Félix A. Bas's Blog, page 61
February 22, 2021
Crítica: 14 DÍAS, 12 NOCHES
Una madre pierde a su hija adoptiva en un fatal accidente y en pleno duelo viaja a Vietnam para reencontrarse con ella misma y con la madre biológica por casualidad. Película intimista y bella, preseleccionada a los Oscars por Canadá. Esta semana hemos visto: 14 DÍAS, 12 NOCHES.
14 jours, 12 nuits está dirigida por Jean-Philippe Duval, quien carga en las espaldas de Anne Dorval y Leanna Chea el peso de la película. Un duelo interpretativo entre dos madres que han de convivir con una fatal realidad. Sin embargo, la biológica todavía no lo sabe, pues su hija le fue arrebatada casi al nacer. Vietnam es el telón de fondo de una historia profunda, con grandes dosis de dolor, remordimiento y angustia por parte de una Anne Dorval estupenda.
14 DÍAS, 12 NOCHES nos lleva de Canadá a Vietnam de un momento a otro. Un contraste entre la nieve y el mar y la frondosidad y el caos de uno y otro país, donde todavía colea la Guerra Indochina. Los planos de Vietnam son bellos, al igual que los de Canadá, aunque el principal valor del filme radica en la interpretación de ambas actrices, Dorval y Chea. La una en pleno dolor, la otra todavía por despertarlo. De corte lento en su desarrollo, eso sí, por lo que no se trata de una película para todos los públicos, no para quien espere giros dramáticos o acción al menos.
En definitiva, 14 DÍAS, 12 NOCHES es una digna candidata por Canadá a Mejor Película Internacional. Es su preseleccionada, aunque es posible que no llegue a la candidatura, puesto que los académicos de Hollywood buscarán algo de corte más impactante. En cualquier caso, es una película bella, con grandes actrices y mucho por descubrir. Un viaje emocional para el que una madre nunca podrá estar preparada jamás. Echadle un vistazo.
14 jours, 12 nuits está dirigida por Jean-Philippe Duval, quien carga en las espaldas de Anne Dorval y Leanna Chea el peso de la película. Un duelo interpretativo entre dos madres que han de convivir con una fatal realidad. Sin embargo, la biológica todavía no lo sabe, pues su hija le fue arrebatada casi al nacer. Vietnam es el telón de fondo de una historia profunda, con grandes dosis de dolor, remordimiento y angustia por parte de una Anne Dorval estupenda.
14 DÍAS, 12 NOCHES nos lleva de Canadá a Vietnam de un momento a otro. Un contraste entre la nieve y el mar y la frondosidad y el caos de uno y otro país, donde todavía colea la Guerra Indochina. Los planos de Vietnam son bellos, al igual que los de Canadá, aunque el principal valor del filme radica en la interpretación de ambas actrices, Dorval y Chea. La una en pleno dolor, la otra todavía por despertarlo. De corte lento en su desarrollo, eso sí, por lo que no se trata de una película para todos los públicos, no para quien espere giros dramáticos o acción al menos.
En definitiva, 14 DÍAS, 12 NOCHES es una digna candidata por Canadá a Mejor Película Internacional. Es su preseleccionada, aunque es posible que no llegue a la candidatura, puesto que los académicos de Hollywood buscarán algo de corte más impactante. En cualquier caso, es una película bella, con grandes actrices y mucho por descubrir. Un viaje emocional para el que una madre nunca podrá estar preparada jamás. Echadle un vistazo.
February 15, 2021
Crítica: LA CHICA DEL BRAZALETE
Interesante película de juicios donde se nos narra de forma totalmente imparcial un caso que parece muy claro. La acusada es una joven cuyos padres comenzarán a conocer a raíz del juicio, dejando bien claro que nunca se acaba de conocer a un hijo. Esta semana hemos visto: LA CHICA DEL BRAZALETE.
La fille au bracelet está dirigida por Stéphane Demoustier, quien dirige a su hermana (Anaïs Demoustier), que es la fiscal. La acusada es Lise (Melissa Guers), quien presuntamente ha asesinado a su mejor amiga una noche tras quedarse a dormir en su casa después de una fiesta. Su padre (Roschdy Zem) y su madre verán el juicio como un proceso largo y pesaroso en el que tendrán que conocer muchas cosas que desconocían de su hija, entre ellas sus apetencias sexuales. Al espectador, en todo momento, se le presentan las pruebas y poco más, es decir, nos dejan libremente que saquemos nuestras propias conclusiones sobre el caso.
Y es que en LA CHICA DEL BRAZALETE todo es tal cual se cuenta. No acabamos de empatizar con Lise, puesto que Melissa Guers no da señas de arrepentimiento, sino más bien frialdad, que no es otra cosa que una coraza tras un juicio que se alarga durante más de dos años. Si bien es cierto que el espectador puede tomar decisiones sobre su culpabilidad, el filme en ningún momento lo deja caer. Aguanta las embestidas de la fiscal y el juez mientras el espectador se pregunta qué sentiría de saber todo lo que sus padres conocen a medidad que el juicio avanza. El filme es también una mirada crítica a la sexualidad en la juventud, cómo la sociedad se escandaliza y es capaz de juzgar a una persona por ello sin ni siquiera tener pruebas de culpa.
En definitiva, LA CHICA DEL BRAZALETE es una interesante propuesta francesa. Cine de juicios, tan aséptico como su protagonista. Su punto más fuerte es a la vez el más débil, pues deja que el espectador hile por sí mismo y decida si Lise es la cupable o la inocente. Un juicio visual, sobrio y cargado de cierto hipnotismo que nos acompaña hasta el final. Buena crítica a la sociedad, a la desconexión de padres e hijos y a la etiqueta apresurada. Echadle un vistazo.
La fille au bracelet está dirigida por Stéphane Demoustier, quien dirige a su hermana (Anaïs Demoustier), que es la fiscal. La acusada es Lise (Melissa Guers), quien presuntamente ha asesinado a su mejor amiga una noche tras quedarse a dormir en su casa después de una fiesta. Su padre (Roschdy Zem) y su madre verán el juicio como un proceso largo y pesaroso en el que tendrán que conocer muchas cosas que desconocían de su hija, entre ellas sus apetencias sexuales. Al espectador, en todo momento, se le presentan las pruebas y poco más, es decir, nos dejan libremente que saquemos nuestras propias conclusiones sobre el caso.
Y es que en LA CHICA DEL BRAZALETE todo es tal cual se cuenta. No acabamos de empatizar con Lise, puesto que Melissa Guers no da señas de arrepentimiento, sino más bien frialdad, que no es otra cosa que una coraza tras un juicio que se alarga durante más de dos años. Si bien es cierto que el espectador puede tomar decisiones sobre su culpabilidad, el filme en ningún momento lo deja caer. Aguanta las embestidas de la fiscal y el juez mientras el espectador se pregunta qué sentiría de saber todo lo que sus padres conocen a medidad que el juicio avanza. El filme es también una mirada crítica a la sexualidad en la juventud, cómo la sociedad se escandaliza y es capaz de juzgar a una persona por ello sin ni siquiera tener pruebas de culpa.
En definitiva, LA CHICA DEL BRAZALETE es una interesante propuesta francesa. Cine de juicios, tan aséptico como su protagonista. Su punto más fuerte es a la vez el más débil, pues deja que el espectador hile por sí mismo y decida si Lise es la cupable o la inocente. Un juicio visual, sobrio y cargado de cierto hipnotismo que nos acompaña hasta el final. Buena crítica a la sociedad, a la desconexión de padres e hijos y a la etiqueta apresurada. Echadle un vistazo.
February 4, 2021
Reseña: EL RITMO DE LA GUERRA
Ansiosos nos encontrábamos por la cuarta novela de la decalogía El Archivo de las Tormentas. Brandon Sanderson vuelve a ofrecernos una historia que abre la puerta a una quinta entrega que debe sorprendernos. Existe cierto estancamiento, aunque creo totalmente necesario para poder seguir avanzando. Y, aun así, es una gran novela de fantasía. Esta semana hemos leído: EL RITMO DE LA GUERRA.
Título: EL RITMO DE LA GUERRA
Autor: Brandon Sanderson
Editorial: NOVA
Nº de páginas: 1408
Fecha de publicación: 2020
INFORMACIÓN
Sinopsis: Hay secretos que hemos guardado mucho tiempo. Vigilantes. Insomnes. Eternos. Y pronto dejarán de ser nuestros.
La Una que es Tres busca, sin saberlo, el alma capturada. El spren aprisionado, olvidado hace mucho tiempo. ¿Puede liberar su propia alma a tiempo de hallar el conocimiento que condena a todos los pueblos de Roshar?
El Soldado Caído acaricia y ama la lanza, incluso mientras el arma hiende su propia carne. Camina siempre hacia delante, siempre hacia la oscuridad, sin luz. No puede llevar consigo a nadie, salvo aquello que él mismo puede avivar.
La Hermana Derrumbada comprende sus errores y piensa que ella misma es un error. Parece muy alejada de sus antepasados, pero no comprende que son quienes la llevan a hombros. Hacia la victoria, y hacia ese silencio, el más importante de todos.
Y la Madre de Máquinas, la más crucial de todos ellos, danza con mentirosos en un gran baile. Debe desenmascararlos, alcanzar sus verdades ocultas y entregarlas al mundo. Tiene que reconocer que las peores mentiras son las que se cuenta a sí misma.
Si lo hace, nuestros secretos por fin se convertirán en verdades.
Autor: Brandon Sanderson (Lincoln, Nebraska, 1975) es el gran renovador de la fantasía del siglo XXI y el autor más prolífico del mundo. Desde que debutara en 2006 con su novela Elantris, ha deslumbrado a diecisiete millones de lectores en treinta lenguas con el Cosmere, el fascinante universo de magia que comparten la mayoría de sus obras. Sanderson es autor de la brillante saga Nacidos de la Bruma (Mistborn), formada por El Imperio final, El pozo de la ascensión, El héroe de las eras, Aleación de ley, Sombras de identidad y Brazales de duelo. Tras El aliento de los dioses, una obra de fantasía épica en un único volumen en la línea de Elantris, inició con El camino de los reyes una magna y descomunal decalogía, El Archivo de las Tormentas, que continuó con Palabras radiantes, Juramentada y la presente El Ritmo de la Guerra. Con un plan de publicación de más de veinte futuras obras (que contempla la interconexión de todas ellas), el Cosmere se convertirá en el universo más extenso e impresionante jamás escrito en fantasía épica. Sanderson vive en Utah con su esposa e hijos y enseña escritura creativa en la Universidad Brigham Young. RESEÑA
Hacía tiempo que se esperaba la cuarta entrega de El Archivo de las Tormentas y no ha defraudado en absoluto, aunque sí queda por debajo de sus imponentes dos primeras entregas: El Camino de los Reyes y Palabras Radiantes. En la línea de Juramentada, su tercera parte, seguimos aprendiendo de los spren y de Shadesmar gracias al viaje de Adolin y Shallan, que siguen bastante presentes en esta novela y, aunque su trabajo será particularmente importante de cara a la siguiente entrega, su peso protagónico se traspasa a Navani Kholin y Venli (una parshendi), además de a Dalinar y obviamente Kaladin Bendito por la Tormenta. Una novela muy coral pero que se sucede en Urithiru y Shadesmar mayoritariamente. Al parecer, las fuerzas de Odium han descubierto que los poderes de Urithiru pueden volverse contra los radiantes y entre Navani, Kaladin y algunos más intentarán revertir la situación mientras Adolin y Shallan se enfrentan al juicio a los humanos por parte de los honorspren en Shadesmar.
El ritmo de la guerra podría haber contado lo que os he explicado de una manera menos farragosa y densa, pero Brandon Sanderson opta por infundir a la novela de grandes explicaciones y recursos técnicos que son importantes, sí, pero que al final se podía haber contado en muchas menos palabras. Eso sí, el peso de la guerra cala hondo en todos los personajes, sobre todo en Kaladin, quien sufre de conmoción de batalla y lucha contra sí mismo (sí, sigue así) durante toda la novela. Seguirá recibiendo reveses de la vida y tendrá que luchar contra ellos y sobreponerse. Esta construcción de personajes es importante para Sanderson, pues dota a sus protagonistas de gran carisma, logrando que el lector empatice sobremanera con todos ellos. Además, también nos ofrece el punto de vista del enemigo, pues la fuerzas de Odium también cuentan con narradores. Esto no es el bien contra el mal, ya nos lo ha dejado claro en más de una ocasión, pero conoceremos muchas cosas sobre los parshendi y sus distintas formas de guerra.
Podemos hablar de que El Ritmo de la Guerra es una novela que abre el camino a la quinta entrega, que al parecer acabará con una fase importante en la decalogía. Nos deja con la miel en los labios, eso sí, y hacia el final la adrenalina comienza a ser constante, algo que en eso Sanderson es un verdadero experto. A nivel personal, las fases de Navani, aunque quizás más farragosas, son las que más me han gustado por el reto al que se enfrenta durante su confinamiento en Urithiru bajo las órdenes enemigas. Un constante enfrentamiento psicológico que, sumado a la batalla de Kaladin por rehacerse y afrontar algunos de los momentos más trágicos e importantes de la novela, sustentan esta cuarta entrega. Menos interesantes, aunque no carentes de importancia, serán las dudas de Shallan y el juicio de Adolin, y pese a que Dalinar va cediendo terreno en cuanto a capítulos, el quinto libro será suyo y mucho me temo que nos desgarrará.
En definitiva, EL RITMO DE LA GUERRA tenía el listón muy alto con el final de Juramentada y dos primeras entregas inmejorables. Sin embargo, Brandon Sanderson sabe que una decalogía no puede fundamentarse en la adrenalina y las prisas, por lo que puede ser un puente hacia algo muy grande que nos dejará con la boca abierta en 2023. Por suerte, es un autor tan prolífico que no hay dudas sobre su labor y la calidad de todas las novelas a las que se enfrenta. No volveré a repetir que es un autor referente que quedará a la altura de Tolkien y los grandes, porque eso lo dirá el tiempo, pero es obligatorio leerlo para cualquier fan de la fantasía. VALORACIÓN: 9/10February 1, 2021
Crítica: HOPE
Candidata por Noruega a mejor película Internacional en los Oscar. Película visceral que habla de la pareja, de las dudas y del dolor tras recibir una noticia funesta. Duelo de interpretaciones con una historia basada en la historia de su propia directora. Esta semana hemos visto: HOPE.
Hap está dirigida por Maria Sodahl, directora que pasó precisamente por lo que su protagonista, una Andrea Braein Hovig que está sencillamente impresionante y, quizás, pueda incluso ser nominada al Oscar. En concreto, de esta historia real los datos médicos son los reales, el resto no lo es tanto, aunque el caso es más que interesante. Diagnosticada con un tumor cerebral en metástasis, tendrán que operarla para alargar su vida un poco más, pese a que no existe cura. Esa noticia tendrá un impacto importante sobre la familia y en su matrimonio con un productor (Stellan Skarsgard), con quien mantiene una relación de respeto y poco más, con seis hijos (tres de ellos de un anterior matrimonio).
No será fácil para su protagonista sobrellevar la carga de la enfermedad y afrontar la idea de que le quedan pocos meses de vida. HOPE no es un melodrama como tantos otros que explotan la idea del cáncer bajo esa premisa, sino que utiliza a sus protagonistas para hablar de emociones y sentimientos, más contención sincera que gusto por hacer llorar. Y eso se agradece, pues la película sabe mantener en todo momento la atención del espectador. El buen hacer de la directora y también el de Stellan Skarsgard y sobre todo de Andrea Braein Hovig hacen el resto. Ella lo deja todo en una protagonista atormentada y difícil de digerir.
En definitiva, HOPE es una gran película. Candidata noruega a los Oscar a mejor película Internacional, quizás se cuele incluso con Andrea Braein Hovig a mejor actriz. En cualquier caso, ya sabemos cómo es Hollywood con los extranjeros, aunque es una de las mejores películas europeas del año, eso es evidente. Dura, seria, no busca la lágrima fácil y plagada de grandes momentos de tensión. Ni se os ocurra perdérosla.
Hap está dirigida por Maria Sodahl, directora que pasó precisamente por lo que su protagonista, una Andrea Braein Hovig que está sencillamente impresionante y, quizás, pueda incluso ser nominada al Oscar. En concreto, de esta historia real los datos médicos son los reales, el resto no lo es tanto, aunque el caso es más que interesante. Diagnosticada con un tumor cerebral en metástasis, tendrán que operarla para alargar su vida un poco más, pese a que no existe cura. Esa noticia tendrá un impacto importante sobre la familia y en su matrimonio con un productor (Stellan Skarsgard), con quien mantiene una relación de respeto y poco más, con seis hijos (tres de ellos de un anterior matrimonio).
No será fácil para su protagonista sobrellevar la carga de la enfermedad y afrontar la idea de que le quedan pocos meses de vida. HOPE no es un melodrama como tantos otros que explotan la idea del cáncer bajo esa premisa, sino que utiliza a sus protagonistas para hablar de emociones y sentimientos, más contención sincera que gusto por hacer llorar. Y eso se agradece, pues la película sabe mantener en todo momento la atención del espectador. El buen hacer de la directora y también el de Stellan Skarsgard y sobre todo de Andrea Braein Hovig hacen el resto. Ella lo deja todo en una protagonista atormentada y difícil de digerir.
En definitiva, HOPE es una gran película. Candidata noruega a los Oscar a mejor película Internacional, quizás se cuele incluso con Andrea Braein Hovig a mejor actriz. En cualquier caso, ya sabemos cómo es Hollywood con los extranjeros, aunque es una de las mejores películas europeas del año, eso es evidente. Dura, seria, no busca la lágrima fácil y plagada de grandes momentos de tensión. Ni se os ocurra perdérosla.
January 25, 2021
Crítica: EL PROFESOR DE PERSA
No será la primera ni la última película sobre campos de concentración pero, aun así, funciona y convence por su original planteamiento y el buen hacer de sus protagonistas. No sorprende pero tampoco decepciona. Esta semana hemos visto: EL PROFESOR DE PERSA.
Persischstunden está dirigida por Vadim Perelman, quien dirige a actores que logran convencer con sus interpretaciones. Uno de ellos es un judío (Nahuel Pérez) que se salva de ser fusilado por lances del azar, ya que se hace pasar por persa. Precisamente, uno de los oficiales del campo de concentración alemán (Lars Eidinger) está interesado en el idioma, por lo que se produce una extraña relación entre ambos. El caso es que el preso, sin tener ni idea de persa, tendrá que enseñarlo al oficial, con todo lo que eso conlleva. Es decir, que se invente un idioma y deba recordarlo a su vez, mientras ve cómo a su alrededor mueren personas fusiladas, de frío o hambre.
EL PROFESOR DE PERSA juega con la tensión y las duras imágenes de un campo de concentración que contrasta las continuas fiestas nazis y que parece separar ambos universos. Sí que quizás se pasen de puntillas otros temas quizás más importantes en una película de este calibre, lo que provoca que la película se mantenga al filo de la navaja conforme avanza. En ocasiones el filme demanda cierta complicidad con el espectador, ya que roza, toca y se pasa de inverosímil, pero ofrece un entretenimiento digno de un tema tan manido como el nazismo.
En definitiva, EL PROFESOR DE PERSA es una buena opción, algo que hemos visto más veces en otro tipo de película, solo que en esta ocasión de una manera un tanto original. Es interesante cómo se las arregla para enseñar el idioma y, por supuesto, el duelo interpretativo de Nahuel Pérez y Lars Eidinger. Una opción interesante para quienes no tengan nunca suficiente con el nazismo y una propuesta entretenida para el resto. Echadle un vistazo.
Persischstunden está dirigida por Vadim Perelman, quien dirige a actores que logran convencer con sus interpretaciones. Uno de ellos es un judío (Nahuel Pérez) que se salva de ser fusilado por lances del azar, ya que se hace pasar por persa. Precisamente, uno de los oficiales del campo de concentración alemán (Lars Eidinger) está interesado en el idioma, por lo que se produce una extraña relación entre ambos. El caso es que el preso, sin tener ni idea de persa, tendrá que enseñarlo al oficial, con todo lo que eso conlleva. Es decir, que se invente un idioma y deba recordarlo a su vez, mientras ve cómo a su alrededor mueren personas fusiladas, de frío o hambre.
EL PROFESOR DE PERSA juega con la tensión y las duras imágenes de un campo de concentración que contrasta las continuas fiestas nazis y que parece separar ambos universos. Sí que quizás se pasen de puntillas otros temas quizás más importantes en una película de este calibre, lo que provoca que la película se mantenga al filo de la navaja conforme avanza. En ocasiones el filme demanda cierta complicidad con el espectador, ya que roza, toca y se pasa de inverosímil, pero ofrece un entretenimiento digno de un tema tan manido como el nazismo.
En definitiva, EL PROFESOR DE PERSA es una buena opción, algo que hemos visto más veces en otro tipo de película, solo que en esta ocasión de una manera un tanto original. Es interesante cómo se las arregla para enseñar el idioma y, por supuesto, el duelo interpretativo de Nahuel Pérez y Lars Eidinger. Una opción interesante para quienes no tengan nunca suficiente con el nazismo y una propuesta entretenida para el resto. Echadle un vistazo.
January 21, 2021
Crítica: MANUAL DE LA BUENA ESPOSA
Francia está levantando la cartelera española a golpe de comedia buenrollista. En este caso, nos ofrece un film feminista que empieza no siéndolo tanto. Con una Juliette Binoche algo desaforada, aunque salva algo la pelicula. Esta semana hemos visto: MANUAL DE LA BUENA ESPOSA.
La bonne épouse, o How to be a good wife está dirigida por Martin Provost, quien nos lleva a un colegio para señoritas en Mayo del 68, donde la sociedad se levantó en protestas contra el gobierno de De Gaulle. El caso es que la señora Van der Breck (Juliette Binoche), dirige este colegio junto a la hermana de su marido (Yolande Moreau) y una monja a la que le van las escopetas (Noémi Lvovsky) y que es una robaplanos de primera. Recibirán a un nuevo curso de niñas a las que tendrán que convertir en esposas modelo: planchar, limpiar, someterse al marido y un largo etcétera, mientras ellas viven su adolescencia, descubren su sexualidad y, en definitiva, entrarán en conflicto de intereses.
MANUAL DE LA BUENA ESPOSA es una película con buenas intenciones. El elenco de actrices es interesante, aunque Juliette Binoche, elegante como siempre, se pasa un tanto de expresiva. Hace buen equipo junto a Yolande Moreau y Noémi Lvovsky, aunque la película de Martin Provost tiene ciertos altibajos, exceso de azúcar y momentos excesivos, como un final que nadie espera, no por la solución, sino por las formas. En cualquier caso, es amable, entretenida y graciosa hasta cierto punto, con lo cual cumple su cometido.
En definitiva, MANUAL DE LA BUENA ESPOSA es otra comedia francesa, una de muchas que funciona para hacer pasar un buen rato y, de paso, saber cómo se vivía en 1968 en París, y cómo fue cambiando el ideal de mujer, la forma de vestir y de pensar. Eso lo pasa algo de puntillas, aunque puede percibirse sobradamente. En cualquier caso, siempre es interesante ver a Juliette Binoche en gran pantalla. Echadle un vistazo.
La bonne épouse, o How to be a good wife está dirigida por Martin Provost, quien nos lleva a un colegio para señoritas en Mayo del 68, donde la sociedad se levantó en protestas contra el gobierno de De Gaulle. El caso es que la señora Van der Breck (Juliette Binoche), dirige este colegio junto a la hermana de su marido (Yolande Moreau) y una monja a la que le van las escopetas (Noémi Lvovsky) y que es una robaplanos de primera. Recibirán a un nuevo curso de niñas a las que tendrán que convertir en esposas modelo: planchar, limpiar, someterse al marido y un largo etcétera, mientras ellas viven su adolescencia, descubren su sexualidad y, en definitiva, entrarán en conflicto de intereses.
MANUAL DE LA BUENA ESPOSA es una película con buenas intenciones. El elenco de actrices es interesante, aunque Juliette Binoche, elegante como siempre, se pasa un tanto de expresiva. Hace buen equipo junto a Yolande Moreau y Noémi Lvovsky, aunque la película de Martin Provost tiene ciertos altibajos, exceso de azúcar y momentos excesivos, como un final que nadie espera, no por la solución, sino por las formas. En cualquier caso, es amable, entretenida y graciosa hasta cierto punto, con lo cual cumple su cometido.
En definitiva, MANUAL DE LA BUENA ESPOSA es otra comedia francesa, una de muchas que funciona para hacer pasar un buen rato y, de paso, saber cómo se vivía en 1968 en París, y cómo fue cambiando el ideal de mujer, la forma de vestir y de pensar. Eso lo pasa algo de puntillas, aunque puede percibirse sobradamente. En cualquier caso, siempre es interesante ver a Juliette Binoche en gran pantalla. Echadle un vistazo.
January 18, 2021
Nominados Goya 2021
Ya tenemos los Premios Goya a la vuelta de la esquina. Debo decir que en comparación a los últimos años, la calidad de las películas ha decrecido. No ha habido ninguna impactante o realmente importante como para atesorar la mayoría de nominaciones y, pese a que Adú se ha llevado trece, no es una película a la que podría considerar como una de las grandes. Esa pelea a mejor película puede llevársela Adú por su mensaje, aunque Las niñas debería partir como favorita. Akelarre, junto a La boda de Rosa, acumula muchas nominaciones. Apostaría por Iciar Bollaín como mejor directora, aunque no tengo nada claras estas dos categorías, están muy en el aire. La mejor noticia posible, sin duda, es que por fin Mario Casas obtiene su merecidísima nominación para el Goya a mejor actor protagonista por No matarás. Desde aquí, espero que se lo lleve, al igual que su partenaire, Mila Smit como mejor actriz revelación. Apostaría en dirección novel a Pilar Palomera por Las niñas; Patrícia López Arnáiz a mejor actriz protagonista por Ane; así como Chema del Barco por El plan a mejor actor revelación. Por lo demás, está todo demasiado complicado, así que imagino que harán lo que últimamente se hace: repartir el pastel entre todos.
Como siempre, pinchando en las películas podréis acceder a mi crítica en el blog. Adú : 13 nominaciones. Akelarre : 9 nominaciones. Las niñas : 9 nominaciones. La boda de Rosa : 8 nominaciones.Black Beach: 6 nominaciones. Ane : 5 nominaciones. Sentimental : 5 nominaciones.
NOMINADOS A LA 35º EDICIÓN DE LOS GOYA
MEJOR PELÍCULA Adú Ane La boda de Rosa Las niñas Sentimental
MEJOR DIRECCIÓN
Salvador Calvo por "Adú"Juanma Bajo Ulloa por "Baby"Iciar Bollaín por "La boda de Rosa"Isabel Coixet por "Nieva en Benidorm"
MEJOR DIRECCIÓN NOVEL
David Pérez Sañudo por " Ane "Bernabé Rico por " El inconveniente "
Pilar Palomero por " Las niñas "
Nuria Giménez Lorang por " My mexican Bretzel "
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA
Amaia Aberasturi por " Akelarre "
Patrícia López Arnáiz por " Ane "
Kiti Mánver por " El inconveniente "
Candela Peña por " La boda de Rosa "
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA
Mario Casas por " No matarás "
Javier Cámara por " Sentimental "
Ernesto Alterio por " Un mundo normal "
David Verdaguer por " Uno para todos "
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Juana Acosta por " El inconveniente "Verónica Echegui por " Explota explota "
Nathalie Poza por " La boda de Rosa "
Natalia de Molina por " Las niñas "
MEJOR ACTOR DE REPARTO
Álvaro Fernández por " Adú "
Sergi López por " La boda de Rosa "
Juan Diego Botto por " Los Europeos "
Alberto San Juan por " Sentimental "
MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN
Jone Laspiur por " Ane "
Paula Usero por " La boda de Rosa "
Milena Smit por " No matarás "
Griselda Siciliani por " Sentimental "
MEJOR ACTOR REVELACIÓN
Adam Nourou por " Adú "
Chema del Barco por " El plan "
Janick por " Historias lamentables "
Fernando Valdivieso por " No matarás "
MEJOR GUION ORIGINAL
Adú
Historias lamentables
La boda de Rosa
Las niñas
MEJOR GUION ADAPTADO
Ane
Los Europeos
Orígenes secretos
Sentimental
MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN
Adú
Akelarre
Black Beach
Nieva en Benidorm
MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
Adú
Akelarre
Black Beach
Las niñas
MEJOR MONTAJE
Adú
Black Beach
El año del descubrimiento
Las niñas
MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA
Adú
Akelarre
Black Beach
Las niñas
MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
Adú
Akelarre
Explota explota
Orígenes secretos
Mejor maquillaje y peluquería Adú
Akelarre
Explota explota
Orígenes secretos
MEJOR SONIDO
Adú
Akelarre
Black Beach
El plan
MEJORES EFECTOS ESPECIALES
Akelarre
Black Beach
Historias lamentables
Orígenes secretos
MEJOR MÚSICA ORIGINAL
Adú
Akelarre
Baby
El verano que vivimos
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
Adú - Cherif Badua y Roque Baños
El verano que vivimos - Alejandro Sanz y Alfonso Pérez Arias
La boda de Rosa - Rozalén
Las niñas - Carlos Naya
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
La gallina Turuleca
MEJOR PELÍCULA EUROPEA
Corpus Christi - Polonia
El oficial y el espía - Francia
El padre - Reino Unido
Falling - Reino Unido
MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA
El agente topo - Chile
El olvido que seremos - Colombia La llorona - Guatemala
Ya no estoy aquí - México
MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL Anatomía de un Dandy
Cartas mojadas
El año del descubrimiento
My mexican Bretzel
MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
16 de decembro
A la cara Beef
Gastos incluidos Lo efímero
MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
Biografía del cadáver de una mujer
Paraíso en llamas Paraíso Solo con peces
MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN Blue & Malone: casos imposibles Homeles Home Metamorphosis Vuela GOYA DE HONOR
Ángela Molina
Como siempre, pinchando en las películas podréis acceder a mi crítica en el blog. Adú : 13 nominaciones. Akelarre : 9 nominaciones. Las niñas : 9 nominaciones. La boda de Rosa : 8 nominaciones.Black Beach: 6 nominaciones. Ane : 5 nominaciones. Sentimental : 5 nominaciones.
NOMINADOS A LA 35º EDICIÓN DE LOS GOYA
MEJOR PELÍCULA Adú Ane La boda de Rosa Las niñas Sentimental
MEJOR DIRECCIÓNSalvador Calvo por "Adú"Juanma Bajo Ulloa por "Baby"Iciar Bollaín por "La boda de Rosa"Isabel Coixet por "Nieva en Benidorm"
MEJOR DIRECCIÓN NOVELDavid Pérez Sañudo por " Ane "Bernabé Rico por " El inconveniente "
Pilar Palomero por " Las niñas "
Nuria Giménez Lorang por " My mexican Bretzel "
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTAAmaia Aberasturi por " Akelarre "
Patrícia López Arnáiz por " Ane "
Kiti Mánver por " El inconveniente "
Candela Peña por " La boda de Rosa "
MEJOR ACTOR PROTAGONISTAMario Casas por " No matarás "
Javier Cámara por " Sentimental "
Ernesto Alterio por " Un mundo normal "
David Verdaguer por " Uno para todos "
MEJOR ACTRIZ DE REPARTOJuana Acosta por " El inconveniente "Verónica Echegui por " Explota explota "
Nathalie Poza por " La boda de Rosa "
Natalia de Molina por " Las niñas "
MEJOR ACTOR DE REPARTOÁlvaro Fernández por " Adú "
Sergi López por " La boda de Rosa "
Juan Diego Botto por " Los Europeos "
Alberto San Juan por " Sentimental "
MEJOR ACTRIZ REVELACIÓNJone Laspiur por " Ane "
Paula Usero por " La boda de Rosa "
Milena Smit por " No matarás "
Griselda Siciliani por " Sentimental "
MEJOR ACTOR REVELACIÓNAdam Nourou por " Adú "
Chema del Barco por " El plan "
Janick por " Historias lamentables "
Fernando Valdivieso por " No matarás "
MEJOR GUION ORIGINALAdú
Historias lamentables
La boda de Rosa
Las niñas
MEJOR GUION ADAPTADO
Ane
Los Europeos
Orígenes secretos
Sentimental
MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN
Adú
Akelarre
Black Beach
Nieva en Benidorm
MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
Adú
Akelarre
Black Beach
Las niñas
MEJOR MONTAJE
Adú
Black Beach
El año del descubrimiento
Las niñas
MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA
Adú
Akelarre
Black Beach
Las niñas
MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
Adú
Akelarre
Explota explota
Orígenes secretos
Mejor maquillaje y peluquería Adú
Akelarre
Explota explota
Orígenes secretos
MEJOR SONIDO
Adú
Akelarre
Black Beach
El plan
MEJORES EFECTOS ESPECIALES
Akelarre
Black Beach
Historias lamentables
Orígenes secretos
MEJOR MÚSICA ORIGINAL
Adú
Akelarre
Baby
El verano que vivimos
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
Adú - Cherif Badua y Roque Baños
El verano que vivimos - Alejandro Sanz y Alfonso Pérez Arias
La boda de Rosa - Rozalén
Las niñas - Carlos Naya
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
La gallina Turuleca
MEJOR PELÍCULA EUROPEA
Corpus Christi - Polonia
El oficial y el espía - Francia
El padre - Reino Unido
Falling - Reino Unido
MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA
El agente topo - Chile
El olvido que seremos - Colombia La llorona - Guatemala
Ya no estoy aquí - México
MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL Anatomía de un Dandy
Cartas mojadas
El año del descubrimiento
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Ángela Molina
January 17, 2021
Crítica: BATMAN
El murciélago tuvo una época dorada con Christopher Nolan y Bale, pero antes de eso Tim Burton revitalizó al superhéroe de DC con su visión tan peculiar y original de una Gotham oscura y decadente y un joker tan espectacular como histriónico. Obviamente, Jack Nicholson en su salsa con un Michael Keaton mejorable. Esta semana hemos visto: BATMAN.
Batman está dirigida por Tim Burton, quien tuvo que pelearse con los productores para meter a Michael Keaton como protagonista tras hacer con él Beettlejuice. En cualquier caso, Burton contó también con una Kim Basinger que luce espectacular y un Jack Nicholson que da rienda suelta a sus exageradas muecas y chistes como pez en el agua. Es él, su Joker, el protagonista principal de esta película del año 89, a la que pasan factura los años, pero sin duda una de las propuestas más originales del murciélago. Una Gotham industrial, oscura y decadente, muy a lo Burton, donde el Joker se dedica a aterrorizar a su población mediante todo tipo de ataques, a cada cual más hilarante que el anterior.
BATMAN es también Michael Keaton, quien al parecer volverá a encarnarse en él próximamente. La interpretación que viste de Bruce Wayne no está a la altura; es endeble, carece de fuerza y seguridad, todo lo contrario que cuando se enfunda en el traje, donde gana enteros. Quizás Burton lo quería así a propósito, el caso es que le falta algo de sangre para ser un multimillonario. Tampoco sabemos demasiado de su pasado, aparte de sus padres, ni cómo llega a ser Batman o a crear sus herramientas. Por el contrario, sobre el Joker lo sabemos todo, por eso cala más en el espectador. Aparte de eso, las escenas de acción son interesantes para el año en que se rodaron, pero donde sin duda gana es cuando aparece el Batmóvil tan espectacular. También lo hace el Batwing, todo un derroche.
En definitiva, BATMAN es una película de lo más nostálgica que es posible disfrutarla por un tiempo en el cine. Siempre es un placer volver a la Gotham que creó Tim Burton y disfrutar con Jack Nicholson como Joker. Tiene gags de todo tipo, algunos gustaran más y otros menos, pero lo cierto es que está sembrado. Michael Keaton y Kim Basinger lo hacen bien, aunque comparar a Keaton con los actuales Batman sería perder el tiempo, pues son otros tiempos totalmente diferentes para actores y superhéroes. En todo caso, siempre es una buena opción.
Batman está dirigida por Tim Burton, quien tuvo que pelearse con los productores para meter a Michael Keaton como protagonista tras hacer con él Beettlejuice. En cualquier caso, Burton contó también con una Kim Basinger que luce espectacular y un Jack Nicholson que da rienda suelta a sus exageradas muecas y chistes como pez en el agua. Es él, su Joker, el protagonista principal de esta película del año 89, a la que pasan factura los años, pero sin duda una de las propuestas más originales del murciélago. Una Gotham industrial, oscura y decadente, muy a lo Burton, donde el Joker se dedica a aterrorizar a su población mediante todo tipo de ataques, a cada cual más hilarante que el anterior.
BATMAN es también Michael Keaton, quien al parecer volverá a encarnarse en él próximamente. La interpretación que viste de Bruce Wayne no está a la altura; es endeble, carece de fuerza y seguridad, todo lo contrario que cuando se enfunda en el traje, donde gana enteros. Quizás Burton lo quería así a propósito, el caso es que le falta algo de sangre para ser un multimillonario. Tampoco sabemos demasiado de su pasado, aparte de sus padres, ni cómo llega a ser Batman o a crear sus herramientas. Por el contrario, sobre el Joker lo sabemos todo, por eso cala más en el espectador. Aparte de eso, las escenas de acción son interesantes para el año en que se rodaron, pero donde sin duda gana es cuando aparece el Batmóvil tan espectacular. También lo hace el Batwing, todo un derroche.
En definitiva, BATMAN es una película de lo más nostálgica que es posible disfrutarla por un tiempo en el cine. Siempre es un placer volver a la Gotham que creó Tim Burton y disfrutar con Jack Nicholson como Joker. Tiene gags de todo tipo, algunos gustaran más y otros menos, pero lo cierto es que está sembrado. Michael Keaton y Kim Basinger lo hacen bien, aunque comparar a Keaton con los actuales Batman sería perder el tiempo, pues son otros tiempos totalmente diferentes para actores y superhéroes. En todo caso, siempre es una buena opción.
January 14, 2021
Crítica: SALVAJE
La línea que separa a un ciudadano enfadado y hastiado de la sociedad de un asesino psicópata es el principal problema de una película que cuenta con un gran escaparate: Russell Crowe. Por lo demás, podríamos estar perfectamente ante un thriller de serie B . Esta semana hemos visto: SALVAJE.
Unhinged está dirigida por Derrick Borte, quien nos mete en la piel de una madre despistada (Caren Pistorius), quien en poco más de cinco minutos pierde la confianza de su hijo y también la de su mejor clienta, lo que la lleva a quedarse sin trabajo. En esas que espera parada en un semáforo y le da por pitar al que estaba delante. Ese alguien no es otro que un hombre que acaba de cometer un acto despreciable y, por ende, acaba persiguiendo a la mujer para enseñarle a pedir perdón como es debido. Como veis, no es algo que no se haya hecho nunca, pues hemos visto a Tarantino dirigiendo Death Proof en algo similar (aunque nada que ver).
La principal atracción de la cinta no es otra que la participación de Russell Crowe, quien se ha comido a Russell Crowe para interpretar el papel de un psicópata zampabollos imponente que se come hasta la pantalla. Sin él la película habría pasado por los cines sin pena ni gloria, cosa que hará igualmente. El guion no es nada del otro mundo, y en él hay agujeros más grandes que los donuts que ha digerido el bueno de Crowe. Eso sí, hay persecuciones, accidentes y bastante artificio que os hará pasar un buen rato, aunque a nivel general la cosa prometía bastante más de lo que ofrece.
En definitiva, SALVAJE es una gran interpretación de Russell Crowe que hace lo que puede para que la película no naufrague, y aun así lo hace. El principal proflema es que su personaje no ha tenido un mal día y tiene "Un día de furia", como en la película de Michael Douglas, sino que es directamente un psicópata dispuesto a acabar con todo lo que se cruce en su camino. No os recomiendo verla a menos que ya hayáis visto todo lo interesante que hay en cartelera.
Unhinged está dirigida por Derrick Borte, quien nos mete en la piel de una madre despistada (Caren Pistorius), quien en poco más de cinco minutos pierde la confianza de su hijo y también la de su mejor clienta, lo que la lleva a quedarse sin trabajo. En esas que espera parada en un semáforo y le da por pitar al que estaba delante. Ese alguien no es otro que un hombre que acaba de cometer un acto despreciable y, por ende, acaba persiguiendo a la mujer para enseñarle a pedir perdón como es debido. Como veis, no es algo que no se haya hecho nunca, pues hemos visto a Tarantino dirigiendo Death Proof en algo similar (aunque nada que ver).
La principal atracción de la cinta no es otra que la participación de Russell Crowe, quien se ha comido a Russell Crowe para interpretar el papel de un psicópata zampabollos imponente que se come hasta la pantalla. Sin él la película habría pasado por los cines sin pena ni gloria, cosa que hará igualmente. El guion no es nada del otro mundo, y en él hay agujeros más grandes que los donuts que ha digerido el bueno de Crowe. Eso sí, hay persecuciones, accidentes y bastante artificio que os hará pasar un buen rato, aunque a nivel general la cosa prometía bastante más de lo que ofrece.
En definitiva, SALVAJE es una gran interpretación de Russell Crowe que hace lo que puede para que la película no naufrague, y aun así lo hace. El principal proflema es que su personaje no ha tenido un mal día y tiene "Un día de furia", como en la película de Michael Douglas, sino que es directamente un psicópata dispuesto a acabar con todo lo que se cruce en su camino. No os recomiendo verla a menos que ya hayáis visto todo lo interesante que hay en cartelera.
January 12, 2021
Crítica: LOS CROODS: UNA NUEVA ERA
A una película de animación se le pide que sea divertida, entretenida y que guste tanto a pequeños como a mayores. Esta sin duda lo hace, con una gran calidad en sus texturas y un colorido fascinante. Segundas partes sí fueron buenas. Esta semana hemos visto: LOS CROODS: UNA NUEVA ERA.
The Croods: a new age está dirigida por Joel Crawford, de los estudios DreamWorks, quienes demuestran que no tienen nada que envidiar a Disney Pixar, puesto que la calidad de su animación es tremenda. Lo demuestra con entornos muy coloridos y también en el pelaje de las criaturas que nos muestra, como el felino y los monos mamporreros con los que se encuentran los Crood. Eso sí, no me pidáis que os cuente si es mejor que la primera, puesto que ni siquiera la vi en su momento. En cualquier caso, me ha parecido muy divertida y entretenida, y aunque su guion no sea nada del otro mundo, tiene puntazos que os harán esbozar una carcajada.
LOS CROODS: UNA NUEVA ERA nos presenta a Chico, quien se enamora de la joven hija de los Crood y viven un apasionado romance entre aventuras. No obstante, todo cambiará cuando lleguen a un oasis al que ha llegado todo tipo de avances "tecnológicos" y se reencuentra con viejos conocidos. Es entonces cuando se plasma la diferencia entre cavernícolas y modernos. Mientras esos piques suceden, algo importante pasa fuera de esos muros, y es que hay unos monos que si no reciben su dosis diaria de plátanos se vuelven altamente agresivos. Dicho y hecho, los Croods y sus recién conocidos deberán luchar contra ese problema.
En definitiva, LOS CROODS: UNA NUEVA ERA es una grata sorpresa en la animación. No competirá por premios porque su objetivo es otro, pero lo cumple con creces. Divierte, entretiene, hay acción a raudales y gags de humor muy acertados. La calidad de la animación es altísima y, al menos a un servidor, le ha sorprendido. No tengo duda de que habrá más partes, y bienvenidas sean siempre y cuando mantengan el nivel. Es perfecta para ver en familia, no os la perdáis.
