Félix A. Bas's Blog, page 78
September 4, 2019
Crítica: QUIEN A HIERRO MATA
Interesante thriller que nos propone Paco Plaza junto a un Luis Tosar siempre excelente. Un narcotraficante llega a la residencia de ancianos donde trabaja Mario y su mundo se verá alterado por ello, entre otras cosas, por la presión de la familia. Esta semana hemos visto: QUIEN A HIERRO MATA.
Paco Plaza, tras Verónica, nos ofrece un thriller tenso donde las drogas y el impacto de estas en la sociedad se evidencian. Familias destrozadas y antiguos fantasmas resurgen de la nada cuando un narcotraficante es sacado de la cárcel (Xoán Cejudo) para acabar sus últimos días en una residencia de ancianos. Ramón (Luis Tosar), es un enfermero que deberá ocuparse de que el hombre se sienta como en casa. Sin embargo, se verá arrastrado por el curso de los acontecimientos, y es que los hijos del narcotraficante pretenden seguir los pasos del progenitor y un golpe con colombianos y chinos de por medio saldrá mal.
QUIEN A HIERRO MATA es una buena película, contiene toques de tensión y primeros planos que quitan la respiración. Sus actores se manejan bien, sobre todo Xoán Cejudo y un Luis Tosar que siempre logra brillar. El reflejo del enfermero perfecto y de un pasado con mucho que ocultar se apodera de un personaje que tiene un plan en su cabeza y que, pese a todo, se encargará de llevarlo hasta el final. Quizás nos mastica todo en exceso, es cierto, pero el espectador se ve hipnotizado por la historia y consigue convertirse en un buen entretenimiento.
En definitiva, QUIEN A HIERRO MATA es un thriller visceral y potente cuyas imágenes transmiten al espectador todo lo que su director se propone. Los colores oscuros y grises del norte le van como anillo al dedo a una historia que habla de drogas, familia y venganza. Un cóctel explosivo que se convierte en una película más que interesante. No os la perdáis.
Paco Plaza, tras Verónica, nos ofrece un thriller tenso donde las drogas y el impacto de estas en la sociedad se evidencian. Familias destrozadas y antiguos fantasmas resurgen de la nada cuando un narcotraficante es sacado de la cárcel (Xoán Cejudo) para acabar sus últimos días en una residencia de ancianos. Ramón (Luis Tosar), es un enfermero que deberá ocuparse de que el hombre se sienta como en casa. Sin embargo, se verá arrastrado por el curso de los acontecimientos, y es que los hijos del narcotraficante pretenden seguir los pasos del progenitor y un golpe con colombianos y chinos de por medio saldrá mal.
QUIEN A HIERRO MATA es una buena película, contiene toques de tensión y primeros planos que quitan la respiración. Sus actores se manejan bien, sobre todo Xoán Cejudo y un Luis Tosar que siempre logra brillar. El reflejo del enfermero perfecto y de un pasado con mucho que ocultar se apodera de un personaje que tiene un plan en su cabeza y que, pese a todo, se encargará de llevarlo hasta el final. Quizás nos mastica todo en exceso, es cierto, pero el espectador se ve hipnotizado por la historia y consigue convertirse en un buen entretenimiento.
En definitiva, QUIEN A HIERRO MATA es un thriller visceral y potente cuyas imágenes transmiten al espectador todo lo que su director se propone. Los colores oscuros y grises del norte le van como anillo al dedo a una historia que habla de drogas, familia y venganza. Un cóctel explosivo que se convierte en una película más que interesante. No os la perdáis.
September 2, 2019
Critica: ANGRY BIRDS 2: LA PELÍCULA
Interesante secuela de los pájaros más políticamente incorrectos del universo Rovio. Disfrutable por los más pequeños, pero también por los mayores. Una cantidad de gags que suelen funcionar y hacen de la película un agradable pasatiempo. Esta semana hemos visto: ANGRY BIRDS 2: LA PELÍCULA.
The Angry Birds Movie 2 está dirigida por Thurop Van Orman y John Rice, y nos lleva a la vida de Red en la isla de los pájaros. Él es un héroe, pero verá truncada su autoestima cuando el rey de los cerdos envíe una tregua. Tendrán que aliarse para vencer juntos, entre pájaros y cerdos, a una nueva amenaza: la isla águila que amenaza con volar sus islas a cañonazos. La idea en sí no es demasiado original, y podría contarse en dos minutos su guion, pero la cantidad de gags graciosos y el carisma de sus personajes hacen que sea un rato divertido.
Las voces de Santiago Segura y de José Mota, además, son muy de agradecer. La calidad de la animación es evidente, nada que envidiar a Pixar y Disney, y aunque su guion está dirigido a los más pequeños, lo políticamente incorrecto también impera en los Angry Birds, por lo que los mayores captaran casi mejor la esencia de la mayor parte de los chistes. Su sentido del humor es ingenioso y no se hace pesada en ningún momento, cosa que la convierte en una buena opción.
En definitiva, ANGRY BIRDS 2: LA PELÍCULA, es una de esas películas de animación a las que entras con pocas expectativas y sales con una agradable sensación de diversión. Promete acción y sonrisas y lo consigue, y los más pequeños se lo pasarán bien. Así pues, cumple con lo prometido, qué queremos más. Echadle un vistazo.
The Angry Birds Movie 2 está dirigida por Thurop Van Orman y John Rice, y nos lleva a la vida de Red en la isla de los pájaros. Él es un héroe, pero verá truncada su autoestima cuando el rey de los cerdos envíe una tregua. Tendrán que aliarse para vencer juntos, entre pájaros y cerdos, a una nueva amenaza: la isla águila que amenaza con volar sus islas a cañonazos. La idea en sí no es demasiado original, y podría contarse en dos minutos su guion, pero la cantidad de gags graciosos y el carisma de sus personajes hacen que sea un rato divertido.
Las voces de Santiago Segura y de José Mota, además, son muy de agradecer. La calidad de la animación es evidente, nada que envidiar a Pixar y Disney, y aunque su guion está dirigido a los más pequeños, lo políticamente incorrecto también impera en los Angry Birds, por lo que los mayores captaran casi mejor la esencia de la mayor parte de los chistes. Su sentido del humor es ingenioso y no se hace pesada en ningún momento, cosa que la convierte en una buena opción.
En definitiva, ANGRY BIRDS 2: LA PELÍCULA, es una de esas películas de animación a las que entras con pocas expectativas y sales con una agradable sensación de diversión. Promete acción y sonrisas y lo consigue, y los más pequeños se lo pasarán bien. Así pues, cumple con lo prometido, qué queremos más. Echadle un vistazo.
August 28, 2019
Crítica: CHICOS BUENOS
Hacía tiempo que no llegaba una comedia a lo American Pie o, mejor aún, Supersalidos. En este caso, se trata de un film ágil y de carcajada fácil con el encanto de tres niños que deben asistir a la primera fiesta del beso. Esta semana hemos visto: CHICOS BUENOS.
Good boys está dirigida por Lee Eisenberg y Gen Stupnitsky, que dirigen a tres chicos con bastante carisma. Sobre todo un Jacob Tremblay que poco a poco irá abriéndose camino en Hollywood si su adolescencia se lo permite. El protagonista de Wonder y La habitación se lo pasa genial junto oa Keith L. Williams y Brady Noon. Forman un gran equipo que, sin embargo, se verá alterado por su próxima participación en la primera fiesta del beso que organizan los malotes de su instituto.
La rotura de un dron les llevará por mil aventuras, cada cual más irreverente que la anterior, y provocará las carcajadas de un espectador que la disfrutará. Sin embargo, no llegaremos a conocer tan bien a los protagonistas y será algo más superficial, aunque tiene momentos para buscar esa complicidad con su sufrimiento. El problema es que ese dolor que sufren los personajes acaba convirtiéndose en un "nos reimos a su costa" que funciona tremendamente bien, por otra parte.
En definitiva, CHICOS BUENOS es una comedia picante que no es recomendable para niños de cierta edad. Contiene lenguaje y situaciones sexuales, entre otras, que no son aptas para todos los públicos. Es una comedia ágil y divertida que no tiene más pretensiones que hacerlo pasar bien. Y lo consigue. Echadle un vistazo.
Good boys está dirigida por Lee Eisenberg y Gen Stupnitsky, que dirigen a tres chicos con bastante carisma. Sobre todo un Jacob Tremblay que poco a poco irá abriéndose camino en Hollywood si su adolescencia se lo permite. El protagonista de Wonder y La habitación se lo pasa genial junto oa Keith L. Williams y Brady Noon. Forman un gran equipo que, sin embargo, se verá alterado por su próxima participación en la primera fiesta del beso que organizan los malotes de su instituto.
La rotura de un dron les llevará por mil aventuras, cada cual más irreverente que la anterior, y provocará las carcajadas de un espectador que la disfrutará. Sin embargo, no llegaremos a conocer tan bien a los protagonistas y será algo más superficial, aunque tiene momentos para buscar esa complicidad con su sufrimiento. El problema es que ese dolor que sufren los personajes acaba convirtiéndose en un "nos reimos a su costa" que funciona tremendamente bien, por otra parte.
En definitiva, CHICOS BUENOS es una comedia picante que no es recomendable para niños de cierta edad. Contiene lenguaje y situaciones sexuales, entre otras, que no son aptas para todos los públicos. Es una comedia ágil y divertida que no tiene más pretensiones que hacerlo pasar bien. Y lo consigue. Echadle un vistazo.
August 26, 2019
Crítica: ÉRASE UNA VEZ EN... HOLLYWOOD
La novena película ya está aquí. Obra menor, sin embargo, la de Quentin Tarantino. Un homenaje al Hollywood de los años 60 y lleno de referencias a la estructura social de la época y al suceso ocurrido con Roman Polanski. Esta semana hemos visto: ÉRASE UNA VEZ EN... HOLLYWOOD.
Once upon a time in... Hollywood es la penúltima película de Quentin Tarantino. Esta se apoya, básicamente, en dos grandes personajes y actores que son el pilar fundamental de la película: Leonardo DiCaprio y Brad Pitt. Ambos están tremendos en sus papeles. Un actor de western venido a menos y su doble, que verá cómo la luz de la popularidad de su compañero apagará también la suya. También aparece Margot Robbie, interpretando a la esposa de Roman Polanski, Sharon Tate. Bruce Dern, Al Pacino, Kurt Rusell o la joven Margaret Qualley también aparecen; con algunos de ellos siempre cuenta Tarantino.
El filme en sí es algo nuevo y diferente. Es un Tarantino más contenido, más personal y social. Analiza una de las épocas más interesantes de los EEUU, como fue la cultura hippie anti Guerra del Vietnam y los movimientos que se originaron entonces. También lo hace sobre la industria del cine de Hollywood, sus actores y un género casi perdido como el western. Sin embargo, Tarantino se pierde en divagaciones que parecen no llegar a ningún punto pese a que logra hipnotizar al espectador. En algunos momentos, me temo, puede llegar a ser incluso aburrida. Sus diálogos pierden una fuerza y agilidad que sí tenían en sus anteriores filmes. Tiene muchos puntazos, en todo caso, mención especial para la aparición de Bruce Lee, imperdible.
A pesar de eso, ÉRASE UNA VEZ EN... HOLLYWOOD, tiene momentos muy divertidos y los últimos veinte minutos de metraje son suficientes para amortizar la entrada. Hay que decir que no es una película Tarantino al uso, así que los que esperéis acción no la encontraréis hasta el final. Por otra parte, da un aire nuevo a la historia de Roman Polanski y Sharon Tate (leed en wikipedia), y la película acaba con cierto toque de humanidad. En todo caso, se nota que es una obra muy personal, puesto que Tarantino dedica gran parte del metraje a dar rienda suelta a su fetichismo por los pies. No era necesario, pero sí que demuestra que rueda lo que quiere y como quiere.
En definitiva, ÉRASE UNA VEZ EN HOLLYWOOD no es de las mejores películas de Tarantino, posiblemente sea de las peoreso. Sin embargo, está bien contada y tiene a dos actorazos que derrochan carisma en cada plano: Leonardo DiCaprio y Brad Pitt. Los fans del director echarán en falta más acción y sangre, y ese toque tan característico como los monólogos y conversaciones absurdas. Las hay, pero no es lo mismo. En todo caso, la novena obra de Tarantino está por encima de cualquier otra película y ha de ser vista. No os la perdáis.
Once upon a time in... Hollywood es la penúltima película de Quentin Tarantino. Esta se apoya, básicamente, en dos grandes personajes y actores que son el pilar fundamental de la película: Leonardo DiCaprio y Brad Pitt. Ambos están tremendos en sus papeles. Un actor de western venido a menos y su doble, que verá cómo la luz de la popularidad de su compañero apagará también la suya. También aparece Margot Robbie, interpretando a la esposa de Roman Polanski, Sharon Tate. Bruce Dern, Al Pacino, Kurt Rusell o la joven Margaret Qualley también aparecen; con algunos de ellos siempre cuenta Tarantino.
El filme en sí es algo nuevo y diferente. Es un Tarantino más contenido, más personal y social. Analiza una de las épocas más interesantes de los EEUU, como fue la cultura hippie anti Guerra del Vietnam y los movimientos que se originaron entonces. También lo hace sobre la industria del cine de Hollywood, sus actores y un género casi perdido como el western. Sin embargo, Tarantino se pierde en divagaciones que parecen no llegar a ningún punto pese a que logra hipnotizar al espectador. En algunos momentos, me temo, puede llegar a ser incluso aburrida. Sus diálogos pierden una fuerza y agilidad que sí tenían en sus anteriores filmes. Tiene muchos puntazos, en todo caso, mención especial para la aparición de Bruce Lee, imperdible.
A pesar de eso, ÉRASE UNA VEZ EN... HOLLYWOOD, tiene momentos muy divertidos y los últimos veinte minutos de metraje son suficientes para amortizar la entrada. Hay que decir que no es una película Tarantino al uso, así que los que esperéis acción no la encontraréis hasta el final. Por otra parte, da un aire nuevo a la historia de Roman Polanski y Sharon Tate (leed en wikipedia), y la película acaba con cierto toque de humanidad. En todo caso, se nota que es una obra muy personal, puesto que Tarantino dedica gran parte del metraje a dar rienda suelta a su fetichismo por los pies. No era necesario, pero sí que demuestra que rueda lo que quiere y como quiere.
En definitiva, ÉRASE UNA VEZ EN HOLLYWOOD no es de las mejores películas de Tarantino, posiblemente sea de las peoreso. Sin embargo, está bien contada y tiene a dos actorazos que derrochan carisma en cada plano: Leonardo DiCaprio y Brad Pitt. Los fans del director echarán en falta más acción y sangre, y ese toque tan característico como los monólogos y conversaciones absurdas. Las hay, pero no es lo mismo. En todo caso, la novena obra de Tarantino está por encima de cualquier otra película y ha de ser vista. No os la perdáis.
August 21, 2019
Crítica: AMOR A SEGUNDA VISTA
Hacía tiempo que el género romántico no tenía un participante tan válido como esta comedia francesa cuyo punto fuerte es la interpretación de sus protagonistas. Su guion no es un derroche de originalidad, pero es muy entretenida y consigue proponer algo interesante. Esta semana hemos visto: AMOR A SEGUNDA VISTA.
Mon inconnue, algo así como mundos desconectados, es su título original. Algún día hablaré de la incapacidad de aquellos a los que pagan para traducir los títulos las películas a nuestro idioma, aunque no será hoy el día. En la película de Hugo Gélin, sus protagonistas, los intérpretes François Civil y Joséphine Japy son sus protagonistas. A su lado un Benjamin Lavernhe que también lo borda como secundario. Sin duda, forman parte del pilar fundamental sobre el que se sustenta el filme.
Los protagonistas están casados y se nos muestra su vida desde que se conocen hasta que él se hace famoso por sus libros y, a partir de ahí, ambos comienzan a distanciarse. Un día de fuerte nieve algo sucede, y es que el se despierta en otro mundo diferente, donde su mujer no le conoce. Dispuesto a volver a su mundo, volverá a intentar recuperar a su mujer con ayuda de su mejor amigo. Como veis, es ciertamente original, aunque en su concepto no es nada que no hayamos visto ya. Sin embargo, es una película muy entretenida, con grandes dosis de humor, como ya es habitual en las comedias románticas francesas.
En definitiva, AMOR A SEGUNDA VISTA es una sorpresa agradable en el género tan manido de las películas románticas. Tiene el punto de humor justo para ser tan divertida que pasa en un suspiro, y también el punto de inteligencia y carisma para captar al espectador dentro de su historia de amor. Así pues, fans de la comedia romántica, esta es vuestra película. No os la perdáis.
Mon inconnue, algo así como mundos desconectados, es su título original. Algún día hablaré de la incapacidad de aquellos a los que pagan para traducir los títulos las películas a nuestro idioma, aunque no será hoy el día. En la película de Hugo Gélin, sus protagonistas, los intérpretes François Civil y Joséphine Japy son sus protagonistas. A su lado un Benjamin Lavernhe que también lo borda como secundario. Sin duda, forman parte del pilar fundamental sobre el que se sustenta el filme.
Los protagonistas están casados y se nos muestra su vida desde que se conocen hasta que él se hace famoso por sus libros y, a partir de ahí, ambos comienzan a distanciarse. Un día de fuerte nieve algo sucede, y es que el se despierta en otro mundo diferente, donde su mujer no le conoce. Dispuesto a volver a su mundo, volverá a intentar recuperar a su mujer con ayuda de su mejor amigo. Como veis, es ciertamente original, aunque en su concepto no es nada que no hayamos visto ya. Sin embargo, es una película muy entretenida, con grandes dosis de humor, como ya es habitual en las comedias románticas francesas.
En definitiva, AMOR A SEGUNDA VISTA es una sorpresa agradable en el género tan manido de las películas románticas. Tiene el punto de humor justo para ser tan divertida que pasa en un suspiro, y también el punto de inteligencia y carisma para captar al espectador dentro de su historia de amor. Así pues, fans de la comedia romántica, esta es vuestra película. No os la perdáis.
August 19, 2019
Crítica: HISTORIAS DE MIEDO PARA CONTAR EN LA OSCURIDAD
Nunca un nombre tan largo dio tanto de sí. La película escrita por Guillermo del Toro es una historia que cuenta cuentos sobre los distintos protagonistas. El problema es que a estos les suceden en el momento y, además, son terroríficos. Terror para adolescentes. Esta semana hemos visto: HISTORIAS DE MIEDO PARA CONTAR EN LA OSCURIDAD.
Scary stories to tell in the dark está escrita por Guillermo del Toro, pero dirigida por Andre Ovredal. Estamos ante una historia de terror protagonizada por adolescentes con algunos puntos de humor, pero sin duda con el sello del director mexicano, sobre todo en la factura de las criaturas terroríficas que aparecen en pantalla. Son inquietantes y macabras, y aunque el espectador nunca acaba de sentirse en peligro, sí mantiene en constante tensión y sabe incomodar.
La historia es tan sencilla como una noche de Halloween en la que unos chicos protagonizados por Zoe Margaret Colletti, Michael Gaza y Austin Zajur, se adentran en una mansión y se hacen con un libro. Este era de una niña que contaba historias de terror, con lo cual el libro comenzará a escribir en el acto y estos sucesos pasarán tal cual los narra. Como imaginaréis, los protagonistas lucharán porque eso no ocurra, pero se verán envueltos en situaciones que les pondrán las cosas muy difíciles.
En definitiva, HISTORIAS DE MIEDO PARA CONTAR EN LA OSCURIDAD transmite miedo, está muy bien dirigida y es un terror adolescente que gusta mucho. Por fin una película decente de terror que deja un buen sabor de boca. Los aficionados al género están de enhorabuena. No os la podéis perder.
Scary stories to tell in the dark está escrita por Guillermo del Toro, pero dirigida por Andre Ovredal. Estamos ante una historia de terror protagonizada por adolescentes con algunos puntos de humor, pero sin duda con el sello del director mexicano, sobre todo en la factura de las criaturas terroríficas que aparecen en pantalla. Son inquietantes y macabras, y aunque el espectador nunca acaba de sentirse en peligro, sí mantiene en constante tensión y sabe incomodar.
La historia es tan sencilla como una noche de Halloween en la que unos chicos protagonizados por Zoe Margaret Colletti, Michael Gaza y Austin Zajur, se adentran en una mansión y se hacen con un libro. Este era de una niña que contaba historias de terror, con lo cual el libro comenzará a escribir en el acto y estos sucesos pasarán tal cual los narra. Como imaginaréis, los protagonistas lucharán porque eso no ocurra, pero se verán envueltos en situaciones que les pondrán las cosas muy difíciles.
En definitiva, HISTORIAS DE MIEDO PARA CONTAR EN LA OSCURIDAD transmite miedo, está muy bien dirigida y es un terror adolescente que gusta mucho. Por fin una película decente de terror que deja un buen sabor de boca. Los aficionados al género están de enhorabuena. No os la podéis perder.
August 15, 2019
Crítica: FAST & FURIOUS: HOBBS & SHAW
Me encanta ir al cine a ver esta saga porque cuando llego a casa saco toda la mala leche que llevo en mí. Esta vez le toca el turno al spin-off protagonizado por dos chascarrillo-actores que se pasan el día diciendo idioteces y aporreando cabezas. Esta semana hemos visto: FAST & FURIOUS: HOBBS & SHAW.
David Leitch dirige este blockbuster de verano, que caerá en el olvido tan rápido como salgáis por la puerta. A sus órdenes Dwayne Johnson y Jason Statham, dos actores que deberían tener un contrato para no decir más de cincuenta palabras en una película. Sus diálogos son el súmmun de lo avergonzante, intercambiándose puyas que no tienen gracia y, en definitiva, comparándose para ver quién la tiene más grande. Son protagonistas de cine de acción rancio que, sin entender cómo, todavía se sigue haciendo.
Por suerte, a ellos se le suma la preciosa Vanessa Kirby, cuyos primeros planos es lo mejor que le puede pasar a la película. También está Idris Elba, un sectario pasado de tuercas que cumple su papel como villano encasillado en ser más malo y fuerte que nadie. Por lo demás, tenéis acción, cuando los actores no dejan de intercambiar gilipolleces entre ellos. Y es acción decente, llena de combates y situaciones inverosímiles que en algún momento muy lejano fueron seña de identidad de la serie. Todo mejoraría si el metraje no fuera tan extenso y se le pasara la tijera, pues cuenta una cosa demasiado sencilla en más de dos horas.
En definitiva, FAST & FURIOUS: HOBBS & SHAW da a sus fans la acción que demandan, pero también añade conversaciones de auténtica vergüenza ajena que ponen el listón tan bajo que es imposible no superarlo en la siguiente entrega. Espectacularidad, muchas cámaras lentas y acción, que es lo que se le pide a un blockbuster. Y olvido rápido.
David Leitch dirige este blockbuster de verano, que caerá en el olvido tan rápido como salgáis por la puerta. A sus órdenes Dwayne Johnson y Jason Statham, dos actores que deberían tener un contrato para no decir más de cincuenta palabras en una película. Sus diálogos son el súmmun de lo avergonzante, intercambiándose puyas que no tienen gracia y, en definitiva, comparándose para ver quién la tiene más grande. Son protagonistas de cine de acción rancio que, sin entender cómo, todavía se sigue haciendo.
Por suerte, a ellos se le suma la preciosa Vanessa Kirby, cuyos primeros planos es lo mejor que le puede pasar a la película. También está Idris Elba, un sectario pasado de tuercas que cumple su papel como villano encasillado en ser más malo y fuerte que nadie. Por lo demás, tenéis acción, cuando los actores no dejan de intercambiar gilipolleces entre ellos. Y es acción decente, llena de combates y situaciones inverosímiles que en algún momento muy lejano fueron seña de identidad de la serie. Todo mejoraría si el metraje no fuera tan extenso y se le pasara la tijera, pues cuenta una cosa demasiado sencilla en más de dos horas.
En definitiva, FAST & FURIOUS: HOBBS & SHAW da a sus fans la acción que demandan, pero también añade conversaciones de auténtica vergüenza ajena que ponen el listón tan bajo que es imposible no superarlo en la siguiente entrega. Espectacularidad, muchas cámaras lentas y acción, que es lo que se le pide a un blockbuster. Y olvido rápido.
August 12, 2019
Crítica: PADRE NO HAY MÁS QUE UNO
Comedia española costumbrista, con un marido-cuñado que invita a su mujer a pegarse unas vacaciones y a quedarse con los cinco hijos en casa durante unos cuantos días. Santiago Segura criticando al sistema patriarcal. Esta semana hemos visto: PADRE NO HAY MÁS QUE UNO.
La mujer como una todoterreno, se encarga de los niños, de llevarlos a todos sitios, de organizar las cosas, y un largo etcétera, mientras el informático Santiago Segura se centra en su trabajo y realiza chistes de cuñados sobre sus gran cooperación e implicación con su familia. Nada nuevo bajo el sol, tampoco gracioso en extremo, pero eso no impide que se pase un buen rato en familia, que ya es mucho. Santiago Segura, además, juega con el buen rollo de los niños, dos de ellas son suyas.
PADRE NO HAY MÁS QUE UNO es simpática y cuenta con el buen rollo de Santiago Segura, que además dirige. Además, también están Toni Acosta y Silvia Abril pegándose unas buenas vacaciones, y Leo Harlem, que es el cuñadísimo por excelencia. Cuando le dejan solo con los niños, el padre comienza a darse cuenta de todo lo que hacía su mujer y comienza un via crucis que acaba con buenas dosis de azúcar y situaciones graciosas, aunque no en exceso.
En definitiva, PADRE NO HAY MÁS QUE UNO es una buena opción para pasar un buen rato veraniego. No es humor inteligente, sino más bien de brocha gorda. Los niños son simpáticos y hacen un buen trabajo, pero es una película que hemos visto muchas veces. Echadle un vistazo.
La mujer como una todoterreno, se encarga de los niños, de llevarlos a todos sitios, de organizar las cosas, y un largo etcétera, mientras el informático Santiago Segura se centra en su trabajo y realiza chistes de cuñados sobre sus gran cooperación e implicación con su familia. Nada nuevo bajo el sol, tampoco gracioso en extremo, pero eso no impide que se pase un buen rato en familia, que ya es mucho. Santiago Segura, además, juega con el buen rollo de los niños, dos de ellas son suyas.
PADRE NO HAY MÁS QUE UNO es simpática y cuenta con el buen rollo de Santiago Segura, que además dirige. Además, también están Toni Acosta y Silvia Abril pegándose unas buenas vacaciones, y Leo Harlem, que es el cuñadísimo por excelencia. Cuando le dejan solo con los niños, el padre comienza a darse cuenta de todo lo que hacía su mujer y comienza un via crucis que acaba con buenas dosis de azúcar y situaciones graciosas, aunque no en exceso.
En definitiva, PADRE NO HAY MÁS QUE UNO es una buena opción para pasar un buen rato veraniego. No es humor inteligente, sino más bien de brocha gorda. Los niños son simpáticos y hacen un buen trabajo, pero es una película que hemos visto muchas veces. Echadle un vistazo.
August 7, 2019
Crítica: EL REY LEÓN
La máquina de hacer dinero de Disney no puede parar. Y si hay que continuar haciendo remakes sin alma de los grandes clásicos con los que pequeños y grandes disfrutan sin tener que acudir a la tecnología, que así sea. Espectáculo técnico, sí, pero nada como la del 94. Esta semana hemos visto: EL REY LEÓN.
Es lo único bueno que puedo decir de la película de Jon Favreau, que ha dirigido la película como si de un encargo se tratara. Y tanto ha sido así que ha copiado plano por plano la película original. El apabullante poder visual del filme podía haberse destinado a realizar otra innovadora idea, pero no, los dólares son lo que importa. Por ello, EL REY LEÓN carece de alma. Sus paisajes son realistas, por lo tanto menos coloristas que en la animación; los personajes son meras copias y las canciones un plagio plano a plano, además de que pierden toda la fuerza de la del 94.
La pobreza de la coreografía musical, el tono terroso de la imagen y el acercamiento a un realismo exhorbitado ha hecho del remake de EL REY LEÓN lo que buscaba, un simple blockbuster que nos cuenta algo que ya sabíamos y, además, sin alma ni nada a lo que aferrarnos para ponerla por delante ante la original. A Disney se le acaban las ideas y se le llenan los bolsillos con cada una de estas películas. Mulan viene detrás, y más que vendrán.
En definitiva, EL REY LEÓN es una película decente para quien no haya visto la original. Los niños se lo pasarán bien, pero ni Scar da miedo, ni Mufasa es majestuoso, ni Simba un rey. Timón y Pumba son un mero reflejo sin carisma de lo que son en realidad. Eso sí, es una maravilla técnica que hay que aplaudir. Pero solo eso.
Es lo único bueno que puedo decir de la película de Jon Favreau, que ha dirigido la película como si de un encargo se tratara. Y tanto ha sido así que ha copiado plano por plano la película original. El apabullante poder visual del filme podía haberse destinado a realizar otra innovadora idea, pero no, los dólares son lo que importa. Por ello, EL REY LEÓN carece de alma. Sus paisajes son realistas, por lo tanto menos coloristas que en la animación; los personajes son meras copias y las canciones un plagio plano a plano, además de que pierden toda la fuerza de la del 94.
La pobreza de la coreografía musical, el tono terroso de la imagen y el acercamiento a un realismo exhorbitado ha hecho del remake de EL REY LEÓN lo que buscaba, un simple blockbuster que nos cuenta algo que ya sabíamos y, además, sin alma ni nada a lo que aferrarnos para ponerla por delante ante la original. A Disney se le acaban las ideas y se le llenan los bolsillos con cada una de estas películas. Mulan viene detrás, y más que vendrán.
En definitiva, EL REY LEÓN es una película decente para quien no haya visto la original. Los niños se lo pasarán bien, pero ni Scar da miedo, ni Mufasa es majestuoso, ni Simba un rey. Timón y Pumba son un mero reflejo sin carisma de lo que son en realidad. Eso sí, es una maravilla técnica que hay que aplaudir. Pero solo eso.
August 5, 2019
Crítica: MIDSOMMAR
Si Hereditary fue ya bizarra e incomprensible para algunos, la nueva película de Ari Aster va más allá. Un festival de verano que se celebra cada 90 años va a poner a prueba la estabilidad de una pareja de jóvenes estadounidenses. Esta semana hemos visto: MIDSOMMAR.
Ari Aster nos lleva a Suecia, a un festival cuyas pertubadoras actividades festivas harán que a más de uno se le pongan los pelos de punta. Un compañero de los protagonistas invita a sus amigos a su pueblo, un lugar idílico en Suecia donde todos visten de blanco y toman vete tú a saber qué para estar tan contentos. Hasta ahí todo normal, vaya. Pero lo que empieza siendo una estancia placentera y tranquila, se convierte en una pesadilla bizarra.
Florence Pugh, Jack Reynor y Will Poulter, entre otros, asistirán a una serie de acontecimientos, y desapariciones, que perturbarán a un espectador que no sabrá si reír o llorar ante lo que ven sus ojos. MIDSOMMAR es una metáfora de una relación acabándose, pero también es una fábula sobre la vida. En todo caso, es a plena luz del día, lo que lo hace quizás más extraña todavía. El concepto de terror se lleva a otro nivel, a uno en el que el espectador más bien se ríe.
En definitiva, MIDSOMMAR será incomprensible para la mayor parte de los espectadores, que no sabrán cómo actuar ante la pantalla grande. En todo caso, si eso es lo que pretende Ari Aster, consigue su objetivo de incomodar y propagar potentes imágenes que harán que recordemos ciertas partes del metraje con facilidad. No es una película fácil, así que pensadlo bien.
Ari Aster nos lleva a Suecia, a un festival cuyas pertubadoras actividades festivas harán que a más de uno se le pongan los pelos de punta. Un compañero de los protagonistas invita a sus amigos a su pueblo, un lugar idílico en Suecia donde todos visten de blanco y toman vete tú a saber qué para estar tan contentos. Hasta ahí todo normal, vaya. Pero lo que empieza siendo una estancia placentera y tranquila, se convierte en una pesadilla bizarra.
Florence Pugh, Jack Reynor y Will Poulter, entre otros, asistirán a una serie de acontecimientos, y desapariciones, que perturbarán a un espectador que no sabrá si reír o llorar ante lo que ven sus ojos. MIDSOMMAR es una metáfora de una relación acabándose, pero también es una fábula sobre la vida. En todo caso, es a plena luz del día, lo que lo hace quizás más extraña todavía. El concepto de terror se lleva a otro nivel, a uno en el que el espectador más bien se ríe.
En definitiva, MIDSOMMAR será incomprensible para la mayor parte de los espectadores, que no sabrán cómo actuar ante la pantalla grande. En todo caso, si eso es lo que pretende Ari Aster, consigue su objetivo de incomodar y propagar potentes imágenes que harán que recordemos ciertas partes del metraje con facilidad. No es una película fácil, así que pensadlo bien.
