Félix A. Bas's Blog, page 77
October 9, 2019
Crítica: MIENTRAS DURE LA GUERRA
Unamuno fue uno de los mejores pensadores y escritores españoles y, a pesar de ello, también se equivocaba. Alejandro Amenábar nos trae un periodo importante de una España que ha de ser comprendida y necesita, hoy más que nunca, tender unos puentes que parecen no haberse levantado jamás. Esta semana hemos visto: MIENTRAS DURE LA GUERRA.
Karra Elejalde, en una interpretación que le valdrá el Goya con casi toda seguridad, se mimetiza con Miguel de Unamuno, quien apoyó públicamente la sublevación militar contra la II República y, por ello, fue destituido como rector de la Universidad de Salamanca por Azaña. La República no trajo más que hambre y penurias, en sus propias palabras, y la sublevación venía a traer orden al país. Sin embargo, el general Franco (Santi Prego), junto a Millán Astray (Eduard Fernández), tenía unos planes que iban más allá de poner orden. España, desde 1936, y hasta 1975, comenzaba una época oscura y de dictadura militar.
MIENTRAS DURE LA GUERRA, se suponía que hasta entonces Franco sería Jefe del Estado. Nada más lejos de la realidad. La interpretación de Franco y de Millán Astray son caricaturas de lo que fueron, incluso se trata de ridiculizarlos y no sé hasta qué punto afecta negativamente al filme de Alejandro Amenábar. Sin embargo, Karra Elejalde y su Unamuno recrean a un personaje lleno de preguntas y con unas ideas que se resquebrajan al ver cómo cada uno de sus amigos perece ante la represión del movimiento fascista. Las imágenes y los planos de la película son de lo mejor. El guion ya nos lo sabíamos, pero su fuerza y su poca intromisión a la hora de emitir juicios de valor nos ayuda a comprender que la España de hoy sigue igual de desunida que la de entonces.
En definitiva, MIENTRAS DURE LA GUERRA es una gran película a nivel técnico y, por supuesto, a nivel interpretativo por parte de un Karra Elejalde enorme, de Goya. Los fans de la historia y de los personajes relevantes que aparecen en ella estarán encantados con ella, y a los que no tampoco les vendrá mal aprender de una sociedad oscura cuyos estigmas seguimos arrastrando. No os la perdáis.
Karra Elejalde, en una interpretación que le valdrá el Goya con casi toda seguridad, se mimetiza con Miguel de Unamuno, quien apoyó públicamente la sublevación militar contra la II República y, por ello, fue destituido como rector de la Universidad de Salamanca por Azaña. La República no trajo más que hambre y penurias, en sus propias palabras, y la sublevación venía a traer orden al país. Sin embargo, el general Franco (Santi Prego), junto a Millán Astray (Eduard Fernández), tenía unos planes que iban más allá de poner orden. España, desde 1936, y hasta 1975, comenzaba una época oscura y de dictadura militar.
MIENTRAS DURE LA GUERRA, se suponía que hasta entonces Franco sería Jefe del Estado. Nada más lejos de la realidad. La interpretación de Franco y de Millán Astray son caricaturas de lo que fueron, incluso se trata de ridiculizarlos y no sé hasta qué punto afecta negativamente al filme de Alejandro Amenábar. Sin embargo, Karra Elejalde y su Unamuno recrean a un personaje lleno de preguntas y con unas ideas que se resquebrajan al ver cómo cada uno de sus amigos perece ante la represión del movimiento fascista. Las imágenes y los planos de la película son de lo mejor. El guion ya nos lo sabíamos, pero su fuerza y su poca intromisión a la hora de emitir juicios de valor nos ayuda a comprender que la España de hoy sigue igual de desunida que la de entonces.
En definitiva, MIENTRAS DURE LA GUERRA es una gran película a nivel técnico y, por supuesto, a nivel interpretativo por parte de un Karra Elejalde enorme, de Goya. Los fans de la historia y de los personajes relevantes que aparecen en ella estarán encantados con ella, y a los que no tampoco les vendrá mal aprender de una sociedad oscura cuyos estigmas seguimos arrastrando. No os la perdáis.
October 7, 2019
Critica: JOKER
Cuando Joaquin Phoenix aparece en pantalla hay que callar y disfrutar. No va a ser menos cuando interpreta a uno de los personajes más icónicos no solo del universo DC, sino del cine. Una de las interpretaciones más impresionantes del año, Oscar casi asegurado, para una película que no se olvida. Esta semana hemos visto: JOKER.
Todd Phillips dirige a Joaquin Phoenix y a Robert de Niro, como secundario, en una versión del Joker tan humana que incluso crea empatía. Y eso, al parecer, ha levantado ampollas en EEUU por todo lo que ello puede generar. El caso es que, analizando la película en profundidad, es obvio que un monstruo así acaba siendo creado por la propia sociedad. Arthur Fleck es un hombre que quiere ser cómico, pero su enfermedad mental, sumada a una sociedad que lo ignora y lo repudia, acabará por crear al Joker, en enemigo número uno de Batman.
JOKER es cine adulto, una profunda reflexión y un trabajo enorme por parte de Joaquin Phoenix (y en VOSE ha de ser brutal), quien tras el gran trabajo de Heath Ledger en El Caballero Oscuro tenía un gran peso sobre sus espaldas. Sin embargo, crea un Joker patético, abandonado y brutal, incapaz de llorar y de reír a carcajadas descontroladas. Es una película incómoda de ver por el poso de desesperación que destila del personaje, la caída a un vacío provocada por decisiones políticas y sociales. Sustentado en una interpretación que no solo se basa en adelgazar enfermizamente, Joaquin Phoenix ganará el Oscar que se le resiste y que no necesita para dejar bien claro que es uno de los grandes.
En definitiva, JOKER es una película poderosa, impactante a nivel visual y sonoro, una delicia trágica que incomodará y nos golpeará una y otra vez. Es redonda en todos los sentidos, no deja flecos sueltos y sí una profunda reflexión a todos los niveles. Podría escribir mucho sobre todo lo que rodea a la película, pero es mejor que lo descubrais vosotros mismos. Una de las mejores películas del año y, por tanto, imprescindible tanto si eres fan de DC como si no. La veremos muy nominada en los Oscars, seguro.
Todd Phillips dirige a Joaquin Phoenix y a Robert de Niro, como secundario, en una versión del Joker tan humana que incluso crea empatía. Y eso, al parecer, ha levantado ampollas en EEUU por todo lo que ello puede generar. El caso es que, analizando la película en profundidad, es obvio que un monstruo así acaba siendo creado por la propia sociedad. Arthur Fleck es un hombre que quiere ser cómico, pero su enfermedad mental, sumada a una sociedad que lo ignora y lo repudia, acabará por crear al Joker, en enemigo número uno de Batman.
JOKER es cine adulto, una profunda reflexión y un trabajo enorme por parte de Joaquin Phoenix (y en VOSE ha de ser brutal), quien tras el gran trabajo de Heath Ledger en El Caballero Oscuro tenía un gran peso sobre sus espaldas. Sin embargo, crea un Joker patético, abandonado y brutal, incapaz de llorar y de reír a carcajadas descontroladas. Es una película incómoda de ver por el poso de desesperación que destila del personaje, la caída a un vacío provocada por decisiones políticas y sociales. Sustentado en una interpretación que no solo se basa en adelgazar enfermizamente, Joaquin Phoenix ganará el Oscar que se le resiste y que no necesita para dejar bien claro que es uno de los grandes.
En definitiva, JOKER es una película poderosa, impactante a nivel visual y sonoro, una delicia trágica que incomodará y nos golpeará una y otra vez. Es redonda en todos los sentidos, no deja flecos sueltos y sí una profunda reflexión a todos los niveles. Podría escribir mucho sobre todo lo que rodea a la película, pero es mejor que lo descubrais vosotros mismos. Una de las mejores películas del año y, por tanto, imprescindible tanto si eres fan de DC como si no. La veremos muy nominada en los Oscars, seguro.
October 2, 2019
Crítica: HASTA SIEMPRE, HIJO MÍO
Vaya por delante que esta película no es fácil ni rápida. Tres pausadas horas que nos transportan a la China de los 80, con la crisis demográfica, que alterna entre la del presente y la del pasado para hacernos comprender lo que conlleva una pérdida y sus daños colaterales, no solo para sus padres. Una obra de arte que no todo el mundo podrá disfrutar. Esta semana hemos visto: HASTA SIEMPRE, HIJO MÍO.
So long, my son (o Di jiu tian chang, en chino), está dirigida por Wan Xiaoshuai y protagonizada por Wan Jingchun y Mei Yong, ambos vencedores del Oso de Plata del festival de cine de Berlín como mejor actor y actriz. Les acompañan un reparto coral, con alma, que se debaten entre lo que es bueno para la sociedad y la individualidad. Solo un hijo por familia, como rezaban las normas, hará que una pareja y sus amigos naveguen por las aguas de una vida dura y turbulenta. La película es un puzzle de idas y venidas de presente a pasado, un velo de serenidad y paciencia y sencillez.
Nos hacemos rápido a HASTA SIEMPRE, HIJO MÍO. Empatizamos con sus personajes y sufrimos junto a ellos el avance imparable de la China de los 80 hasta la actualidad. Un cambio que nos supera y nos ayuda a entender su cultura a través de un melodrama que nos mantiene enganchados a la pantalla durante nada menos que tres horas. Se toma su tiempo para establecer relaciones, entablar empatía y presentar a sus personajes. Cómo eran, cómo les afecta lo que sucede; en definitiva, cómo la vida les pasa por encima. Por supuesto, no es una película de grandes masas, solo para amantes del cine clásico y pausado, el que unos pocos sabrán disfrutar.
En definitiva, HASTA SIEMPRE, HIJO MÍO, constituye una gran obra de arte del cine chino. Un retrato implacable de la sociedad china a lo largo de estos cuarenta años en política y economía. Una profunda y bella explicación de cómo pasa la vida para una pareja y sus amigos, con unas interpretaciones increíbles; de cómo se adaptan a los golpes y se sobreponen a ellos. Si sois amantes del cine puro, no os la podéis perder.
So long, my son (o Di jiu tian chang, en chino), está dirigida por Wan Xiaoshuai y protagonizada por Wan Jingchun y Mei Yong, ambos vencedores del Oso de Plata del festival de cine de Berlín como mejor actor y actriz. Les acompañan un reparto coral, con alma, que se debaten entre lo que es bueno para la sociedad y la individualidad. Solo un hijo por familia, como rezaban las normas, hará que una pareja y sus amigos naveguen por las aguas de una vida dura y turbulenta. La película es un puzzle de idas y venidas de presente a pasado, un velo de serenidad y paciencia y sencillez.
Nos hacemos rápido a HASTA SIEMPRE, HIJO MÍO. Empatizamos con sus personajes y sufrimos junto a ellos el avance imparable de la China de los 80 hasta la actualidad. Un cambio que nos supera y nos ayuda a entender su cultura a través de un melodrama que nos mantiene enganchados a la pantalla durante nada menos que tres horas. Se toma su tiempo para establecer relaciones, entablar empatía y presentar a sus personajes. Cómo eran, cómo les afecta lo que sucede; en definitiva, cómo la vida les pasa por encima. Por supuesto, no es una película de grandes masas, solo para amantes del cine clásico y pausado, el que unos pocos sabrán disfrutar.
En definitiva, HASTA SIEMPRE, HIJO MÍO, constituye una gran obra de arte del cine chino. Un retrato implacable de la sociedad china a lo largo de estos cuarenta años en política y economía. Una profunda y bella explicación de cómo pasa la vida para una pareja y sus amigos, con unas interpretaciones increíbles; de cómo se adaptan a los golpes y se sobreponen a ellos. Si sois amantes del cine puro, no os la podéis perder.
September 30, 2019
Crítica: RAMBO: LAST BLOOD
El último viaje de Stallone como Rambo tarda en despegar y, además, cae en el racismo contra México, cosa que encantará a Trump. Una última media hora de acción salva una película innecesaria que ya hemos visto más de una vez. Esta semana hemos visto: RAMBO: LAST BLOOD.
Adrian Grunberg dirige a Sylvester Stallone, con 73 años, que vuelve a meterse en la piel de un John Rambo que poco tiene que ver con el de las últimas entregas, y no solo físicamente. Su mente se ha doblegado y ya no es infalible, así se demuestra en esta última película, en la cual deberá cruzar la frontera hacia méxico para liberar a su ahijada de una red de prostitución. El guion es endeble y su última parte, media hora aproximadamente, consiste en un "solo en casa" disfrutable pero predecible.
Lo acompañan un buen elenco de actores españoles como son Óscar Jaenada, Paz Vega y Sergio Pérez-Mencheta. Lo deplorable de la película es la visión mexicana que contentará a racistas y pro-Trump, pues cruzar las fronteras supone toparse de inmediato con mafias del cártel, prostitución, violadores y calles que se caen a pedazos; mientras que EEUU es sinónimo de casa y de bienestar. Patriotismo en estado puro, vamos. En cualquier caso, es un placer volver a ver a Sylvester Stallone aferrándose a un arco y disfrutar de lo explícito del filme en la situaciones de mayor acción.
En definitiva, RAMBO: LAST BLOOD no es nada nuevo, la hemos visto muchas veces, pero no con Stallone haciendo de Rambo. Un final que no era necesario, pues es la peor de todas, de lejos. Hay situaciones de acción, pero demasiado diálogo y le cuesta despegar al principio. En todo caso, los fans del género disfrutarán con Rambo como siempre. Echadle un vistazo.
Adrian Grunberg dirige a Sylvester Stallone, con 73 años, que vuelve a meterse en la piel de un John Rambo que poco tiene que ver con el de las últimas entregas, y no solo físicamente. Su mente se ha doblegado y ya no es infalible, así se demuestra en esta última película, en la cual deberá cruzar la frontera hacia méxico para liberar a su ahijada de una red de prostitución. El guion es endeble y su última parte, media hora aproximadamente, consiste en un "solo en casa" disfrutable pero predecible.
Lo acompañan un buen elenco de actores españoles como son Óscar Jaenada, Paz Vega y Sergio Pérez-Mencheta. Lo deplorable de la película es la visión mexicana que contentará a racistas y pro-Trump, pues cruzar las fronteras supone toparse de inmediato con mafias del cártel, prostitución, violadores y calles que se caen a pedazos; mientras que EEUU es sinónimo de casa y de bienestar. Patriotismo en estado puro, vamos. En cualquier caso, es un placer volver a ver a Sylvester Stallone aferrándose a un arco y disfrutar de lo explícito del filme en la situaciones de mayor acción.
En definitiva, RAMBO: LAST BLOOD no es nada nuevo, la hemos visto muchas veces, pero no con Stallone haciendo de Rambo. Un final que no era necesario, pues es la peor de todas, de lejos. Hay situaciones de acción, pero demasiado diálogo y le cuesta despegar al principio. En todo caso, los fans del género disfrutarán con Rambo como siempre. Echadle un vistazo.
September 26, 2019
Crítica: BLINDED BY THE LIGHT
Comedia, drama, musical y, en definitiva, una "feel good" que tiene como protagonista a la música del boss y cómo esta remueve la conciencia de un joven británico de orígen pakistaní a finales de los 80 con el movimiento nazi asolando Gran Bretaña. No ahonda tanto como debiera, pero es una buena opción para trabajar incluso en aulas. Esta semana hemos visto: BLINDED BY THE LIGHT.
Cegado por la luz destá dirigida por Gurinder Chadha y nos mete en la piel de un adolescente que todavía no ha descubierto qué es lo que le mueve (Viveik Kalra). El chico, presionado por la familia y las penurias que esta pasa, como que su padre es despedido de una fábrica tras la crisis), se debate entre hacer lo debido o lo que él desea en realidad: escribir. Conocerá a una compañera (Nell Williams) con la que descubrirá el amor, y también a una profesora (Hayley Atwell) que apostará por él y lo ayudará en su desarrollo personal.
BLINDED BY THE LIGHT también habla de inmigración, de los daños que provoca el movimiento nazi y, en definitiva, de una sociedad luchadora que todavía hoy, como tantas otras, luchan por sobrevivir entre la multiculturalidad. Sin embargo, no es demasiado y acaba quedándose en la superfície, de ahí que sea algo azucarada. Si os gusta el Boss definitivamente será vuestra película, ya que sus letras nos acompañarán y darán sentido a la vida del adolescente.
En definitiva, BLINDED BY THE LIGHT es una buena opción para sentirse bien y reflexionar hasta cierto punto. Es entretenida pese a que existen mejores filmes en todos los géneros que pretende tocar. Sin embargo, la música de Bruce Springsteen le aporta un toque de originalidad y frescura que encaja con el deprimente Luton de los años 80. Echadle un vistazo.
Cegado por la luz destá dirigida por Gurinder Chadha y nos mete en la piel de un adolescente que todavía no ha descubierto qué es lo que le mueve (Viveik Kalra). El chico, presionado por la familia y las penurias que esta pasa, como que su padre es despedido de una fábrica tras la crisis), se debate entre hacer lo debido o lo que él desea en realidad: escribir. Conocerá a una compañera (Nell Williams) con la que descubrirá el amor, y también a una profesora (Hayley Atwell) que apostará por él y lo ayudará en su desarrollo personal.
BLINDED BY THE LIGHT también habla de inmigración, de los daños que provoca el movimiento nazi y, en definitiva, de una sociedad luchadora que todavía hoy, como tantas otras, luchan por sobrevivir entre la multiculturalidad. Sin embargo, no es demasiado y acaba quedándose en la superfície, de ahí que sea algo azucarada. Si os gusta el Boss definitivamente será vuestra película, ya que sus letras nos acompañarán y darán sentido a la vida del adolescente.
En definitiva, BLINDED BY THE LIGHT es una buena opción para sentirse bien y reflexionar hasta cierto punto. Es entretenida pese a que existen mejores filmes en todos los géneros que pretende tocar. Sin embargo, la música de Bruce Springsteen le aporta un toque de originalidad y frescura que encaja con el deprimente Luton de los años 80. Echadle un vistazo.
September 23, 2019
Crítica: AD ASTRA
Instrospectiva, reflexiva y técnicamente brillante. Lo nuevo de Brad Pitt es, además de una aventura por el espacio, una odisea interior que nos hipnotizará. No todos los públicos entenderán su grandeza, por lo que quien busque emociones fuertes mejor que busque otra cosa. Esta semana hemos visto: AD ASTRA.
James Gray dirige el gran viaje de Roy McBride (Brad Pitt) en la búsqueda de su padre (Tommy Lee Jones). Un misterio amenaza la vida en nuestro planeta y parece que tiene mucho que ver con la expedición liderada por su padre, de quien se perdió todo contacto en uno de los planetas más alejados del sistema solar. Su hijo Roy, cargando con el peso del abandono y unos nervios de acero, tratará de llegar hasta él. Sin embargo, los peligros del camino, más humanos que extraterrestres, amenazarán su misión y harán que sus creencias se tambaleen.
AD ASTRA es un viaje introspectivo que nos trae a un Brad Pitt en estado de gracia, como siempre, que carga con todo el peso de un personaje roto y apesadumbrado. Es comandante e hijo de una leyenda que emprendió un viaje 30 años atrás. El espectador soporta la carga y la tensión que sufre y junto a él viajaremos a la luna y a marte, nos perderemos en la inmensidad del espacio y nos maravillaremos ante el festival técnico de la película. Es sencillamente impresionante el detallismo y la belleza en todos sus planos. Es evidente que se han hecho muchas películas sobre el espacio, pero sigue siendo impresionante el nivel de detallismo hacia el que nos transportan.
En definitiva, AD ASTRA es un viaje hacia el autoconocimiento de un personaje cargado de dudas pero centrado en su objetivo. No es una película apta para todos los públicos; es reflexiva, profunda y bella, así que quienes esperen acción a raudales se sentirán claramente decepcionados. Una película que vale la pena ver en cines sin pestañear. No os la perdáis.
James Gray dirige el gran viaje de Roy McBride (Brad Pitt) en la búsqueda de su padre (Tommy Lee Jones). Un misterio amenaza la vida en nuestro planeta y parece que tiene mucho que ver con la expedición liderada por su padre, de quien se perdió todo contacto en uno de los planetas más alejados del sistema solar. Su hijo Roy, cargando con el peso del abandono y unos nervios de acero, tratará de llegar hasta él. Sin embargo, los peligros del camino, más humanos que extraterrestres, amenazarán su misión y harán que sus creencias se tambaleen.
AD ASTRA es un viaje introspectivo que nos trae a un Brad Pitt en estado de gracia, como siempre, que carga con todo el peso de un personaje roto y apesadumbrado. Es comandante e hijo de una leyenda que emprendió un viaje 30 años atrás. El espectador soporta la carga y la tensión que sufre y junto a él viajaremos a la luna y a marte, nos perderemos en la inmensidad del espacio y nos maravillaremos ante el festival técnico de la película. Es sencillamente impresionante el detallismo y la belleza en todos sus planos. Es evidente que se han hecho muchas películas sobre el espacio, pero sigue siendo impresionante el nivel de detallismo hacia el que nos transportan.
En definitiva, AD ASTRA es un viaje hacia el autoconocimiento de un personaje cargado de dudas pero centrado en su objetivo. No es una película apta para todos los públicos; es reflexiva, profunda y bella, así que quienes esperen acción a raudales se sentirán claramente decepcionados. Una película que vale la pena ver en cines sin pestañear. No os la perdáis.
September 18, 2019
Crítica: A DOS METROS DE TI
Lacrimógeno drama romántico y adolescente que se las apaña para manipularnos y hacernos llorar a lágrima viva. Soplo de aire fresco al que ayudan un par de actores en estado de gracia. Además, es muy didáctica y desde ya puede entrar en la videoteca de educadores. Esta semana hemos visto: A DOS METROS DE TI.
Five feet apart es una película dirigida por Justin Baldoni, la versión en gran pantalla de la novela escrita por Rachael Lippincott. Como Bajo la misma estrella y sucedáneos, comienza con Stella (Haley Lu Richardson), una joven de 17 años que pasa la mayor parte de su vida en un hospital debido a la fibrosis quística, una enfermedad de la que conoceremos mucho gracias a su didáctica sobre ella. No podrá llevar una vida normal y, como imaginaréis, su mundo dará un vuelco cuando conozca a Will (Cole Sprouse), otro paciente afectado y muy desorganizado al que querrá ayudar.
A DOS METROS DE TI es una película que somos del todo conscientes de que nos está manipulando, pero aun así la vemos con interés y, además, nos hace llorar. Porque busca la lágrima y logra conseguirlo. Cole Sprouse está bien, pero sobre todo Haley Lu Richardson consigue imprimir gran carisma a un personaje que brilla y seduce al espectador con su naturalidad. Debido a ello, a la empatía que nos despiertan, viviremos un romance tan imposible como ilusionante. No es un guion para tirar cohetes, pero sus actores hacen que sea interesante cuando podría haber salido muy mal.
En definitiva, A DOS METROS DE TI es una opción interesante para educadores. Explica mucho sobre la fibrosis quística, sobre la tenacidad, el amor y las decisiones. Sabéis que os va a hacer llorar, pero por muy duros que os pongáis es posible que lo acabe logrando. A los fans del género os va a gustar, y a los alumnos también; da para un buen debate. Es de esos filmes que se ven mientras se comen dos kilos de helado. No os la perdáis.
Five feet apart es una película dirigida por Justin Baldoni, la versión en gran pantalla de la novela escrita por Rachael Lippincott. Como Bajo la misma estrella y sucedáneos, comienza con Stella (Haley Lu Richardson), una joven de 17 años que pasa la mayor parte de su vida en un hospital debido a la fibrosis quística, una enfermedad de la que conoceremos mucho gracias a su didáctica sobre ella. No podrá llevar una vida normal y, como imaginaréis, su mundo dará un vuelco cuando conozca a Will (Cole Sprouse), otro paciente afectado y muy desorganizado al que querrá ayudar.
A DOS METROS DE TI es una película que somos del todo conscientes de que nos está manipulando, pero aun así la vemos con interés y, además, nos hace llorar. Porque busca la lágrima y logra conseguirlo. Cole Sprouse está bien, pero sobre todo Haley Lu Richardson consigue imprimir gran carisma a un personaje que brilla y seduce al espectador con su naturalidad. Debido a ello, a la empatía que nos despiertan, viviremos un romance tan imposible como ilusionante. No es un guion para tirar cohetes, pero sus actores hacen que sea interesante cuando podría haber salido muy mal.
En definitiva, A DOS METROS DE TI es una opción interesante para educadores. Explica mucho sobre la fibrosis quística, sobre la tenacidad, el amor y las decisiones. Sabéis que os va a hacer llorar, pero por muy duros que os pongáis es posible que lo acabe logrando. A los fans del género os va a gustar, y a los alumnos también; da para un buen debate. Es de esos filmes que se ven mientras se comen dos kilos de helado. No os la perdáis.
September 16, 2019
Crítica: VIVIR DOS VECES
Un hombre con alzheimer emprende junto a su hija y su nieta un viaje para encontrar el amor de su juventud antes de que se le olvide. Una comedia con tintes de drama que es, además de buena, muy interesante para trabajar con ella en centros educativos. Esta semana hemos visto: VIVIR DOS VECES.
María Ripoll dirige una comedia que, conforme evoluciona, va tomando tintes dramáticos por la particularidad de su protagonista. Interpretado por Oscar Martínez, un matemático viudo comienza a perder la memoria progresivamente. Gracias a su nieta (Mafalda Carbonell), emprenderá un viaje también junto a su hija (Inma Cuesta) para buscar ese amor de su juventud que tantas veces recuerda. VIVIR DOS VECES es también una película que no solo habla sobre la enfermedad, sino también sobre la familia, las decisiones que nos maniatan y se hacen irreversibles, y también las nuevas tecnologías y las brechas entre abuelos y nietos.
Como veis, es una película que da mucho de sí, de ahí que pueda entrar a la perfección en aulas de secundaria. Además de pasar un buen rato con ella, el drama se apoderará del metraje y ofrecerá buenas dosis de reflexión sobre lo efímero de la vida. Buena parte de la película se apoya en la interpretación de Oscar Martínez, pero también en el de la nieta (Mafalda Carbonell), quien apunta un punto cómico necesario a la película.
En definitiva, VIVIR DOS VECES es conmovedora a ratos, divertida y con la capacidad para hacer reflexionar al espectador, cosa que ya es mucho. El irremediable paso de la vida y las decisiones que no se toman a tiempo provocan un debate interno enriquecedor y productivo. Que no os quede nada por hacer. No os la perdáis.
María Ripoll dirige una comedia que, conforme evoluciona, va tomando tintes dramáticos por la particularidad de su protagonista. Interpretado por Oscar Martínez, un matemático viudo comienza a perder la memoria progresivamente. Gracias a su nieta (Mafalda Carbonell), emprenderá un viaje también junto a su hija (Inma Cuesta) para buscar ese amor de su juventud que tantas veces recuerda. VIVIR DOS VECES es también una película que no solo habla sobre la enfermedad, sino también sobre la familia, las decisiones que nos maniatan y se hacen irreversibles, y también las nuevas tecnologías y las brechas entre abuelos y nietos.
Como veis, es una película que da mucho de sí, de ahí que pueda entrar a la perfección en aulas de secundaria. Además de pasar un buen rato con ella, el drama se apoderará del metraje y ofrecerá buenas dosis de reflexión sobre lo efímero de la vida. Buena parte de la película se apoya en la interpretación de Oscar Martínez, pero también en el de la nieta (Mafalda Carbonell), quien apunta un punto cómico necesario a la película.
En definitiva, VIVIR DOS VECES es conmovedora a ratos, divertida y con la capacidad para hacer reflexionar al espectador, cosa que ya es mucho. El irremediable paso de la vida y las decisiones que no se toman a tiempo provocan un debate interno enriquecedor y productivo. Que no os quede nada por hacer. No os la perdáis.
September 12, 2019
Crítica: IT. CAPÍTULO 2
Por fin llega la segunda y esperada parte de una película que levantó muchas espectativas tras su remake y buena versión inicial. En mi opinión, muchos efectos y poca sustancia, pero es un buen divertimento con un final cerrado que cumple con lo prometido. Algún susto que otro y diversión asegurada. Esta semana hemos visto: IT. CAPÍTULO 2.
Andy Muschietti dirige It. Chapter two localizando los hechos 27 años después de lo sucedido en la primera película. James McAvoy, Jessica Chastain, Bill Hader y el resto se meten en la piel de unos niños ya crecidos a los que enseguida se les puede reconocer, con ayuda también de unos flashbacks que los recuerdan. El caso es que hicieron un juramento que consistía en volver al pueblo en cuanto Pennywise hiciera acto de presencia de nuevo. Al reunirse se dan cuenta de que han perdido los recuerdos y tendrán que recuperarlos mientras se enfrentan al payaso.
IT. CAPÍTULO 2 es una película efectista que técnicamente es impecable y, quizás, se relaja demasiado en dicho músculo. Y es que con casi tres horas de metraje sentimos que, en ocasiones, se hace un poco cuesta arriba mantener el nivel de atención constante. Además, no es terrorífica, ni siquiera nos deja en tensión constante, sino que es más bien una película de aventuras con algún que otro susto que, además, ya se ve venir de lejos. En todo caso, es un buen cierre a una saga que es todo un éxito y que ha sido bastante fiel a la original. Bill Skargsgard vuelve a estar genial en el papel de Pennywise y el resto del elenco simplemente se lo pasan bien, que es de lo que se trata.
En definitiva, IT. CAPÍTULO 2 me ha gustado, pero considero a la primera superior por sus dosis de humor y el carisma de los niños. En esta segunda parte todo es más adulto, más oscuro pero menos impactante. Se esfuerzan en dar profundidad y crear atmósfera, pero no consigue llegar a cotas de terror y tensión a las que todos pensábamos que llegaría. Ni siquiera es difícil de ver en sus escenas más duras. En todo caso, es una película que divertirá a los fans del género. No os la perdáis.
Andy Muschietti dirige It. Chapter two localizando los hechos 27 años después de lo sucedido en la primera película. James McAvoy, Jessica Chastain, Bill Hader y el resto se meten en la piel de unos niños ya crecidos a los que enseguida se les puede reconocer, con ayuda también de unos flashbacks que los recuerdan. El caso es que hicieron un juramento que consistía en volver al pueblo en cuanto Pennywise hiciera acto de presencia de nuevo. Al reunirse se dan cuenta de que han perdido los recuerdos y tendrán que recuperarlos mientras se enfrentan al payaso.
IT. CAPÍTULO 2 es una película efectista que técnicamente es impecable y, quizás, se relaja demasiado en dicho músculo. Y es que con casi tres horas de metraje sentimos que, en ocasiones, se hace un poco cuesta arriba mantener el nivel de atención constante. Además, no es terrorífica, ni siquiera nos deja en tensión constante, sino que es más bien una película de aventuras con algún que otro susto que, además, ya se ve venir de lejos. En todo caso, es un buen cierre a una saga que es todo un éxito y que ha sido bastante fiel a la original. Bill Skargsgard vuelve a estar genial en el papel de Pennywise y el resto del elenco simplemente se lo pasan bien, que es de lo que se trata.
En definitiva, IT. CAPÍTULO 2 me ha gustado, pero considero a la primera superior por sus dosis de humor y el carisma de los niños. En esta segunda parte todo es más adulto, más oscuro pero menos impactante. Se esfuerzan en dar profundidad y crear atmósfera, pero no consigue llegar a cotas de terror y tensión a las que todos pensábamos que llegaría. Ni siquiera es difícil de ver en sus escenas más duras. En todo caso, es una película que divertirá a los fans del género. No os la perdáis.
September 10, 2019
Crítica: OBJETIVO: WASHINGTON D.C.
Infausta, ridícula y vergonzante son algunos de los adjetivos más educados que he podido encontrar para describir lo que produce una aberración que no merece ser llamada ni película. Acción que contiene todo los elementos del género pero que acaba convirtiéndose en una comedia. Esta semana hemos visto: OBJETIVO: WASHINGTON D.C.
Angel has fallen está dirigida por, apuntadlo bien, Ric Roman Waugh. Este hombre ha querido hacer una película de acción y le ha salido un vomitivo sucedáneo plagado de clichés y errores absurdos que provocan carcajadas; el problema es que no busca crear ese efecto y se toma en serio a sí misma. Podemos empezar hablando de Morgan Freeman, quien vuelve a hacer de presidente, llevándose un pastón por un papel que ha hecho ya mil veces. Después tenemos a Gerard Butler, que no está para virguerías y de cuya boca sale la palabra "mierda" en más de diez ocasiones. Pero eso no es culpa suya, sino del libreto de su director que, bajo la bandera de EEUU, y con la excusa de pegar tiros sin ton ni son, nos masacra con dos horas de humillante espectáculo.
Pero lo bueno es cuando, uno tras otro, se suceden gags improvisados con los que el director parece no contar, convirtiendo una película de disparos en una comedia absurda. Esto se traduce en lanzacohetes que disparan drones cual transformers, coches a los que hackean su placa base (¿?), diálogos vergonzosos que dejan en entredicho la toma de decisiones en la Casa Blanca (Rusia siempre está ahí y hay que declararle la guerra cuanto antes), el background de un protagonista al que nadie le interesa y su relación con un villano que no cree en sí mismo, un padre militar loco que vive en un bosque rodeado de granadas a lo Rambo (Nick Nolte), una ametralladora que dispara a través del cristal, sin romperlo, por supuesto, y consigue cargarse a un francotirador en un helicóptero de combate, una granada que destroza paredes pero que no puede con una mierda de puerta, y un final... ¡Pero qué final! Media hora de maldito infierno que cuando parece que va a acabar te empala con otros veinte insufribles minutos de chascarrillos que pretenden hacer gracia.
En definitiva, podría escribir ríos de tinta sobre OBJETIVO: WASHINGTON D.C., pero me hizo pasar una de las mejores tardes de cine que recuerdo. Me reí más que con la mejor película de comedia que haya podido ver nunca. Os propongo que si pagáis por ver esta basura lo hagáis con vuestros amigos y así os echáis unas buenas risas. Algunos diréis: "bueno, es una película de acción como cualquiera", y no os faltará razón, pero si la analizáis con profundidad os daréis cuenta de que es un agujero negro de dejadez e inmundicia. Manteneos a diez kilómetros de la sala donde se proyecte y tened cuidado con la placa base de vuestro coche.
Angel has fallen está dirigida por, apuntadlo bien, Ric Roman Waugh. Este hombre ha querido hacer una película de acción y le ha salido un vomitivo sucedáneo plagado de clichés y errores absurdos que provocan carcajadas; el problema es que no busca crear ese efecto y se toma en serio a sí misma. Podemos empezar hablando de Morgan Freeman, quien vuelve a hacer de presidente, llevándose un pastón por un papel que ha hecho ya mil veces. Después tenemos a Gerard Butler, que no está para virguerías y de cuya boca sale la palabra "mierda" en más de diez ocasiones. Pero eso no es culpa suya, sino del libreto de su director que, bajo la bandera de EEUU, y con la excusa de pegar tiros sin ton ni son, nos masacra con dos horas de humillante espectáculo.
Pero lo bueno es cuando, uno tras otro, se suceden gags improvisados con los que el director parece no contar, convirtiendo una película de disparos en una comedia absurda. Esto se traduce en lanzacohetes que disparan drones cual transformers, coches a los que hackean su placa base (¿?), diálogos vergonzosos que dejan en entredicho la toma de decisiones en la Casa Blanca (Rusia siempre está ahí y hay que declararle la guerra cuanto antes), el background de un protagonista al que nadie le interesa y su relación con un villano que no cree en sí mismo, un padre militar loco que vive en un bosque rodeado de granadas a lo Rambo (Nick Nolte), una ametralladora que dispara a través del cristal, sin romperlo, por supuesto, y consigue cargarse a un francotirador en un helicóptero de combate, una granada que destroza paredes pero que no puede con una mierda de puerta, y un final... ¡Pero qué final! Media hora de maldito infierno que cuando parece que va a acabar te empala con otros veinte insufribles minutos de chascarrillos que pretenden hacer gracia.
En definitiva, podría escribir ríos de tinta sobre OBJETIVO: WASHINGTON D.C., pero me hizo pasar una de las mejores tardes de cine que recuerdo. Me reí más que con la mejor película de comedia que haya podido ver nunca. Os propongo que si pagáis por ver esta basura lo hagáis con vuestros amigos y así os echáis unas buenas risas. Algunos diréis: "bueno, es una película de acción como cualquiera", y no os faltará razón, pero si la analizáis con profundidad os daréis cuenta de que es un agujero negro de dejadez e inmundicia. Manteneos a diez kilómetros de la sala donde se proyecte y tened cuidado con la placa base de vuestro coche.
