Félix A. Bas's Blog, page 20

Crítica: DISCO IBIZA LOCOMÍA

Divertido y revelador biopic sobre Locomía, unos de los grupos más épicos y reconocibles del pop español que llegó a lo más alto... y que cayó con la misma fuerza con la que ascendió, allá por los años 90. Esta semana hemos visto: DISCO IBIZA LOCOMÍA.

Disco Ibiza Locomía está dirigida por Kike Maíllo, quien desde el principio nos lleva al encuentro entre una mediadora que ha de trabajar con dos partes bien diferenciadas. La primera es el grupo Locomía, encabezado por Xabier Font, a quien interpreta Jaime Lorente, junto a Blanca Suárez, la quinta componente del grupo. Por otra parte está el poderoso productor musical José Luís Gil (Alberto Ammann), quien les demanda por incumplimiento de contrato flagrante. A partir de ahí, todas las partes rememoran los inicios de Locomía, un grupo de hippies ibicencos, que llegaron a ser más de 15, que comenzaron bailando en las discotecas de Ibiza, mostrando sus arriesgados diseños y también sus ya inolvidables abanicos, con los que deslumbraron a, entre otros, Freddie Mercury en su fiesta de cumpleaños. Fue entonces cuando el productor los descubrió y, pese a que no tenían ni idea de cantar, montó un grupo en torno a cuatro, que después fue variando en función de quién entraba y salía.
Lo interesante es la lucha de egos personales y, sobre todo, ver a las dificultades a las que se enfrentaban los componentes del grupo en una Ibiza que no era tan abierta como parecía. A pesar de todo, el líder del grupo era optimista y sus diseños cuajaron, no así sus hábitos de vida, que consistían en drogas, sexo y anarquía, todo en exceso. Eso les ocasionó problemas con el productor y también con la propia familia. En cualquier caso, el grupo a principios de los 90 pegaba muy fuerte, llegando al número 1 de Los 40 principales, arrasando también en una gira latinoamericana. Fue allí, con Xabier Font de acompañante del grupo al que ya no pertenecía, quien convenció al resto para firmar otro contrato con otra compañía, haciendo que todo saltara por los aires. La película recrea todo esto, los excesos y los egos bastante bien, pese a que se edulcora demasiado y no se adentra en el desastre que ello provocó a los integrantes de la banda. Es una manera, no obstante, de recordar a un grupo que marcó tendencia y, a día de hoy, todavía es recordado por el diseño de sus trajes y sus abanicos.
En definitiva, DISCO IBIZA LOCOMÍA es historia de la música española de los años 90. Un grupo que no aguantó la fama, pues se vieron privados de su libertad y de la lucha de egos. El auge y caída de Locomía es algo que debía ser contado. El tono de la película se puede discutir como algo frívolo y excesivo, pero es que quizás ellos eran así. No os la perdáis si os gustan el grupo o los biopics.

Crítica: SIEMPRE NOS QUEDARÁ MAÑANA

Brutal película que trata sobre la violencia de género tras la posguerra italiana, contada de una manera interesante, para no violentar todavía más lo que ya de por sí es violencia. Feminista es un rato. Esta semana hemos visto: SIEMPRE NOS QUEDARÁ MAÑANA.

C'è ancora domani o There's still tomorrow es la película que dirige y protagoniza la propia Paola Cortellesi. Ella es la mujer italiana de la posguerra, que bebe los vientos de la española. Mujer que trabaja más que nadie, que se encarga de todo y que incluso lleva dinero a casa (menos que el hombre, evidentemente) y que ha de aguantar las palizas de su marido (Valeria Mastandrea), y su desconsideración, debido a que ha combatido en dos guerras. O eso se dice ella. Por si no fuera suficiente, el padre de su marido está postrado en la cama y tiene que cuidarlo (Giorgio Colangeli). Añades a eso dos niños que no dejan de pelearse, y una hija en edad de casarse (Romana Maggiora Vergano), y tenemos el cóctel perfecto para que el espectador se indigne y resople incomodado en su asiento. Al contrario de lo que pueda parecer, no es necesario hacer explícita la violencia, que se subsana con algún episodio musical.
Y es que esa mujer, encarnada por Paola Cortellesi, son todas las mujeres de la posguerra, tanto españolas como italianas, que han trabajado, criado a sus familias, mantenido a sus esposos y soportado lo insoportable, para que todo estuviera unido y poder salir adelante. Es su hija, que va a casarse, la que debe heredar el peso de un feminismo que se traduce en la primera votación femenina de la historia de la democracia italiana, a la que acudieron más del 90% de las mujeres, a pesar de la oposición de sus maridos. Esta es una película que nos muestra el paso del tiempo, y que mirar atrás nos ayuda a ver todo lo que hemos avanzado, pese a no ser todavía suficiente. Indigna y nos ilusiona con un mundo mejor a partes iguales, y la película se sustenta en las geniales interpretaciones de todos ellos, pues el elenco es coral y las situaciones que se dan son de gran reflexión y análisis.  En definitiva, SIEMPRE NOS QUEDARÁ MAÑANA es una de las grandes películas italianas de los últimos tiempos. Recrea un momento cumbre en la historia del feminismo italiano, a la par que nos enseña cómo se vivía hasta hace poco más de 70 años, incluida España. Una película feminista que es casi obligatoria ver. No os la perdáis.

Crítica: HASTA EL FIN DEL MUNDO

Nueva película que dirige y protagoniza el propio Viggo Mortensen, que siempre tiene muchas cosas que ofrecer. En esta ocasión, nos presenta un western ambientado en la guerra de secesión. Esta semana hemos visto: HASTA EL FIN DEL MUNDO.

The dead don't hurt está escrita y protagonizada por Viggo Mortensen, quien también instala el peso de buena parte del metraje sobre los expertos hombros de Vicky Krieps. Ella es Vivienne, una mujer independiente, que conoce a Olsen, un danés inmigrante). Con un enamoramiento eléctrico, se van a vivir juntos a Elk Flats y la guerra de secesión los separará, puesto que él está dispuesto a dar su vida por el país que lo ha acogido. Sola, tendrá que lidiar Vivienne con lo que se trama en un pueblo que está dominado por un terrateniente con un hijo incontrolable (Solly McLeod) al que nadie ha parado nunca los pies. La película es un western contemporáneo, que coloca a la mujer como independiente y dueña de sus decisiones, pero no deja de ser ese western clásico que dominó cierta era de Hollywood, y su poso añejo le va muy bien.
Pero si en algo deslumbra el filme es en su protagonista. Una Vicky Krieps que sabe escoger bien sus papeles y deslumbra. Ella es Vivienne, una mujer culta, interesante, que no duda en seguir a su corazón antes que a su bolsillo y que, pese a la adversidad, no ceja en su empeño. El giro argumental de la trama es de los que indignan y, a su vez, nos hace entender el tipo de vida que se llevaba antes, donde la muerte, el caso y la desgracia eran primos-hermanos. La forma en la que se llevan las penas y los fracasos, la pobreza y, en definitiva, la resiliencia, nos hace pensar mucho y, de paso, valorar también lo que tenemos. Por lo demás, la fotografía es potente, al igual que todas las interpretaciones, destacando también a un Viggo Mortensen que me gusta como actor y director, pues siempre cuenta cosas interesantes.  En definitiva, HASTA EL FIN DEL MUNDO es una muy buena película. El western, género casi muerto, no deja de dar buenas alegrías, y esta es una de ellas. El empoderamiento de la mujer en una época oscura donde el duelo a pistola y la muerte eran el pan nuestro de cada día. Su ritmo no es de lo más ágil, pero se deleita uno en la historia. No os la perdáis.

Crítica: EL REINO DEL PLANETA DE LOS SIMIOS

Con el buen gusto de la trilogía anterior, llega un reinicio que sucede generaciones después, cuando apenas se recuerda ya al gran César y con la humanidad en manos de los simios. Esta semana hemos visto: EL REINO DEL PLANETA DE LOS SIMIOS.

Kingdom of the planet of the apes está dirigida por Wes Ball, incorporando, como siempre, una avanzada tecnología de captura de movimientos que hace que realmente creamos que lo que vemos es tan real como la vida misma. Han pasado generaciones y una tribu que cría águilas debe afrontar el ataque que ha sido provocado, sin quererlo, por un joven simio (Owen Teague). Este tendrá que emprender un viaje que lo llevará a conocer a un temible tirano que oculta intenciones oscuras y ambiciosas, además de a una joven humana (Freya Allan) que demostrará capacidad e inteligencia. Es ahí cuando nos damos cuenta de que la raza humana, amparada en la oscuridad y en la constante huida, ha pasado a segundo plano bajo el dominio de los simios.
La película es increíble en el plano visual y, si bien tiene algún que otro momento valle que ralentiza su ritmo, la belleza de sus planos y el movimiento realista de sus intérpretes hace que empaticemos con simios y humana, y nos hagamos preguntas de tipo existencialista sobre si es posible que pueda pasar algo similar. Owen Teague y Freya Allan, él simio y la otra humana, se encargan de encarrilar un filme que puede ser una buena apertura para otras que se sucederán y que ya nada tienen que ver con César. Ahora los simios, simbolizados en el tirano, sobre todo, tienen ansia de poder y de dominancia, y esclavizan a los suyos incluso, un paralelismo en el que muchos pueden caer y que vuelve a hacernos pensar. "Simio no mata a simio" sigue siendo una normal moral, pero cada vez está más cerca de quebrantarse.
En definitiva, EL REINO DEL PLANETA DE LOS SIMIOS es un espectáculo visual que apabulla. Su historia es interesante, el viaje de un joven héroe que busca su camino y liberar a su pueblo, pero sobre todo es el reinicio de una saga  que ha dado muchas alegrías a los fans y que parece estar en buena forma. Espero más de la segunda entrega. No os la perdáis.

Crítica: MISIÓN HOSTIL

Más que hostil, es una misión suicida que se enmarca en lo bélico, pero que no será demasiado recordada, pues no es memorable. Incorpora, eso sí, novedades como el uso de drones y a la persona que los maneja, que no es otro que Russell Crowe. Esta semana hemos visto: MISIÓN HOSTIL.

Land of bad está dirigida por William Eubank, quien utiliza a Russell Crowe como principal reclamo para el filme. Él es Reaper, un piloto de la Fuerza Aérea que pilota drones y que tiene una misión entre manos en Filipinas. Se trata del rescate de un miembro de la CIA que han apresado unos insurgentes, y allá que va el comando experimentado (Luke Hemsworth, Ricky Whittle, Milo Ventimiglia y Daniel McPherson), con un novato a la cabeza (Liam Hemsworth), que se encarga de contactar con él. Si os gusta la acción sin más, personajes planos, violentos, con testosterona, a la antigua usanza, y apagáis un poco el cerebro, la película funciona. Sí que se queda falta de una trama decente, personajes memorables o giros de argumento que nos dejen con la boca abierta. No existe nada de todo eso, y en su lugar se abre paso la violencia y la huida hacia adelante.
Y es que el derroche de carisma no es el fuerte de los Hemsworth, o al menos no de los pequeños, pero tampoco es culpa suya, sino de un guion endeble y una película bélica que no desea aspirar a más. Russell Crowe sí le da cierto empaque a un personaje gruñón y harto del mundo que es poco respetados por iguales o superiores. Da la nota de color a un filme que tiene en la acción y la pirotecnia a sus mejores aliados. Y es que verse en una jungla abandonados, en una misión de rescate y en medio de un ataque insurgente, no es algo que al espectador le parezca novedoso, desde luego. Sí lo es el uso de los drones en una situación semejante, dando cierta información sobre cómo se pueden librar guerras o misiones de este estilo. Una crítica también al exceso de dependencia que tienen las nuevas tecnologías sobre la humanidad.
En definitiva, MISIÓN HOSTIL es apagar el cerebro y disfrutar de los tiroteos y de cierta tensión, digna de una típica película bélica que no tiene más pretensiones que la de entretener y divertir, sin crear nada nuevo ni desplegar carisma alguno por parte de sus protagonistas. Russell Crowe, eso sí, marca diferencias con un personaje que no pasa desapercibido. Si os gusta el género, echadle un vistazo.

Crítica: OOH LA LA!

Comedia francesa, que más bien parece una obra de teatro, con la genética y los orígenes como parte fundamental de la trama. Humor francés que pondrá a prueba los prejuicios de unos y otras. Esta semana hemos visto: OOH LA LA!

Cocorico está dirigida por Julien Hervé, y parte de un regalo que una pareja de enamorados hace a sus padres, por motivo de su inminente boda. Pero estos no lo saben, y son de mundos diferentes. Los padres de ella (Christian Clavier y Marianne Denicourt) son de la nobleza, hacen vinos y su casa tiene unos viñedos enormes. Honrados con la historia familiar y la pureza de su grande, tendrán que conocer a los padres de él (Didier Bourdon y Sylvie Testud); él regenta un concesionario Renault, porque es muy francés, así que imaginad la sorpresa de todos cuando los resultados, hechos a traición por la pareja, les revele que proceden de otros países y, de paso, haga que se cuestionen muchas cosas que suceden en su vida, como hábitos, costumbres y, sobre todo, prejuicios.
Como comedia funciona, sobre todo si os gustan las películas francesas que funcionan más como si de una obra de teatro se tratara, con monólogos y diálogos largos entre personajes que se sueltan pullas y no saben cuándo callar; situaciones tragicómicas que os harán lanzar más de una carcajada y, en resumen, os hagan pasar un buen rato, puesto que de eso se trata. Por lo demás, es una película correcta, con su público fiel en Francia, que imagino que llamará la atención al público más hecho a la comedia francesa, que dista mucho de la española, aunque los temas siempre suelen ser los mismos: identidad y pertenencia. En todo caso, las interpretaciones son divertidas, sobre todo las de Christian Clavier y Didier Bourdon, y a medida que avanza el film las situaciones que se dan son cada vez más inverosímiles, aunque hablan mucho de las aspiraciones del ser humano y de la vanidad.  En definitiva, OOH LA LA! es una comedia divertida, que sabe entretener y que puede aportar muchas risas para una tarde de cine. No es la mejor comedia francesa, ni de lejos, pero sí que parte de una premisa original, con un elenco de interpretaciones que se entiende bien. Por lo demás, si sois de cine francés os gustará, y si no es así, es buen momento para hincarle el diente. Echadle un vistazo.

Reseña: EL ESTRECHO SENDERO ENTRE DESEOS

No acabo de cogerle el sentido a spin-offs que surgen antes de que la saga original esté acabada, pero hay cierto magnetismo en la forma de escribir de Patrick Rothfuss que le anima a leerlo, sobre todo si es con personajes con carisma. Esta semana hemos leído: EL ESTRECHO SENDERO ENTRE DESEOS.

 Título: El estrecho sendero entre deseos


Autor: Patrick Rothfuss


Editorial: Plaza & Janés


Nº de páginas: 240

Fecha de publicación: 2024 

INFORMACIÓN
Sinopsis: Si hay algo que Bast sabe hacer es negociar. Verlo hacer un trato es ver trabajar a un artista..., pero incluso el pincel de un maestro puede errar. Sin embargo, cuando recibe un regalo y lo acepta sin ofrecer nada a cambio, su mundo se tambalea. Pues, aunque sabe regatear, no sabe deberle nada a nadie.Desde el amanecer a la medianoche, durante el transcurso de un día, seguiremos al fata más encantador de la Crónica del Asesino de Reyes mientras baila con el peligro una y otra vez con asombrosa gracilidad. Autor: Patrick Rothfuss es el autor de El nombre del viento (Plaza & Janés, 2009), el fulgurante debut literario y primer volumen de la Crónica del Asesino de Reyes que lo consagró como fenómeno editorial y lo convirtió en un hito de la fantasía internacional. La novela, que cuenta con traducciones a treinta y cinco idiomas y elogios apasionados por parte de los lectores y de los críticos, obtuvo el premio Quill al mejor libro de literatura fantástica en 2007 y lleva vendidos diez millones de ejemplares en todo el mundo. Le siguió El temor de un hombre sabio (Plaza & Janés, 2011), la segunda entrega de la trilogía, que se posicionó en los primeros puestos de las listas de más vendidos desde la primera semana en las librerías. A este fascinante universo literario también se han unido las novelas cortas La música del silencio (Plaza & Janés, 2014), ilustrada por Marc Simonetti, y El estrecho sendero entre deseos (Plaza & Janés, 2024), ilustrada por Nate Taylor. Por su maestría como narrador y la originalidad de sus historias, la crítica ha equiparado a Rothfuss con grandes escritores como J. R. R. Tolkien, Ursula K. Le Guin y George R. R. Martin. Patrick Rothfuss vive en Wisconsin y, aparte de dedicarse a la escritura, dirige Worldbuilders, una organización benéfica con fines humanitarios.

RESEÑA
El estrecho sendero entre deseos es, tras La música del silencio, otra entrega que pertenece a Crónicas del asesino de reyes, de Patrick Rothfuss. En esta ocasión, Bast es su protagonista, un peculiar personaje que no puede deberle nada a nadie, de manera que se mete en más de una aventura con el objetivo de devolver lo que le han prestado, o al menos lo que él cree. Esto lo lleva a recibir peticiones rocambolescas, que a veces afectan a la vida de las personas que se lo piden, pues lo hace con niños, jurando frente a un árbol. Es una obra peculiar, como lo es el mismo autor, aunque no tan imaginativa u onírica como su predecesora, que no gustó a todos los públicos. Esta, sin embargo, es algo más comprensible, aunque a decir verdad, llevo tanto sin entrar en el mundo de la saga de Kvothe que no recordaba ni quién era Bast.
El estrecho sendero entre deseos, eso sí, está escrita con gran maestría, ya que Patrick Rothfuss es un autor muy descriptivo, aunque no demasiado ágil, pero eso ya lo sabemos. Sus personajes irradian calor y Bast es carismático. No es que nos descubra a la persona, porque sigue igual de místico, pero no pasa desapercibido. Lo interesante de la novela, al igual que La música del silencio, es que no hay por qué leer las novelas anteriores, pues sí que transcurre en el mismo mundo, pero es un punto y aparte. Evidentemente, siempre nos preguntaremos cuándo sacará Patrick Rothfuss la tercera y última novela de su aclamada trilogía, pero lo cierto es que parece todavía muy lejana, por lo que hay que disfrutar de las migas de pan que vaya echando.
En definitiva, EL ESTRECHO SENDERO ENTRE DESEOS es una novela de fantasía en la que Patrick Rothfuss es libre y no se siente atado a la trilogía principal ni a las presiones de sus fans. Simplemente deja que Bast pacte con los niños y cumpla sus promesas, que a su vez le traen información, como a nosotros nos gustaría que esto supusiera avances en la conclusión de la historia de Kvothe. Ilustrado por Nate Taylor de fantasía, por supuesto.
VALORACIÓN: 6/10

Crítica: RIVALES

Triángulo amoroso muy potente con el que Luca Guadagnino se adentra en el mundo del tenis, con una Zendaya en buena forma y Josh O'Connor y Mike Faist compitiendo por su amor, con la importancia del pasado siempre presente. Esta semana hemos visto: RIVALES.

Challengers está dirigida por Luca Guadagnino, que nunca deja indiferente, y esta vez no será menos tampoco. Tenemos a una jugadora de tenis, Tashi (Zendaya), con gran proyección a su edad, pero que en su mayor apogeo todavía decide no ser profesional y se lesiona, impidiéndole continuar con su carrera deportiva. Antes conocerá a Patrick (Josh O'Connor) y Art (Mike Faist), quienes son compañeros desde hace muchos años y que han convivido y jugado mucho. Son parejas en dobles y rivales. Y aunque uno es mejor que el otro, el primero es algo bohemio y desinteresado y el segundo es más centrado y con mayor potencial, aunque sin desarrollar. Una vez se lesiona, tendrá que escoger entre ambos, pues entrenará a uno de ellos y lo convertirá en campeón, aunque el triángulo amoroso que se establece se alargará en el tiempo, con la sombra de uno y de otro sobrevolando el filme, con un ritmo un tanto lento, pero que en ningún momento se me hizo pesado. El uso de las cámaras en pleno partido es original, sobre todo en los minutos finales.
Y es que el campeón al que entrena Tashi está en horas bajas, por lo que lo apuntará a un torneo Challenger, de menor nivel, para que coja confianza. Lo que no sabrá, o sí, es que su compañero y rival, al que hace una década que no habla, también se presentará, con una mano delante y otra detrás, y ambos se enfrentarán en la final. Ese es el comienzo de la película, que irá atrás y adelante en la vida de los tres, conformando unos personajes tan interesantes como la relación que se establece entre ellos. Zendaya y Josh O'Connor están geniales, Mike Faist es algo más apagado, pero existen paralelismos entre esta historia con la de Roger Federer y su mujer, Mirka Vavrinec (ex tenista que abandonó el deporte por una lesión, como Tashi). De manera que es evidente la importancia de su apoyo y consejo a la hora de forma al campeón. Pensamos en un inicio que es una película donde hay un trío amoroso que se complica, sin más, pero es de gran profundidad, con una complejidad que hipnotiza hasta el final.
En definitiva, RIVALES es una muy buena película de Luca Guadagnino, que explora la sexualidad, la libertad, el deporte, la complejidad del pensamiento humano, los retos a los que nos enfrentamos y el futuro que queremos, sin dejar atrás las ambiciones personales que nos mueven. Zendaya y Josh O'Connor están geniales. No os la perdáis.

Crítica: EL ESPECIALISTA

Homenaje a los especialistas de cine con dos pesos pesados de la interpretación. Divertida, entretenida, con multitud de escenas impactantes, sí, pero no es la película de acción del año, ni mucho menos. Esta semana hemos visto: EL ESPECIALISTA.

The fall guy está dirigida por David Leitch, quien ya demostró con Atómica o la más reciente Bullet train, que sabe hacer las cosas mejor y con otro tipo de protagonistas, de los de toda la vida. Aquí tenemos a un Ryan Gosling que se mete en un fregado sin quererlo ni beberlo, pero que es un prota que se ríe de sí mismo, algo que Ryan Gosling o Reynolds saben hacerlo muy bien, por lo que le da un toque diferente al film. Él está enamorado de una técnica de sonido que luego será directora (Emily Blunt), aunque no he encontrado precisamente complicidad entre ellos. Los que se lo pasan bien son Aaron Taylor-Johnson y también Winston Duke, con papeles divertidos. Diría que el principal atractivo de la película es el homenaje que se le brinda a los dobles de acción, pues no sabemos la importancia que tienen en el mundo del cine, donde las películas de acción y aventuras, con riesgo para los actores, suelen ser las más blockbusterianas y rentables.
La película es un ir y venir constante entre la acción, el humor y escenas que destacan. Se rueda dentro de otro rodaje de ciencia ficción, donde también desromantizamos el cine y los rodajes, puesto que al final todo trata de repetir las tomas una y otra vez hasta el hastío, y también nos deja ver lo que hay detrás, como las fiestas, el compañerismo o la estrella que vive aislada y funciona a otro ritmo, pretendiendo que el resto se adapte a sus horarios y sus excentricidades. La trama en sí es bastante simple: salvar la película y encontrar al actor principal, que es un individuo con talento pero oscuro, como suele suceder a aquel al que se le sube a la cabeza la fama. Las escenas de acción son buenas y contamos con Ryan Gosling, que por él solo ya vale la pena verla; además de Emily Blunt, que siempre cumple. En cualquier caso, ya os digo que complicidad como tal no existe, y eso que narra su historia de amor.
En definitiva, EL ESPECIALISTA es un buen blockbuster que homenajea, y ya era hora, a los dobles de acción del cine, para que valoremos lo que consumimos y sepamos que muchos de ellos se juegan la vida, y de hecho mueren, para que nosotros sentemos el culo y comamos palomitas ante un trabajo que es poco reconocido. A menos que seas Tom Cruise o Jackie Chan, todos necesitan un doble. En todo caso, no os la perdáis si os gusta el género.

Reseña: EL GUARDIÁN ENTRE EL CENTENO

Novela clásica y casi atemporal la de J. D. Salinger. Una obra de culto que merece ser leída y que en 1951, fecha de publicación, nada menos, fue muy provocadora, pues habla de la sexualidad o del acoso. Desde luego, a Holden Caulfield. Esta semana hemos leído: EL GUARDIÁN ENTRE EL CENTENO.

 Título: El guardián entre el centeno


Autor: J. D. Salinger


Editorial: Alianza Editorial


Nº de páginas: 288

Fecha de publicación: 2010
 

INFORMACIÓN
Sinopsis: The Catcher in the Rye (titulada en español El guardián entre el centeno, El guardián en el trigal o El cazador oculto)​ es una novela del escritor estadounidense J. D. Salinger. Al publicarse en 1951 (aunque Salinger ya lo había presentado en forma de serie en el periodo 1945-1946) en los Estados Unidos, la novela provocó numerosas controversias por su lenguaje provocador y por retratar sin tapujos los conflictos en la adolescencia, como el acoso y la sexualidad. ​ La obra está escrita con narrador intradiegético y en primera persona. El protagonista de la novela, Holden Caulfield, se ha convertido en un icono de la rebeldía adolescente. Autor: (Nueva York, 1919 - New Hampshire, 2010). J. D. Salinger se graduó en una academia militar y después asistió brevemente a dos universidades. Su obra más importante, El guardián entre el centeno (1951), le estableció como escritor de culto y Holden Caulfield, el héroe de la novela, se convirtió en prototipo del adolescente rebelde y confuso que busca la verdad y la inocencia lejos del mundo falso de los adultos. Otras obras de Salinger, que tras su temprano éxito literario se convirtió en un ermitaño, son su libro de relatos Nueve cuentos (1953), Franny y Zooey (1961), Levantad, carpinteros, la viga maestra y Seymour: Una introducción (ambas en 1963). Todas ellas tratan de los problemas de los niños de la familia Glass, brillantes y extremadamente sensibles.

RESEÑA
El guardián entre el centeno es una obra de culto y referencia, con más de 60 millones de ejemplares vendidos, siendo tremendamente censurada en EEUU en los institutos y novela de cabecera del asesino de John Lennon y del que lo intentó con Ronald Reagan, entre otros. J. D. Salinger ha escrito una obra imperecedera gracias a que su protagonista es altamente inestable a la vez que inolvidable. Él es Holden Caulfield, un chaval de 16 años al que han vuelto a echar de su instituto. Afortunadamente, proviene de familia acomodada y decide largarse de allí antes de tiempo, de manera que viajamos junto a él mientras nos narra las relaciones que ha tenido con unas y otros, desde compañeros de piso, amigos, parejas, profesores, padres o hermana. Es un chaval crítico con todos, de manera que siempre tiene algo que decir sobre los demás y jamás expresa felicidad alguna. La adolescencia se abre paso por él, puesto que no le agrada nada ni nadie, ni siquiera los buenos amigos o alguna pareja que ha tenido. Eso al lector le crea cierto divertimento, pues es muy divertido leer esta novela, que es corta, y a la vez hipnótica.
El guardián entre el centeno nos habla de la vida de un joven que no encaja en ningún lugar, pese a sus notorias habilidades. Nos narra sus discusiones con compañeros de habitación, con su ex-pareja, e incluso su caradura a la hora de entablar conversaciones o entrar a lugar a fumar o consumir alcohol sin tener la edad recomendable. Nos narra, desde su punto de vista, el hartazgo que le provoca conversar con esas personas, lo mucho que las odia y lo poco que le gusta. En su familia, además, después de echarlo de tantos institutos, no encajarán bien el golpe, por lo que no quiere regresar, salvo para ver a su hermana Phoebe, que también es un personaje muy interesante. Al margen, también ha perdido a un hermano, a quien recuerda mucho, de manera que Holden Caulfield no está bien mentalmente, y mucho menos cuando la adolescencia lo golpea con toda la fuerza posible. Por eso, esta novela es atemporal, además de que ya en 1950 hablaba de cosas que era tabú, de ahí que causara tanto revuelo y la encumbraran como novela de culto.
En definitiva, EL GUARDIÁN ENTRE EL CENTENO se lee en un suspiro, pues es corta, está muy bien escrita y su personaje es tan carismático que jamás lo olvidaremos. Es una de las novelas que ha de ser leída casi obligatoriamente, pues narra sucesos que pueden pasar en la adolescencia, pero que puede leerse a cualquier edad, y casi que es recomendable por el gran interés que despierta. No me extraña que sea de culto, pues no deja indiferente.
VALORACIÓN: 8/10