Félix A. Bas's Blog, page 75
December 13, 2019
Crítica: EL TIEMPO CONTIGO
Poderosa animación y paleta de colores vibrante para la nueva obra de Makoto Shinkai. Sin ser su mejor película, consigue transmitir y enaltecer valores tales como la amistad, el amor, la familia y la naturaleza. Esta semana hemos visto: EL TIEMPO CONTIGO.
Weathering with you (Tenki no ko), está dirigida por el gran Makoto Shinkai y nos lleva a una Tokio preciosista, con unas animación absolutamente espectacular y con todo lujos de detalles. El juego de luces y colores, junto con la calidad de la música y su estética provocan que al espectador se le abran los ojos ante cualquier plano. A pesar de todo, es un mundo de fantasía del que Hotaka se encuentra huyendo, pues llega a Tokio tras haberse fugado. En el barco, durante su viaje, lo ayuda un hombre que finalmente acaba ofreciéndole trabajo. Por otra parte, trabará amistad con Akina, una chica que parece controlar el clima a su antojo, de tal manera que es capaz de hacer que el sol salga cuando llueve.
Y eso último es muy importante, ya que Tokio está siendo asolado por un clima devastador que incluso puede afectar a toda su población, de manera que lo que empieza siendo un pequeño encargo sin importancia, acaba convirtiéndose en una salida laboral para ambos jóvenes. Uno gestiona y la otra manipula el tiempo. Sin embargo, ninguno de los dos sabrá dónde se mete. EL TIEMPO CONTIGO es una película interesante desde el punto de vista de la calidad de su animación, pero también contiene enseñanzas, como bien acostumbrados nos tiene Makoto Shinkai. El valor de la familia, de la ayuda al prójimo y del cuidado de nuestro planeta, así como la relaciones de amistad, amor y resiliencia sobrevuelan en todo momento el filme.
En definitiva, EL TIEMPO CONTIGO no es la mejor obra de Makoto Shinkai, pero sigue siendo una película interesante y divertida. No obstante, ha sido escogida por Japón para optar a mejor película internacional en los Oscars, e imagino que también competirá por mejor película de animación. En todo caso, conviene que no os la perdáis.
Weathering with you (Tenki no ko), está dirigida por el gran Makoto Shinkai y nos lleva a una Tokio preciosista, con unas animación absolutamente espectacular y con todo lujos de detalles. El juego de luces y colores, junto con la calidad de la música y su estética provocan que al espectador se le abran los ojos ante cualquier plano. A pesar de todo, es un mundo de fantasía del que Hotaka se encuentra huyendo, pues llega a Tokio tras haberse fugado. En el barco, durante su viaje, lo ayuda un hombre que finalmente acaba ofreciéndole trabajo. Por otra parte, trabará amistad con Akina, una chica que parece controlar el clima a su antojo, de tal manera que es capaz de hacer que el sol salga cuando llueve.
Y eso último es muy importante, ya que Tokio está siendo asolado por un clima devastador que incluso puede afectar a toda su población, de manera que lo que empieza siendo un pequeño encargo sin importancia, acaba convirtiéndose en una salida laboral para ambos jóvenes. Uno gestiona y la otra manipula el tiempo. Sin embargo, ninguno de los dos sabrá dónde se mete. EL TIEMPO CONTIGO es una película interesante desde el punto de vista de la calidad de su animación, pero también contiene enseñanzas, como bien acostumbrados nos tiene Makoto Shinkai. El valor de la familia, de la ayuda al prójimo y del cuidado de nuestro planeta, así como la relaciones de amistad, amor y resiliencia sobrevuelan en todo momento el filme.
En definitiva, EL TIEMPO CONTIGO no es la mejor obra de Makoto Shinkai, pero sigue siendo una película interesante y divertida. No obstante, ha sido escogida por Japón para optar a mejor película internacional en los Oscars, e imagino que también competirá por mejor película de animación. En todo caso, conviene que no os la perdáis.
December 11, 2019
Crítica: EL IRLANDÉS
Hoy os vengo a hablar de la mejor película del 2019 y una de las mejores de siempre. Esto da para debate, claro, pero ante nosotros tenemos tres horas y media de cine mayúsculo, con un director legendario y tres actores colosales que desenvuelven como pez en el agua en el género de la mafia. Esta semana hemos visto: EL IRLANDÉS.
The Irishman está dirigida por Martin Scorsese y producida por Netflix. Su mano tras la cámara se presenta fría, tal y como ha de ser un asesino del hampa como Frank Sheeran (Robert de Niro). Es un veterano de la Segunda Guerra Mundial que fue abriéndose paso poco a poco en la mafia gracias a nombres como Russell Bufalino (Joe Pesci) o el gran Jimmy Hoffa. Este último es uno de los hombres más importantes del momento, incluso más conocido que los Beatles. Y al espectador, de paso, se le da una lección de historia del Siglo XX americano. Porque Jimmy Hoffa fue dueño del mayor sindicato de los EEUU y porque, según parece, todo ese dinero se destinaba para que la mafia pudiera comprar casinos, etc. Todo gestionado por un solo hombre que, al parecer, decidió hacer oídos sordos a los dueños del hampa y enfrentarse a ellos.
Entre Russell Bufalino, el pez gordo de la mafia, y el propio Jimmy Hoffa, se encuentra un Frank Sheeran que actúa de sicario. Hace lo que debe, no pregunta y poco a poco asciende. Tal es así que es el hombre de confianza de ambos, pese a que sus intereses vayan por otros derroteros. Los Kennedy ascienden al poder y Bobby decide echársele encima a todos los mafiosos, por lo que la situación se complica y durante cierto periodo de tiempo encarcelan al propio Jimmy Hoffa, quien pierde el cargo como dirigente de su sindicato. Al salir desea volver a reclamar el puesto, pero la mafia no está dispuesta y ahí es donde Frank Sheeran tendrá que tratar con un Jimmy Hoffa desatado.
Podría seguir hablando del guion, pero es inabarcable y esas tres horas y media de disfrute no se pueden resumir en pocas palabras. En todo caso, a Jimmy Hoffa lo interpreta magníficamente un Al Pacino al que le va como anillo al dedo su papel. Como también a Joe Pesci hacer de Russell Bufalino y, como no, a Robert de Niro de Frank Sheeran. Los tres brillan con luz propia en un guion sin fisuras, que muestra la verdadera humanidad y adonde llevan ciertas decisiones. La moral sobrevuela en todo momento la película: ¿la familia o el trabajo? Una parte final impresionante en la que se muestra el desenlace de una vida llena de crímenes sin remordimientos que sacude a un espectador entregado a la causa.
Podría escribir ríos de tinta sobre todo lo que supone una obra tan magnífica como EL IRLANDÉS. No es El Padrino, pero su narración (flashbacks a modo documental), su ritmo (lento para algunos, pero no puede ser de otra manera) y su dirección son impecables. Martin Scorsese demuestra que es un genio del género de mafia y de las relaciones que se establecen entre sus personajes. Además, logra explicar, o arrojar cierta luz, al caso Jimmy Hoffa, que todavía sigue sin tener una contundente respuesta. No sé si los Oscars, al ser de Netflix, valorarán a esta película como verdaderamente se merece, pero no le hace falta. Es la mejor película del año y punto; una auténtica obra de arte que no podéis dejar pasar.
The Irishman está dirigida por Martin Scorsese y producida por Netflix. Su mano tras la cámara se presenta fría, tal y como ha de ser un asesino del hampa como Frank Sheeran (Robert de Niro). Es un veterano de la Segunda Guerra Mundial que fue abriéndose paso poco a poco en la mafia gracias a nombres como Russell Bufalino (Joe Pesci) o el gran Jimmy Hoffa. Este último es uno de los hombres más importantes del momento, incluso más conocido que los Beatles. Y al espectador, de paso, se le da una lección de historia del Siglo XX americano. Porque Jimmy Hoffa fue dueño del mayor sindicato de los EEUU y porque, según parece, todo ese dinero se destinaba para que la mafia pudiera comprar casinos, etc. Todo gestionado por un solo hombre que, al parecer, decidió hacer oídos sordos a los dueños del hampa y enfrentarse a ellos.
Entre Russell Bufalino, el pez gordo de la mafia, y el propio Jimmy Hoffa, se encuentra un Frank Sheeran que actúa de sicario. Hace lo que debe, no pregunta y poco a poco asciende. Tal es así que es el hombre de confianza de ambos, pese a que sus intereses vayan por otros derroteros. Los Kennedy ascienden al poder y Bobby decide echársele encima a todos los mafiosos, por lo que la situación se complica y durante cierto periodo de tiempo encarcelan al propio Jimmy Hoffa, quien pierde el cargo como dirigente de su sindicato. Al salir desea volver a reclamar el puesto, pero la mafia no está dispuesta y ahí es donde Frank Sheeran tendrá que tratar con un Jimmy Hoffa desatado.
Podría seguir hablando del guion, pero es inabarcable y esas tres horas y media de disfrute no se pueden resumir en pocas palabras. En todo caso, a Jimmy Hoffa lo interpreta magníficamente un Al Pacino al que le va como anillo al dedo su papel. Como también a Joe Pesci hacer de Russell Bufalino y, como no, a Robert de Niro de Frank Sheeran. Los tres brillan con luz propia en un guion sin fisuras, que muestra la verdadera humanidad y adonde llevan ciertas decisiones. La moral sobrevuela en todo momento la película: ¿la familia o el trabajo? Una parte final impresionante en la que se muestra el desenlace de una vida llena de crímenes sin remordimientos que sacude a un espectador entregado a la causa.
Podría escribir ríos de tinta sobre todo lo que supone una obra tan magnífica como EL IRLANDÉS. No es El Padrino, pero su narración (flashbacks a modo documental), su ritmo (lento para algunos, pero no puede ser de otra manera) y su dirección son impecables. Martin Scorsese demuestra que es un genio del género de mafia y de las relaciones que se establecen entre sus personajes. Además, logra explicar, o arrojar cierta luz, al caso Jimmy Hoffa, que todavía sigue sin tener una contundente respuesta. No sé si los Oscars, al ser de Netflix, valorarán a esta película como verdaderamente se merece, pero no le hace falta. Es la mejor película del año y punto; una auténtica obra de arte que no podéis dejar pasar.
December 9, 2019
Crítica: PUÑALES POR LA ESPALDA
Divertida comedia de intriga a lo Agatha Christie que deja al espectador atrapado en la butaca de principio a fin. Nunca sabremos quién es el asesino y, además, nos lo pasaremos de muerte, nunca mejor dicho. Esta semana hemos visto: PUÑALES POR LA ESPALDA.
Knives Out está dirigida por Rian Johnson y nos sitúa en una mansión donde un hombre rico (Christopher Plummer), muere. A todas luces, es un suicidio, pero su familia, y un detective (Daniel Craig), al que alguien ha pagado para que se ocupe del asunto, lo pondrán en duda. Y digo su familia porque durante la película veremos que mienten como bellacos y el dinero tiene todo que ver. La suculenta herencia hará que se quiten las máscaras y asistamos a un espectáculo hilarante entre flashbacks. Jamie Lee Curtis, Chris Evans, Don Johnson, Toni Collette, Michael Shannon, entre otros, se lo pasan bien, no tanto Ana de Armas, la enfermera amiga del multimillonario, quien se verá envuelta en medio del fregado.
PUÑALES POR LA ESPALDA mezcla a la perfección la intriga hasta el último momento, con la comedia. Avanzaremos junto al detective, asistiremos a surrealistas interrogatorios, al borrado de pruebas, a flashbacks continuos que arrojarán luz sobre todos los personajes y sus verdaderas intenciones. Idas y venidas constantes e incluso crítica social evidente (clases altas y su trato a la inmigración con la enfermera). Un cóctel explosivo que nos mantiene en vilo y donde nada es lo que parece. Aunque, eso sí, el dinero mantiene a la familia unida, y eso el viejo lo sabía.
En definitiva, PUÑALES POR LA ESPALDA es un estupendo divertimento. Situaciones hilarantes y una muñeca rusa tras otra; cuando pensamos que tenemos al asesino surge algo nuevo que nos echa a tierra el juicio. Los actores se divierten y el espectador también. Agatha Christie en versión cómida. No os la perdáis.
Knives Out está dirigida por Rian Johnson y nos sitúa en una mansión donde un hombre rico (Christopher Plummer), muere. A todas luces, es un suicidio, pero su familia, y un detective (Daniel Craig), al que alguien ha pagado para que se ocupe del asunto, lo pondrán en duda. Y digo su familia porque durante la película veremos que mienten como bellacos y el dinero tiene todo que ver. La suculenta herencia hará que se quiten las máscaras y asistamos a un espectáculo hilarante entre flashbacks. Jamie Lee Curtis, Chris Evans, Don Johnson, Toni Collette, Michael Shannon, entre otros, se lo pasan bien, no tanto Ana de Armas, la enfermera amiga del multimillonario, quien se verá envuelta en medio del fregado.
PUÑALES POR LA ESPALDA mezcla a la perfección la intriga hasta el último momento, con la comedia. Avanzaremos junto al detective, asistiremos a surrealistas interrogatorios, al borrado de pruebas, a flashbacks continuos que arrojarán luz sobre todos los personajes y sus verdaderas intenciones. Idas y venidas constantes e incluso crítica social evidente (clases altas y su trato a la inmigración con la enfermera). Un cóctel explosivo que nos mantiene en vilo y donde nada es lo que parece. Aunque, eso sí, el dinero mantiene a la familia unida, y eso el viejo lo sabía.
En definitiva, PUÑALES POR LA ESPALDA es un estupendo divertimento. Situaciones hilarantes y una muñeca rusa tras otra; cuando pensamos que tenemos al asesino surge algo nuevo que nos echa a tierra el juicio. Los actores se divierten y el espectador también. Agatha Christie en versión cómida. No os la perdáis.
December 7, 2019
Crítica: LEGADO EN LOS HUESOS
Ni vi la primera ni veré la tercera, eso está claro. Y no es mala por eso, sino porque se lo gana a pulso con dos pesadas horas que nos envuelven en una historia que mal llevada, pese a que la trilogía del Baztán de Dolores Redondo sea un éxito. Esta semana hemos visto: LEGADO EN LOS HUESOS.
Fernando González Molina dirige un película que bien podría pasar por teleserie o serie B, con muchas promesas pero poco contenido, que no aporta nada nuevo y no sorprende en ningún aspecto. Marta Etura lo intenta pero no convence, y Leonardo Sbaraglia e Imanol Arias hacen acto de presencia y poco más. Los diálogos están sacados de la novela, algo que encaja fatal con lo cinematográfico, por lo tanto, quedan impostados, faltos de naturalidad. Como punto positivo queda el emplazamiento, pero todo queda emborronado.
La trama avanza a trompicones y el desenlace... en fin, un acto de fantasía e inverosimilitud que acaba por echar al barro cualquier esperanza, si es que quedaba alguna. LEGADO EN LOS HUESOS supone una gran decepción, puesto que es aburrida de principio a fin. Los actores no pueden sacar más de unos personajes que posiblemente sean carismáticos en la novela, pero que en la gran pantalla son incapaces de brillar. Posiblemente no sea culpa de los actores, sino de la idea de sacar rendimiento a una trilogía de éxito y de tratar de condensar una novela en apenas dos horas.
En definitiva, LEGADO EN LOS HUESOS es una gran decepción que constata que la idea llevar al cine un best-seller no es siempre la mejor opción. Carencia de carisma, falta de ritmo, pesadez y aburrimiento son algunas de las cosas que no encontraremos, por no hablar de un desenlace inverosímil que, tras el sopor, ya ni nos sorprende. No os la recomiendo, quedaos con la novela.
Fernando González Molina dirige un película que bien podría pasar por teleserie o serie B, con muchas promesas pero poco contenido, que no aporta nada nuevo y no sorprende en ningún aspecto. Marta Etura lo intenta pero no convence, y Leonardo Sbaraglia e Imanol Arias hacen acto de presencia y poco más. Los diálogos están sacados de la novela, algo que encaja fatal con lo cinematográfico, por lo tanto, quedan impostados, faltos de naturalidad. Como punto positivo queda el emplazamiento, pero todo queda emborronado.
La trama avanza a trompicones y el desenlace... en fin, un acto de fantasía e inverosimilitud que acaba por echar al barro cualquier esperanza, si es que quedaba alguna. LEGADO EN LOS HUESOS supone una gran decepción, puesto que es aburrida de principio a fin. Los actores no pueden sacar más de unos personajes que posiblemente sean carismáticos en la novela, pero que en la gran pantalla son incapaces de brillar. Posiblemente no sea culpa de los actores, sino de la idea de sacar rendimiento a una trilogía de éxito y de tratar de condensar una novela en apenas dos horas.
En definitiva, LEGADO EN LOS HUESOS es una gran decepción que constata que la idea llevar al cine un best-seller no es siempre la mejor opción. Carencia de carisma, falta de ritmo, pesadez y aburrimiento son algunas de las cosas que no encontraremos, por no hablar de un desenlace inverosímil que, tras el sopor, ya ni nos sorprende. No os la recomiendo, quedaos con la novela.
December 4, 2019
Crítica: PARÁSITOS
Una de las sorpresas, de las mejores películas del año, viene de Corea del Sur y ha sido la ganadora de la Palma de Oro en Cannes. No deja indiferente y navega entre la comedia, el drama y la crítica social manteniéndose al límite de la realidad. Esta semana hemos visto: PARÁSITOS.
Ginsaengchung (Parasite) está dirigida por Bon Joon-Ho y nos relata, de manera un tanto salvaje, la historia de dos familias que se entremezclan. Una de ellas es pobre y sus cuatro miembros sobreviven como pueden. La otra, todo lo contrario, viven en una casa impresionante y le sobra el dinero. La suerte hace que uno de los miembros de esa familia sin trabajo se haga con un puesto como profesor de repaso de la hija de la familia rica. Y a partir de ahí la trama se retuerce de tal manera que toda su familia se incorporará a trabajar en la gran casa. Para ello, no obstante, tendrán que recurrir a inverosímiles tretas que rozan lo verosímil y los convierte en verdaderos marionetistas de la vida.
PARÁSITOS tiene grandes ideas y las lleva a cabo de forma magistral. La trama avanza imparable hacia lo increíble mientras el espectador asiste alucinado a todo cuanto acontece. Está bien hilada, su crítica social es impactante y esa dosis de humor extraño que destila la hacen única. Dos mundos unidos por la manipulación y el engaño, con un toque de comedia extraño y realismo que bordea la fantasía. Cuando se desborda, hacia el final, es todavía más divertida y nos golpea con fuerza, pero es que su principio es tan imaginativo y divertido que nos atrapa enseguida.
En definitiva, PARÁSITOS es una película que no podéis dejar pasar, una de las mejores del año, sin duda alguna. Es un golpe de aire fresco, un guion elaboradísimo, grandes dosis de imaginación, crítica social y una mezcla entre comedia, drama e intriga que nos aferrará a la butaca de principio a fin. Tiene tanto que enseñar, y que hacernos pensar, que es impcrescindible. Ni se os ocurra perdérosla.
Ginsaengchung (Parasite) está dirigida por Bon Joon-Ho y nos relata, de manera un tanto salvaje, la historia de dos familias que se entremezclan. Una de ellas es pobre y sus cuatro miembros sobreviven como pueden. La otra, todo lo contrario, viven en una casa impresionante y le sobra el dinero. La suerte hace que uno de los miembros de esa familia sin trabajo se haga con un puesto como profesor de repaso de la hija de la familia rica. Y a partir de ahí la trama se retuerce de tal manera que toda su familia se incorporará a trabajar en la gran casa. Para ello, no obstante, tendrán que recurrir a inverosímiles tretas que rozan lo verosímil y los convierte en verdaderos marionetistas de la vida.
PARÁSITOS tiene grandes ideas y las lleva a cabo de forma magistral. La trama avanza imparable hacia lo increíble mientras el espectador asiste alucinado a todo cuanto acontece. Está bien hilada, su crítica social es impactante y esa dosis de humor extraño que destila la hacen única. Dos mundos unidos por la manipulación y el engaño, con un toque de comedia extraño y realismo que bordea la fantasía. Cuando se desborda, hacia el final, es todavía más divertida y nos golpea con fuerza, pero es que su principio es tan imaginativo y divertido que nos atrapa enseguida.
En definitiva, PARÁSITOS es una película que no podéis dejar pasar, una de las mejores del año, sin duda alguna. Es un golpe de aire fresco, un guion elaboradísimo, grandes dosis de imaginación, crítica social y una mezcla entre comedia, drama e intriga que nos aferrará a la butaca de principio a fin. Tiene tanto que enseñar, y que hacernos pensar, que es impcrescindible. Ni se os ocurra perdérosla.
December 2, 2019
Crítica: INTEMPERIE
Miseria, secarrales granadinos y un niño huyendo de un capataz es todo lo que nos encontramos nada más comenzar. Un western que nos dejará la garganta seca y nos enseñará cómo era la vida en Andalucía en 1946. Algunos tenían suerte, otros no tenían nada. Esta semana hemos visto: INTEMPERIE.
Dirigida por Benito Zambrano, nos pone en la piel de un niño (Jaime López, y menuda interpretación se gasta el chaval) que huye por los eriales, secarrales desprovistos de agua en pleno verano. Mucho miedo ha de tenerle a lo que deja atrás. Su fuga intentará ser interceptada por el capataz (Luis Callejo), a quien le ha robado un reloj de oro y algo de comida para emprender la huida. El hombre, desprovisto de cualquier rastro de generosidad, mientras muestra opulencia, hará lo imposible para encontrarlo. ¿Por qué?, se preguntará el espectador hasta casi el final.
A la intemperie pasará la mayor parte del metraje el niño, quien se encontrará a un pastor ex-militar de la guerra de Marruecos (Luis Tosar). Intentará protegerlo, y pagará por ello en escenas que a más de uno harán que se le erice el vello. INTEMPERIE es una película tensa, con imágenes poderosas y, por supuesto, interpretaciones brillantes. Además de la del niño (Jaime López), Luis Tosar y Luis Callejo, demostrando que son de lo mejor del panorama nacional. Primeros planos y planos generales que muestran un territorio seco que solo Andalucía obsequia.
En definitiva, INTEMPERIE me ha parecido una de las mejores películas españolas del momento. Te cautiva en todo momento y sus escenas son tan potentes como una banda sonora que te mete de lleno en el filme y no te deja escapar. Recrea la miserable vida y un panorama social al que, parece mentira, solo separan setenta años con la actualidad. Veremos si los Goya premian con candidaturas el buen trabajo de Benito Zambrano tras las cámaras. Por el momento, ni se os ocurra perdérosla.
Dirigida por Benito Zambrano, nos pone en la piel de un niño (Jaime López, y menuda interpretación se gasta el chaval) que huye por los eriales, secarrales desprovistos de agua en pleno verano. Mucho miedo ha de tenerle a lo que deja atrás. Su fuga intentará ser interceptada por el capataz (Luis Callejo), a quien le ha robado un reloj de oro y algo de comida para emprender la huida. El hombre, desprovisto de cualquier rastro de generosidad, mientras muestra opulencia, hará lo imposible para encontrarlo. ¿Por qué?, se preguntará el espectador hasta casi el final.
A la intemperie pasará la mayor parte del metraje el niño, quien se encontrará a un pastor ex-militar de la guerra de Marruecos (Luis Tosar). Intentará protegerlo, y pagará por ello en escenas que a más de uno harán que se le erice el vello. INTEMPERIE es una película tensa, con imágenes poderosas y, por supuesto, interpretaciones brillantes. Además de la del niño (Jaime López), Luis Tosar y Luis Callejo, demostrando que son de lo mejor del panorama nacional. Primeros planos y planos generales que muestran un territorio seco que solo Andalucía obsequia.
En definitiva, INTEMPERIE me ha parecido una de las mejores películas españolas del momento. Te cautiva en todo momento y sus escenas son tan potentes como una banda sonora que te mete de lleno en el filme y no te deja escapar. Recrea la miserable vida y un panorama social al que, parece mentira, solo separan setenta años con la actualidad. Veremos si los Goya premian con candidaturas el buen trabajo de Benito Zambrano tras las cámaras. Por el momento, ni se os ocurra perdérosla.
November 27, 2019
Crítica: LOS MISERABLES
Victor Hugo sobrevuela un filme que habla sobre el poder de la juventud en la sociedad, de la categorización, de las clases sociales y, en definitiva, sobre un conflicto que, por muchos años que pasen, siempre nos afectará. Esta semana hemos visto: LOS MISERABLES.
Les Misérables es la ópera prima de Ladj Ly, que se estrena con un peliculón que habla sobre la crisis social que Francia sigue sufriendo desde los altercados de 2005. Los jóvenes de los barrios pobres forman guetos endogámicos mientras a su alrededor todo sigue avanzando. En este caso, Stéphane (Damien Bonnard) se une a la Brigada de Lucha contra la Delincuencia de Montfermeil, un suburbio al este de París. Allí se encontrará con dos compañeros (Alexis Manenti y Djibril Zonga), con quienes patrullará las calles y navegará entre las turbias tensiones entre distintos grupos que pretenden controlar el lugar.
Cualquier conversación en LOS MISERABLES significa tener que leer entre líneas y entender su significado, uno mayor a lo que sucede, algo que trasciende y, por lo tanto, es arriesgado. Pero funciona, y lo hace haciendo honor a Victor Hugo y su obra, puesto que la lucha de clases y la discriminación ondean durante todo el filme mientras el espectador asiste a unas situaciones que le pondrán en tensión continua hasta el final de la película. Policías corruptos, lucha de clanes por tener el control de la zona, intereses encontrados y grupos de jóvenes exaltados, hartos de no tener oportunidades, se entremezclan para crear un cóctel molotov que nos hace reflexionar como pocas películas.
En definitiva, LOS MISERABLES es una gran película. Nominada por Francia a optar como mejor película de habla no inglesa a los Oscars y más que interesante propuesta didáctica para profesores. Habla sobre muchas cosas y tiene profundidad para hacernos reflexionar durante días. Y recordad que lo que sucede en Francia no tarda en llegar a nuestras fronteras. No os la perdáis.
Les Misérables es la ópera prima de Ladj Ly, que se estrena con un peliculón que habla sobre la crisis social que Francia sigue sufriendo desde los altercados de 2005. Los jóvenes de los barrios pobres forman guetos endogámicos mientras a su alrededor todo sigue avanzando. En este caso, Stéphane (Damien Bonnard) se une a la Brigada de Lucha contra la Delincuencia de Montfermeil, un suburbio al este de París. Allí se encontrará con dos compañeros (Alexis Manenti y Djibril Zonga), con quienes patrullará las calles y navegará entre las turbias tensiones entre distintos grupos que pretenden controlar el lugar.
Cualquier conversación en LOS MISERABLES significa tener que leer entre líneas y entender su significado, uno mayor a lo que sucede, algo que trasciende y, por lo tanto, es arriesgado. Pero funciona, y lo hace haciendo honor a Victor Hugo y su obra, puesto que la lucha de clases y la discriminación ondean durante todo el filme mientras el espectador asiste a unas situaciones que le pondrán en tensión continua hasta el final de la película. Policías corruptos, lucha de clanes por tener el control de la zona, intereses encontrados y grupos de jóvenes exaltados, hartos de no tener oportunidades, se entremezclan para crear un cóctel molotov que nos hace reflexionar como pocas películas.
En definitiva, LOS MISERABLES es una gran película. Nominada por Francia a optar como mejor película de habla no inglesa a los Oscars y más que interesante propuesta didáctica para profesores. Habla sobre muchas cosas y tiene profundidad para hacernos reflexionar durante días. Y recordad que lo que sucede en Francia no tarda en llegar a nuestras fronteras. No os la perdáis.
November 25, 2019
Critica: ONE PIECE: ESTAMPIDA
El anime se populariza cada vez más en la gran pantalla, y eso es gracias, entre otros, al tirón de series como One Piece, sin duda, la más importante en la actualidad. Su última película nos transporta de lleno a una isla en la que, desde el primer minuto, nos rodea la acción. Quizás la mejor película de la serie hasta la fecha. Esta semana hemos visto: ONE PIECE: ESTAMPIDA.
One Piece: Stampede está dirigida por Takashi Otsuka, basada en el manga original dibujado por Eiichiro Oda, trata de una banda pirata que recorre el mar en busca del One Piece. En esta película hay que estar al día del manga o nos perderemos muchos guiños e incluso spoilers de la saga. Es decir, está hecha por y para fans y no escatiman en gastos de animación, puesto que la calidad de las imágenes y los combates que se dan es de alto nivel. Si One Piece: Gold, ya era interesante, esta sobrepasa las expectativas.
La banda llega a una isla desde donde se realizará un Festival Pirata organizado por un pirata conocido hace algunas generaciones, y junto a él un poderoso hombre que llegó a rivalizar incluso con el Rey de los Piratas Gol D. Roger. En su poder tienen un cofre, que atraerá a todo tipo de piratas, incluidos los de la peor generación y, por supuesto, ahí entrará la tripulación del Sombrero de Paja. El cofre guarda nada más y nada menos una pista sobre el One Piece, el tesoro que el Rey de los Piratas escondió en la última isla de su itinerario, por lo que es un gran reclamo para todos los piratas. Sin embargo, pronto verán que se convierte en una trampa en la que también está implicada la marina.
En definitiva, ONE PIECE: ESTAMPIDA, es un película para fans, y lo es porque no se toma demasiado tiempo para poner en antecedentes al espectador, sino que avanza con todo y muestra a viejos conocidos, tan carismáticos como siempre. El nivel de animación y la calidad de los combates hace que la película sea tan adrenalítica que pase volando. Y lo es, sobre todo, en los últimos compases de la película, donde el nivel aumenta todavía más. No os la perdáis.
One Piece: Stampede está dirigida por Takashi Otsuka, basada en el manga original dibujado por Eiichiro Oda, trata de una banda pirata que recorre el mar en busca del One Piece. En esta película hay que estar al día del manga o nos perderemos muchos guiños e incluso spoilers de la saga. Es decir, está hecha por y para fans y no escatiman en gastos de animación, puesto que la calidad de las imágenes y los combates que se dan es de alto nivel. Si One Piece: Gold, ya era interesante, esta sobrepasa las expectativas.
La banda llega a una isla desde donde se realizará un Festival Pirata organizado por un pirata conocido hace algunas generaciones, y junto a él un poderoso hombre que llegó a rivalizar incluso con el Rey de los Piratas Gol D. Roger. En su poder tienen un cofre, que atraerá a todo tipo de piratas, incluidos los de la peor generación y, por supuesto, ahí entrará la tripulación del Sombrero de Paja. El cofre guarda nada más y nada menos una pista sobre el One Piece, el tesoro que el Rey de los Piratas escondió en la última isla de su itinerario, por lo que es un gran reclamo para todos los piratas. Sin embargo, pronto verán que se convierte en una trampa en la que también está implicada la marina.
En definitiva, ONE PIECE: ESTAMPIDA, es un película para fans, y lo es porque no se toma demasiado tiempo para poner en antecedentes al espectador, sino que avanza con todo y muestra a viejos conocidos, tan carismáticos como siempre. El nivel de animación y la calidad de los combates hace que la película sea tan adrenalítica que pase volando. Y lo es, sobre todo, en los últimos compases de la película, donde el nivel aumenta todavía más. No os la perdáis.
November 20, 2019
Crítica: LE MANS '66
Cuando las carreras tenían emoción, Ferrari dominaba en Le Mans y Enzo Ferrari era un visionario constructor. Henry Ford II se lanza a combatirlos en carreras deportivas y se pondrá en las manos de un peculiar grupo de ingenieros a los que acompañará un peculiar piloto. Esta semana hemos visto: LE MANS '66.
Ford v. Ferrari está dirigida por James Mangold y nos sitúa en el año 66, donde Ferrari domina y Ford se dedica a vender coches en masa. Henry Ford II decide competir con el mejor constructor de coches deportivos del mundo, Enzo Ferrari, y para ello pedirá ayuda a Carroll Shelby (Matt Damon). Este, junto a su equipo, encontrará a un piloto excéntrico y poco sociable, Ken Miller (Christian Bale), quien pondrá a punto el coche mientras en la Ford su comité se pregunta si es un piloto acorde a la imagen de su marca.
LE MANS '66 es una película adrenalítica, más de dos horas y media de película que pasan a toda velocidad gracias a la gran interpretación de Damon y Bale, pero también a las grandes carreras que se muestran. Es una delicia ver los coches compitiendo y la calidad de sus escenas y coreografías. Además, como buen biopic, se toma su tiempo para mostrarnos la vida de Ken Miller, quien con 45 años, y un talento deslumbrante para poner a punto un coche, luchará contra el imperio Ford para ganarse un puesto en el asiento del coche forjado entre él y el equipo de Carroll Shelby.
LE MANS '66 es un derroche de adrenalina que hará que el espectador disfrute como nunca y, sobre todo, en ningún momento se aburra. Lucha, superación y moralidad en una película en la que Bale brilla, como siempre, al igual que Damon. Es una gran película deportiva, y eso no abunda, plagada de elementos técnicos de gran calidad. Ni se os ocurra perdérosla.
Ford v. Ferrari está dirigida por James Mangold y nos sitúa en el año 66, donde Ferrari domina y Ford se dedica a vender coches en masa. Henry Ford II decide competir con el mejor constructor de coches deportivos del mundo, Enzo Ferrari, y para ello pedirá ayuda a Carroll Shelby (Matt Damon). Este, junto a su equipo, encontrará a un piloto excéntrico y poco sociable, Ken Miller (Christian Bale), quien pondrá a punto el coche mientras en la Ford su comité se pregunta si es un piloto acorde a la imagen de su marca.
LE MANS '66 es una película adrenalítica, más de dos horas y media de película que pasan a toda velocidad gracias a la gran interpretación de Damon y Bale, pero también a las grandes carreras que se muestran. Es una delicia ver los coches compitiendo y la calidad de sus escenas y coreografías. Además, como buen biopic, se toma su tiempo para mostrarnos la vida de Ken Miller, quien con 45 años, y un talento deslumbrante para poner a punto un coche, luchará contra el imperio Ford para ganarse un puesto en el asiento del coche forjado entre él y el equipo de Carroll Shelby.
LE MANS '66 es un derroche de adrenalina que hará que el espectador disfrute como nunca y, sobre todo, en ningún momento se aburra. Lucha, superación y moralidad en una película en la que Bale brilla, como siempre, al igual que Damon. Es una gran película deportiva, y eso no abunda, plagada de elementos técnicos de gran calidad. Ni se os ocurra perdérosla.
November 18, 2019
Crítica: DOCTOR SUEÑO
Se ha hecho esperar, pero la secuela de El Resplandor deja un buen sabor de boca tras más de dos horas de metraje. Ewan McGregor es Danny Torrance, quien años después de lo sucedido vuelve a despertar sus poderes gracias a una niña. Esta semana hemos visto: DOCTOR SUEÑO.
Doctor Sleep está dirigida por Mike Flanagan, es la secuela de El Resplandor (1980), que fue dirigida por el gran Stanley Kubrick. Años después de lo sucedido con Jack Torrance, su hijo Danny (Ewan McGregor) lucha contra el alcohol; quién lo diría. Su nueva vida le lleva a un pueblo, donde encontrará a una niña que también tiene el Resplandor, como tantos muchos otros. Sin embargo, los poderes de un grupo de viajeros se mantienen gracias a la absorción de estos poderes, y ya ha habido muchos niños y personas que han acabado desapareciendo.
Abra Stone (Kyliegh Curran) es una joven muy poderosa, tanto es así que ha acabado llamando la atención de ese grupo. Danny, pese a su resistencia, no se quedará de brazos cruzados y la ayudará, embarcándose en una aventura que, como imaginaréis, nos llevará al gran hotel de El Resplandor. Es una película larga pero intensa, llena de existencialismo y redención. No se hace pesada en ningún momento y está cargada de elementos que nos transportaran a la primera película.
En definitiva, DOCTOR SUEÑO es una película que tiene su propio carisma y no se basa únicamente en recordar a su gran primera parte. Eso es un gran acierto, ya que la sombra de El Resplandor es muy alargada. Ewan McGregor encarna a la perfección el papel de Danny y a nivel técnico es una maravilla. Un disfrute para los fans del terror psíquico y, por supuesto, de aquellos que ya disfrutaron con Kubrick. No os la podéis perder.
Doctor Sleep está dirigida por Mike Flanagan, es la secuela de El Resplandor (1980), que fue dirigida por el gran Stanley Kubrick. Años después de lo sucedido con Jack Torrance, su hijo Danny (Ewan McGregor) lucha contra el alcohol; quién lo diría. Su nueva vida le lleva a un pueblo, donde encontrará a una niña que también tiene el Resplandor, como tantos muchos otros. Sin embargo, los poderes de un grupo de viajeros se mantienen gracias a la absorción de estos poderes, y ya ha habido muchos niños y personas que han acabado desapareciendo.
Abra Stone (Kyliegh Curran) es una joven muy poderosa, tanto es así que ha acabado llamando la atención de ese grupo. Danny, pese a su resistencia, no se quedará de brazos cruzados y la ayudará, embarcándose en una aventura que, como imaginaréis, nos llevará al gran hotel de El Resplandor. Es una película larga pero intensa, llena de existencialismo y redención. No se hace pesada en ningún momento y está cargada de elementos que nos transportaran a la primera película.
En definitiva, DOCTOR SUEÑO es una película que tiene su propio carisma y no se basa únicamente en recordar a su gran primera parte. Eso es un gran acierto, ya que la sombra de El Resplandor es muy alargada. Ewan McGregor encarna a la perfección el papel de Danny y a nivel técnico es una maravilla. Un disfrute para los fans del terror psíquico y, por supuesto, de aquellos que ya disfrutaron con Kubrick. No os la podéis perder.
