músico del género, quien lo acepta en su banda. Sin caber en sí mismo de gozo, su felicidad se verá enturbiada tras caer por una alcantarilla y acudir, en alma, a un mundo diferente, allí donde las almas se crean antes de poseer un cuerpo y ser enviadas a la Tierra.
SOUL, como veis, es profunda. Sí, puede ser para niños, pero el propósito mayor es hacer reflexionar también a los más adultos. Es una película redonda donde se habla del propósito de las personas en su vida, de encontrar algo en lo que realmente valga la pena invertir nuestro tiempo y, por qué no decirlo, en cómo afrontamos la vida: familia, amigos, ocio. A ello hay que añadirle ese toque de fantasía Pixar y dosis de humor muy acertado que arrancará más de una carcajada al público. Sus personajes son el profesor y esa alma errante, veintidós, a la que nadie ha conseguido enviar a la Tierra para poseer un cuerpo, puesto que no está interesada en ello. Por el camino encontrarán lugares por los que vagan aquellos que han perdido el propósito en la vida y un largo etcétera. Es tanto sobre lo que nos invita a reflexionar, en tan poco tiempo de película, que se convierte en una de las mejores películas de Pixar, y del año.
En definitiva, SOUL es imprescindible. No importa que seas niño, adolescente o adulto. Es una película profunda y reflexiva, de esas de las que se encuentran pocas. Un filme que ha de completar las videotecas de los institutos, generar debates sobre nuestro propósito en la vida, sobre cómo aprovecharla y un sinfín de preguntas más que se nos plantean conforme vemos la película. Pixar lo ha vuelto a hacer; no solo nos trae una maravilla de animación, sino que le pone todo su alma. No os la podéis perder.

Crítica: EL PADRE

Comienza a animarse la temporada de Oscars con una interpretación de altura que conseguirá, sin duda alguna, una merecida nominación. Nadie como Anthony Hopkins para interpretar a un hombre de 80 años a quien la mente comienza fallarle y se aferra con todas sus fuerzas a su propia vida. Esta semana hemos visto: EL PADRE.

The father está dirigida por Florian Zeller, es una adaptación de una obra de teatro en la que Anthony, un hombre de 80 años (Anthony Hopkins), vive con su hija (Olivia Colman), o más bien al cuidado de esta. Ella se empeña en presentarle personas que podrán ayudarle a llevar mejor su vida, ya que comienza a fallarle la memoria y a tener brotes de ira, pero este se aferra como pocos a su dignidad y a la libertad de poder vivir por sí mismo. Sin embargo, su realidad es muy distinta, algo que es impactante como espectador. Una fórmula que no hemos visto nunca en una película y que funciona brillantemente. Eso sí, con Anthony Hopkins luciéndose como pocas veces, puesto que es una papel hecho a medida para ello. EL PADRE es una película dura que nos advierte sobre lo que está por venir y acaba llegando tarde o temprano. El dilema de una hija por el derecho a tener su propia vida mientras alguien se ocupa de su padre. De enviarlo a un lugar mejor en el que cuiden de él sin sentir que lo está abandonando. Por otra parte, la terquedad de su padre por seguir viviendo solo y pretender que todo está bien. Idas y venidas en un sinfín de situaciones impactantes que Anthony considera realidades y a las que el espectador asiste con estoicismo ojiplático. Olivia Colman es la hija superada y Anthony Hopkins un camaleón de sentimientos acumulados que brotan en un derroche interpretativo que llevará premio en múltiples nominaciones.
En definitiva, EL PADRE es una de las películas del año. Es dura, es visceral, es realista y es un golpe de triste realidad en una de las etapas finales del ser humano. Nos hace plantearnos preguntas trascendentales y nos remueve todo por dentro. Es cine del bueno, con mayúscula, y con Olivia Colman y Anthony Hopkins de otro mundo. De lo mejor de un año difícil para el cine, por lo que no os la podéis perder. Eso sí, os dolerá mucho.

Crítica: #VIVO

La tragedia se cierne sobre Korea cuando un brote extraño se apodera de sus calles y produce una zombificación. Atrapado en casa, un joven deberá sobrevivir en un apartamento mientras espera recibir ayuda. Los coreanos, de nuevo, a la cabeza en las películas sobre zombis. Esta semana hemos visto: #VIVO.

#Saraitba o #Alive, está dirigida por Il-Cho y es una película de género que nos da lo que necesitamos, demostrando, tras Train to Busan, que el país del surcoreano se toma muy en serio esto de los zombis. Imaginad que en pleno apocalipsis debéis sobrevivir en casa mientras esos seres, que tienen el oído más desarrollado que un can, dan vueltas esperando a su próxima presa. Frente a él (Yoo Ah-in) se encontrará con una vecina (Park Shin-hye) junto a la que tendrá que sobrevivir ingeniándoselas de mil maneras.
#VIVO mantiene la tensión en todo momento, las interpretaciones son interesantes y los efectos especiales también. Los zombis están muy logrados y la sensación de inseguridad y pánico están muy logradas. Es una película de confinamiento que hará disfrutar a los fanáticos del género, algo que pensábamos estaba de capa caída; han venido los coreanos a decirnos que estábamos equivocados. El encierro de este joven puede extrapolarse al de nuestra pandemia, con la inseguridad de saber si recibiremos cura o no algún día. A veces todo es oscuro y otras el simple hecho de poder dialogar con otra persona nos hace renacer.
En definitiva, #VIVO es una buena película de zombis. Es perfecta para el confinamiento y para estos tiempos en los que no sabemos si hay más oscuridad que luz. Siempre podemos encontrar una salida si tenemos ganas de vivir. Acción, tensión, buenos efectos especiales y ritmo constante durante todo el metraje. Fans del género, esta es de las buenas, no os la perdáis.

Crítica: MANK

Una de las potentes de Netflix para la temporada de premios. El biopic de Herman Mankiewicz, guionista de la aclamada Ciudadano Kane, dirigida y protagonizada por Orson Welles, a quien no deja en muy buen lugar. Una de las más interesantes del año, con un Gary Olman que se luce. Esta semana hemos visto: MANK.

Mank es cine clásico dirigido por el gran David Fincher, no solo por el blanco y negro, sino por la forma tan consistente en que se graba. Esa escala de grises realza la belleza hollywodiense y que narra historia ya del cine, como es todo lo relacionado con la película Ciudadano Kane. Su guionista, Herman Mankiewicz, o Mank (Gary Olman) es una persona muy difícil, un carácter arrollador y una verborrea digna de guionista. Por el camino de la Metro Goldwyn Mayer se topará con los jefazos (Arliss Howard y Charles Dance), la hija de uno de ellos (Amanda Seyfried) mientras la historia acontece entre flashbacks sobre la vida del guionista.
En el presente que se narra, Mank está lesionado, con el tiempo justo para preparar el guion de una nueva película que dirigirá y protagonizará nada más y nada menos que Orson Welles (Tom Burke), quien le apremiará con los plazos. Desde la cama, narrará a su asistenta (Lily Collins). En MANK se narra la época dorada de Hollywood, la creciente durante la crisis de los 40, y cómo un bebedor empedernido encaja en dicho estrato. Es un placer y un lujo, además de un caramelo para el actor, ver interpretar a Gary Olman. Es una nominación asegurada para los Oscar y demás premios, más un año tan extraño como este.
En definitiva, MANK es un paseo por el Hollywood clásico. Quizás su historia no os fascine, aunque todo biopic hipnotiza al fin y al cabo. En este caso, Howard Mankiewicz es un personaje único en todos los aspectos. Es un guionista hecho de otra pasta con quien Gary Olman se mimetiza y logra deleitar al espectador. David Fincher vuelve por todo lo alto tras seis años de parón, y lo hace en Netflix. No os la perdáis.

Crítica: HASTA EL CIELO

Interesante propuesta de Daniel Calparsoro, de nuevo, con bandas de atracadores y un triángulo amoroso que da mucho juego. Obviamente, la acción no falla y la tensión está asegurada. Entretenimiento puro y duro que funciona a la perfección. Esta semana hemos visto: HASTA EL CIELO.

HASTA EL CIELO está dirigida por Daniel Calparsoro, experto en películas de corte intenso y adrenalítico. Nos pone en la piel de Ángel (Miguel Herrán), quien conoce a Estrella (Carolina Yuste) y con la que comienza una aventura un tanto tormentosa. El rollo de esta, Poli, lo meterá en su banda de atracadores y conseguirá hacer de él un hombre peligroso con ideas propias. Esto lo llevará al capo, Rogelio (Luis Tosar), quien tiene una hija (Asia Ortega) con la que se formará un triángulo amoroso demasiado peliagudo para Ángel. Este entrará y saldrá de la cárcel como Pedro por su casa mientras los golpes cada vez son más grandes y el blanqueo se hace más peligroso.
HASTA EL CIELO dura dos horas que no se hacen en absoluto pesadas. Es ciertamente interesante ver cómo Ángel va creciendo y escalando peldaños entre la pirámide de atracos, negocios turbios y demás trapicheos con robos de coches de gama alta que le harán ser una diana para la policía. Siempre un paso adelante, logrará salir airoso de muchos problemas gracias, en parte, a su equipo de amigos y ladrones. El elenco de actores es francamente bueno, con un Miguel Herrán protagonista (recuerda en cierto punto a los inicios de Mario Casas) y una Carolina Yuste espectacular.
En definitiva, HASTA EL CIELO es una propuesta muy interesante. Daniel Calparsoro nos mete de lleno en esa Madrid de barrio desde donde Ángel crece y logra hacerse un hueco entre el mundo de la delincuencia. Los problemas le acompañarán uno tras otro, pero entre abogados y conexiones, algo que nos suena mucho, se las irá apañando. Acción que nos acompaña durante casi todo el metraje, un guion interesante que nos atrapa enseguida y un gran reparto. No os la perdáis.