Sofía Calvo Foxley's Blog, page 43
September 24, 2020
Podcast MySnkrs: el imperdible para los amantes y curiosos de las zapatillas
Las zapatillas o sneakers son un universo en si mismo. De hecho, muchos se refieren a ellas como una cultura debido a que sus modelos más emblemáticos se han convertido en parte de la iconografía de movimientos y tribus sociales, además de hitos de la cultura urbana y pop. Lo anterior queda aún más claro al escuchar el
podcast
MySnkrs
creado por el el fundador de MYSNKRS Custom, Juan Pablo (JP) Bello junto al diseñador de calzado, académico e investigador, Jorge (Yorch) González. En sus primeros 3 capítulos desentrañan la historia de tres imprescindibles del mundo sneaker: la adidas Superstar, la Nike Air Force 1, y la Puma Suede. Hoy nos contarán qué los motivó a desarrollar este podcast y por qué es importante conocer el relato tras este calzado.
JP cuenta que después de cuatro años restaurando y personalizando zapatillas, fue aprendiendo no sólo de su cuidado y materialidad, sino también de la historia de los pares más icónicos que le iban llegando. En ese proceso pensó en desarrollar un medio diferente, que le permitiera compartir todos esos conocimientos. "Creemos que detrás del vacío mundo de conseguir la zapatilla de moda, sin saber qué hay detrás, hay mucho más que contar y aprender", afirma.
Eso lo llevó a convocar al diseñador de vestuario especializado en calzado, Jorge (Yorch) González, quien es docente -hace una década- de la Escuela de Diseño del DuocUC y que andaba buscando cómo sacar sus clases del aula.
"Soy un amante de la radio y siempre quise tener un programa, venía hace un buen tiempo pensando en hacerlo. Por otro lado, me encanta la historia y los procesos sociales que ellas relatan y cuando JP me invitó a ser parte del equipo de MySnkrs, uno de los proyectos que propuse fue hacer este podcast, donde buscamos contar la historia de distintos modelos y revelar la historia oculta o los procesos sociales donde las zapatillas han sido parte importante de la evolución o revolución cultural de la humanidad", explica.
¿Por qué creen que es importante hablar sobre la historia de la zapatillas?
JP: "En tus pies llevas parte de una historia, de esfuerzo, de perseverancia, de alguna o algunas personas que quisieron llevar adelante una idea y un negocio, y que lucharon con todas sus fuerzas para sacarlo a flote. Mucha prueba y error hasta conseguir lo que hoy se conoce como una zapatilla o una marca. Puede ser muy inspirador para las generaciones actuales o futuras".
Yorch: "Las zapatillas han estado presentes en la historia de la humanidad desde miles de años. La primera zapatilla de trekking la diseñaron y construyeron los romanos para que su ejército pudiera desplazarse por senderos de difícil acceso. Por su parte, el Rey Enrique VIII de Inglaterra diseñó el primer zapato para jugar un raro deporte que después se llamó football. También este calzado está presente en revoluciones industriales, diseño y creación de distintos procesos tecnológicos; en la democratización del deporte; en la aceptación de la adolescencia por parte de la sociedad a finales de los años 50´s; en la lucha por derechos humanos como la equidad de género o movimientos de equidad racial como Black Power hasta nuestros días, donde el lenguaje no verbal ha llevado a las zapatillas a ser una forma de comunicación y las ha transformado en una industria en sí misma en el mundo de la moda. Entonces cómo no va a ser entretenido relatar y reflexionar sobre estos objetos de deseo o saber que hay detrás del modelo de zapatillas favorito de cada unx.
Los primeros 3 capítulos del podcast MySnkrs están dedicados a las emblemáticas adidas Superstar, Nike Air Force 1, y Puma Suede.
JP explica que esta selección se debe a que quisieron partir con los modelos de zapatillas más icónicos y reconocidos por todos, de tal manera de llamar la atención y así lograr llegar a un público cautivo. "Además que son zapatillas que muchos tienen o tuvieron en algún momento, por lo tanto, el valor que ellos mismos le dan o el cariño que le tienen, hace que estos capítulos sean muy interesantes", expresa.
En la misma línea, Yorch, reafirma que la idea era partir por los clásicos, que supieran la historia de esas zapatillas con el objetivo de que descubrieran este mundo sneaker. "De a poco irán saliendo nuevos capítulos con modelos más contemporáneos, además los modelos de estos 3 primeros capítulos han marcado un precedente en la industria por sus sistemas de producción, estrategias de marketing y revoluciones culturales", insiste.
JP: "Creo que la escena sneakers aún no está totalmente constituida. Aún hay mucha envidia y egoísmo, mucho seguidor hater que pelean con otros y muchos que tratan de aprovecharse de otro seguidor. Si bien la escena la componen principalmente influencers que han estado desde un primer momento contando lo que se hace fuera del país, aún falta mucho por construir. Creo que todo parte por querer ayudar al otro y no solo pensar en uno mismo".
Yorch: "La escena sneaker en el mundo parte a finales de los 70´s y en Chile con actores relevantes lleva unos 5 años aproximadamente, como toda escena nueva, tiene cosas buenas y malas. Por un lado al existir pocos actores trabajando en ella, hay muchas campo para realizar actividades, proyectos y nuevos productos asociados a las zapatillas pero, a su vez, como es pequeña e incipiente, hay mucha desconfianza, envidia y egoísmo ('pueblo chico infierno grande'). Esta escena está conformada principalmente por sneakerheads (compradores y coleccionadores de zapatillas), customizadores (modificación con pintura o nuevos materiales pares existentes), están los restauradores (reparan y reacondicionan zapatillas usadas), también están las lavanderías de zapatillas, ferias independientes enfocadas en las zapatillas y el streetwear, realizadores audiovisuales que tienen sus canales donde se dedican a hacer reviews y unboxings de nuevos modelos de zapatillas y nuevas marcas chilenas que se están aventurando a crear zapatillas desde cero".
JP comenta que el podcast parte con el objetivo de contar la historia de ciertas marcas y zapatillas icónicas, pero también involucra a la gente que los escucha y los retroalimenta con sus opiniones y pedidos. "La idea es, en un futuro, poder entrevistar a personajes que han ayudado a la escena no solo en Chile, sino también en el extranjero. Poder ir sumando desde pequeños hasta grandes invitados que puedan enseñar su experiencia, y contar también sobre su propia historia en relación al tema. No todo está en libros ni en internet, también hay muchas historias personales que vale la pena relatar", declara.
Yorch concuerda con JP y complementa que quieren que el podcast crezca, se integre una voz femenina y comiencen a hablar de modelos de zapatillas más contemporáneos. "Hacer capítulos temáticos basados en algún movimiento social o sobre cómo las zapatillas se han involucrado y han permeado en distintas industrias, hablar de los productores y diseñadores nacionales y latinoamericanos. En definitiva buscamos seguir expandiéndonos, generar más cercanía con nuestro público hispanoparlante y transformarnos en un referente latino en el mundo de las zapatillas", concluye.
¿Dónde escucharlos? En Spotify en la cuenta de MySnkrs
(Fotos gentileza del podcast MySnkrs)
September 23, 2020
Tenaz: zapatos a modo lento que buscan una nueva materialidad
El deseo de diseñar zapatos hecho en Chile, sin tener la necesidad de importar la materia prima motivó a la diseñadora Isabel Ponchie Vargas a crear la
etiqueta de zapatos Tenaz
. "Vi que el mercado chileno se abría a más y más marcas extranjeras, además los zapatos antiguos creados en el país, que eran de calidad, comenzaron a cerrar sus fabricas e importar de Asia, pero yo no quería seguir con lo mismo", narra Isabel. Hoy nos contará cómo la moda lenta, el suprareciclaje y los nuevos materiales están influyendo en su desarrollo como marca.La propuesta de TenazIsabel define su propuesta como calzado sustentable, con materias primas que circulan dentro de Chile y la región, cueros que se comienzan a desechar y les dan un nuevo uso.
"El diseño también es atemporal y basado en épocas pasadas con toques modernos. Buscamos continuamente nuevos elementos y alianzas para complementar y reemplazar el uso de nuevos productos", explica.
En esta línea la reutilización se ha convertido en una pieza clave de su proceso creativo, ya que utilizan chaquetas o retazos de muebles de cuero o de otros pequeños empresarios para elaborar sus calzado. "Sabemos que nos debemos regir por los colores disponibles y a la cantidad de textiles que alcancemos a recolectar en cada temporada", afirma.
Fomentar las experiencias de aprendizaje y mentorías en la escena local
Isabel participó en la iniciativa "¿Y ahora qué? (YAQ) de la Municipalidad de Providencia, que le permitió recibir la mentoría de lxs expertxs en calzado, Jorge González y Lorena Lain. Para ella este tipo de experiencias son muy importantes para consolidar la escena de la moda local.
"A pesar de la pandemia logré conocer otras emprendedoras que, al igual que yo, tenían deficiencias en una u otra área, y con estas mentorías consigues que tu proyecto comience a ser, desde una idea a una pequeña empresa, sabes exactamente que áreas tienes más flojas y donde hay que aplicar más tiempo, ayuda a enfocarse y ordenar el tema, especialmente para gente como yo que soy muy dispersa.
En cuanto a la ayuda específica de mis mentores; Jorge es un seco en el calzado, sabe y se interesa de las tendencias que vienen y como potenciar lo que haces en este mercado, muy atento y súper claro. La Lore un amor, averigüé que sabía de moda sustentable y me colgué de ella, fue muy generosa con sus conocimientos y me dio muchos datos para leer y aprender, ya que en Chile aun estamos atrasados en todo lo que es moda sustentable y reutilización, pero hay muchos exponentes muy buenos", relata.
El principal desafío de Tenaz en tiempos de pandemia y las proyecciones de futuro
Para Isabel la venta online y tener que contactarse con sus clientes solo por canales digitales ha sido su principal desafío en pandemia. Sin embargo ha logrado sortearlo a través de tutoriales y asesorías, concentrando su comunicación de marca en Instagram.
Por otra parte, respecto al futuro comenta que por el momento está investigando y desarrollando nuevos materiales, además de aprendiendo de emprendedores que ya lo hacen, sobre todo en el tema del reemplazo del cuero.
"Las pruebas con hongos para crear telas son lentas, pero espero que con el equipo que estamos formando, donde esta Joaquin de @plantaserrantes desde Valdivia, logremos crear algo totalmente nuevo. Desde la naturaleza sin dañar animales ni al medio ambiente en su construcción, creación y eliminación. Por mientras, estoy postulando a fondos, esperamos poder desarrollar este sueño", concluye.
¿Dónde comprarlos? En la cuenta en Instagram de la marca.
(Fotos gentileza de Tenaz)
September 22, 2020
Lupe Gajardo analiza su participación en el London Fashion Week
La pandemia no sólo ha alterado el calendario de la moda, sino también sus formatos. En ese sentido, la nueva cotidianidad ha obligado a repensar los antiguos modos y transformar las pasarelas en un híbrido donde lo virtual gana terreno a lo analógico. La diseñadora chilena, Lupe Gajardo (marca homónima), ha sido testigo de esa transformación. Primero en el lanzamiento de su colección por su 10º aniversario y ahora debido a su participación en la edición de septiembre 2020 del London Fashion Week (LFW). Si bien su expectativa era mostrar su trabajo en vivo, las circunstancias la llevaron a hacerlo mediante un fashion film, donde el suprareciclaje y los Andes son los protagonistas. Desde Londres nos cuenta sobre este hito y sus proyecciones.La participación de Lupe Gajardo en London Fashion Week virtual
Lupe confiesa que su participación en el London Fashion Week ha sido muy significada y novedosa, pero al mismo tiempo un poco "rara". No sólo por tener que presentar su propuesta 100% digital, sino también por tener que imaginársela desde ese formato.
"Sin duda es mucho menos emocionante, sin embargo el impacto ha sido bastante grande, menos instantáneo, más lento porque se va esparciendo por las redes, pero enorme. Nos han contactado de todas partes del mundo, entonces ha sido una muy buena instancia de participación", complementa Lupe.
El feedback y las proyecciones de Lupe Gajardo post London Fashion Week
Lupe explica que ha sido un lujo trabajar con la organización del evento, por su profesionalismo y fluida comunicación. De hecho, hoy (martes 22 de septiembre), le entregarán las estadísticas relativas a su fashion film de presentación. No obstante aquello, ya han recibido muy buenas críticas de otras agencias, blogs, revistas y medios especializados.
Lo anterior, reafirma el objetivo que tiene la creativa para su marca homónima: la internacionalización teniendo a Asia como meta a largo plazo. "Creemos que es un buen paso instalarse acá (Londres) o hacerse un nombre acá para luego llegar al mercado asiático. Te diría que este hito -el LFW- marca el inicio de la introducción de la marca en Europa", afirma.
La colección de Lupe Gajardo en el London Fashion Week
La colección Lupe Gajardo - 2020.2 está inspirada en diversas técnicas y temáticas que son los fundamentos de la propuesta: basura cero (zero waste), suprareciclaje (upcycling), no género (genderless) y la fluidez de la silueta. Esto último se traduce en piezas que buscan ser multitallas.
Esta colección concluye la investigación de años en torno a la versatilidad de la silueta que se logra según las características del textil -tejido y peso- partiendo de una figura geométrica simple que a través de tensiones y pliegues en puntos estratégicos del cuerpo la definen.
Para cumplir con objetivo de crear prendas "basura cero" (zero waste), el trabajo constructivo se realizó a partir de formas geométricas cuadradas, rectangulares y triangulares que dejan residuos marginales. Muchas veces estas prendas tienen un solo corte y una sola costura, minimizando al máximo el gasto de materiales y tiempo en su producción. El 75% de esta colección está hecha a partir de figuras zero waste.
Por su parte, gracias al suprareciclaje, se crearon nuevos paños textiles con alto valor estético a partir de retazos, para ser reutilizados como base de nuevas prendas donde los conceptos de escasez y espontaneidad se manifiestan como motor creativo y de reinvención.
Sitio web de Lupe GajardoFanpage en FacebookInstagram de Lupe Gajardo
(Fotos y video gentileza de Lupe Gajardo para el London Fashion Week)
September 21, 2020
Parte 2: Mascarillas de diseño local desde la reutilización textil
Las mascarillas serán parte de nuestra vida cotidiana por un periodo indefinido. Sin embargo, que efectivamente nos protejan contra el virus, es necesario que su cuidado sea similar al que le damos a nuestra ropa interior. Pensando en ello y en las alternativas que nos entrega la escena de la moda local, hace unos días les contábamos de mascarillas de diseño chileno con nanocobre y hoy les entregamos más opciones, pero desde el suprareciclaje. En esta segunda entrega, les contamos de mascarillas de diseño local desde la reutilización textil. Si conocen más marcas, no duden en compartirla en sus comentarios.Mascarillas de diseño local desde la reutilización textil
Si bien en Chile no existen cifras oficiales respecto a la basura textil, según datos de Stgo Slow de "las casi 29 mil toneladas de ropa usada que importa la Zofri (Iquique), un 40 % termina en vertederos ilegales en pleno desierto". Ese ejemplo puntual nos demuestra que en nuestro país, estamos botando materia prima valiosa.
Por lo mismo resulta tan relevante destacar a las marcas locales que están tratando de revertir esta situación mediante el suprareciclaje (upcicling). En este caso, reutilizando textiles para crear mascarillas.
Una de las etiquetas que ha trabajado ello desde una lógica de triple impacto social es Minka . Sus Minkarillas dan empleo a mujeres en situación de vulnerabilidad, están hechas con materiales sustentables y pueden ser donadas a mujeres privadas de libertad.
¿Dónde comprarlas? En su tienda online.
En una línea similar encontramos a la marca oriunda de Iquique, Amor Recicla, cuya misión es transformar todo el residuo textil generado por la zona franca en un nuevo producto gracias al rediseño y confección de mujeres de su comunidad.
¿Dónde comprarlas? En su cuenta en Instagram.
Una marca clásica del mundo del suprareciclaje es Viudadelvis, que debido a la pandemia también se abocó a la producción de mascarillas en dos tamaños, con 2 y 4 lazos, más forro de TNT (polipropileno), también reutilizado.
¿Dónde comprarlas? En la cuenta en Instagram de la marca.
Otra etiqueta que ha apostado por la creación de mascarillas desde el upcycling es Kazú hechas con cordón ajustable, además de forro interno.
¿Dónde comprarlas? En la cuenta en Instagram de la marca.
Un caso interesante es el de la marca especializada en corbatas, Atar (foto principal), que ha aprovechado sus retazos para crear mascarillas de diversos colores y diseños. Vende por unidad y pack de 3 unidades.
¿Dónde comprarlas? En su tienda online.
¿Conoces otras marcas de moda local que estén trabajando con reutilización textil y suprareciclaje?
September 18, 2020
En búsqueda de la identidad del consumidxr de moda en Chile
En estas fechas suelo hablar de la identidad de la moda chilena y de qué se puede hacer para consolidarla. Sin embargo en esta oportunidad, mi reflexión se centrará en nosotrxs, quienes compramos sus prendas: los consumidorxs / ciudadanxs. Ello, porque para lograr que se consolide una escena de moda local es necesario que se desarrolle un sistema, que tiene como grandes protagonistas a quienes portarán esas prendas. En un día de celebraciones patrias, me pregunto cuál debería ser la identidad ideal del consumidxr de moda en Chile.Hacia una identidad del consumidor de la moda en Chile
Cada vez que se habla de consumidorxs de moda en Chile, se tiende a identificar sus preferencias generales, donde el factor precio es el más relevante. Es decir, nos gusta comprar barato, muy barato. Ese aspecto va en contraposición con los valores que intenta consolidar la escena autoral en la que el precio está determinado por un proceso creativo y un relato, además de conceptos como la atemporalidad y "herencia".
No obstante, el estallido social y posteriormente la pandemia, incentivó la reflexión en un grupo -me gustaría creer importante- de la población, que no sólo los ha llevado a cuestionarse el sistema en el que vivimos, sino también las razones de nuestro consumo. Ello ha propiciado un debate en torno a quiénes están haciendo nuestra ropa y en qué condiciones. A su vez, en el mejor de los casos, ha estimulado un cambio de hábito, donde la escena local tiene una oportunidad de ser vista y valorada.
Pero aún queda mucho camino por recorrer y la gran mayoría se queda en el discurso o en el hashtag en redes sociales, lo que nos lleva a pensar sobre cómo debería ser la identidad del consumidxr de moda chileno si pudiéramos definirla y masificarla.
Para mí, un componente importante sería cambiar el nombre de ese rol y dejar de hablar de consumo, así también como de consumidores. Me gustaría que este nuevo usuario no sólo viera la relación con su ropa desde un punto de vista de "comprar" / "adquirir", sino desde una mirada circular, donde los verbos "reparar", "reutilizar", "personalizar" y "cuidar" fuern la base más profunda de la ecuación.
Además que la identidad personal y comunitaria también tuviera preponderancia, entendiendo el poder del vestuario tanto a nivel individual como en la promoción de territorios.
En ese sentido, que cada vez que necesitara algo para vestir, antes de comprar se hiciera preguntas: ¿realmente lo necesito? ¿puedo buscar formas alternativas para adquirirlo como el trueque (swap party)? ¿en mi clóset habrá algo que se pueda reutilizar o personalizar para satisfacer esa necesidad?
Asimismo, si la respuesta todavía siguiera siendo la compra, no lo hiciera producto de un impulso de temporada o tendencia, sino que tal como ha dicho "No más...", expresara un "no más..." a la contaminación y trabajo esclavo en la industria de la moda, un "no más" marcas que ejercen violencia simbólica contra las mujeres, que no quieren ampliar sus referentes por flojera y comodidad, porque es más fácil insegurizarnos y motivarnos a comprar para paliar nuestros vacíos existenciales, que entregarnos una oferta que nos reencuentre con nuestros cuerpos diversos.
En definitiva, me encantaría que la identidad del consumidxr de moda en Chile se definiera por su conciencia y responsabilidad hacia su entorno y si mismo, que dejara de ser un mero elemento de un sistema cuya sostenibilidad está en jaque, y que dejara de creer sus promesas vacías.
Tengo clarísimo que no todes pueden virar con rapidez en esa dirección, pero quienes tenemos privilegios (desde la educación, un trabajo en adelante), no podemos esperar que el del al lado de el primer paso. Hoy es el momento para construir una nueva identidad colectiva, donde la palabra consumo, se reemplace por colaboración y asociatividad para la vida.
¿Creen que logremos ese cambio de paradigma pronto? ¿estamos en un buen contexto para esa transición?
September 17, 2020
Kyosei: indumentaria en simbiosis y clave suprareciclaje
Consciente del impacto ambiental del fast fashion, la diseñadora integral Belén Sabate decidió que su camino iría por el lado contrario. Enamorada del área textil, pero abrumada por las cifras de la industria, al momento de desarrollar su examen de título se propuso crear un sistema estandarizado de diseños que le asegurara poder replicar modelos y, a través del suprareciclaje, utilizar la ropa que ya estaba en circulación. A esa ecuación, le sumó la opción de diseños a pedido con prendas aportadas por el cliente de manera de darle un significado aún más personalizado y emocional. Así fue como nació su
marca de indumentaria, Kyosei
, que en japonés significa simbiosis, que es parte del espíritu de la etiqueta. Te invito a conocerla. La propuesta de Kyosei
Belén comenta que Kyosei es ecléctica, inteligente y estilizada e intenta ocupar el material de la forma más óptima posible.
"Una propuesta de diseño de autora, en la cual el tema de la sustentabilidad es el eje central. Batallando contra el sistema del retail y el fast fashion desde una posición pequeña y activa en potencia. Diseñada para todo tipo de personas con un interés en la sustentabilidad y el diseño de autor nacional. Kyosei es un trabajo a mano que busca atesorar elementos de prendas anteriores ya sean formales o emocionales, entregándole riqueza y ubicaciones estelares al nuevo diseño", afirma.
En este sentido el suprareciclaje se torna la temática central de la marca, influyendo 100% en el proceso creativo.
"Desde el inicio, posterior al lavado, debo seleccionar las prendas iniciales a deconstruir por materialidad para luego comenzar a diseñar las mezclas cromáticas, de texturas y estampados. En conjunto con esto, escojo qué diseño voy a recrear de acuerdo a mi catálogo personal de marca. Trabajo mucho con maniquí cuando se trata de prendas superiores, pues me permite tener una visualización rápida de la prenda final.
Al ser un trabajo artesanal que es muy variable, siempre las piezas finales, por más similares estructuralmente que sean entre ellas, terminan siendo únicas con sus propias singularidades. El proceso es sumamente interesante y rico; resulta desafiante pues existen pies forzados que lo complejizan, pero que se incorporan en la construcción, como un pliegue anterior, un zurcido, la reminiscencia de un bolsillo, la evidencia de un botón o una presilla", explica.
Un nuevo paradigma para la moda según Kyosei
Belén cree que hay que cambiar el actual paradigma de la moda y está convencida de que estamos en el camino a derribarlo. "La contaminación, los cuerpos y estereotipos de belleza son algunas temáticas que se han puesto en discusión en el último tiempo. Existe un grupo de personas que cada día se acrecienta más, que busca opciones más sanas y reales, volcando su vida en torno a ello. El despertar está siendo generalizado, y ya en varios casos se puede ver cómo las grandes empresas de retail se han enfrentado a este tipo de público y vagamente han intentado introducir temáticas sustentables y personas diversas dentro de sus comercios y publicidades", insiste.
En esta línea, con Kyosei propone unirse a la lucha por acercarse a lo que realmente somos, desde un mundo que se puede resignificar y reconstruir en sí mismo con una prenda resignificada y reconstruida. 
Emprender en pandemia para Kyosei
Para Belén emprender en medio de la pandemia ha sido todo un desafío tanto desde el punto familiar -el Covid-19 afectó a sus cercanos y la pilló en un momento de cambio- como profesional, dado que encontrar ropa para el proceso de suprareciclaje fue una odisea en el periodo de cuarentena total.
"También he comenzado a confeccionar yo misma, pues en este momento resulta más rentable poder hacerlo yo en lugar de trabajar junto a una persona experta en confección. Debido a esto tuve que renovar una de mis máquinas de coser y ponerme a aprender nuevas técnicas, lo que me ha favorecido muchísimo pues ahora ejecuto de forma más pulcra y me ayuda a mejorar mis diseños. Por otro lado, he logrado productos 'más seriales', que es lo que intento trabajar con mi catálogo de marca. Creo que estoy recién comenzando mi camino pero ya estoy sentando una buena base para poder continuar con todo el éxito", señala.
¿El futuro de Kyosei?
"Visualizo aplicar el zero waste o basura cero como temática central dentro del diseño de mis futuras colecciones. También busco que Kyosei sea indumentaria sin género definido y junto a ello generar más contenido en el cual pueda visibilizarlo.
Me gustaría poder incorporar con más fuerza mi servicio de diseño personalizado de prendas aportadas por el cliente y ser reconocida como marca que entrega un valor agregado sumando la emocionalidad con sello propio de Kyosei. Visualizo también encontrar la fórmula para poder crecer sin perder la esencia y ser una marca reconocida gracias a su estética, diseños y sobre todo por sus valores de sustentabilidad".
¿Dónde comprarla? En la cuenta en Instagram de la marca.
Instagram de Kyosei
(Fotos gentileza de Kyosei)
September 16, 2020
Bermé atelier: moda romántica y basura cero
Una madre (Berta) y una hija (Melanie Moraga) fueron hilvanando una historia, donde la moda fue el hilo conductor. Berta, desde los 15 años cosía motivada por su madre costurera, mientras Melanie -egresada de derecho- buscaba canalizar su pasión a través de la asesoría de moda. Hasta que un día los caminos se cruzaron y, a fines de febrero 2020 cuando Melanie regresó de un intercambio en Barcelona, crearon la marca de indumentaria en modo lento, Bermé Atelier. "Lo más importante para nosotras era aportar a nuestros diseños el elemento de la sustentabilidad, lo que mi madre ha venido haciendo desde siempre, pero sin saberlo", afirma Melanie. Hoy nos contará cómo la cultura basura cero está permeando en su propuesta. La propuesta de BerméMelanie cuenta que Bermé es una marca que se basa en la moda ética y sustentable. "Usamos descartes de telas o deadstock fabrics de fábricas y diseñadores para producir nuestras prendas. Además en nuestra producción damos utilidad a todos nuestros retos, asegurando un ciclo completo de zero waste (basura cero). Toda la confección es hecha por madre e hija en nuestro atelier familiar en Limache, por lo que podemos asegurar las condiciones laborales adecuadas para las personas que intervienen en el proceso de creación de prendas", explican.
En términos estéticos ofrecen diseños de aires románticos, con cuellos amplios, mangas abullonadas, volantes, grandes volúmenes y detalles por montón. Un estilo que representa lo antiguo y clásico, de forma moderna.
La influencia del zero waste o basura cero en el proceso creativo de Bermé
Su opción por utilizar descartes de telas ha modificado el orden de su proceso creativo. De hecho, primero buscan la tela y con ella, diseñan. "Trabajamos Made-to-order, por lo que creamos un diseño a mi medida, le sacamos fotos y recibimos los pedidos los que comenzamos desde cero según la demanda. Si bien, con este modelo las personas tienen que esperar más por sus prendas, el lado positivo es que no creamos desperdicios innecesarios ni posibles prendas sin dueño. Sumado a esto, tenemos la posibilidad de hacer cada prenda a la medida de cada persona, lo que otorga un alto nivel de personalización y los clientes terminan finalmente con una pieza hecha especialmente para ellos", insisten.
Los restos que se producen en la producción los destinan a la elaboración de mascarillas, accesorios de cabello y artículos de papelería (decoran las tarjetas de agradecimiento). Además hacen sus moldes con los papeles que tienen disponibles en su casa e intentan producir la menor cantidad de residuos en su corte.
Por su parte, los remanentes de esta segunda etapa, lo utilizan como relleno de almohadillas especiales para el planchado de hombros, que afirman son muy útiles para planchar las mangas abullonadas de sus diseños.
"Un tema que queremos mejorar es el relacionado con el packaging, pues creemos que la mejor manera de no generar residuos es simplemente no dar packaging alguno en la entrega de nuestras prendas, lo que por el momento no es posible dados los servicios disponibles de repartos, que tienen sus propias condiciones. Dado esto nos hemos concentrado en no usar ningún tipo de plástico en nuestros envíos, prescindiendo de autoadhesivos, scotch o envoltorios que no sean estrictamente necesarios", complementan. 
¿Cómo ha sido para ustedes emprender en pandemia? ¿cuáles han sido los principales desafíos?
"Sin la pandemia este proyecto no tendría vida y sería pospuesto a lo largo de los años. Gracias a la pandemia, mi madre tiene el tiempo disponible para poder dedicarle a la marca y yo me concentro en estudiar para mi examen de grado la mitad del día y, toda la otra mitad, estoy en casa dedicándome exclusivamente a este proyecto.
Actualmente los canales digitales son la mejor plataforma para vender y no creo que sea necesario tener una tienda física para ofrecer nuestras prendas. Con la pandemia la gente se acostumbró a esperar para recibir sus compras, por lo que no ha sido problemático nuestro sistema Made-to-order, dado los beneficios que entrega.
Para nosotras personalmente ha sido un privilegio, usar de manera positiva esta pandemia y que la gente a pesar de este contexto tenga interés y quieran usar nuestros diseños.
Claramente el principal desafío es la escasez de materiales que hay en todas partes. Tratamos de adquirir nuestras telas con proveedores (fábricas y diseñadores) locales, por lo que ha sido complicado para todos en general. Otro gran desafío es el envío de nuestras prendas, que también he afectado a todos los emprendimientos en general, por la sobrecarga de los servicios de entrega".
Un cambio de paradigma de la moda según Bermé
Melanie y Berta están convencidas de que la moda debe cambiar radicalmente. De hecho creen que lo está haciendo gracias a la mirada crítica que está surgiendo de parte de los consumidores, que hoy se preguntan de dónde viene su ropa y cuál es el impacto de su producción. "Los consumidores son más conscientes e informados y ya no quieren usar prendas que no se identifiquen con alguna causa o comparta sus valores. Actualmente todos tienen un interés, una opinión que defender y quieren ser congruentes con ello. La moda no está exenta de esto", reafirman.
"Nuestra marca aporta en este proceso, pues entregamos otra opción a quienes están interesados en la moda sustentable, pues la más conocida hasta el momento es la ropa vintage. Ahora las personas pueden encontrar en nosotros prendas con igual cuidado al medioambiente, pues las telas que utilizamos de no ser usadas serían desperdicios", reitera.
Imaginando el futuro de Bermé atelier
Melanie señala que esperan seguir creciendo lento, pero sin pausas, entendiendo que su estilo no es de gusto masivo, lo que las obliga a ser fieles a él y a mantener la sustentabilidad como su pilar principal.
"Nos imaginamos un futuro sin colecciones con nuevos diseños según las estaciones, nuestros deseos y las telas que consigo encontrar, lo que tiene como consecuencia directa mantener la exclusividad de cada diseño.
Lo principal para mí, sería crear una fuente de trabajo estable para mi madre, pues este proyecto le ha cambiado la vida, ya que está haciendo lo que más le gusta todos los días y cada vez que recibimos un comentario por la buena confección o terminaciones, ella se siente más capaz y valorada", remata Melanie.
¿Dónde comprarla? En la cuenta en Instagram de la marca.
(Fotos gentileza de Bermé Atelier)
September 15, 2020
Juliana García Bello reflexiona sobre su 1º lugar en el Redress Design Award 2020
La necesidad de nutrirse de otros aires, estudiar y seguir formándose en el diseño, motivó a la diseñadora argentina Juliana García Bello, creadora de la
marca de indumentaria, García Bello
a mudarse a Arnhem, Países Bajos en octubre de 2019. Después de vivir 11 años en la Provincia de Buenos Aires (es oriunda de Tierra del Fuego) sintió la necesidad de migrar. Esa decisión vino de la mano con su presentación, en febrero 2020, en el prestigioso concurso de la moda sustentable,
Redress Design Award 2020
, que ganó con su colección Herencia. Hoy nos contará más detalles sobre ella y de cómo este galardón está demarcando sus próximos pasos.
Juliana explica que le gusta presentarse en concursos porque le permite seguir creciendo y ajustando sus proyectos. "En febrero de este año, comencé a desarrollar una colección que trabaja con materia prima de descarte. Ropa que los vecinos ya no usan. Pedí donaciones por medio de carteles. Con esa ropa pude generar un sistema que usa la técnica del upcycling y la reconstrucción. Lo interesante de este sistema es que no genera desperdicio y puede ser adaptable a diferentes escalas de producción", explica.
El resultado de esta apuesta por el suprareciclaje colaborativo fue la colección llamada Herencia que reflexiona sobre los objetos vinculados al día a día, la familia y el lugar. "En la colección trabajo con camisas, jeans y manteles de mis vecinos, prendas que se repiten y hablan del lugar donde vivo actualmente. Cuando deconstruyo estas piezas lo hago de una manera simple y rápida, algo que aprendí de mi familia. Se generan prendas usables, urbanas, que te acompañan durante un largo tiempo. Creo que es importante alargar la vida útil de los objetos y construir una historia", insiste.
"Creo que lo más movilizante de haber ganado este premio es visibilizar los modos de pensar y producir que tenemos en Argentina. Mi trabajo y mi forma de hacer no solo hablan de mí, sino de las ciudades en donde viví, los lugares y las personas con quienes compartí, habla de mi familia, de la Patagonia y sobre todo de mi casa de estudio la FADU. Por mi vida pasaron muchas personas que me inspiran, mi trabajo habla de eso y me gusta compartirlo con otros".
Las proyecciones tras Redress Design Award 2020
Juliana relata que parte del premio es desarrollar una colección cápsula utilizando el suprareciclaje para la marca de moda reciclada de impacto social, The R Collective, con sede en Kong Kong (China) y que fue creada en 2007 por Christina Dean, quien es la fundadora de Redress, organización creadora del premio homónimo.
"Estoy ansiosa por empezar, porque por fin viajaré a Hong Kong para meterme de lleno en una marca que trabaja a una escala mayor en comparación a mi pequeño taller en Arnhem. Es un gran desafío poder implementar los sistemas y compartirlos. Estos tres meses de trabajo serán de gran aprendizaje", confiesa.
Estamos viviendo un periodo de incertidumbre y pandemia. Mirado desde Europa, ¿crees que cambiará el paradigma de la moda?
"Siento que los diseñadores independientes con marcas pequeñas en Argentina, veníamos trabajando duro en pos de cambios en el sistema de producción y relaciones humanas dentro de la moda. Pero creo que las grandes industrias tienen un camino más lento. Creo que existen cambios con respecto a las materialidades, recursos humanos y procesos, pero aquello que se relaciona al volumen, a los tiempos y al consumo, aún esta igual o similar. Porque estos cambios no solo dependen del sistema de la moda, sino de la industria en general".
El principal desafío de García Bello en tiempos de pandemia
Juliana señala que el mayor desafío que ha tenido, desde que comenzó la pandemia, es la manera de relacionarme con sus clientes y de vender sus productos. "Es algo que me pregunto y voy probando. No tengo una respuesta, pero creo que las marcas necesitamos conectar con nuestra comunidad cercana y comprar local", concluye.
Sitio web de García Bello
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(Fotos gentileza de Redress Design Award 2020)
September 14, 2020
La editorial de moda que rescata el legado del sastre chileno Iván San Martín
Uno de los aspectos más bellos de los oficios son sus historias, más aún cuando están relacionadas con afectos y herencias familiares. Ese es el caso del artista visual, Matías San Martin Jacob, cuya familia se ha dedicado por 5 generaciones a la
sastrería, siendo su papá, Iván San Martín la 4º
y su hermana Paulette, la 5º. "Admiro la historia de mi padre. Siempre nos cuenta que todos sus logros fueron gracias a una aguja y un dedal", relata. Ese orgullo lo llevó a recopilar parte de su legado y plasmarlo en una editorial de moda. En las próximas líneas nos contará sobre esta experiencia y su padre Iván, reflexionará sobre el rescate de los oficios, particularmente la sastrería. Los motivos para la editorial de moda: La historia de una familia de sastres
Matías detalla que su abuelo paterno a quien no conoció, José Domingo San Martín, también era sastre y luego se dedicó al diseño de zapatos. Su padre siguió sus pasos transformándose en la 4ta generación de sastres de la familia, ya que sus abuelos y tatarabuelos también lo eran. Él comenzó a aprender el oficio a los 18 años y luego ingresó a extinta Escuela de Sastrería.
"A mí siempre me llamó la atención lo hábil que era y la perfección de sus trabajos, esto se reflejaba en la cantidad de clientes que tenía en sus sastrería a diario. Era un personaje en su barrio además por su personalidad amistosa. Y eso fue justamente fue lo que me motivó a organizar esta sesión de fotos. Mi padre no tenía registro digital de su trabajo, todo era del dato, del boca a boca y me parece fundamental dejar registro digital y contemporáneo de su trabajo como sastre para que el oficio de la sastrería siga circulando en el presente.
Su especialidad en el área son las chaquetas y los pantalones. Siempre trabaja a medida y con telas nobles como el lino o la lana, detalle y argumento que también destaco. Nunca perdió ese enfoque de trabajar con materiales nobles y naturales (tiene una colección impresionante de telas de fabricación chilenas e italianas)", narra Matías.
De hecho, hasta el día de hoy sigue desarollando proyectos en el área desde su casa donde armó un taller, cultivando un estilo propio de corte y patronaje.
Matías, explica que el apogeo de su padre como sastre fue entre los 70s y los 80s cuando sus trajes aparecían en revistas y televisión, gracias a figuras de la época como César Antonio Santis.
"En esa época tuvo una fábrica en Recoleta, comuna donde creció y vivió muchos años. Esta fábrica tuvo su momento de esplendor por muchos años, pero con el paso del tiempo fue cayendo a medida que fue llegando la ropa china del retail. Ello lo llevó a independizarse logrando tener una sastrería de autor en Av. Vitacura donde sólo trabajaba con una asistente, su prima (su mano derecha por más de 20 años)", añade.
Para Matías lo importante de esta historia y de la fuerte influencia que ha tenido la herencia de padre en su trabajo artístico está ligado a 5 conceptos: constancia, disciplina, amor, convicción y resistencia. En este último punto insiste en "la resistencia que hay en realizar arte y un oficio en Chile y todo el equipo que creyó en esta historia para realizar esta sesión fotográfica".
La editorial de moda desde la mirada de su protagonista Iván San Martín
Ante la pregunta de por qué es necesario relevar los oficios tradicionales como la sastrería, a través de iniciativas como la llevada a cabo por su hijo Matías, mediante la editorial de moda, Iván contesta enfático: "porque no se deben perder los oficios y es importante dejar legado a los hijos o a cualquier persona que le guste aprender de esta forma, traspasar estos conocimientos como herencia y sin egoísmo, para que no se pierdan en el tiempo".
En ese sentido, señala que los oficios están siendo afectados por el consumismo y la sobreproducción, que lleva a que la gente prefiera el precio por sobre la calidad y no mire la etiqueta, ignorando la composición de telas y dónde fue fabricada.
"Todos los oficios antiguos deben volver para perpetuar el trabajo hecho a mano y a medida. La gente piensa que es caro, pero a la larga estás comprando algo exclusivo, adaptado a tu cuerpo y duradero. La prenda hecha por el sastre no pierde su forma con el uso ni el tiempo", subraya.
Iván confiesa que la editorial de moda desarrollada por Matías, lo sacó de una pausa en la que se encontraba y lo motivó a retomar sus labores de sastrería en su taller.
¿Cree que la pandemia esté cambiando la percepción de las personas respecto al trabajo manual y los oficios, particularmente a la labor de los sastres?
"A la gente que le gusta vestirse bien seguirá vistiendose a medida. Creo que por la pandemia la gente está comprando menos en las grandes tiendas y dándole valor a lo hecho a mano y a las reparaciones.
Tiene que volver lo artesanal, reparar la ropa y no comprar más de lo que se necesita. Creo que de a poco se está revalorizando el oficio.
Yo al cliente lo guío en como debe vestirse, le doy una asesoría de sastrería o de imagen y como debe combinar el traje; cuál zapato usar, etc. Según la ocasión por la cual llega a mi taller".
Hoy nos enfrentamos a nuevas formas de vestir debido a la baja interacción social y al relajo de los códigos estéticos. ¿Cómo este cambio de mirada desafía su trabajo?
"Pienso que esto irá pasando paulatinamente. La gente estaba más relajada al vestir dentro de sus casas y mi vestuario es para salir a instancias de interacción social (trabajo, eventos, matrimonios, exposiciones de arte, etc) . Creo que es importante que en Chile se empiece a tomar conciencia en el buen vestir, usando telas de calidad y duraderas.
Hacer un traje a medida es un arte; estás trabajando con la anatomía particular de cada persona y combinando colores en telas y este trabajo se expone en estas instancias de reunión. Es importante que apoyen a los artesanos. Estoy muy agradecido de todos los que hicieron posible la editorial de fotos y con personas como tú, Sofía, que se interesan en este trabajo y le dan un espacio nuevo a través de este medio", concluye Iván.
¿Dónde seguir su trabajo? En la cuenta en Instagram de San Martín Sastre.
La editorial de moda que rescate el legado del sastre chileno Iván San Martín
Uno de los aspectos más bellos de los oficios son sus historias, más aún cuando están relacionadas con afectos y herencias familiares. Ese es el caso del artista visual, Matías San Martin Jacob, cuya familia se ha dedicado por 5 generaciones a la
sastrería, siendo su papá, Iván San Martín la 4º
y su hermana Paulette, la 5º. "Admiro la historia de mi padre. Siempre nos cuenta que todos sus logros fueron gracias a una aguja y un dedal", relata. Ese orgullo lo llevó a recopilar parte de su legado y plasmarlo en una editorial de moda. En las próximas líneas nos contará sobre esta experiencia y su padre Iván, reflexionará sobre el rescate de los oficios, particularmente la sastrería. Los motivos para la editorial de moda: La historia de una familia de sastres
Matías detalla que su abuelo paterno a quien no conoció, José Domingo San Martín, también era sastre y luego se dedicó al diseño de zapatos. Su padre siguió sus pasos transformándose en la 4ta generación de sastres de la familia, ya que sus abuelos y tatarabuelos también lo eran. Él comenzó a aprender el oficio a los 18 años y luego ingresó a extinta Escuela de Sastrería.
"A mí siempre me llamó la atención lo hábil que era y la perfección de sus trabajos, esto se reflejaba en la cantidad de clientes que tenía en sus sastrería a diario. Era un personaje en su barrio además por su personalidad amistosa. Y eso fue justamente fue lo que me motivó a organizar esta sesión de fotos. Mi padre no tenía registro digital de su trabajo, todo era del dato, del boca a boca y me parece fundamental dejar registro digital y contemporáneo de su trabajo como sastre para que el oficio de la sastrería siga circulando en el presente.
Su especialidad en el área son las chaquetas y los pantalones. Siempre trabaja a medida y con telas nobles como el lino o la lana, detalle y argumento que también destaco. Nunca perdió ese enfoque de trabajar con materiales nobles y naturales (tiene una colección impresionante de telas de fabricación chilenas e italianas)", narra Matías.
De hecho, hasta el día de hoy sigue desarollando proyectos en el área desde su casa donde armó un taller, cultivando un estilo propio de corte y patronaje.
Matías, explica que el apogeo de su padre como sastre fue entre los 70s y los 80s cuando sus trajes aparecían en revistas y televisión, gracias a figuras de la época como César Antonio Santis.
"En esa época tuvo una fábrica en Recoleta, comuna donde creció y vivió muchos años. Esta fábrica tuvo su momento de esplendor por muchos años, pero con el paso del tiempo fue cayendo a medida que fue llegando la ropa china del retail. Ello lo llevó a independizarse logrando tener una sastrería de autor en Av. Vitacura donde sólo trabajaba con una asistente, su prima (su mano derecha por más de 20 años)", añade.
Para Matías lo importante de esta historia y de la fuerte influencia que ha tenido la herencia de padre en su trabajo artístico está ligado a 5 conceptos: constancia, disciplina, amor, convicción y resistencia. En este último punto insiste en "la resistencia que hay en realizar arte y un oficio en Chile y todo el equipo que creyó en esta historia para realizar esta sesión fotográfica".
La editorial de moda desde la mirada de su protagonista Iván San Martín
Ante la pregunta de por qué es necesario relevar los oficios tradicionales como la sastrería, a través de iniciativas como la llevada a cabo por su hijo Matías, mediante la editorial de moda, Iván contesta enfático: "porque no se deben perder los oficios y es importante dejar legado a los hijos o a cualquier persona que le guste aprender de esta forma, traspasar estos conocimientos como herencia y sin egoísmo, para que no se pierdan en el tiempo".
En ese sentido, señala que los oficios están siendo afectados por el consumismo y la sobreproducción, que lleva a que la gente prefiera el precio por sobre la calidad y no mire la etiqueta, ignorando la composición de telas y dónde fue fabricada.
"Todos los oficios antiguos deben volver para perpetuar el trabajo hecho a mano y a medida. La gente piensa que es caro, pero a la larga estás comprando algo exclusivo, adaptado a tu cuerpo y duradero. La prenda hecha por el sastre no pierde su forma con el uso ni el tiempo", subraya.
Iván confiesa que la editorial de moda desarrollada por Matías, lo sacó de una pausa en la que se encontraba y lo motivó a retomar sus labores de sastrería en su taller.
¿Cree que la pandemia esté cambiando la percepción de las personas respecto al trabajo manual y los oficios, particularmente a la labor de los sastres?
"A la gente que le gusta vestirse bien seguirá vistiendose a medida. Creo que por la pandemia la gente está comprando menos en las grandes tiendas y dándole valor a lo hecho a mano y a las reparaciones.
Tiene que volver lo artesanal, reparar la ropa y no comprar más de lo que se necesita. Creo que de a poco se está revalorizando el oficio.
Yo al cliente lo guío en como debe vestirse, le doy una asesoría de sastrería o de imagen y como debe combinar el traje; cuál zapato usar, etc. Según la ocasión por la cual llega a mi taller".
Hoy nos enfrentamos a nuevas formas de vestir debido a la baja interacción social y al relajo de los códigos estéticos. ¿Cómo este cambio de mirada desafía su trabajo?
"Pienso que esto irá pasando paulatinamente. La gente estaba más relajada al vestir dentro de sus casas y mi vestuario es para salir a instancias de interacción social (trabajo, eventos, matrimonios, exposiciones de arte, etc) . Creo que es importante que en Chile se empiece a tomar conciencia en el buen vestir, usando telas de calidad y duraderas.
Hacer un traje a medida es un arte; estás trabajando con la anatomía particular de cada persona y combinando colores en telas y este trabajo se expone en estas instancias de reunión. Es importante que apoyen a los artesanos. Estoy muy agradecido de todos los que hicieron posible la editorial de fotos y con personas como tú, Sofía, que se interesan en este trabajo y le dan un espacio nuevo a través de este medio", concluye Iván.
¿Dónde seguir su trabajo? En la cuenta en Instagram de San Martín Sastre.
Sofía Calvo Foxley's Blog
