Fernando Ariel García's Blog, page 61
November 22, 2018
"ENAMORADO DE MI MUJER" SE ESTRENA EN LA ARGENTINA EL 27 DE DICIEMBRE
(Información de prensa) Desearás la mujer de tu amigo. Enamorado de mi mujer (Amoureux de ma femme, Francia, 2018) se estrena en la Argentina el 27 de diciembre.
Dirigida por Daniel Auteuil, la comedia romántica está protagonizada por Adriana Ugarte, Daniel Auteuil, Sandrine Kiberlain y Gérard Depardieu.
Daniel es un hombre con mucha imaginación. Tras organizar una cena en parejas, Daniel se encontrará atrapado entre su mujer y la novia de su amigo, con la que tendrá las más locas fantasías.
Para Auteuil, “Enamorado de mi mujer es un paseo durante el cual nos damos cuenta que nuestras vidas están repletas de debilidades, confusión, de paisajes sin líneas rectas donde es más interesante engañarse a sí mismo para sobrellevar nuestra propia vida... a fuerza de soñar”.
Dirigida por Daniel Auteuil, la comedia romántica está protagonizada por Adriana Ugarte, Daniel Auteuil, Sandrine Kiberlain y Gérard Depardieu.
Daniel es un hombre con mucha imaginación. Tras organizar una cena en parejas, Daniel se encontrará atrapado entre su mujer y la novia de su amigo, con la que tendrá las más locas fantasías.
Para Auteuil, “Enamorado de mi mujer es un paseo durante el cual nos damos cuenta que nuestras vidas están repletas de debilidades, confusión, de paisajes sin líneas rectas donde es más interesante engañarse a sí mismo para sobrellevar nuestra propia vida... a fuerza de soñar”.
LLEGA EL 19º BUENOS AIRES ROJO SANGRE (BARS), FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE TERROR, FANTÁSTICO Y BIZARRO
(Información de prensa) El 19º BARS (Buenos Aires Rojo Sangre) se realizará entre el 29 de noviembre y el 9 de diciembre de 2018 en dos complejos diferentes, el Multiplex Lavalle (Lavalle 780) y el Multiplex Belgrano (Vuelta de Obligado 2199), ambos en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Buenos Aires Rojo Sangre es el festival de cine fantástico más antiguo de Latinoamérica.
El BARS es un espacio de encuentro y exhibición del cine fantástico de todo el mundo. Con el tiempo se constituyó en un punto de resistencia para los creadores argentinos de cine de género. Nacido en el 2000 como una muestra de cine independiente de género, y desde 2004 con el formato de festival competitivo, el Buenos Aires Rojo Sangre es hoy una cita obligada para los amantes del género y para el público que quiere entrar en contacto con un cine que no se ve en otros festivales. Valor de la entrada: $70 por función. Programación y trailers aquí.
Destacados de la programación: Como todas las ediciones, el BARS ofrecerá un amplio panorama de la producción de cine de género independiente de todo el mundo, manteniendo su misión de ser la pantalla del cine que no vas a ver en otra parte.
Repartidas entre sus diferentes secciones se verán películas como la vuelta de tuerca al nunsploitiation de St. Agatha de la mano del experimentado Darren Lynn Bousman (Saw 2, 3 y 4); el desquiciado film colectivo japonés sobre monstruos gigantes Tetsudon 4 Kaiju Dream Match; la perturbadora y aclamada Mandy (Panos Cosmatos); los mundos mágicos y la fantasía de la rusa Posledniy bogatyr / The Last Warrior (Dmitriy Dyachenko); el drama apocalíptico francés Dans la brume (Daniel Roby); la terrorífica producción estadounidense Discarnate (Mario Sorrenti); el sangriento animé nipón Aragne Sign of Vermillion (Saku Sakamoto); el terror psicológico de la británica Perfect Skin (Kevin Chicken).
Como todos los años el Rojo Sangre hace hincapié en el fantástico latinoamericano con producciones como las mexicanas Vuelven (Issa López) y El habitante (Guillermo Amoedo), la ecuatoriana La dama tapada (Josué Miranda), la brasileña A Mata Negra (Rodrigo Aragão), y la venezolana El silbón: Orígenes (Gisberg Bermúdez Molero), en una clara demostración de la pujanza del género en todo el continente.
Y como es habitual, el BARS propone un recorrido por lo más nuevo del siempre creciente panorama del cine de género nacional, con producciones como la post-apocalíptica Soy Tóxico (Pablo Parés), el policial Punto Muerto (Daniel de la Vega), el giallo de Abrakadabra (Onetti bros.), la comedia vintage Rebobinados, el desfile de famosos de Shembo: el esclavo del mal (Roberto Valerstein), la polémica e indignante Star Wars: Goretech (Germán Magariños), el erotismo bizarro de Mónica en trance (Ernesto Aguilar) o la cinta de brujería El llanto de la ninfas (Eduardo Peduto y Pablo Marini).
Rescatando la televisión argentina de los ´60: Entre las funciones sobresalientes del 19° Buenos Aires Rojo Sangre se encuentra la proyección de El hombre que perdió su risa, episodio de la serie de ciencia ficción Mañana puede ser verdad, que Narciso Ibáñez Menta y Chicho Ibáñez Serrador emitieran por canal 7 en 1962. El episodio se creía perdido, como gran parte de la TV que realizara Ibáñez Menta en nuestro medio, pero el mismo fue recientemente recuperado por la productora Prointel, lo que permite volver a verlo en nuestro país luego de más de medio siglo.
Rodaje de El hombre que perdió su risa
Función de apertura: Este año el BARS se inaugura con la vuelta al género del querido Robert Englund en la avant premiere exclusiva –gentileza de Impacto Cine– de Demonio de medianoche de Travis Zariwny. Como todos los años la apertura es auspiciada por Cunnington y el Manicomio Freakshow.
Animales Monstruosos en 16mm: La ya tradicional selección del Cineclub La Cripta estará dedicada a los animales monstruosos que veíamos en los viejos ciclos televisivos, con títulos como Reptilicus (Sidney Pink, Dinamarca, 1962), Ben, la rata asesina (Ben, Phil Karlson, EE.UU:, 1972) y La gente que el tiempo olvidó (The People that Time Forgot, Kevin Conor, 1977). Todas las proyecciones en fílmico de 16mm dobladas el español, las propias copias que se usaban en los canales de TV de la época.
Festival Invitado: Frightfest de Londres: Bautizado por Guillermo del Toro como “el Woodstock del gore”, el Frightfest invade la zona de West End en Londres desde el 2000, con un amplio panorama del terror y la fantasía del mundo. Por primera vez su director, Alan Jones, se acerca al BARS para presentar dos ejemplos del nuevo cine de género británico: Book of Monsters (Stewart Sparke) y F.U.B.A.R. (Ben Kent).
Actividades especiales: El festival tendrá todo tipo de actividades especiales, incluyendo charlas sobre temas tales como Las películas de terror que cambiaron cada década, Violación y venganza, Giallo: terror italiano; también un espacio formativo con workshops como Conectando fotógrafos y coloristas: una aproximación a la corrección de color, Aventuras y desventuras en el mundo de los VFXs, Introducción a la preservación y restauración audiovisual y Cómo crear un monstruo y no morir en el intento. La propuesta se completa con la presentación de la publicación Libro de oro de Cinefanía Horror (1895-1968), un taller de Maquillaje y una mesa sobre Derecho de autor. Todas las actividades serán el Espacio de Arte de la Fundación OSDE, en Suipacha 658, con entrada gratuita. Algunas propuestas requieren inscripción previa.
Fin de Semana Sangriento: En 2017 el BARS propuso una nueva actividad: el rodaje completo de un cortometraje en apenas un fin de semana, bajo consignas temáticas específicas y con plazos acotados para la entrega del montaje final. La propuesta resultó un enorme éxito, por lo que este año se repitió la experiencia, en este caso reuniendo todos los cortos con una temática general: Futuro Distópico. Una selección de los trabajos participantes será proyectada y el jurado decidirá entregar unos suculentos premios.
El BARS es un espacio de encuentro y exhibición del cine fantástico de todo el mundo. Con el tiempo se constituyó en un punto de resistencia para los creadores argentinos de cine de género. Nacido en el 2000 como una muestra de cine independiente de género, y desde 2004 con el formato de festival competitivo, el Buenos Aires Rojo Sangre es hoy una cita obligada para los amantes del género y para el público que quiere entrar en contacto con un cine que no se ve en otros festivales. Valor de la entrada: $70 por función. Programación y trailers aquí.
Destacados de la programación: Como todas las ediciones, el BARS ofrecerá un amplio panorama de la producción de cine de género independiente de todo el mundo, manteniendo su misión de ser la pantalla del cine que no vas a ver en otra parte.
Repartidas entre sus diferentes secciones se verán películas como la vuelta de tuerca al nunsploitiation de St. Agatha de la mano del experimentado Darren Lynn Bousman (Saw 2, 3 y 4); el desquiciado film colectivo japonés sobre monstruos gigantes Tetsudon 4 Kaiju Dream Match; la perturbadora y aclamada Mandy (Panos Cosmatos); los mundos mágicos y la fantasía de la rusa Posledniy bogatyr / The Last Warrior (Dmitriy Dyachenko); el drama apocalíptico francés Dans la brume (Daniel Roby); la terrorífica producción estadounidense Discarnate (Mario Sorrenti); el sangriento animé nipón Aragne Sign of Vermillion (Saku Sakamoto); el terror psicológico de la británica Perfect Skin (Kevin Chicken).
Como todos los años el Rojo Sangre hace hincapié en el fantástico latinoamericano con producciones como las mexicanas Vuelven (Issa López) y El habitante (Guillermo Amoedo), la ecuatoriana La dama tapada (Josué Miranda), la brasileña A Mata Negra (Rodrigo Aragão), y la venezolana El silbón: Orígenes (Gisberg Bermúdez Molero), en una clara demostración de la pujanza del género en todo el continente.
Y como es habitual, el BARS propone un recorrido por lo más nuevo del siempre creciente panorama del cine de género nacional, con producciones como la post-apocalíptica Soy Tóxico (Pablo Parés), el policial Punto Muerto (Daniel de la Vega), el giallo de Abrakadabra (Onetti bros.), la comedia vintage Rebobinados, el desfile de famosos de Shembo: el esclavo del mal (Roberto Valerstein), la polémica e indignante Star Wars: Goretech (Germán Magariños), el erotismo bizarro de Mónica en trance (Ernesto Aguilar) o la cinta de brujería El llanto de la ninfas (Eduardo Peduto y Pablo Marini).
Rescatando la televisión argentina de los ´60: Entre las funciones sobresalientes del 19° Buenos Aires Rojo Sangre se encuentra la proyección de El hombre que perdió su risa, episodio de la serie de ciencia ficción Mañana puede ser verdad, que Narciso Ibáñez Menta y Chicho Ibáñez Serrador emitieran por canal 7 en 1962. El episodio se creía perdido, como gran parte de la TV que realizara Ibáñez Menta en nuestro medio, pero el mismo fue recientemente recuperado por la productora Prointel, lo que permite volver a verlo en nuestro país luego de más de medio siglo.
Rodaje de El hombre que perdió su risa
Función de apertura: Este año el BARS se inaugura con la vuelta al género del querido Robert Englund en la avant premiere exclusiva –gentileza de Impacto Cine– de Demonio de medianoche de Travis Zariwny. Como todos los años la apertura es auspiciada por Cunnington y el Manicomio Freakshow.
Animales Monstruosos en 16mm: La ya tradicional selección del Cineclub La Cripta estará dedicada a los animales monstruosos que veíamos en los viejos ciclos televisivos, con títulos como Reptilicus (Sidney Pink, Dinamarca, 1962), Ben, la rata asesina (Ben, Phil Karlson, EE.UU:, 1972) y La gente que el tiempo olvidó (The People that Time Forgot, Kevin Conor, 1977). Todas las proyecciones en fílmico de 16mm dobladas el español, las propias copias que se usaban en los canales de TV de la época.
Festival Invitado: Frightfest de Londres: Bautizado por Guillermo del Toro como “el Woodstock del gore”, el Frightfest invade la zona de West End en Londres desde el 2000, con un amplio panorama del terror y la fantasía del mundo. Por primera vez su director, Alan Jones, se acerca al BARS para presentar dos ejemplos del nuevo cine de género británico: Book of Monsters (Stewart Sparke) y F.U.B.A.R. (Ben Kent).
Actividades especiales: El festival tendrá todo tipo de actividades especiales, incluyendo charlas sobre temas tales como Las películas de terror que cambiaron cada década, Violación y venganza, Giallo: terror italiano; también un espacio formativo con workshops como Conectando fotógrafos y coloristas: una aproximación a la corrección de color, Aventuras y desventuras en el mundo de los VFXs, Introducción a la preservación y restauración audiovisual y Cómo crear un monstruo y no morir en el intento. La propuesta se completa con la presentación de la publicación Libro de oro de Cinefanía Horror (1895-1968), un taller de Maquillaje y una mesa sobre Derecho de autor. Todas las actividades serán el Espacio de Arte de la Fundación OSDE, en Suipacha 658, con entrada gratuita. Algunas propuestas requieren inscripción previa.
Fin de Semana Sangriento: En 2017 el BARS propuso una nueva actividad: el rodaje completo de un cortometraje en apenas un fin de semana, bajo consignas temáticas específicas y con plazos acotados para la entrega del montaje final. La propuesta resultó un enorme éxito, por lo que este año se repitió la experiencia, en este caso reuniendo todos los cortos con una temática general: Futuro Distópico. Una selección de los trabajos participantes será proyectada y el jurado decidirá entregar unos suculentos premios.
"EL MAYOR REGALO" SE ESTRENA EN LA ARGENTINA EL 26 DE NOVIEMBRE
(Información de prensa) Se busca final feliz. El mayor regalo (España, 2018) se estrena en la Argentina el 26 de noviembre. Con la participación de Juan Manuel Cotelo, Santi Rodríguez, Carlos Aguillo, Inés Sájara, Carlos Chamarro, Claudia Durán, Paco Estellés, Alejandro Navarro, Charo Gabella y Jorge García, entre otros, la película de Cotelo funde la comedia y el drama, la ficción y la realidad. Como la vida misma.
Alguien va a matar a alguien. Ojalá fuera una película. ¿Nos rendimos... o buscamos otro final feliz? Existe un arma capaz de poner fin a cualquier conflicto. Ya la han usado en Francia, España, Irlanda, México, Colombia, Ruanda... y funciona, siempre. Su poder constructivo es ilimitado. Y, además, es gratis. Pero hay que ser muy valiente para usarla. Los griegos le llaman "hyper-don": El mayor regalo.
"El bueno mata al malo y el público aplaude -dice Juan Manuel Cotelo-. Una fórmula clásica, considerada como perfecto final feliz. Pero... algo falla, ¿no? Porque si la violencia se quedase encerrada dentro de la pantalla, en el territorio de la ficción... podría servir. Pero no es así. La cruda realidad nos muestra que, por todas partes, se aplica la vieja ley del ojo por ojo, diente por diente... y así nos va: divisiones, rencores, odio, violencia, insultos, humillaciones... Conclusión: ese final no es feliz, ni es final, sino el comienzo de una serie interminable de capítulos tristes, protagonizados por personas reales, de carne y hueso".
Para el director, "ante el panorama desolador de la cultura de la división y el enfrentamiento, podemos dejarnos contagiar y sumarnos a la guerra... o simplemente quejarnos... o hacer algo positivo para contrarrestar. Mi opción está clara: ¡acción! Deseo fomentar la paz en la sociedad, dando a conocer la eficacia del perdón. Porque no conozco ningún otro remedio que tenga tanta capacidad de poner fin a cualquier guerra. Pedir perdón y perdonar, funciona. En el 100% de los conflictos. El mayor regalo lo pone de manifiesto, no con teorías, sino con historias reales de reconciliación, en los que la paz, finalmente, ha triunfado sobre la guerra. Y en todos los casos, parecía imposible. Por eso, no me conformo con que la película guste. Aspiro a algo más importante: que sane heridas profundas en el corazón de los espectadores. Deseo que todos obtengan la fuerza para pedir perdón y perdonar".
Los entrevistados: Irene Villa (España): Perdono a los terroristas que quisieron matarnos, a mi madre y a mí, cuando yo tenía 12 años. Aquella bomba nos amputó piernas y brazos... pero nuestro corazón quedó puro, sano, fuerte, sin las heridas terribles del odio. No dejaremos ninguna herencia de rencor a nuestros hijos.
Tim Guénard (Francia): Mi madre me abandonó en una carretera, a los 3 años. Poco después, mi padre me golpeó hasta dejarme en coma. El deseo de venganza me ayudó a sobrevivir. Fui Campeón Nacional de Boxeo... pero el perdón fue, sin duda, mi combate más duro.
Shane O´Doherty (Irlanda): Siendo adolescente, creí que la violencia del I.R.A. traería la paz y la libertad a Irlanda. Me ofrecí como voluntario para dinamitar Londres. Solamente en la cárcel comprendí mi estupidez y el daño terrible que causé a mis víctimas. Desde entonces, sólo puedo pedir perdón y trabajar incansablemente por la paz.
Caso Colombia: La prensa, el cine y las series de TV muestran a violentos, narcotraficantes, mafias de prostitución, corruptos... pero en Colombia hay más gente honesta, trabajadora, humilde y generosa, que no grita, ni empuña armas, ni disfraza la verdad con eufemismos ideológicos. Ellos pondrán final feliz a tantos años de odio.
Caso Ruanda: Los intelectuales y políticos generaron odio y división entre los ruandeses, durante décadas. Y acabaron desatando un genocidio salvaje, con 800 mil asesinatos en 100 días. Sucedió en 1994. La violencia parecía no tener final... hasta que aplicaron un método ancestral, para lograr la reconciliación entre enemigos. Le llaman “Gacaca”.
Alguien va a matar a alguien. Ojalá fuera una película. ¿Nos rendimos... o buscamos otro final feliz? Existe un arma capaz de poner fin a cualquier conflicto. Ya la han usado en Francia, España, Irlanda, México, Colombia, Ruanda... y funciona, siempre. Su poder constructivo es ilimitado. Y, además, es gratis. Pero hay que ser muy valiente para usarla. Los griegos le llaman "hyper-don": El mayor regalo.
"El bueno mata al malo y el público aplaude -dice Juan Manuel Cotelo-. Una fórmula clásica, considerada como perfecto final feliz. Pero... algo falla, ¿no? Porque si la violencia se quedase encerrada dentro de la pantalla, en el territorio de la ficción... podría servir. Pero no es así. La cruda realidad nos muestra que, por todas partes, se aplica la vieja ley del ojo por ojo, diente por diente... y así nos va: divisiones, rencores, odio, violencia, insultos, humillaciones... Conclusión: ese final no es feliz, ni es final, sino el comienzo de una serie interminable de capítulos tristes, protagonizados por personas reales, de carne y hueso".
Para el director, "ante el panorama desolador de la cultura de la división y el enfrentamiento, podemos dejarnos contagiar y sumarnos a la guerra... o simplemente quejarnos... o hacer algo positivo para contrarrestar. Mi opción está clara: ¡acción! Deseo fomentar la paz en la sociedad, dando a conocer la eficacia del perdón. Porque no conozco ningún otro remedio que tenga tanta capacidad de poner fin a cualquier guerra. Pedir perdón y perdonar, funciona. En el 100% de los conflictos. El mayor regalo lo pone de manifiesto, no con teorías, sino con historias reales de reconciliación, en los que la paz, finalmente, ha triunfado sobre la guerra. Y en todos los casos, parecía imposible. Por eso, no me conformo con que la película guste. Aspiro a algo más importante: que sane heridas profundas en el corazón de los espectadores. Deseo que todos obtengan la fuerza para pedir perdón y perdonar".
Los entrevistados: Irene Villa (España): Perdono a los terroristas que quisieron matarnos, a mi madre y a mí, cuando yo tenía 12 años. Aquella bomba nos amputó piernas y brazos... pero nuestro corazón quedó puro, sano, fuerte, sin las heridas terribles del odio. No dejaremos ninguna herencia de rencor a nuestros hijos.
Tim Guénard (Francia): Mi madre me abandonó en una carretera, a los 3 años. Poco después, mi padre me golpeó hasta dejarme en coma. El deseo de venganza me ayudó a sobrevivir. Fui Campeón Nacional de Boxeo... pero el perdón fue, sin duda, mi combate más duro.
Shane O´Doherty (Irlanda): Siendo adolescente, creí que la violencia del I.R.A. traería la paz y la libertad a Irlanda. Me ofrecí como voluntario para dinamitar Londres. Solamente en la cárcel comprendí mi estupidez y el daño terrible que causé a mis víctimas. Desde entonces, sólo puedo pedir perdón y trabajar incansablemente por la paz.
Caso Colombia: La prensa, el cine y las series de TV muestran a violentos, narcotraficantes, mafias de prostitución, corruptos... pero en Colombia hay más gente honesta, trabajadora, humilde y generosa, que no grita, ni empuña armas, ni disfraza la verdad con eufemismos ideológicos. Ellos pondrán final feliz a tantos años de odio.
Caso Ruanda: Los intelectuales y políticos generaron odio y división entre los ruandeses, durante décadas. Y acabaron desatando un genocidio salvaje, con 800 mil asesinatos en 100 días. Sucedió en 1994. La violencia parecía no tener final... hasta que aplicaron un método ancestral, para lograr la reconciliación entre enemigos. Le llaman “Gacaca”.
"EL PRIMER HOMBRE EN LA LUNA" SE ESTRENA EN LA ARGENTINA EL 29 DE NOVIEMBRE
(Información de prensa) Vive el viaje imposible. El primer hombre en la Luna (First Man, EE.UU., 2018) se estrena en la Argentina el 29 de noviembre.
Dirigida por Damien Chazelle, la biopic de Neil Armstrong y la preparación de la misión espacial Apolo 11 a la Luna en 1969, está protagonizada por Ryan Gosling (Neil Armstrong), Claire Foy (Janet Armstrong), Jason Clarke (Ed White), Kyle Chandler (Deke Slayton), Corey Stoll (Buzz Aldrin), Patrick Fugit (Elliot See), Ciarán Hinds (Bob Gilruth) y Ethan Embry (Pete Conrad), entre otros.
Tras el éxito de La La Land (ganadora de seis premios Oscar), el director Damien Chazelle y la estrella Ryan Gosling vuelven a hacer equipo para la película El primer hombre en la Luna; la intrigante historia de la misión de la NASA para aterrizar a un hombre en la Luna, centrándose en Neil Armstrong y los años 1961-1969.
Un intenso relato contado en primera persona, basado en el libro First Man: The Life of Neil A. Armstrong, de James R. Hansen.
La película explorará los sacrificios y el costo -de Armstrong y los EE.UU.- de una de las misiones más peligrosas de la historia.
Escrita por el ganador del premio de la Academia, Josh Singer (En primera plana), está producida por Wyck Godfrey y Marty Bowen (la saga Crepúsculo y Bajo la misma estrella) para Temple Hill Entertainment, junto con Chazelle y Gosling. Isaac Klausner (Bajo la misma estrella) es el productor ejecutivo. Amblin Entertainment cofinancia el film.
Dirigida por Damien Chazelle, la biopic de Neil Armstrong y la preparación de la misión espacial Apolo 11 a la Luna en 1969, está protagonizada por Ryan Gosling (Neil Armstrong), Claire Foy (Janet Armstrong), Jason Clarke (Ed White), Kyle Chandler (Deke Slayton), Corey Stoll (Buzz Aldrin), Patrick Fugit (Elliot See), Ciarán Hinds (Bob Gilruth) y Ethan Embry (Pete Conrad), entre otros.
Tras el éxito de La La Land (ganadora de seis premios Oscar), el director Damien Chazelle y la estrella Ryan Gosling vuelven a hacer equipo para la película El primer hombre en la Luna; la intrigante historia de la misión de la NASA para aterrizar a un hombre en la Luna, centrándose en Neil Armstrong y los años 1961-1969.
Un intenso relato contado en primera persona, basado en el libro First Man: The Life of Neil A. Armstrong, de James R. Hansen.
La película explorará los sacrificios y el costo -de Armstrong y los EE.UU.- de una de las misiones más peligrosas de la historia.
Escrita por el ganador del premio de la Academia, Josh Singer (En primera plana), está producida por Wyck Godfrey y Marty Bowen (la saga Crepúsculo y Bajo la misma estrella) para Temple Hill Entertainment, junto con Chazelle y Gosling. Isaac Klausner (Bajo la misma estrella) es el productor ejecutivo. Amblin Entertainment cofinancia el film.
November 21, 2018
"YO NIÑA" SE ESTRENA EN LA ARGENTINA EL 22 DE NOVIEMBRE
(Información de prensa) Rara, adulta, chiquita. Yo niña (Argentina, 2018) se estrena comercialmente el 22 de noviembre.
La película, escrita y dirigida por Natural Arpajou, está protagonizada por Esteban Lamothe, Andrea Carballo, Huenu Paz Paredes, Emiliano Carrazzone, Bimbo Godoy, Mariano Gonzalez y Marina Glezer.
Una niña en un universo volátil e inestable. Entre cartas que no son leídas, desarraigos, secretos y contradicciones. La niña rara, la niña adulta, la niña chiquita, intenta descifrar lo que no entiende y busca el amor que falta enviando señales marcianas.
"Hacer una película no es hacer una película -asegura la directora, Natural Arpajou-. Hacerla es sumergirse dentro de uno mismo para mirarse, buscarse y, con un poco de suerte, encontrase. Yo niña es un diálogo conmigo, entre la niña que fui y la que todavía perdura y a quién, todavía, me encuentro en cada rincón, tirándome de la manga del pullover pidiéndome que le explique. Es mi historia porque la he reinventado para contarla y en el proceso la hice mía. Hecha de contradicciones y fragmentos, es el cuento que me cuento a mí misma para dormir".
La película, escrita y dirigida por Natural Arpajou, está protagonizada por Esteban Lamothe, Andrea Carballo, Huenu Paz Paredes, Emiliano Carrazzone, Bimbo Godoy, Mariano Gonzalez y Marina Glezer.
Una niña en un universo volátil e inestable. Entre cartas que no son leídas, desarraigos, secretos y contradicciones. La niña rara, la niña adulta, la niña chiquita, intenta descifrar lo que no entiende y busca el amor que falta enviando señales marcianas.
"Hacer una película no es hacer una película -asegura la directora, Natural Arpajou-. Hacerla es sumergirse dentro de uno mismo para mirarse, buscarse y, con un poco de suerte, encontrase. Yo niña es un diálogo conmigo, entre la niña que fui y la que todavía perdura y a quién, todavía, me encuentro en cada rincón, tirándome de la manga del pullover pidiéndome que le explique. Es mi historia porque la he reinventado para contarla y en el proceso la hice mía. Hecha de contradicciones y fragmentos, es el cuento que me cuento a mí misma para dormir".
"ALGO CELOSA" SE ESTRENA EN LA ARGENTINA EL 13 DE DICIEMBRE
(Información de prensa) Casada, divorciada, soltera. Algo celosa (Jalouse, Francia, 2017) se estrena en la Argentina el 13 de diciembre. La comedia, escrita y dirigida por David Foenkinos y Stéphane Foenkinos, está protagonizada por Karin Viard, Dara Tombroff, Anne Dorval, Thibault de Montalembert, Bruno Todeschini, Marie-Julie Baup, Corentin Fila y Anais Demoustier.
Casi de un día para otro Nathalie Pêcheux (Karin Viard), una mujer divorciada profesora de francés, pasa por un proceso de transformación de madre adorable a persona celosa, al comenzar a sentir envidia de su hija Mathilde (Dara Tombroff), una atractiva bailarina de ballet clásico de 18 años. Su problema aumenta cuando también comienza a tener celos de sus amigos, de sus compañeros de trabajo y hasta de sus vecinos.
Los hermanos Foenkinos muestran un personaje que se convierte en presa de sus propias dudas y que ya no puede o quiere seguir las reglas. Decidida a mostrar su estado de ánimo, en lugar de esconderlo, Nathalie choca contra las reacciones generalmente violentas de sus amigos y familiares. Sin llegar a justificar los motivos que la llevan a "traspasar los límites", los directores muestran el otro lado de ser una mujer y una madre. Un lado que a pesar de ser a veces oscuro, incomprensible e hiriente, sigue siendo humano.
Lejos de querer lograr un sentimentalismo condescendiente como muchas comedias actuales, Algo celosa genera intriga y desafía conceptos que nos parecen incuestionables. Todos (hombres y mujeres) nos sentimos un poco identificados con Nathalie, a pesar de que nos cueste admitirlo.
Dijo la prensa: Luis Martínez (El Mundo): Una Karin Viard genial en su poder destructivo. Fotogramas: Sugestivo volantazo en la filmografía de los hermanos Foenkinos. Jordan Mintzer (The Hollywood Reporter): La mejor versión de Viard. T he Guardian: Ritmo cómico incisivo. Cineuropa: Divertida y mordaz.
Casi de un día para otro Nathalie Pêcheux (Karin Viard), una mujer divorciada profesora de francés, pasa por un proceso de transformación de madre adorable a persona celosa, al comenzar a sentir envidia de su hija Mathilde (Dara Tombroff), una atractiva bailarina de ballet clásico de 18 años. Su problema aumenta cuando también comienza a tener celos de sus amigos, de sus compañeros de trabajo y hasta de sus vecinos.
Los hermanos Foenkinos muestran un personaje que se convierte en presa de sus propias dudas y que ya no puede o quiere seguir las reglas. Decidida a mostrar su estado de ánimo, en lugar de esconderlo, Nathalie choca contra las reacciones generalmente violentas de sus amigos y familiares. Sin llegar a justificar los motivos que la llevan a "traspasar los límites", los directores muestran el otro lado de ser una mujer y una madre. Un lado que a pesar de ser a veces oscuro, incomprensible e hiriente, sigue siendo humano.
Lejos de querer lograr un sentimentalismo condescendiente como muchas comedias actuales, Algo celosa genera intriga y desafía conceptos que nos parecen incuestionables. Todos (hombres y mujeres) nos sentimos un poco identificados con Nathalie, a pesar de que nos cueste admitirlo.
Dijo la prensa: Luis Martínez (El Mundo): Una Karin Viard genial en su poder destructivo. Fotogramas: Sugestivo volantazo en la filmografía de los hermanos Foenkinos. Jordan Mintzer (The Hollywood Reporter): La mejor versión de Viard. T he Guardian: Ritmo cómico incisivo. Cineuropa: Divertida y mordaz.
November 20, 2018
SONASTE MANECO'S GREATEST INTERVIEWS: IAN WATSON
UK Teacher and full-time writer. Author of novels and short stories that, through the principles of science-fiction, addressed from the analysis of the nature of communication through language to the universe of Warhammer RPGs, from magic to nanotechnology, temporarily anticipating to issues of current political and social relevance. Owner of an ironic and pyrotechnic style, both popular and sophisticated, Ian Watson is the true protagonist of our first post in English. And all thanks to Javier Mora, who interviewed him exclusively for us.
When did your love for literature start? Who influenced you? I was a single child, and my parents didn’t socialise much, so books (and comics) became my friends fairly early. There were quite a lot of ‘classic’ books in my parents’ house, such as the complete works of Charles Dickens and of Walter Scott, but I ignored these in favour of such things as a big 10-volume popular illustrated encyclopedia of the 1930s called The Wonderland of Knowledge. From this Wonderland, for instance I became excited about the history of Babylon, resulting many years later in my novel Whores of Babylon (Putas de Babilonia, Editorial Torre de Marfil). There were a couple of other multi-volume 1930s encyclopedias too, called Countries of the World and Peoples of the World. In the former I vividly remember a colour picture of the inside of the mezquita in Córdoba, which seemed very exotic and magical to me. In the latter were ‘native tribes’ —this was long before political correctness— and other ethnic societies far away from England. I date my desire to travel from an early age, resulting later in my going to work in East Africa, and setting parts of my novels in Amazonia, Bolivia, and so on—which I have still never visited except in my imagination.
Also, there were 3 big illustrated volumes from the 1890s called the Monthly Chronicle of North Country Lore and Legend.‘North Country’ because I was growing up in the north-east of England, where the Chronicle had been a local newspaper which published every week a supplement of a few pages of strange stories and anecdotes from the past—once a year these pages were collected into a big volume. One of those stories resulted much later in my SF-Horror novel The Fire Worm (El Gusano de Fuego, Transversal). I especially liked to read travel books, and books about natural history including exotic plants, and adventures rather more than traditional literature; of the English Literature which we had to study at school, I think I only particularly liked Christopher Marlowe’s play Edward II. The books which I remember liking most, of those which I bought with my own pocket money, were (in translation!) the Histories of Herodotus and Ovid’s Metamorphoses. Oh yes, and Aldous Huxley’s Brave New World and Orwell’s Nineteen Eighty-Four. One of my motives for liking books was if there was any sex in them, however mild this might seem nowadays. The 1950s in England was a time of ignorance, banality, and boredom. (I realise that things were much worse in Spain, under Franco.) So, from early on, science fiction provided a great escape. My local library in an otherwise boring town of N____ S____ (yet so much more of a library than most UK libraries of recent decades!) wonderfully provided me with the newest Golden Age SF, from Alfred Bester, Van Vogt, Asimov, as well as with story anthologies. And from back in 1921 there was the wonderful A Voyage to Arcturus by David Lindsay (recently translated in Spain as Viaje a Arcturus from Defausta). And let me not forget Arthur Clarke’s Childhood’s End, very influential for me.
I think that the modern (as of the Nineteen-Fifties) novelist who most influenced me—as far as my first three SF novels anyway—was Graham Greene, because of his foreign settings, his tripartite plot structures, and the personalities of his characters; I read many of his novels as a schoolboy. The early influences are the dominant ones. Even books which I read about cacti. “The child is father to the man,” wrote the English Romantic poet Wordsworth—although you might not realise this fact until you are much older because youth is often a time for rejecting youth.
When did you decide to become a professional writer? I resigned from my job as a senior lecturer in Birmingham’s School of History of Art in 1976 after my second novel won prizes, just as the first had done—and began accumulating foreign language translations, just like the first. The money I earned from writing wasn’t vast but it was sufficient for me to quit my job and write full time; and the future looked bright.
But back then was a different age. In Britain there were only about a dozen of us SF authors; every new book was eagerly awaited—and Fantasy had only begun its ascent towards eventual dominance of the genre market. Media SF was still in its infancy; the first Star Wars movie only happened in 1977. Nor were there any computer games to compete with paper books because there were no personal computers. The field was clear for us SF authors. And there were still numerous independent, family-owned publishers who published whatever books they pleased without reference to corporate overlords. When I wrote my fourth novel, I well remember my publisher, John Bush, saying to me, in an avuncular way, “It’s an annuity for life, my boy, this writing business; these books will go on earning and earning.” (This proved to be very untrue, alas! —the landscape began changing after the election of Margaret Thatcher). Back then, publishers were loyal to their authors; they would continue publishing new books by you for years and years even if you never produced a best-seller. Even the job which I resigned from—doing half-time work for full-time pay!—was a gift for any would-be writer, yet only two people in the whole of the UK had applied for it when it was advertised nationally, me and somebody else. Nowadays hundreds would apply, and the employers would want a mountain of work out of you.
When I was starting out as a writer, there were many opportunities. This said, you still needed to write books which were noteworthy and original, and to continue doing so. Energy and imagination needed. Do you think you are a Science Fiction writer? What other literature genres are you passionate about? Back in the past occasionally I tried to write a ‘mainstream’ story and it turned into SF after a couple of paragraphs. Nowadays I realise that ‘mainstream’ itself is merely a genre. Culturally the mainstream dominates, but in fact it is more imaginatively restricted than SF.
Other genres... Well, horror, yes. During the later 1980s I was very enthusiastic about the potentials of Horror because Horror seemed to illuminate life in a disorienting, destabilising way which opened the doors of perception. So I wrote a couple of horror novels, choosing themes that were almost guaranteed to stop my books from selling well, and certainly not selling at all to the USA—namely, nuclear disarmament, and animal liberation. One US editor remarked, while rejecting the books, that having the equivalent of the Black Panthers as your heroes was a recipe for commercial failure. Silly me. But I was feeling a bit bleak at the time, for financial and other reasons. My third horror novel, The Fire Worm, was the climax of my flirtation with Horror. Having climaxed, I moved back into SF.
The crime genre... I have written half a dozen bizarre crime stories—such as putting Agatha Christie’s Poirot in outer space, and a murder of an alien in Oxford pastiching the ‘Inspector Morse’ investigations, and an assassination at the Semana Negra. But the bizarre elements probably disqualify these from being regarded as crime stories. I watch crime dramas but I have read very little crime fiction. Probably I would enjoy the genre, but there isn’t time. My daughter enjoys vintage Crime for Art Deco reasons.
Which is your opinion about Science Fiction nowadays? Which are your favourite writers? There is a lot of SF nowadays, and much of it is unnecessary, even if it very literate compared with much early SF. The desire to become a published author and see a book or story with your name on it is not an adequate reason for writing. Passion is needed, but not passion about oneself.
To give a list of favourite writers would inevitably miss numerous names —including those who would be favourites if only I’d found time to read them— so I’ll only choose one writer: the very clever and literate Adam Roberts, especially his novels Yellow Blue Tibia, Jack Glass and The Thing Itself, stimulated by the philosophy of Kant.
How is your creative process? How do you turn your ideas into a reality? I wrote outlines only for my first few books. Basically, I improvise. I vacuum up interesting ideas and information, and then I just start writing to discover what will happen. There is a dynamic by which order emerges spontaneously; so far, this has worked for me. After a couple of pages, I always start again from the beginning because the direction of the story has changed. I will always rewrite text afresh instead of cutting and pasting. I rewrite a lot.
I personally think that your sense of humour makes possible this strange mix between brilliant ideas and absurd elements. Could we speak about a surrealist style? I did propose in an essay which I wrote about 15 years ago that I don’t write SF, “Science Fiction”, so much as SS, “Science Surrealism”. Unfortunately, double “S” is dirtied by the Nazis! As regards humour, I myself have almost no ability to remember jokes, but I very easily and quickly respond wittily to situations in real time. Wit and humour are a bit different. “The world is a comedy to those that think; a tragedy to those that feel” —said Horace Walpole, whom I quote about another matter as the epigraph for my Whores of Babylon. Most of the time I am serene and happy, which encourages good humour. I enjoy my dreams, if I relate them to other people, though other people often regard my dreams as nightmares. Sometimes I laugh aloud during a dream, and this wakes me up.
Do you think your work is provocative? May it challenge any kind of conservative moral? I try to provoke readers to perceive the world in a different way that will reorganise their perceptions of reality, but realistically I doubt that many ‘conservatives’ will even encounter the challenge to their world-views, let alone benefit from this. The majority of people have delusionary world-views, which may be necessary to uphold their sense of identity.
Let us look over your main works. In your beginnings, how do you access to publish your stories in New Worlds? What did the movement New Wave mean for you? Back in the 1960s, I really did like reading adventures in outer space (including “surreal” adventures such as stories by Robert Sheckley). Spaceships and aliens, please!
While I was living in Japan, in about 1968 I subscribed (by airmail, paying by cheque) to New Worlds magazine, expecting to receive the traditional New Worlds; but what arrived was the revolutionary large-format new New Worlds edited by Michael Moorcock. At first I was a bit annoyed by the lack of spaceships and aliens compared with previously. However, I was increasingly feeling the need to write some sort of SF as a kind of psychological survival mechanism to cope with the “future shock” (Alvin Toffler’s phrase) of life in Tokyo. 50 years ago, a lot of things in Japan seemed very futuristic compared with England, such as—just to take one example—the high-speed bullet train. Hey, in England a bullet-train still seems futuristic.
After experiencing a few issues of the new New Worlds I thought: I can write this sort of stuff myself! So I typed my first published SF story, Roof Garden under Saturn, and airmailed the pages to New Worlds. Basically my story was a description of the roof of a Japanese department store, slightly exaggerated. This must have seemed exotic back in England because New Worlds quickly accepted the story and wanted more. In fact the new New Worlds was the perfect outlet for me at the time and I quickly became enthusiastic about the ‘New Wave’, although I wouldn’t say I was part of it considered as a movement or as regards socialising. William Gibson once told me that the Japanese-themed things I had in New Worlds affected him.
Which is your concept of language in The Embedding? Which linguistic theories influenced your work?
This is explained at length (a) in French in a new edition of L'Enchâssement and (b) in Spanish in the introduction by me to the new translation published by Gigamesh just recently, in the omnibus volume Incrustados, so I don’t want to repeat myself. But I do wish to mention —as a huge generalisation— that the theories of Sapir and Whorf (namely, that the language you speak causes you to perceive the world differently from speakers of other languages) gave way to the more ‘scientific’ theories of Chomsky (namely, that all human languages are united on a deep structural level, genetically programmed) and now Chomsky in turn is no longer top guru, ‘disproved’ by a tribe in the Amazon called the Piraha... and the excellent 2016 film Arrival (La llegada) bases itself upon Sapir and Whorf once again and even quotes their names. It’s as if nothing much has happened since The Embedding (Empotrados, now Incrustados) was published over 40 years ago; the book is still contemporary enough. That’s nice for an author, but a bit strange.
Chris Sole and their colleagues in Haddon experiment with children. To what extent can Science cause abuse of humans? Bad science, can cause abuses, but usually ideology is to blame. For instance, Stalin’s political support for the wrong-headed theories of Lysenko led to the starvation of masses of people in the former USSR. Lack of science certainly produces abuse of human beings, as we will witness soon if ignorant Trump and his ignorant gang continue in power.
In Alien Embassy aliens help humans to develope the concept of Social Ecology. Is this novel your portrait of the great failure of utopias of the sixties? Beware (spoiler!): the aliens might not be real... I’m very interested in ‘designed’ societies, as in Alien Embassy, as in Whores of Babylon (Obviously a generation starship would need a cleverly designed society aboard, although I feel no desire to write about a generation starship—although, immediately I say so, perversely I feel a challenge). I didn’t read Social Ecology texts; I think I was more influenced at the time by Herbert Marcuse and by The Limits to Growth (Club of Rome).
Now, with The Jonah Kit, you reflect on human spirituality. Paul Hammond, one of its characters, sets out an alternative theory between atheism and deism: God exists but he is in another place. Irony? My fictional uses of scientific theories often function metaphorically; likewise my fictional use of a ‘God’ which doesn’t exist. Cosmologies, which were far out and very speculative 30 or 40 years ago—such as the Many Worlds interpretation of quantum mechanics—are becoming more ‘plausible’ nowadays. One mystery is that the Big Bang ought to have produced equal amounts of matter and antimatter, which would therefore have promptly annihilated one another; however, our visible universe of galaxies is made of lots of matter (and of mostly ‘empty’ space—ignoring all the bound-up energy of virtual particles in the void). The latest theory I read to explain our universe of matter-only is that at the Big Bang almost instantly all the antimatter was inflated away. So maybe ‘God’ only applies in the corresponding antimatter universe now extremely distant (An Anti-God, perhaps?). This sort of fits in with The Jonah Kit. Though for me ‘God’ is only a useful metaphor, which reflects a major delusion of human beings.
A different theory of our universe, according to which everything that we observe is only a fraction of existence—which emerged subsequently to The Jonah Kit -is the current orthodoxy that unobservable Dark Matter explains how the outer parts of galaxies rotate faster than ought to be possible without the galaxies coming apart. But there is no actual evidence for the existence of Dark Matter, and now it’s beginning to seem that a modification to our understanding of gravity may explain the observations without invoking vast amounts of undetectable mysterious matter. Likewise, there’s no evidence for vast amounts of unobservable Dark Energy which is allegedly speeding up the expansion of the universe. Since mainstream cosmology has based itself for many years on what is purely imaginary (even if mathematically consistent) I feel justified in imagining a few cosmologies.Maybe I should add that this sceptical comment about one area of science has no connection with my view of Climate Change, which is here right now on Earth along with a full package of valid scientific evidence.
The “ufo” phenomenon is one of the main elements in Miracle Visitors. Pharaphrasing Jung: Do you think the ufo is a modern symbol in the collective subconscious? Maybe! The problem is that people’s reported experiences all seem unreliable in one way or another. I regard the ‘phenomenon’ as an exotic altered state of consciousness, which is what I needed a whole book to explore, thus I can’t provide a simple paragraph as an answer. It’s interesting to look at the original reports which Kenneth Arnold made in 1947 about the very fast, flat ‘objects’ which he saw in the sky (and which sound to me like atmospheric phenomena). Very quickly this became a newspaper sensation about piloted ‘flying saucers’ which isn’t what Arnold said at first; the media created this myth—and, once you have a potent myth, you have caused a mind-set by which people can interpret unusual experiences. Arnold’s comparison of what he saw as being like “saucers skipping on water”—invoking the game of skipping flat stones across water—makes me wonder who the hell has ever used crockery for this purpose. “Sorry, Grandma, me and the boys lost the dinner service in the lake...”.
Through The Gardens of Delight you develope an emotional tribute for Hieronymus Bosch. Why do you choose this particular work of art to inspire you? In the late 1950s the works of Henry Miller were mostly still banned in the UK on grounds of being pornographic. So I naturally wanted to read Henry Miller. And I found a non-banned book by Miller in my public library, Big Sur and the Oranges of Hieronymus Bosch, its dust jacket showing part of Bosch’s Garden of Earthly Delights. Wow. This looked like a brighter side to A Voyage to Arcturus with all that book’s bizarre bodily transformations and metaphysical messages mysteriously concealed therein. Miller’s essay about Bosch pointed me to a book by Wilhelm Fränger, The Millennium of Hieronymus Bosch, which I found a copy of on a visit to my aunt in London (12 hours by bus) when I was about 15. I think I spent 30 shillings on the book, which was a lot back then, though it is only 1 Euro 50 cents now. The book was an interpretation basic upon heretical Gnostic ideas—perfect! The germination, or pregnancy, for my novel lasted at least 20 years.
On the other hand you live in a certain Renaissance environment in Queenmagic, Kingmagic. Orson Scott Card in the September edition of The Magazine of Fantasy and Science Fiction in 1986 wrote a brief review invoking the figure of Pirandello. What do you think this refered to? Do you agree with that? This must refer to Pirandello’s best known comedy, Six Characters in Search of an Author, where characters rebel against the story they are in and invade a different story, somewhat as happens with my protagonist in very different circumstances in Queenmagic, Kingmagic —my own novel being a fantasy which questions reality in a fast-paced tragicomic bittersweet way, set inside of chess and some other games, as if those are real worlds. I don’t think I ever read, or saw, any of Pirandello’s work myself—there are lots of things that I haven’t read, which I ought to have read. But I have just re-read Card’s review, because I keep such things—in a semi-orderly, though not obsessively orderly way—and he actually says: “Queenmagic, Kingmagic can’t be compared with anything, except perhaps a screwy comparison like ‘This is how Pirandello might have written Lord of the Rings’ or ‘With Queenmagic, Kingmagic, Franz Kafka meets T.H. White’” (Psst, I haven’t read Tolkien or T.H. White, but I did read everything by Kafka!) So, Card’s comment isn’t exactly a comparison with Pirandello so much as a witty surrender as regards the possibility of comparisons.
In The Fire Worm you confront the horror genre. What do you consider more terrifying, a creature such as Lovecraft used to create or the obsessions and fears that can make it real? What do you think are the main fears of our society? The main fears of our society ought to be nuclear war, climate change, overpopulation, a pandemic mutated disease with very high mortality, and at least somewhere else on the list an extinction event due to an asteroid impact—those things which can destroy civilisation. The actual fears of the majority of people are none of these, due to inadequate education, lack of scientific understanding, religion, prejudice, nationalism, lack of foresight, short term goals, manipulative and trivialising media, corrupt or stupid self-centred politicians.
You explore sexuality in Orgasmachine. Which is the origin of this work? What kind of role do women play in your work? Do you think society needs to have women as simple objects of desire? I don’t think I would have written Orgasmachine without the Women’s Liberation Movement that arose in the UK and the USA in the late 1960s. The experience of living in Japan from 1967 to 1970 was also important. I remember how the very efficient and English-speaking secretary of the English department of my university announced that she was leaving the job because it was time to get married. She was not in reality getting married; it was just the traditional time when she ought to get married according to the norms of Japanese society, consequently she must leave her job. Her replacement, who was suitably younger, couldn’t speak any English and wasn’t efficient.
My early novel Alien Embassy has a woman as narrator —a young black African woman (because I had lived in East Africa, so this seemed a natural choice). My trilogy written in the 1980s, The Book of the River, The Book of the Stars and The Book of Being, has a female main character and narrator, and is partly set in a feminist utopia—though reviewers seemed not to pay much attention to this vital feature of the books. Women play important roles in my books, often leading roles. About 80% of my novel Mockymen (2003) is narrated by a woman.
Women as objects of desire easily becomes ‘women as objects’. In that respect the society of elephants is healthier than ours.
Was it difficult for you writing novels setting in the Warhammer universe? How did you get to combine your personal style with this popular fantasy? Do you think your participation and the work of other writers as Dan Abnett was decisive to push this company? I had always loved space opera but I never thought I was equipped to write space opera. The Warhammer 40,000 universe liberated me to have grotesque, lurid, baroque fun—provided that I treated the background completely seriously. So each morning after breakfast, using no drug stronger than coffee, I would hallucinate myself into that grotesque, deranged, psychotic future universe. I was the first writer to tackle 40K; other early writers for Games Workshop (GW) opted for generic medieval fantasy or near-future post-apocalypse backgrounds, because these didn’t require reading the encyclopedias of information produced by GW for games players.
As regards the participation of fiction writers, always remember that GW is a games company and its Black Library is essentially a sideline, not the main thrust. The main business is selling games, especially 40K, and the miniature models. The games designers are the guys with power. No fiction writer could ever be “decisive” to the company. A writer can influence details of the 40K universe, which Dan Abnett certainly has done, but not influence the corporate momentum.
Chekhov’s Journey is an ucronic recreation of the journey of the Russian writer in 1890 through Siberia. Why do you choose this character? How do you get to join together this kind of theme so dissimilar? I like connecting things where other people see no connections; in fact, this is the way my mind works. Previously, I had written a short story featuring the genteel though satiric early 19th century novelist Jane Austen in an ecocatastrophic England of the early 19th century, where the British navy pulls icebergs from Antarctica to provide drinking water. This was decades before recent tongue-in-cheek versions of Jane Austen’s novels with added horror, such as Sense and Sensibility and Sea Monsters. The Tunguska event -where a small asteroid (probably) exploded over a remote part of Siberia, flattening millions of trees- came to my attention, and I thought: which Russian writer can I juxtapose with this big cosmic event, as I did with ecocatastrophe and Jane Austen? Dostoevsky, perhaps? No, no. Dostoevsky is an erupting literary volcano already! But ah... Anton Chekhov is a bit like a Russian Jane Austen. And then I discovered that ‘quiet’ Chekhov had made a journey across the whole of Siberia—bingo! In reality Chekhov’s journey happened about 20 years before the Tunguska event, but that isn’t a problem—that is a challenge, to a science fiction writer.
You wrote two novels in collaberation: Under Heaven´s Bridge with Michael Bishop in 1980; and recently, in 2009, The Beloved of my Beloved with Roberto Quaglia. What do you think about working together other writers? Are there differences between them? What can we get of Ian Watson in each of these works? I need to be very much on same wavelength as a collaborator, to the extent that what we write will seem interchangeable as regards authorship. Afterwards—especially a few years later—I no longer know which one of us wrote what.
UHB was written, with remarkable speed and ease, by typing and airmail post; the Beloved book using talk then computers and email. It’s well over 30 years since UHB and I haven’t reread it since, so any comments I make would probably involve false memories. The Beloved book initially arose as a single story, The Grave of My Beloved, which was conceived in an otherwise deserted hotel outside the second ugliest town in Hungary where Roberto and I were guests of a convention. A third guest was Darth Vader (David Prowse the actor) who was very late for breakfast, consequently Roberto and I began talking about virtual necrophilia; after a while I proposed a story, which I would start and Roberto would continue, then I would revise and write more followed by Roberto writing some more, etcetera. This first story was a bit less transgressive than later stories in the book, and it sold quickly to Weird Tales, encouraging us. The second, more transgressive story, The Penis of my Beloved, arose on a later occasion during a coffee break in a snowy Austrian valley while Roberto was driving me from Budapest to Genoa. Talking to each other in different parts of Europe was essential for these stories to get started. At first, for the sake of spontaneity Roberto wrote his parts in Italian, which he translated into surreal English, giving a unique flavour to the prose, which I was happy to sustain. With later stories, Roberto wrote directly in English. The stories are all different, not like chapters in a novel, but there’s a framing narrative, of bedtime stories told to a giant tumour —you need to read the book to understand how and why. Finally we had a book of eleven stories (plus the framing narrative), of which five had already appeared in anthologies or magazines, and Ian Whates’ small press NewCon Press published this beautifully; no ‘commercial’ publisher would have risked such a book—hoorah for small presses. And one of the stories, The Beloved Time of Their Lives, won the BSFA (British Science Fiction Association) Award for Best Short Fiction of the Year 2009. That story, in fact, was more Roberto’s doing than mine; he wrote a bittersweet time-travel romance which was in part a parody of Audrey Niffenegger’s The Time Traveller’s Wife, a book we both loathed; for a crazier narrative I jazzed up the story with added surrealism, in a way performing a reversal of our usual roles. (Roberto had already published a brilliant parody of the soulful, self-help book Jonathan Livingston Seagull under the title Jonathan Livingshit Pigeon.) By now Roberto and I were able to exchange identities. This is collaboration!
Your collaboration with Stanley Kubrick in the script of A.I. was very famous too and it was an adaption of a Brian Aldiss’s tale. How was your work method? Did you feel the creator of the story or you had to adjust you to Kubrick´s rules? What did Sarah Maitland bring to the project? Sara Maitland says that Stanley hired her in 1995 to provide a female and a feminist viewpoint as regards what she refers to as “the nuances of interrelationship, of the minute movements of human hearts and especially, since maternity was an important theme, of women's hearts” —and also for her understanding of fairy tales. I’m sure that the latter resulted in the use in the film of W.B. Yeats’ poem The Stolen Child —“Come away, O human child / To the waters and the wild...” What Sara says happened, as of 1999 after Stanley’s death, is here. Sara says that she worked with Stanley for a year; she doesn’t mention how often she may have visited him, although she does describe begging for a holiday from the job. She also mentions signing a confidentiality agreement—something which I was never asked to sign, perhaps because Stanley was in a hurry to get on with the project immediately (now!) and the confidentially aspect simply got forgotten. Stanley wanted many things immediately, though could also wait patiently for years till he felt that a project was perfect.
I do remember the then-head of Warner Brothers UK phoning me after the film was fully finished to tell me that screen credit had been assigned to me, consequently when exactly did I want my bonus in Dollars to be converted into Pounds to send to me, and quoting the exchange rate on that day and hour. He mentioned that he had already phoned Sara to tell her that she wouldn’t receive screen credit and that she accepted this. Screen credit (and a bonus) was based, according to my contract, on whether what I wrote “substantially resulted” in a film. I believe that a panel adjudicated upon and approved credits.
After Stanley’s death almost everyone rushed to sell their memoirs of working with Stanley to magazines and newspapers, with more or less accuracy as regards these memoirs. My own extended memoirs, with full details of the work method, are here. Parts of this appeared previously in The New Yorker and in Playboy.
Recently I heard that Sara Maitland wrote a full screenplay for A.I. for Stanley and that she regards this in some way as her "Pension". I do not understand in what way.
In 2001 you published your first book of poetry The Lexicographer’s Love Song. What does mean poetry in your creative universe? Is poetry a escape mechanism to escape from prose fiction? At the Eurocon in Barcelona recently I did a long interview with Mariano Martín Rodríguez, focused upon my poetry, which is in Hélice (in English) here, so I don’t want to repeat myself.
In 2012 you and Cristina Macía founded Palabaristas. In the website you say your target is “to promote gender literature”. In what sense? What do you think makes the difference between Palabaristas and other publishing houses? Are platforms on the Internet like Lektu the best idea to promote an independent editorial as yours? “Literatura de género” means “genre literature”, not “gender literature”. “Genre” = non-mainstream literature such as crime (novela negra), science fiction, etc. “Gender” = male, female etc. As regards gender, the Alucinadas series of anthologies are SF written by women authors only, intentionally so, since women’s voices too often get marginalised or excluded; but Palabaristas publishes many male authors too. (“Palabaristas” = “palabras + malabaristas” = “jugglers of words”).
We obviously think that a non-DRM platform like Lektu is a good route, and so do an increasing number of publishers in Spain who are joining with Lektu.
To conclude, which are your next projects? I’m updating a novel, The Waters of Destiny (co-written with my friend Andy West), which Palabaristas previously issued as an ebook. It’s about how, in the 11th century, an Arab doctor of genius—realistically, within the mind-set and medical technology of his time—isolated and stored the true causes of the big killer Black Death (which has nothing to do with the fleas on rats). Horrific consequences follow in our own near future, due to terrorist fanatics, descendants of the Assassins of Alamut. Subsequent to the ebook, the Syrian war has completely destroyed one city (Homs) which our modern characters visit. I can cope with the Syrian catastrophe fictionally, whatever my personal feelings—but the deranged and very dangerous Trump throws all plans and plausible forecasts into chaos as regards the world at large.
I am also busy with a sequel to my novella The Brain From Beyond: A Spacetime Opera (which Gigamesh published in Spanish as El cerebro del más allá as a promotional gift for San Jordi’s Day 2016). The narrative of The Brain From Beyond was improvised; that wasn’t the title in the beginning. I did read several books about the nature of Nothing, and I took a risk using the dwarf planet Ceres when our Dawn probe was heading there for a close look, but Dawn has been in close orbit since 2015 and I haven’t been invalidated, not yet, phew.
Invalidation by progress in scientific knowledge isn’t necessarily fatal to a good SF story —the jungles of Venus of bygone days can still thrill us. But an SF writer ought to stay alert. The nearby star Tau Ceti was a good destination till ten years ago; I used the Tau Ceti system in a long story published in 2001 in The Magazine of Fantasy and Science Fiction. But now we know that Tau Ceti’s solar system contains ten times more debris than our own solar system consequently, vast and mostly empty though even space within most solar systems is, it might be a bad idea to send a starship there.
November 15, 2018
MÁS DE 90 DÍAS DE CELEBRACIÓN EN LATINOAMÉRICA PARA FESTEJAR EL 90° ANIVERSARIO DE MICKEY MOUSE
(Información de prensa) Con entusiasmo, expectativa y mucha emoción, Latinoamérica está palpitando desde julio con los festejos por el 90° aniversario de Mickey Mouse.
Difundir la felicidad en todo el mundo.
Título de la ilustración oficial para el 90º cumpleaños de Mickey, pintada por Mark Henn, legendario animador de los Estudios Disney
Las celebraciones han incluido acciones con la comunidad, eventos especiales dentro y fuera de la pantalla, y colaboraciones con artistas plásticos, diseñadores, fotógrafos, músicos, actores y celebridades de toda la región, unidos para rendir homenaje al personaje más icónico de Disney, que hizo su debut en pantalla el 18 de noviembre de 1928 en el cortometraje Steamboat Willie.
“Mickey no sólo es el personaje más querido por todas las generaciones, sino que atraviesa fronteras, idiomas y culturas. Ha sido una inspiración para infinidades de artistas en los últimos 90 años y al día de hoy se sigue manteniendo vigente -comentó Diego Lerner, presidente de The Walt Disney Company Latin America-. Es por eso que, con orgullo y emoción, celebramos su 90° aniversario en todos los rincones del planeta y desde distintas áreas de la Compañía”.
Una de las iniciativas globales que se enmarca dentro de los festejo de cumpleaños es #ShareYourEars, la campaña lanzada recientemente por Disney en apoyo de la fundación Make-A-Wish que invita a los fans alrededor del mundo a “compartir sus orejas” a través de las redes sociales. Hasta el 17 de noviembre, la Compañía donará a Make-A-Wish 5 dólares, hasta alcanzar un total de 2 millones de dólares, por cada foto publicada en la que se vean las orejas de Mickey Mouse.
Mickey, durante su recorrida por un hospital argentino de la provincia de Salta
En Latinoamérica, bajo el lema #DisneyAmorInfinito, se llevaron adelante numerosas iniciativas con la comunidad que reflejan cómo cada persona puede ser parte de una cadena de amor y construir, desde su lugar, un mundo mejor. En la Argentina, entre septiembre y noviembre de este año, Mickey Mouse visitó nueve hospitales infantiles de ese país para sorprender con risas y juegos a los niños y sus familias. A su vez, se realizó una campaña fotográfica que reunió a nueve celebridades locales con nueve representantes de ONGs y fundaciones benéficas, con el objetivo de dar visibilidad al trabajo de las organizaciones sociales.
Diego Topa también participó de la campaña fotográfica destinada a visibilizar el trabajo de distintas organizaciones sociales argentinas
En el Brasil, entre septiembre y octubre en shoppings selectos, se llevó a cabo una donación de juguetes para fundaciones benéficas. En Colombia, se lanzó “CelebrARTE”, una iniciativa de arte solidario junto a la Fundación Corazón Verde que, con el objetivo de colaborar en el acceso de los niños a la educación, reunió a más de 35 artistas plásticos para intervenir figuras de Mickey. En Perú, por último, se convocó al artista plástico Marcelo Wong para crear una colección inspirada en Mickey, destinando parte de lo recaudado con la venta de las piezas a los proyectos de Make-A-Wish Perú.
Una de las obras realizadas para CelebrARTE en Colombia
Celebrando con los fans Las celebraciones por el 90° aniversario de Mickey también incluyen acciones en pantalla, sobre el escenario, en plataformas digitales y más. A través de Radio Disney, artistas como David Bisbal, Carlos Vives y CNCO, entre otros, enviaron sus saludos y buenos deseos de cumpleaños para Mickey en una serie de videos para las plataformas digitales de la radio. También en digital está disponible Destino Mickey 90 una experiencia de realidad aumentada, que se puede vivir a través de Disney Scan (la aplicación se encuentra disponible de forma gratuita en App Store y Google Play).
En televisión, el 18 de noviembre, se estrenará en Disney Channel y Disney XD un nuevo cortometraje de Mickey Mouse titulado Surprise, el cual celebra este 90 aniversario. Por su parte Disney Junior contará con episodios especiales de Mickey: Aventuras sobre ruedas. Además, durante la última semana de diciembre se podrá ver en los canales Disney Mickey’s 90th Spectacular, el gran evento para celebrar el cumpleaños de Mickey que se emitió recientemente por ABC en Estados Unidos, con actuaciones musicales llenas de estrellas y tributos memorables para el disfrute de toda la familia.
Quienes viajen próximamente a los Estados Unidos podrán disfrutar de otros eventos especiales que se están llevando a cabo por estos días. En Nueva York, el pasado 8 de noviembre se inauguró Mickey: The True Original Exhibition, una muestra que reúne obras históricas y contemporáneas de destacados artistas, en una experiencia inmersiva inspirada en Mickey como un ícono único y su impacto en las artes y todas las disciplinas creativas.
Además, en Walt Disney World en Florida, habrá experiencias especiales en fechas selectas durante esta semana y en Disneyland Resort en California habrá festejos y varias sorpresas el próximo 18 de noviembre. En México, entre los festejos habrá un video mapping del 90° aniversario en Torre Latinoamericana, que tendrá lugar el 17 de noviembre. Radio Disney de Monterrey invitó a sus fans a realizar el armado de las icónicas orejas de Mickey con 909 personas el pasado 10 de noviembre.
En el Brasil, en tanto, Mickey estará presente en Comic Con Experience de San Pablo (CCXP) el próximo 8 de diciembre, con un panel en su honor, donde el animador mexicano Alonso Ramírez Ramos compartirá detalles sobre dos cortometrajes de Mickey creados por él: O futebol clássico y Carnaval. A su vez, en centros comerciales selectos de Brasil se realizarán eventos especiales hasta octubre de 2019, con foco en la trayectoria de Mickey.
En Santiago de Chile, el 13 de noviembre se inauguró una muestra en la cual nueve artistas crearon piezas únicas inspiradas en los 90 años de Mickey Mouse. La exhibición, abierta a todo público se encuentra en la plaza central del Mall Costanera Center. En Perú, los festejos tuvieron lugar a lo largo de octubre y principios de noviembre con Mickey a través del tiempo, un recorrido audiovisual por la historia de Mickey en los centros comerciales Plaza Norte y Mall del Sur. En Ecuador, por último, artistas locales participaron de una muestra de ilustraciones de Mickey sobre lienzo, exhibida en centros comerciales del país durante octubre y noviembre.
Mickey, visto por el peruano Jumping Lomo
Además, en toda la región, están disponibles productos de consumo de #Mickey90 en las categorías: publicaciones, hogar, bazar, ropa, accesorios, juguetes, regalaría y coleccionables, desarrollados con una guía de inspiración realizada por el equipo de Disney en Latinoamérica, para esta celebración.
Mickey a pura moda En el ámbito de la moda de Latinoamérica también hubo tributos y eventos especiales en homenaje a Mickey. En el Brasil, el icónico personaje fue protagonista durante este año de colaboraciones con marcas como Arezzo, Melissa, Avon y Havaianas entre otras, al tiempo que, junto a Minnie, se hizo presente en la pasarela de Sao Paulo Fashion Week en una colección especial de Água de Coco.
Mickey y Minnie en la pasarela de la Sao Paulo Fashion Week
En México, en tanto, la marca de tejidos Pay’s creó una colección inspirada en el 90° aniversario, al tiempo que las firmas Pink Magnolia y Vans, entre otras hicieron colaboraciones especiales con Disney. A su vez, catorce artistas mexicanos expertos en distintas disciplinas se unieron a la celebración de cumpleaños con Mexicanos inspirados en Mickey Mouse, una colección de piezas únicas inspiradas en la personalidad, el diseño, los colores y más características del personaje.
Parte de la colección de Vans
En la Argentina, la diseñadora local Vero Ivaldi se unió para celebrar a Mickey con creaciones inspiradas en él que representan cada década de su historia. Celebridades locales participaron de una sesión fotográfica en edificios icónicos de la ciudad de Buenos Aires, luciendo las piezas. A su vez, la firma Lovely Denim creó una colección especial inspirada en Mickey, que estará disponible a partir del 21 de noviembre.
Juana Viale en el mirador de la Galería Güemes, con diseños de Vero Ivaldi (Foto: revista Gente)
En Ecuador los diseñadores Rosanna Queirolo y Gustavo Moscoso, lanzaron colaboraciones con piezas limitadas durante el mes de octubre. Por último, en julio pasado, Mickey y Minnie desfilaron sobre la pasarela de la Semana de la Moda de Colombia, acompañando a la reconocida diseñadora Isabel Caviedes en la presentación de Mickey Mouse Urban Citizen, su segunda colección inspirada en el querido ratón. La diseñadora hizo una reinterpretación posmoderna de Mickey, rescatando su espíritu a través de veinte looks.
A noventa años de aquella primera aparición en cine, Mickey Mouse ha recorrido un largo camino. Ha tocado las vidas de millones de fans e inspirado a artistas de todas las épocas, y su magia y su legado seguirán conquistando en el mundo entero a las generaciones que vendrán. Su celebración continuará en toda la región a lo largo de 2019, con diversas actividades y contenidos, diseñados para continuar festejando estos 90 años de relevancia en los recuerdos y experiencias de la familia Latinoamericana.
Difundir la felicidad en todo el mundo.
Título de la ilustración oficial para el 90º cumpleaños de Mickey, pintada por Mark Henn, legendario animador de los Estudios Disney
Las celebraciones han incluido acciones con la comunidad, eventos especiales dentro y fuera de la pantalla, y colaboraciones con artistas plásticos, diseñadores, fotógrafos, músicos, actores y celebridades de toda la región, unidos para rendir homenaje al personaje más icónico de Disney, que hizo su debut en pantalla el 18 de noviembre de 1928 en el cortometraje Steamboat Willie.
“Mickey no sólo es el personaje más querido por todas las generaciones, sino que atraviesa fronteras, idiomas y culturas. Ha sido una inspiración para infinidades de artistas en los últimos 90 años y al día de hoy se sigue manteniendo vigente -comentó Diego Lerner, presidente de The Walt Disney Company Latin America-. Es por eso que, con orgullo y emoción, celebramos su 90° aniversario en todos los rincones del planeta y desde distintas áreas de la Compañía”.
Una de las iniciativas globales que se enmarca dentro de los festejo de cumpleaños es #ShareYourEars, la campaña lanzada recientemente por Disney en apoyo de la fundación Make-A-Wish que invita a los fans alrededor del mundo a “compartir sus orejas” a través de las redes sociales. Hasta el 17 de noviembre, la Compañía donará a Make-A-Wish 5 dólares, hasta alcanzar un total de 2 millones de dólares, por cada foto publicada en la que se vean las orejas de Mickey Mouse.
Mickey, durante su recorrida por un hospital argentino de la provincia de Salta
En Latinoamérica, bajo el lema #DisneyAmorInfinito, se llevaron adelante numerosas iniciativas con la comunidad que reflejan cómo cada persona puede ser parte de una cadena de amor y construir, desde su lugar, un mundo mejor. En la Argentina, entre septiembre y noviembre de este año, Mickey Mouse visitó nueve hospitales infantiles de ese país para sorprender con risas y juegos a los niños y sus familias. A su vez, se realizó una campaña fotográfica que reunió a nueve celebridades locales con nueve representantes de ONGs y fundaciones benéficas, con el objetivo de dar visibilidad al trabajo de las organizaciones sociales.
Diego Topa también participó de la campaña fotográfica destinada a visibilizar el trabajo de distintas organizaciones sociales argentinas
En el Brasil, entre septiembre y octubre en shoppings selectos, se llevó a cabo una donación de juguetes para fundaciones benéficas. En Colombia, se lanzó “CelebrARTE”, una iniciativa de arte solidario junto a la Fundación Corazón Verde que, con el objetivo de colaborar en el acceso de los niños a la educación, reunió a más de 35 artistas plásticos para intervenir figuras de Mickey. En Perú, por último, se convocó al artista plástico Marcelo Wong para crear una colección inspirada en Mickey, destinando parte de lo recaudado con la venta de las piezas a los proyectos de Make-A-Wish Perú.
Una de las obras realizadas para CelebrARTE en Colombia
Celebrando con los fans Las celebraciones por el 90° aniversario de Mickey también incluyen acciones en pantalla, sobre el escenario, en plataformas digitales y más. A través de Radio Disney, artistas como David Bisbal, Carlos Vives y CNCO, entre otros, enviaron sus saludos y buenos deseos de cumpleaños para Mickey en una serie de videos para las plataformas digitales de la radio. También en digital está disponible Destino Mickey 90 una experiencia de realidad aumentada, que se puede vivir a través de Disney Scan (la aplicación se encuentra disponible de forma gratuita en App Store y Google Play).
En televisión, el 18 de noviembre, se estrenará en Disney Channel y Disney XD un nuevo cortometraje de Mickey Mouse titulado Surprise, el cual celebra este 90 aniversario. Por su parte Disney Junior contará con episodios especiales de Mickey: Aventuras sobre ruedas. Además, durante la última semana de diciembre se podrá ver en los canales Disney Mickey’s 90th Spectacular, el gran evento para celebrar el cumpleaños de Mickey que se emitió recientemente por ABC en Estados Unidos, con actuaciones musicales llenas de estrellas y tributos memorables para el disfrute de toda la familia.
Quienes viajen próximamente a los Estados Unidos podrán disfrutar de otros eventos especiales que se están llevando a cabo por estos días. En Nueva York, el pasado 8 de noviembre se inauguró Mickey: The True Original Exhibition, una muestra que reúne obras históricas y contemporáneas de destacados artistas, en una experiencia inmersiva inspirada en Mickey como un ícono único y su impacto en las artes y todas las disciplinas creativas.
Además, en Walt Disney World en Florida, habrá experiencias especiales en fechas selectas durante esta semana y en Disneyland Resort en California habrá festejos y varias sorpresas el próximo 18 de noviembre. En México, entre los festejos habrá un video mapping del 90° aniversario en Torre Latinoamericana, que tendrá lugar el 17 de noviembre. Radio Disney de Monterrey invitó a sus fans a realizar el armado de las icónicas orejas de Mickey con 909 personas el pasado 10 de noviembre.
En el Brasil, en tanto, Mickey estará presente en Comic Con Experience de San Pablo (CCXP) el próximo 8 de diciembre, con un panel en su honor, donde el animador mexicano Alonso Ramírez Ramos compartirá detalles sobre dos cortometrajes de Mickey creados por él: O futebol clássico y Carnaval. A su vez, en centros comerciales selectos de Brasil se realizarán eventos especiales hasta octubre de 2019, con foco en la trayectoria de Mickey.
En Santiago de Chile, el 13 de noviembre se inauguró una muestra en la cual nueve artistas crearon piezas únicas inspiradas en los 90 años de Mickey Mouse. La exhibición, abierta a todo público se encuentra en la plaza central del Mall Costanera Center. En Perú, los festejos tuvieron lugar a lo largo de octubre y principios de noviembre con Mickey a través del tiempo, un recorrido audiovisual por la historia de Mickey en los centros comerciales Plaza Norte y Mall del Sur. En Ecuador, por último, artistas locales participaron de una muestra de ilustraciones de Mickey sobre lienzo, exhibida en centros comerciales del país durante octubre y noviembre.
Mickey, visto por el peruano Jumping Lomo
Además, en toda la región, están disponibles productos de consumo de #Mickey90 en las categorías: publicaciones, hogar, bazar, ropa, accesorios, juguetes, regalaría y coleccionables, desarrollados con una guía de inspiración realizada por el equipo de Disney en Latinoamérica, para esta celebración.
Mickey a pura moda En el ámbito de la moda de Latinoamérica también hubo tributos y eventos especiales en homenaje a Mickey. En el Brasil, el icónico personaje fue protagonista durante este año de colaboraciones con marcas como Arezzo, Melissa, Avon y Havaianas entre otras, al tiempo que, junto a Minnie, se hizo presente en la pasarela de Sao Paulo Fashion Week en una colección especial de Água de Coco.
Mickey y Minnie en la pasarela de la Sao Paulo Fashion Week
En México, en tanto, la marca de tejidos Pay’s creó una colección inspirada en el 90° aniversario, al tiempo que las firmas Pink Magnolia y Vans, entre otras hicieron colaboraciones especiales con Disney. A su vez, catorce artistas mexicanos expertos en distintas disciplinas se unieron a la celebración de cumpleaños con Mexicanos inspirados en Mickey Mouse, una colección de piezas únicas inspiradas en la personalidad, el diseño, los colores y más características del personaje.
Parte de la colección de Vans
En la Argentina, la diseñadora local Vero Ivaldi se unió para celebrar a Mickey con creaciones inspiradas en él que representan cada década de su historia. Celebridades locales participaron de una sesión fotográfica en edificios icónicos de la ciudad de Buenos Aires, luciendo las piezas. A su vez, la firma Lovely Denim creó una colección especial inspirada en Mickey, que estará disponible a partir del 21 de noviembre.
Juana Viale en el mirador de la Galería Güemes, con diseños de Vero Ivaldi (Foto: revista Gente)
En Ecuador los diseñadores Rosanna Queirolo y Gustavo Moscoso, lanzaron colaboraciones con piezas limitadas durante el mes de octubre. Por último, en julio pasado, Mickey y Minnie desfilaron sobre la pasarela de la Semana de la Moda de Colombia, acompañando a la reconocida diseñadora Isabel Caviedes en la presentación de Mickey Mouse Urban Citizen, su segunda colección inspirada en el querido ratón. La diseñadora hizo una reinterpretación posmoderna de Mickey, rescatando su espíritu a través de veinte looks.
A noventa años de aquella primera aparición en cine, Mickey Mouse ha recorrido un largo camino. Ha tocado las vidas de millones de fans e inspirado a artistas de todas las épocas, y su magia y su legado seguirán conquistando en el mundo entero a las generaciones que vendrán. Su celebración continuará en toda la región a lo largo de 2019, con diversas actividades y contenidos, diseñados para continuar festejando estos 90 años de relevancia en los recuerdos y experiencias de la familia Latinoamericana.
November 12, 2018
"TOY STORY 4" SE ESTRENARÁ EN LA ARGENTINA EN JUNIO DE 2019
(Información de prensa) Los fieles amigos están de vuelta. Toy Story 4 (EE.UU., 2019) se estrenará en la Argentina en junio de 2019.
Dirigida por Josh Cooley, la película animada cuenta (en su versión original en inglés) con los talentos vocales de Tom Hanks (Woody), Tim Allen (Buzz Lightyear), Joan Cusack (Jessie), Blake Clark (Slinky), Wallace Shawn (Rex), John Ratzemberger (Ham), Estelle Harris (Sra. Cara de Papa), Jodi Benson (Barbie), Michael Keaton (Ken), Jeff Pidgeon (alienígenas), Kristen Schaal (Trixie), Laurie Metcalf (Sra. Davis), Bonnie Hunt (Dolly), Lori Alan (Julia Anderson), Jeff Garlin (Buttercup), Bud Luckey (el payaso Chuckles) y Annie Potts (Bo Peep), entre otros.
Woody siempre ha estado seguro acerca de su lugar en el mundo, y que su prioridad es cuidar a su niño, ya sea Andy o Bonnie.
Pero cuando Bonnie suma a su cuarto a Forky, un nuevo y reacio juguete, un viaje en ruta junto con viejos y nuevos amigos le enseñará a Woody cuán grande puede ser el mundo para un juguete.
Dirigida por Josh Cooley, la película animada cuenta (en su versión original en inglés) con los talentos vocales de Tom Hanks (Woody), Tim Allen (Buzz Lightyear), Joan Cusack (Jessie), Blake Clark (Slinky), Wallace Shawn (Rex), John Ratzemberger (Ham), Estelle Harris (Sra. Cara de Papa), Jodi Benson (Barbie), Michael Keaton (Ken), Jeff Pidgeon (alienígenas), Kristen Schaal (Trixie), Laurie Metcalf (Sra. Davis), Bonnie Hunt (Dolly), Lori Alan (Julia Anderson), Jeff Garlin (Buttercup), Bud Luckey (el payaso Chuckles) y Annie Potts (Bo Peep), entre otros.
Woody siempre ha estado seguro acerca de su lugar en el mundo, y que su prioridad es cuidar a su niño, ya sea Andy o Bonnie.
Pero cuando Bonnie suma a su cuarto a Forky, un nuevo y reacio juguete, un viaje en ruta junto con viejos y nuevos amigos le enseñará a Woody cuán grande puede ser el mundo para un juguete.
October 12, 2018
DOVLÁTOV: SÓLO CONTRA EL MUNDO
Dovlátov. Director: Aleksey German. Protagonistas: Milan Maric, Danila Kozlovsky, Helena Sujecka, Artur Beschastny, Elena Lyadova, Anton Shagin, Svetlana Khodchenkova, Piotr Gasowski, Eva Gerr y Hanna Sleszynska, entre otros. Guión: Aleksey German, Yulia Tupikina. SAGa / Metrafilms / Message Film / Art and Pop Corn. Polonia / Rusia / Serbia, 2018. Estreno en la Argentina: 11 de octubre de 2018. Serguéi Donátovich Dovlátov. Figura todavía desconocida por estos lares, este periodista y escritor ruso de ascendencia judía es, desde la publicación comercial de su obra en su propio país durante los ‘90, uno de los autores más respetados, admirados y leídos de las letras soviéticas contemporáneas. Lástima que él nunca pudo enterarse, ya que falleció en 1989 en los EE.UU., donde residía con un status de emigrado exilado.
Además de poner toda su vida en perspectiva, Dovlátov construye un fresco vívido, lánguido y doliente (y algo moroso, por momentos) de una Unión Soviética en constante expansión económica y opresión social. Con una apabullante belleza formal, el director Aleksey German reconstruye los alcances macros y micros de esa maquinaria gubernamental lanzada a instalar su relato casa por casa y cabeza por cabeza, antes de exportarlo al mundo.
Los dos planos de esta historia, el personal y el colectivo, confluyen durante los primeros seis días de noviembre de 1971 en Leningrado, cuando las políticas de Brézhnev inician un fuerte proceso de endurecimiento, persecución y anulación de cualquier tipo de disidencia artística contra el discurso oficial. Mientras la ciudad se ve ocupada por las gigantografías de los decorados que enmarcan las conmemoraciones de un nuevo aniversario de la Revolución, Dovlátov y su poeta amigo Joseph Brodsky (futuro ganador del Premio Nóbel) discuten y evalúan la posibilidad de un futuro a través de la emigración.
Dueño de un humor cínico y cargado de resentimiento, Dovlátov atiende dos problemáticos frentes de manera simultánea: Su crisis personal, signada por la sombra de un divorcio en puerta. Y su frustración profesional, marcada por la imposibilidad de acceder al mercado editorial debido a la naturaleza revulsiva (para el régimen) de su irónica prosa. En el entretanto anudará momentos de regocijo y de zozobra, puchereando artículos laudatorios para con el régimen, frecuentando la bohemia intelectual que se mueve al ritmo del jazz y el mercado negro de bienes culturales (y no tanto), mientras intenta conseguir una muñeca importada para su hija. Algo imposible de alcanzar en ese contexto, como el respeto al pensamiento crítico. Fernando Ariel García
Fernando Ariel García's Blog
- Fernando Ariel García's profile
- 14 followers
Fernando Ariel García isn't a Goodreads Author
(yet),
but they
do have a blog,
so here are some recent posts imported from
their feed.
