Fernando Ariel García's Blog, page 23
March 24, 2021
JULIA - L’UOMO DI BUENOS AIRES: MEMORIA, VERDAD Y JUSTICIA
Julia Nº48: L’uomo di Buenos Aires. Guion:Giancarlo Berardi y Maurizio Mantero, en base a un argumento de Giancarlo Berardi. Dibujos: Enio Leguizamón. Portada: Marco Soldi. 132 páginas en blanco y negro. Sergio Bonelli Editore. Italia, septiembre de 2002.
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Un día como hoy, hace 45 años, la Argentina entraba en el momento más oscuro de su historia contemporánea. Con el golpe de Estado encabezado por Videla, Massera y Agosti, se instalaron la tortura, el asesinato y la desaparición de personas, junto con un proceso virulento de desindustrialización y pauperización del país y sus habitantes. La historia de este Hombre de Buenos Aires que contó una de las editoriales más importantes del fumetto italiano, la Sergio Bonelli Editore, arranca esa misma noche en Buenos Aires y culmina 25 años después, en la ficticia ciudad de Garden City, a pocas horas de New York.
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El argumento tejido por Giancarlo Berardi y Maurizio Mantero se inscribe dentro del canon del policial de investigación, género al que adscriben la serie Julia y su protagonista, la joven criminóloga Julia Kendall. Y repite ciertas constantes temáticas en las que el cómic ha venido apoyando su sustento dramático por años: Las consecuencias en el presente de los hechos acaecidos en el pasado, juzgando el accionar particular de cada una de las personas sin involucrar a su colectivo de pertenencia.
El leitmotiv de la historia es la falta de Justicia para los delitos de lesa humanidad que se habían cometido en la Argentina durante la dictadura. En un momento (2001), en que las leyes de Punto Final y de Obediencia Debida todavía no habían sido anuladas; y los indultos otorgados por el presidente Carlos Menem seguían siendo constitucionales. Aún con el peso simbólico del histórico Juicio a las Juntas realizado por la Justicia civil argentina en 1985, durante el gobierno de Raúl Alfonsín, la sensación que campeaba (dentro y fuera de nuestras fronteras) era la de una instalada impunidad.
De ahí que la trama busque, deliberadamente, construir la idea de un trágico destino borgeano para Daniel Ortega, hijo de desaparecidos reconvertido en killer profesional que, vaya uno a saber cómo, logró ubicar en los EE.UU. al militar genocida que asesinó a sus padres Y allí va, en vuelo de Aerolíneas Argentinas, a matar al antiguo capitán Pedrazzi, oculto tras su nueva identidad de probo profesor universitario gracias a la intervención del FBI y la CIA. Es cierto que este clásico intercambio de roles (momentáneo) entre víctima y victimario, ayuda a generar conciencia entre los lectores europeos sobre el drama vivido por los hijos de desaparecidos, pero ante los ojos argentinos no deja de leerse como otra innecesaria convalidación de la teoría de los dos demonios.
Por suerte para todos, ahí están los dibujos del argentino Enio Legizamón (1942-2011) y la intervención final de Julia, que sirven para poner las cosas en su justo lugar. Con sensibilidad y crudeza, exponen las violaciones a los derechos humanos que llevaron adelante los militares, las razzias, los secuestros, los vuelos de la muerte. Y la imperiosa necesidad, en ese entonces, de resolver tanto dolor apelando a tribunales internacionales. Porque si algo deja en claro este notable Hombre de Buenos Aires es que la venganza puede llegar a funcionar como pobre paliativo ante la injusticia generalizada. Pero la única cura real sólo puede llegar bajo el imperio de la Verdad, la Memoria y la Justicia.Fernando Ariel Garcíaa 45 años del Golpe de Estado del 24 de marzo de 1976
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Un día como hoy, hace 45 años, la Argentina entraba en el momento más oscuro de su historia contemporánea. Con el golpe de Estado encabezado por Videla, Massera y Agosti, se instalaron la tortura, el asesinato y la desaparición de personas, junto con un proceso virulento de desindustrialización y pauperización del país y sus habitantes. La historia de este Hombre de Buenos Aires que contó una de las editoriales más importantes del fumetto italiano, la Sergio Bonelli Editore, arranca esa misma noche en Buenos Aires y culmina 25 años después, en la ficticia ciudad de Garden City, a pocas horas de New York.
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El argumento tejido por Giancarlo Berardi y Maurizio Mantero se inscribe dentro del canon del policial de investigación, género al que adscriben la serie Julia y su protagonista, la joven criminóloga Julia Kendall. Y repite ciertas constantes temáticas en las que el cómic ha venido apoyando su sustento dramático por años: Las consecuencias en el presente de los hechos acaecidos en el pasado, juzgando el accionar particular de cada una de las personas sin involucrar a su colectivo de pertenencia.
El leitmotiv de la historia es la falta de Justicia para los delitos de lesa humanidad que se habían cometido en la Argentina durante la dictadura. En un momento (2001), en que las leyes de Punto Final y de Obediencia Debida todavía no habían sido anuladas; y los indultos otorgados por el presidente Carlos Menem seguían siendo constitucionales. Aún con el peso simbólico del histórico Juicio a las Juntas realizado por la Justicia civil argentina en 1985, durante el gobierno de Raúl Alfonsín, la sensación que campeaba (dentro y fuera de nuestras fronteras) era la de una instalada impunidad.
De ahí que la trama busque, deliberadamente, construir la idea de un trágico destino borgeano para Daniel Ortega, hijo de desaparecidos reconvertido en killer profesional que, vaya uno a saber cómo, logró ubicar en los EE.UU. al militar genocida que asesinó a sus padres Y allí va, en vuelo de Aerolíneas Argentinas, a matar al antiguo capitán Pedrazzi, oculto tras su nueva identidad de probo profesor universitario gracias a la intervención del FBI y la CIA. Es cierto que este clásico intercambio de roles (momentáneo) entre víctima y victimario, ayuda a generar conciencia entre los lectores europeos sobre el drama vivido por los hijos de desaparecidos, pero ante los ojos argentinos no deja de leerse como otra innecesaria convalidación de la teoría de los dos demonios.
Por suerte para todos, ahí están los dibujos del argentino Enio Legizamón (1942-2011) y la intervención final de Julia, que sirven para poner las cosas en su justo lugar. Con sensibilidad y crudeza, exponen las violaciones a los derechos humanos que llevaron adelante los militares, las razzias, los secuestros, los vuelos de la muerte. Y la imperiosa necesidad, en ese entonces, de resolver tanto dolor apelando a tribunales internacionales. Porque si algo deja en claro este notable Hombre de Buenos Aires es que la venganza puede llegar a funcionar como pobre paliativo ante la injusticia generalizada. Pero la única cura real sólo puede llegar bajo el imperio de la Verdad, la Memoria y la Justicia.Fernando Ariel Garcíaa 45 años del Golpe de Estado del 24 de marzo de 1976
March 19, 2021
LIGA DE LA JUSTICIA: AGUA Y ACEITE
Liga de la Justicia. Directores: Zack Snyder, Joss Whedon (no acreditado). Protagonistas: Ben Affleck (Bruce Wayne / Batman), Henry Cavill (Clark Kent / Superman), Gal Gadot (Diana Prince / Mujer Maravilla), Ezra Miller (Barry Allen / Flash); Jason Momoa (Arthur Curry / Aquaman), Ray Fisher (Victor Stone / Cyborg), Amy Adams (Lois Lane), Jeremy Irons (Alfred Pennyworth), Diane Lane (Martha Kent), Connie Nielsen (reina Hippolyta), J.K. Simmons (comisionado James Gordon), Ciarán Hinds (Steppenwolf), Amber Heard (Mera) y Joe Morton (Silas Stone). Participaciones especiales de Jesse Eisenberg (Lex Luthor), Joe Manganiello (Slade Wilson / Deathstroke) y Billy Crudup (Henry Allen, no acreditado). Guionistas: Chris Terrio y Joss Whedon, sobre una historia original de Chris Terrio y Zack Snyder, basados en personajes y situaciones de los cómics de DC. Productores: Christopher Nolan, Ben Affleck, Deborah Snyder, Geoff Johns. Warner Bros. Pictures / RatPac-Dune Entertainment / DC Films / Atlas Entertainment / Cruel and Unusual Films. EE.UU., 2017. Estreno en la Argentina: 16 de noviembre de 2017. Disponible en Netflix.
No me llevo con el cine de Zack Snyder. Todo bien con sus exquisitas elecciones estéticas, por más oscuras, asfixiantes y ralentadas que se muestren. Es su faraónica cosmovisión cinematográfica la que me parece declamativa, pomposa, pretenciosa, falsa, con ínfulas de un trascendente existencialismo que, en el fondo, se me hace la nada misma. Le reconozco el amor que pueda sentir por la materia historietística a la que vuelve una y otra vez (300, Watchmen, el Universo Cinematográfico de DC), pero cuando veo sus obras sólo veo la impotente puesta en escena de un ataque de rabia, furia y heroica superación de la derrota. No le creo nada. Es un problema mío, obvio, no de él.
Sin embargo, debo reconocer que tengo muchas ganas de ver su versión de Liga de la Justicia (Justice League), el film de 2017 del cual se alejó por razones personales más que justificadas; y que acaba de terminar para el servicio de streaming de HBO. Por eso, decidí sentarme primero frente a la versión original, terminada por Joss Whedon con un encargo puntual de los estudios Warner: Mantener la escala épica de la trama, pero alejándola todo lo posible del blindaje dramático que cargaba el Universo Cinematográfico de DC para acercarla al espíritu de ligera comicidad que el propio Whedon había ayudado a patentar como marca indeleble del Universo Cinematográfico de Marvel.
Ahí, me parece, se firmó la sentencia de muerte de la película. Los dos registros no encajan, no cuajan. De hecho, me animaría a decir que se rechazan, se expulsan, se contradicen mutuamente. En la superficie, la identidad corre de manera visual armoniosa y unívoca, pero en el fondo colisiona una y otra vez, dejando fuera de juego a los personajes y la sensación de credibilidad que buscan crear los actores.
El otro problema tiene que ver con el imperativo narrativo de quemar calorías a toda velocidad, para alcanzar el peso ideal y necesario para contar lo que se pretende contar. Lo que pasa es que el Universo Cinematográfico de Marvel llegó a los Avengers después de todo un periodo de instalación individual de personajes y subtramas; y el Universo Cinematográfico de DC prácticamente arranca con esta Liga de la Justicia. De ahí la necesidad de apurar las presentaciones de Flash, Aquaman y Cyborg, sus entornos y características, antes de pasar a la conformación de la Liga. Sin olvidar que, en el medio, tiene que resucitar al Hombre de Acero, que había palmado al final de Batman vs. Superman: El origen de la Justicia y que, además, pretende incorporar el mosaico al armado global de un universo ficticio mucho más amplio y extenso, capaz de albergar a un Linterna Verde que no pincha ni corta; y a un Darkseid del que se habla sin consecuencias.
Liga de la Justicia es un experimento fallido, que funciona por partes. Como el agua y el aceite, las perspectivas de Snyder y Whedon parecen emulsionarse cuando se mueven sin ton ni son. Pero en cuanto para el batido, las partes tienden a separarse inexorablemente. La película no se beneficia de esta situación, la sufre. Y con ella, los espectadores como yo. Fernando Ariel García
No me llevo con el cine de Zack Snyder. Todo bien con sus exquisitas elecciones estéticas, por más oscuras, asfixiantes y ralentadas que se muestren. Es su faraónica cosmovisión cinematográfica la que me parece declamativa, pomposa, pretenciosa, falsa, con ínfulas de un trascendente existencialismo que, en el fondo, se me hace la nada misma. Le reconozco el amor que pueda sentir por la materia historietística a la que vuelve una y otra vez (300, Watchmen, el Universo Cinematográfico de DC), pero cuando veo sus obras sólo veo la impotente puesta en escena de un ataque de rabia, furia y heroica superación de la derrota. No le creo nada. Es un problema mío, obvio, no de él.
Sin embargo, debo reconocer que tengo muchas ganas de ver su versión de Liga de la Justicia (Justice League), el film de 2017 del cual se alejó por razones personales más que justificadas; y que acaba de terminar para el servicio de streaming de HBO. Por eso, decidí sentarme primero frente a la versión original, terminada por Joss Whedon con un encargo puntual de los estudios Warner: Mantener la escala épica de la trama, pero alejándola todo lo posible del blindaje dramático que cargaba el Universo Cinematográfico de DC para acercarla al espíritu de ligera comicidad que el propio Whedon había ayudado a patentar como marca indeleble del Universo Cinematográfico de Marvel.
Ahí, me parece, se firmó la sentencia de muerte de la película. Los dos registros no encajan, no cuajan. De hecho, me animaría a decir que se rechazan, se expulsan, se contradicen mutuamente. En la superficie, la identidad corre de manera visual armoniosa y unívoca, pero en el fondo colisiona una y otra vez, dejando fuera de juego a los personajes y la sensación de credibilidad que buscan crear los actores.
El otro problema tiene que ver con el imperativo narrativo de quemar calorías a toda velocidad, para alcanzar el peso ideal y necesario para contar lo que se pretende contar. Lo que pasa es que el Universo Cinematográfico de Marvel llegó a los Avengers después de todo un periodo de instalación individual de personajes y subtramas; y el Universo Cinematográfico de DC prácticamente arranca con esta Liga de la Justicia. De ahí la necesidad de apurar las presentaciones de Flash, Aquaman y Cyborg, sus entornos y características, antes de pasar a la conformación de la Liga. Sin olvidar que, en el medio, tiene que resucitar al Hombre de Acero, que había palmado al final de Batman vs. Superman: El origen de la Justicia y que, además, pretende incorporar el mosaico al armado global de un universo ficticio mucho más amplio y extenso, capaz de albergar a un Linterna Verde que no pincha ni corta; y a un Darkseid del que se habla sin consecuencias.
Liga de la Justicia es un experimento fallido, que funciona por partes. Como el agua y el aceite, las perspectivas de Snyder y Whedon parecen emulsionarse cuando se mueven sin ton ni son. Pero en cuanto para el batido, las partes tienden a separarse inexorablemente. La película no se beneficia de esta situación, la sufre. Y con ella, los espectadores como yo. Fernando Ariel García
March 2, 2021
"8½", DE FEDERICO FELLINI, SE RE-ESTRENA EN LA ARGENTINA EL 4 DE MARZO, EN COPIA TOTALMENTE REMASTERIZADA
(Información de prensa) Después de
La dolce vita
; y con copia totalmente remasterizada en 4K, 8½ (Italia, 1963), otro clásico inoxidable de Federico Fellini, se re-estrena en la Argentina el 4 de marzo, tras la reapertura de las salas cinematográficas en distintos puntos del país.
La película, ganadora del Oscar a la Mejor Producción de habla no inglesa, está protagonizada por Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo, Rossella Falk, Barbara Steele, Mario Pisu, Guido Alberti, Madeleine LeBeau, Caterina Boratto, Annibale Ninchi, Giuditta Rissone, Eddra Gale, Tito Masini, Nadine Sanders, Georgia Simmons, Hazel Rogers, Riccardo Guglielmi, Giulio Paradisi, Maria Antonietta Beluzzi, Polidor, Maria Wertmuller, Rossella Como y Nino Rota.
Después de obtener un éxito rotundo, un director de cine atraviesa una crisis de creatividad e intenta inútilmente hacer una nueva película. En esta situación, empieza a revisar los hechos más importantes de su vida y a recordar a todas las mujeres a las que ha amado.
Dijo la crítica:Michael Newton (The Guardian): Una obra maestra. En su mejor versión, las películas de Fellini muestran un equilibrio perfecto entre la fantasía y la realidad. Y en ninguna parte esto es más evidente que en su clásico autobiográfico, 8½.
Bosley Crowther (The New York Times): Una pieza de entretenimiento que realmente te hará reincorporarte en tu butaca y pensar. Una película dotada del reto de un fascinante juego intelectual establece un ego laberíntico para los que se atrevan a reflexionar y explorarlo, entregando algunas elegantes joyas de ingenio y sátira por el camino.
Roger Ebert: 8½ es la mejor película sobre cine que se ha hecho. Todas las imágenes (reales, recordadas, inventadas) se unen en una de las películas más estructuralmente consistentes de Fellini.
Jonathan Rosenbaum (Chicago Reader): Hilarante y acumulativamente original. Lo más maravilloso e inventivo que se haya hecho nunca.
Tara Brady (Irish Times): La alucinógena obra maestra de Fellini es la más película de las películas. Es una obra que nunca deja de recompensarte y sorprenderte. Puntuación: 5 (sobre 5).
Max O'Connell (IndieWire): Una de las mejores películas sobre cine, es crítica con la presuntuosidad y la inmadurez de su director al mismo tiempo que celebra las posibilidades del medio.
La película, ganadora del Oscar a la Mejor Producción de habla no inglesa, está protagonizada por Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo, Rossella Falk, Barbara Steele, Mario Pisu, Guido Alberti, Madeleine LeBeau, Caterina Boratto, Annibale Ninchi, Giuditta Rissone, Eddra Gale, Tito Masini, Nadine Sanders, Georgia Simmons, Hazel Rogers, Riccardo Guglielmi, Giulio Paradisi, Maria Antonietta Beluzzi, Polidor, Maria Wertmuller, Rossella Como y Nino Rota.
Después de obtener un éxito rotundo, un director de cine atraviesa una crisis de creatividad e intenta inútilmente hacer una nueva película. En esta situación, empieza a revisar los hechos más importantes de su vida y a recordar a todas las mujeres a las que ha amado.
Dijo la crítica:Michael Newton (The Guardian): Una obra maestra. En su mejor versión, las películas de Fellini muestran un equilibrio perfecto entre la fantasía y la realidad. Y en ninguna parte esto es más evidente que en su clásico autobiográfico, 8½.
Bosley Crowther (The New York Times): Una pieza de entretenimiento que realmente te hará reincorporarte en tu butaca y pensar. Una película dotada del reto de un fascinante juego intelectual establece un ego laberíntico para los que se atrevan a reflexionar y explorarlo, entregando algunas elegantes joyas de ingenio y sátira por el camino.
Roger Ebert: 8½ es la mejor película sobre cine que se ha hecho. Todas las imágenes (reales, recordadas, inventadas) se unen en una de las películas más estructuralmente consistentes de Fellini. 
Jonathan Rosenbaum (Chicago Reader): Hilarante y acumulativamente original. Lo más maravilloso e inventivo que se haya hecho nunca.
Tara Brady (Irish Times): La alucinógena obra maestra de Fellini es la más película de las películas. Es una obra que nunca deja de recompensarte y sorprenderte. Puntuación: 5 (sobre 5). 
Max O'Connell (IndieWire): Una de las mejores películas sobre cine, es crítica con la presuntuosidad y la inmadurez de su director al mismo tiempo que celebra las posibilidades del medio.
March 1, 2021
ESCENA VISUAL ACCESIBLE PARA EL TEATRO NACIONAL CERVANTES
(Información de prensa) En el inicio de la temporada 2021 el Teatro Nacional Cervantes (TNC) proyecta un conjunto de acciones dentro del programa TNC Accesible que profundiza el plan iniciado en 2018 (audiodescripción introductoria, visita táctil previa a la función, código QR para los programas de mano, aro magnético, subtitulado closed caption).
La primera acción será el proyecto Escena Visual Accesible, que llevará la lengua de señas en el ámbito teatral a otro nivel. Se trata de un conjunto de actrices y actores señantes, oyentes y sordos, que encarnan una nueva propuesta de accesibilidad a la ficción teatral en Lengua de Señas Argentina -LSA- (en formato audiovisual en tiempos de pandemia).
El trabajo consiste en que los actores y las actrices señantes no solo comuniquen con lengua de señas sino que además interpreten a los personajes que se presentan en la obra. Este es el rasgo diferenciador de otras propuestas que son eficaces en contextos de discursos periodísticos o pedagógicos, pero no en los teatrales.
Esta modalidad amplía el campo de derecho a la accesibilidad de las personas sordas usuarias de la LSA y se presenta como laboratorio de investigación en las formas visuales de la producción escénica.
En esta oportunidad, se abordará una selección de 10 obras del ciclo Nuestro Teatro que están siendo filmadas para su estreno en el canal Cervantes Online.A continuación, el detalle de las obras que se presentarán en este formato:
Al hueso. Esta es la historia de dos hermanas. La gran casa familiar donde vivieron está siendo demolida. Ahora ellas transcurren sus días, deambulando entre muebles viejos y escombros, recordando un pasado incierto, lleno de pasiones y amores de juventud, acontecimientos políticos y la oscura sensación de un remoto dolor. En el acto mismo de contar su historia encontrarán la llave para intentar liberarse de su antiguo trauma histórico. Escrita por Santiago Dejesus. Dirigida por Pompeyo Audivert. Con Julieta Carrera, Claudio Da Passano y Malena Solda. Actrices señantes: Gabriela Bianco, Daniela Fortunato y Natalia Tesone.
La ilusión del rubio. Facundo Rivera Alegre es un joven cordobés desaparecido en la ciudad de Córdoba el domingo 19 de febrero de 2012, a los 19 años de edad. La noche del sábado salió a un baile de cuarteto y no volvió más. En 2015 la Justicia de Córdoba, luego de un juicio plagado de irregularidades, dicta sentencia declarando culpable de homicidio doblemente agravado a un joven del barrio Maldonado. La investigación se detuvo y Facundo sigue desaparecido. Sus familiares y amigxs lo siguen buscando. Escrita por Santiago San Paulo. Dirigida por Gastón Marioni. Con Martín Slipak. Actor señante: Yomike González.
Puzzle. Dos hombres se encuentran ante un banco de alguna plaza. Ambos dicen haberlo alquilado ese exacto día para contemplar la puesta del sol. Discuten. Descubren asombrados que no saben nada de sí mismos, pero lo saben todo del otro. Ansiosos por conocer sus identidades, las construyen, revelando cada uno los secretos más recónditos del otro, cosiendo retazos de recuerdos ajenos. Y así, armando mutuamente el rompecabezas de sus identidades se revelan criminales en constante y solitaria huida. Deseosos de confesar sus crímenes pero impotentes por su amnesia. Deciden entonces cambiar sus identidades, las que suponen iguales como gotas de agua, y confesar el crimen ajeno. Encuentran así el camino para -al mismo tiempo- burlar a la justicia que los persigue y expiar sus culpas. Escrita por Sergio Omar Lopardo. Dirigida por Santiago Doria. Con Osmar Núñez y Jorge Suárez. Actrices señantes: Daniela Fortunato y Gabriela Bianco.
La imprenta. Sabido es que Sarmiento llevó una pesada imprenta al Ejército Grande de Urquiza para imprimir boletines de campaña. Dos gauchos, la absoluta retaguardia, van empujando ese ariete destinado a acabar con ellos mismos. Escrita por Gabriel Graves. Dirigida por Guillermo Guio. Con Néstor Caniglia, Marcos Montes y Carlos Portaluppi. Actrices señantes: Daniela Fortunato, Gabriela Bianco y Gisela Vetrisano.
El derecho de las cosas. Las tensiones, los argumentos, el progresismo sensible intentando explicar por qué no se pudo y por otro lado el reclamo por una herencia llena de “formas naturales” que enmascaran las construcciones de la injusticia, la desigualdad y la idea de que el mundo es para los fuertes. A La Chica y a Jean Paul los separan 40 años y los acerca, además de la vecindad, quizás la posibilidad de ponerse en camino hacia una comunidad de lo múltiple. Puede fallar. Escrita por Guillermo Arengo. Dirigida por Analía Couceyro. Con Daniel Fanego y Camila Santini. Actrices señantes: Daniela Fortunato y Natalia Tesone.
Camarín 19. Dos consagradas divas de la escena nacional son convocadas para representar su clásico show en un gran teatro. La experiencia en el camarín les indica que no todo saldrá como lo esperan. Paleolíticas y monumentales como son, ellas también deberán adaptarse a una nueva realidad. Escrita por Vera Czemerinski. Dirigida por Alejandra Flechner. Con Noralih Gago y Vanesa Maja. Actrices señantes: Daniela Fortunato y Natalia Tesone.
Esa iglesia llena de enemigos armados hasta los dientes. Un sargento y un soldado raso cubiertos detrás de una trinchera son los únicos sobrevivientes de su pelotón. Del otro lado, una iglesia de un pequeño poblado atestada de enemigos armados hasta los dientes. La misión, tomar la iglesia y acabar con el enemigo. El objetivo no será nada fácil, ya que antes se debatirán sobre el bien y el mal, los privilegios de clase y el orden establecido de las cosas. Escrita por Agustín Sáiz. Dirigida por Emiliano Dionisi. Con Daniel Casablanca y Julián Ponce Campos Actor y actriz señantes: Yomike González y Gisela Vetrisano.
El rumor de las palomas. En la vida en común de una pareja, todo puede ser importante o decididamente ingrávido. Los hechos puntuales pueden afianzar la unión, o con el transcurrir de los días en convivencia, cambiarla por completo. Un gesto, una palabra, una acción o una omisión a veces adquieren un peso insoportable. Ángela y Benicio lo saben. Cuatro días en la historia de ambos en los que en un segundo, el vínculo íntegro puede mutar inexorablemente. Todo es impermanente, excepto el rumor de las palomas. Escrita por Mario Costello. Dirigida por Lorena Romanin. Con Vanesa González y Juan Tupac Soler. Actrices señantes: Daniela Fortunato y Natalia Tesone.
El presente de Eduardo. Escrita por Juan Felipe Villanueva. Dirigida por Guillermo Hermida. Con Horacio Acosta, Guido Botto Fiora, Adriana Ferrer y Roberto Peloni. Actrices señantes: Gabriela Bianco, Gisela Vetrisano y Natalia Tesone.Esto no es una emergencia. Escrita por Nancy Lago. Dirigida por Vilma Rodríguez. Con Eugenia Alonso, Paula Fernández Mbarak y Julieta Vallina. Actrices señantes: Daniela Fortunato, Gabriela Bianco y Natalia Tesone.
Programa TNC AccesibleCoordinación General: Sonia Jaroslavsky y Brenda Lucía Carlini.
Proyecto Nuestro Teatro - Escena Visual Accesible - (LSA)Dirección: Gabriela Bianco.Asistencia: Karo Torre.Producción TNC: Lucía Quintana.
La primera acción será el proyecto Escena Visual Accesible, que llevará la lengua de señas en el ámbito teatral a otro nivel. Se trata de un conjunto de actrices y actores señantes, oyentes y sordos, que encarnan una nueva propuesta de accesibilidad a la ficción teatral en Lengua de Señas Argentina -LSA- (en formato audiovisual en tiempos de pandemia).
El trabajo consiste en que los actores y las actrices señantes no solo comuniquen con lengua de señas sino que además interpreten a los personajes que se presentan en la obra. Este es el rasgo diferenciador de otras propuestas que son eficaces en contextos de discursos periodísticos o pedagógicos, pero no en los teatrales.
Esta modalidad amplía el campo de derecho a la accesibilidad de las personas sordas usuarias de la LSA y se presenta como laboratorio de investigación en las formas visuales de la producción escénica.
En esta oportunidad, se abordará una selección de 10 obras del ciclo Nuestro Teatro que están siendo filmadas para su estreno en el canal Cervantes Online.A continuación, el detalle de las obras que se presentarán en este formato:
Al hueso. Esta es la historia de dos hermanas. La gran casa familiar donde vivieron está siendo demolida. Ahora ellas transcurren sus días, deambulando entre muebles viejos y escombros, recordando un pasado incierto, lleno de pasiones y amores de juventud, acontecimientos políticos y la oscura sensación de un remoto dolor. En el acto mismo de contar su historia encontrarán la llave para intentar liberarse de su antiguo trauma histórico. Escrita por Santiago Dejesus. Dirigida por Pompeyo Audivert. Con Julieta Carrera, Claudio Da Passano y Malena Solda. Actrices señantes: Gabriela Bianco, Daniela Fortunato y Natalia Tesone.
La ilusión del rubio. Facundo Rivera Alegre es un joven cordobés desaparecido en la ciudad de Córdoba el domingo 19 de febrero de 2012, a los 19 años de edad. La noche del sábado salió a un baile de cuarteto y no volvió más. En 2015 la Justicia de Córdoba, luego de un juicio plagado de irregularidades, dicta sentencia declarando culpable de homicidio doblemente agravado a un joven del barrio Maldonado. La investigación se detuvo y Facundo sigue desaparecido. Sus familiares y amigxs lo siguen buscando. Escrita por Santiago San Paulo. Dirigida por Gastón Marioni. Con Martín Slipak. Actor señante: Yomike González.
Puzzle. Dos hombres se encuentran ante un banco de alguna plaza. Ambos dicen haberlo alquilado ese exacto día para contemplar la puesta del sol. Discuten. Descubren asombrados que no saben nada de sí mismos, pero lo saben todo del otro. Ansiosos por conocer sus identidades, las construyen, revelando cada uno los secretos más recónditos del otro, cosiendo retazos de recuerdos ajenos. Y así, armando mutuamente el rompecabezas de sus identidades se revelan criminales en constante y solitaria huida. Deseosos de confesar sus crímenes pero impotentes por su amnesia. Deciden entonces cambiar sus identidades, las que suponen iguales como gotas de agua, y confesar el crimen ajeno. Encuentran así el camino para -al mismo tiempo- burlar a la justicia que los persigue y expiar sus culpas. Escrita por Sergio Omar Lopardo. Dirigida por Santiago Doria. Con Osmar Núñez y Jorge Suárez. Actrices señantes: Daniela Fortunato y Gabriela Bianco.
La imprenta. Sabido es que Sarmiento llevó una pesada imprenta al Ejército Grande de Urquiza para imprimir boletines de campaña. Dos gauchos, la absoluta retaguardia, van empujando ese ariete destinado a acabar con ellos mismos. Escrita por Gabriel Graves. Dirigida por Guillermo Guio. Con Néstor Caniglia, Marcos Montes y Carlos Portaluppi. Actrices señantes: Daniela Fortunato, Gabriela Bianco y Gisela Vetrisano.
El derecho de las cosas. Las tensiones, los argumentos, el progresismo sensible intentando explicar por qué no se pudo y por otro lado el reclamo por una herencia llena de “formas naturales” que enmascaran las construcciones de la injusticia, la desigualdad y la idea de que el mundo es para los fuertes. A La Chica y a Jean Paul los separan 40 años y los acerca, además de la vecindad, quizás la posibilidad de ponerse en camino hacia una comunidad de lo múltiple. Puede fallar. Escrita por Guillermo Arengo. Dirigida por Analía Couceyro. Con Daniel Fanego y Camila Santini. Actrices señantes: Daniela Fortunato y Natalia Tesone.
Camarín 19. Dos consagradas divas de la escena nacional son convocadas para representar su clásico show en un gran teatro. La experiencia en el camarín les indica que no todo saldrá como lo esperan. Paleolíticas y monumentales como son, ellas también deberán adaptarse a una nueva realidad. Escrita por Vera Czemerinski. Dirigida por Alejandra Flechner. Con Noralih Gago y Vanesa Maja. Actrices señantes: Daniela Fortunato y Natalia Tesone.
Esa iglesia llena de enemigos armados hasta los dientes. Un sargento y un soldado raso cubiertos detrás de una trinchera son los únicos sobrevivientes de su pelotón. Del otro lado, una iglesia de un pequeño poblado atestada de enemigos armados hasta los dientes. La misión, tomar la iglesia y acabar con el enemigo. El objetivo no será nada fácil, ya que antes se debatirán sobre el bien y el mal, los privilegios de clase y el orden establecido de las cosas. Escrita por Agustín Sáiz. Dirigida por Emiliano Dionisi. Con Daniel Casablanca y Julián Ponce Campos Actor y actriz señantes: Yomike González y Gisela Vetrisano.
El rumor de las palomas. En la vida en común de una pareja, todo puede ser importante o decididamente ingrávido. Los hechos puntuales pueden afianzar la unión, o con el transcurrir de los días en convivencia, cambiarla por completo. Un gesto, una palabra, una acción o una omisión a veces adquieren un peso insoportable. Ángela y Benicio lo saben. Cuatro días en la historia de ambos en los que en un segundo, el vínculo íntegro puede mutar inexorablemente. Todo es impermanente, excepto el rumor de las palomas. Escrita por Mario Costello. Dirigida por Lorena Romanin. Con Vanesa González y Juan Tupac Soler. Actrices señantes: Daniela Fortunato y Natalia Tesone.
El presente de Eduardo. Escrita por Juan Felipe Villanueva. Dirigida por Guillermo Hermida. Con Horacio Acosta, Guido Botto Fiora, Adriana Ferrer y Roberto Peloni. Actrices señantes: Gabriela Bianco, Gisela Vetrisano y Natalia Tesone.Esto no es una emergencia. Escrita por Nancy Lago. Dirigida por Vilma Rodríguez. Con Eugenia Alonso, Paula Fernández Mbarak y Julieta Vallina. Actrices señantes: Daniela Fortunato, Gabriela Bianco y Natalia Tesone.
Programa TNC AccesibleCoordinación General: Sonia Jaroslavsky y Brenda Lucía Carlini.
Proyecto Nuestro Teatro - Escena Visual Accesible - (LSA)Dirección: Gabriela Bianco.Asistencia: Karo Torre.Producción TNC: Lucía Quintana.
February 12, 2021
"SOLANAS EN FILMACIÓN" SE ESTRENA EL 18 DE FEBRERO EN LA WEB DE PUENTES DE CINE
(Información de prensa) El cine desde adentro. Solanas en filmación (Argentina / Francia, 1993) se estrena el 18 de febrero en la web de Puentes de Cine. El documental de Dolly Pussi y Enrique Muzio, que hasta hace muy poco se consideraba perdido, será exhibido en conmemoración del natalicio de Pino Solanas.
Durante el rodaje de la película El viaje (1992) el hoy reconocido fotógrafo Marcos López registró con una cámara de video todo el proceso de su realización. Con cientos de horas de material, Dolly Pussi y Enrique Muzio, junto al trabajo de montaje de Mario Berardi y los textos de Horacio González, realizaron esta película que muestra en acción a uno de los grandes directores del cine argentino, el recientemente fallecido Fernando Pino Solanas.
Perdida por muchos años y encontrada por Fernando Madedo, el film permanecía inédito en Latinoamérica hasta ahora, que se estrena en el marco de la conmemoración del natalicio del director de La hora de los hornos, entre otras joyas del cine nacional.
A lo largo de toda su vida, la militancia y el compromiso político de Pino Solanas estuvieron íntimamente ligados a su actividad artística. En 1962 realizó su primer cortometraje de ficción, Seguir andando, dando forma su casa de producción.
De forma clandestina, en 1968 concretó su primer largometraje, La hora de los hornos, trilogía documental sobre el neocolonialismo y la violencia en el país y América Latina, que obtuvo múltiples premios internacionales y se difundió en más de 70 países. En 1969 fundó el grupo Cine Liberación junto con Octavio Getino, siendo convocado en 1971 por Juan Domingo Perón para filmar en Madrid sus dos testimonios cinematográficos: La Revolución Justicialista y Actualización Doctrinaria para la toma del poder.
La filmografía de Solanas incluye también a Los hijos de Fierro (1975), La mirada de los otros (1980), Tangos… El exilio de Gardel (1985), Sur (1987), El viaje (1992), La nube (1998), Memoria del saqueo (2003), La dignidad de los nadies (2005), Argentina latente (2006), La próxima estación (2008), Tierra sublevada: Oro impuro (2009), Tierra sublevada 2: Oro negro (2011), La guerra del fracking (2013), El legado estratégico de Juan Perón (2016) y Viaje a los pueblos fumigados (2018), que fue su último largometraje estrenado. En 2020 había concluido Tres a la deriva, que será estrenada de forma póstuma durante 2021.
Cómo ver Solanas en filmación: A partir del jueves 18 de febrero de 2021, ingresando a la "Sala de Cine Virtual", dentro de la web de Puentes de Cine. Primero en el Home del Cine Virtual, clickeando en el film; y luego en ver película. El espectador debe registrarse con su usuario de la plataforma. El pago de la entrada de $ 160 y se hace vía Mercado Pago, tarjeta de débito o crédito. La entrada tiene una duración de 24 horas.
Durante el rodaje de la película El viaje (1992) el hoy reconocido fotógrafo Marcos López registró con una cámara de video todo el proceso de su realización. Con cientos de horas de material, Dolly Pussi y Enrique Muzio, junto al trabajo de montaje de Mario Berardi y los textos de Horacio González, realizaron esta película que muestra en acción a uno de los grandes directores del cine argentino, el recientemente fallecido Fernando Pino Solanas.
Perdida por muchos años y encontrada por Fernando Madedo, el film permanecía inédito en Latinoamérica hasta ahora, que se estrena en el marco de la conmemoración del natalicio del director de La hora de los hornos, entre otras joyas del cine nacional.
A lo largo de toda su vida, la militancia y el compromiso político de Pino Solanas estuvieron íntimamente ligados a su actividad artística. En 1962 realizó su primer cortometraje de ficción, Seguir andando, dando forma su casa de producción.
De forma clandestina, en 1968 concretó su primer largometraje, La hora de los hornos, trilogía documental sobre el neocolonialismo y la violencia en el país y América Latina, que obtuvo múltiples premios internacionales y se difundió en más de 70 países. En 1969 fundó el grupo Cine Liberación junto con Octavio Getino, siendo convocado en 1971 por Juan Domingo Perón para filmar en Madrid sus dos testimonios cinematográficos: La Revolución Justicialista y Actualización Doctrinaria para la toma del poder.
La filmografía de Solanas incluye también a Los hijos de Fierro (1975), La mirada de los otros (1980), Tangos… El exilio de Gardel (1985), Sur (1987), El viaje (1992), La nube (1998), Memoria del saqueo (2003), La dignidad de los nadies (2005), Argentina latente (2006), La próxima estación (2008), Tierra sublevada: Oro impuro (2009), Tierra sublevada 2: Oro negro (2011), La guerra del fracking (2013), El legado estratégico de Juan Perón (2016) y Viaje a los pueblos fumigados (2018), que fue su último largometraje estrenado. En 2020 había concluido Tres a la deriva, que será estrenada de forma póstuma durante 2021.
Cómo ver Solanas en filmación: A partir del jueves 18 de febrero de 2021, ingresando a la "Sala de Cine Virtual", dentro de la web de Puentes de Cine. Primero en el Home del Cine Virtual, clickeando en el film; y luego en ver película. El espectador debe registrarse con su usuario de la plataforma. El pago de la entrada de $ 160 y se hace vía Mercado Pago, tarjeta de débito o crédito. La entrada tiene una duración de 24 horas.
February 4, 2021
ARCHIE 80th ANNIVERSARY: CELEBRACIÓN DEL ETERNO ADOLESCENTE
Archie 80th Anniversary Jumbo Comics Digest N° 1. Guionistas: Vic Bloom, Paul Castiglia, Angelo De Cesare, Frank Doyle, Joe Edwards, George Gladir, Bill Golliher, Dick Malmgrem, Rod Ollerenshaw, Dan Parent, Mike Pellowski, Samm Schwartz, Bill Vigoda. Dibujantes: Dan DeCarlo, Dan DeCarlo Jr., Joe Edwards, Geo Frese, Ray Gill, Dan Parent, Bill Golliher, Gus LeMoine, Los fabulosos K-Bros! (Pat Kennedy y Tim Kennedy), Harry Lucey, Bob Montana, Pat Kennedy, Henry Scarpelli, Samm Schwartz, Jeff Shultz, Bill Vigoda, Bob White. Entintadores:Jim Amash, Jon D’Agostino, Jimmy DeCarlo, Vince DeCarlo, Joe Edwards, Marty Epp, Rich Koslowsy, Rudy Lapick, Bob Montana, Samm Schwartz, Ken Selig, Henry Scarpelli, Bob Smith, Bill Vigoda. Coloristas: Digikore Studios, Rick Taylor, Glenn Whitmore. Portadista: Dan Parent. Editor: Mike Pellerito. 180 páginas a color. Archie Comics. EE.UU., marzo de 2021.
Tengo una hija de 13 años. Nativa del streaming, gracias a Netflix se hizo fanática de Riverdale. En realidad, al igual que la mayoría de sus amigas, se hizo fanática de Cole Sprouse, el actor que interpreta a Jughead (quien para mí seguirá siendo Torómbolo) y, en menor medida, de la relación amorosa que, dentro y fuera de la pantalla, vive con Lili Reinhart, la actriz que da vida a la blonda Betty. No sabe (nunca le importó) que el espíritu original de la saga de Archie Andrews estaba en las antípodas de la sensibilidad lyncheana de la serie. Y cuando le mostré este Archie 80th Anniversary Jumbo Comics Digest, que inicia los festejos oficiales por los 80 años de la saga, al ver la portada sentenció categóricamente: “Ese no es Archie. Y eso es una porquería”.
Crisis de los Archies infinitos, dibujados por Los fabulosos K-Bros!
En realidad, ese sí es Archie (al menos para mí) y la revista no es ninguna porquería, si uno acepta la previsibilidad del canon que expresan sus páginas. Junto con una selección de material clásico (incluida la primera aparición de Archie Andrews), el combo abre con una nueva historieta que celebra el legado de estas 8 décadas. Jugando con el concepto de la Crisis en las Tierras Infinitas de DC, la aventura firmada por Bill Golliher y los fabulosos K-Bros! se apoya en la teoría de los universos paralelos para justificar la presencia simultánea de todas (o casi) las variables conocidas de una franquicia que, hasta no hace mucho, estaba marcada por las iteraciones constantes más que por los cambios radicales.
Debut de Archie, por Vic Bloom y Bob Montana, publicado originalmente
en
Pep Comics N° 22 (diciembre de 1941)
Desde el tono naif de la clásica comedia de situaciones, intervenida por el humor físico del slapstick, la historieta sintetiza los temas recurrentes que cimentaron la fama de la marca: La idea de la adolescencia como una zona prístina de confort, eterna estudiantina sin conflictos, habitada por la amistad, la escuela, los triángulos amorosos completamente asexuados y una pertenencia férrea al modelo familiar más tradicional que pueda imaginarse. Con unas gotas de fantasía y mucha confianza en la intangibilidad de esos valores reconfirmados (hasta el hartazgo) por la ideología más rancia. El resto, una atinada selección de anécdotas alegres (algo nostálgicas) con esa vida de clase media suburbana protagonizada por Archie, Jughead, Betty y Veronica, más la pandilla de Riverdale, Josie y las Pussycats y la brujita Sabrina, todo muy alejado de las actuales (re)versiones hollywoodenses.
La línea más estilizada de Bill Vigoda
Lo más interesante, al comparar estos registros de ocho décadas ancladas en un tiempo mítico para el cual pareciera nunca haber pasado el tiempo, es lo modernas que se ven (se sienten) las primerísimas aventuras de Archie (sobre todo, las de Bob Montana y Bill Vigoda). A nivel gráfico, mucho más crudo (Montana) y estilizado (Vigoda) que el de la imagen galvanizada por la cultura pop de los ’60. Y a escala temática, por el retrato que pintan del estereotipo adolescente, plagado de inofensivos detalles que hoy serían inadmisibles por su incorrección política. Detalles que, me arriesgaría a afirmar, son los que forjaron el éxito inicial de la serie. Los mismos que fueron limados sin compasión para encajar en el imaginario conservador que ayudaron a estandarizar en los EE.UU. Y a diseminar por el mundo entero, con la prepotencia del papel impreso, los dibujos animados, la música (Sugar, Sugar, gran pegada de la banda The Archies), el merchandising y el copamiento insensible de la industria del entretenimiento global.Fernando Ariel García
Tengo una hija de 13 años. Nativa del streaming, gracias a Netflix se hizo fanática de Riverdale. En realidad, al igual que la mayoría de sus amigas, se hizo fanática de Cole Sprouse, el actor que interpreta a Jughead (quien para mí seguirá siendo Torómbolo) y, en menor medida, de la relación amorosa que, dentro y fuera de la pantalla, vive con Lili Reinhart, la actriz que da vida a la blonda Betty. No sabe (nunca le importó) que el espíritu original de la saga de Archie Andrews estaba en las antípodas de la sensibilidad lyncheana de la serie. Y cuando le mostré este Archie 80th Anniversary Jumbo Comics Digest, que inicia los festejos oficiales por los 80 años de la saga, al ver la portada sentenció categóricamente: “Ese no es Archie. Y eso es una porquería”.
Crisis de los Archies infinitos, dibujados por Los fabulosos K-Bros!
En realidad, ese sí es Archie (al menos para mí) y la revista no es ninguna porquería, si uno acepta la previsibilidad del canon que expresan sus páginas. Junto con una selección de material clásico (incluida la primera aparición de Archie Andrews), el combo abre con una nueva historieta que celebra el legado de estas 8 décadas. Jugando con el concepto de la Crisis en las Tierras Infinitas de DC, la aventura firmada por Bill Golliher y los fabulosos K-Bros! se apoya en la teoría de los universos paralelos para justificar la presencia simultánea de todas (o casi) las variables conocidas de una franquicia que, hasta no hace mucho, estaba marcada por las iteraciones constantes más que por los cambios radicales.
Debut de Archie, por Vic Bloom y Bob Montana, publicado originalmente
en
Pep Comics N° 22 (diciembre de 1941)
Desde el tono naif de la clásica comedia de situaciones, intervenida por el humor físico del slapstick, la historieta sintetiza los temas recurrentes que cimentaron la fama de la marca: La idea de la adolescencia como una zona prístina de confort, eterna estudiantina sin conflictos, habitada por la amistad, la escuela, los triángulos amorosos completamente asexuados y una pertenencia férrea al modelo familiar más tradicional que pueda imaginarse. Con unas gotas de fantasía y mucha confianza en la intangibilidad de esos valores reconfirmados (hasta el hartazgo) por la ideología más rancia. El resto, una atinada selección de anécdotas alegres (algo nostálgicas) con esa vida de clase media suburbana protagonizada por Archie, Jughead, Betty y Veronica, más la pandilla de Riverdale, Josie y las Pussycats y la brujita Sabrina, todo muy alejado de las actuales (re)versiones hollywoodenses.
La línea más estilizada de Bill Vigoda
Lo más interesante, al comparar estos registros de ocho décadas ancladas en un tiempo mítico para el cual pareciera nunca haber pasado el tiempo, es lo modernas que se ven (se sienten) las primerísimas aventuras de Archie (sobre todo, las de Bob Montana y Bill Vigoda). A nivel gráfico, mucho más crudo (Montana) y estilizado (Vigoda) que el de la imagen galvanizada por la cultura pop de los ’60. Y a escala temática, por el retrato que pintan del estereotipo adolescente, plagado de inofensivos detalles que hoy serían inadmisibles por su incorrección política. Detalles que, me arriesgaría a afirmar, son los que forjaron el éxito inicial de la serie. Los mismos que fueron limados sin compasión para encajar en el imaginario conservador que ayudaron a estandarizar en los EE.UU. Y a diseminar por el mundo entero, con la prepotencia del papel impreso, los dibujos animados, la música (Sugar, Sugar, gran pegada de la banda The Archies), el merchandising y el copamiento insensible de la industria del entretenimiento global.Fernando Ariel García
February 2, 2021
LUPIN: ENTRE LA JUSTICIA Y LA VENGANZA
Lupin (primera parte). Directores: Louis Leterrier, Marcela Said. Protagonistas: Omar Sy, Vincent Londez, Ludivine Sagnier, Clotilde Hesme, Nicole Garcia, Hervé Pierre, Soufiane Guerrab, Antoine Gouy, Fargass Assandé, Shirine Boutella, Etan Simon. Guionistas: George Kay, François Uzan, Eliane Montane, basados en personajes y situaciones creados por Maurice Leblanc para la serie literaria de Arsène Lupin. Desarrollado para TV por: George Kay, François Uzan. Gaumont Television. Francia, 2021. Estreno en la Argentina:Disponible en Netflix desde el 8 de enero de 2021.
Si están esperando ver en pantalla al sofisticado ladrón de guante blanco creado en 1905 por Maurice Leblanc, lamento confirmarles que aquí no van a encontrar a ningún caucásico elegante, vestido con galera, frac y monóculo. Pero si están buscando una puesta al día audaz, diferente y fiel de ese folletín original, permítanme decirles que Lupin está hecha para ustedes.
Porque el mayor mérito de la serie desarrollada por George Kay y François Uzan reside, justamente, en haber abandonado la fachada de Arsène Lupin para aferrarse al espíritu del personaje (y la saga), aggiornándola de manera asombrosa, entretenida y contemporánea. Encontrando (dicho sea de paso) una justificación inesperada (y sumamente funcional) para emparentar el mito literario con el modus operandi y el código ético de Assane Diop (interpretado por un magnético e irresistible Omar Sy), inmigrante senegalés que aprendió cómo, cuándo y dónde ser Arsène Lupin sin necesidad de copiarle los manierismos.
En los cinco episodios de Lupin, todo se articula a través de la idea del legado. Para el contenido que atraviesa a los personajes, se trata del legado familiar, ese bien inmaterial que pasa de padres a hijos y que termina formando parte de la identidad de cada cual. Simbolizado metaficcionalmente con la novela de Arséne Lupin que Assane recibe como herencia vital de su padre, pero puesto a rodar también como karma que marcará los pasos de su propia paternidad y la de las otras familias involucradas en la trama. Para el continente narrativo, en cambio, el peso del legado pasa por la recuperación y puesta al día de las tradiciones culturales francesas, incluyendo una mirada crítica a sus prácticas imperialistas y a la discriminación racial parisina, que logró ahogar el grito de Égalité que hinchó las gargantas de aquellos viejos revolucionarios.
En resumen, Lupin triunfa trayendo al presente el rocambolesco accionar del lobo solitario que hace el mal por las razones correctas, sumándole aquí el debate moral que plantea la tensión entre el hambre de Justicia y la sed de Venganza que conviven en Assane. Por desgracia, la serie elige seguir la puta costumbre actual de terminar sin terminar, dejando todo colgado con un continuará que se las trae. Por suerte, Netflix ya confirmó la segunda parte para el segundo semestre de este año. Habrá que esperar.Fernando Ariel García
Si están esperando ver en pantalla al sofisticado ladrón de guante blanco creado en 1905 por Maurice Leblanc, lamento confirmarles que aquí no van a encontrar a ningún caucásico elegante, vestido con galera, frac y monóculo. Pero si están buscando una puesta al día audaz, diferente y fiel de ese folletín original, permítanme decirles que Lupin está hecha para ustedes.
Porque el mayor mérito de la serie desarrollada por George Kay y François Uzan reside, justamente, en haber abandonado la fachada de Arsène Lupin para aferrarse al espíritu del personaje (y la saga), aggiornándola de manera asombrosa, entretenida y contemporánea. Encontrando (dicho sea de paso) una justificación inesperada (y sumamente funcional) para emparentar el mito literario con el modus operandi y el código ético de Assane Diop (interpretado por un magnético e irresistible Omar Sy), inmigrante senegalés que aprendió cómo, cuándo y dónde ser Arsène Lupin sin necesidad de copiarle los manierismos.
En los cinco episodios de Lupin, todo se articula a través de la idea del legado. Para el contenido que atraviesa a los personajes, se trata del legado familiar, ese bien inmaterial que pasa de padres a hijos y que termina formando parte de la identidad de cada cual. Simbolizado metaficcionalmente con la novela de Arséne Lupin que Assane recibe como herencia vital de su padre, pero puesto a rodar también como karma que marcará los pasos de su propia paternidad y la de las otras familias involucradas en la trama. Para el continente narrativo, en cambio, el peso del legado pasa por la recuperación y puesta al día de las tradiciones culturales francesas, incluyendo una mirada crítica a sus prácticas imperialistas y a la discriminación racial parisina, que logró ahogar el grito de Égalité que hinchó las gargantas de aquellos viejos revolucionarios.
En resumen, Lupin triunfa trayendo al presente el rocambolesco accionar del lobo solitario que hace el mal por las razones correctas, sumándole aquí el debate moral que plantea la tensión entre el hambre de Justicia y la sed de Venganza que conviven en Assane. Por desgracia, la serie elige seguir la puta costumbre actual de terminar sin terminar, dejando todo colgado con un continuará que se las trae. Por suerte, Netflix ya confirmó la segunda parte para el segundo semestre de este año. Habrá que esperar.Fernando Ariel García
January 29, 2021
DESTINO – LA SAGA WINX: LAS HADAS CRECEN
Destino: La saga Winx (primera temporada). Directores: Lisa James Larsson, Hannah Quinn, Stephen Woolfenden. Protagonistas:Abigail Cowen (Bloom Peters), Hannah van der Westhuysen (Stella), Precious Mustapha (Aisha), Eliot Salt (Terra Harvey), Elisha Applebaum (Musa), Danny Griffin (Sky), Sadie Soverall (Beatrix), Freddie Thorp (Riven), Eva Birthistle (Vanessa Peters), Robert James-Collier (Saul Silva) y Eve Best (Farah Dowling), entre otros. Guionistas: Brian Young, Speed Weed, Victoria Bata, Nicole R. Levy, basados en personajes y situaciones creados por Iginio Straffi. Desarrollado para TV por: Brian Young e Iginio Straffi. Archery Pictures / Young Blood Productions / Rainbow S.p.A. (ViacomCBS). Italia / Reino Unido, 2021. Estreno en la Argentina: Disponible en Netflix desde el 22 de enero de 2021.
No soy fanático de las Winx, pero me las conozco (casi) de memoria. Desde que mi hija las descubrió cuando tenía dos años, nunca dejó de ver (y volver a ver) la serie y las películas animadas, por tele y/o en DVD. Nunca dejó de hacerme leer (y volver a leer) los cómics en italiano y francés. Y hasta hace un tiempito, todavía seguía jugando con las muñecas articuladas, los vestidos y algún que otro merchandising oficial que pudimos conseguir.
Así que, once años después, al enterarse de que Netflix iba a hacer una serie con personas de las Winx, mi hija empezó a salirse de la vaina por verla. Y cuando llegó el día, se puso como loca. Como loca, por la emoción de encontrar a uno de sus primeros consumos culturales elegidos voluntariamente, reconvertido en un drama adolescente de corte fantástico, dirigido milimétricamente al corazón de su actual mundo de pertenencia, sin descuidar el apego empático a su nostalgia infantil.
Y como loca, también, porque Destino: La saga Winx(Fate: The Winx Saga) había decidido cambiar algunas cosas que, según su alma de fanática devota, no deberían haberse cambiado. Lo cierto es que se pasó los seis episodios (en modo cuasi maratónico) despotricando contra la serie que estaba aplaudiendo de pie. Y todavía sigue así, amando esta nueva encarnación de las Winx por el enfoque algo más adulto (y dark), que dota a la franquicia de cierto atractivo contemporáneo. Y odiando esta nueva encarnación de las Winx, por haber extirpado la liviandad naif (y un poco fashionista) del original, esa que la hizo engancharse al dibujo animado estrenado en Italia allá por 2004.
Más autoconcientes de la existencia de Harry Potter y de los paradigmas hádicos instalados por Disney, las Winx modelo 2021 aparecen encorsetadas por el vigente mandato comercial de empoderamiento femenino frente a los paradigmas patriarcales. En ese sentido, aplaudo la decisión de crear una nueva Winx con problemas de sobrepeso, bastante alejada del clásico imaginario renacentista, pero me hace ruido que se hayan anulado las raíces latina y asiática que exhibían algunas de las hadas animadas. Se ve que, aun en este contexto de corrección política, sigue habiendo modelos más incluibles que otros.Fernando Ariel García
No soy fanático de las Winx, pero me las conozco (casi) de memoria. Desde que mi hija las descubrió cuando tenía dos años, nunca dejó de ver (y volver a ver) la serie y las películas animadas, por tele y/o en DVD. Nunca dejó de hacerme leer (y volver a leer) los cómics en italiano y francés. Y hasta hace un tiempito, todavía seguía jugando con las muñecas articuladas, los vestidos y algún que otro merchandising oficial que pudimos conseguir.
Así que, once años después, al enterarse de que Netflix iba a hacer una serie con personas de las Winx, mi hija empezó a salirse de la vaina por verla. Y cuando llegó el día, se puso como loca. Como loca, por la emoción de encontrar a uno de sus primeros consumos culturales elegidos voluntariamente, reconvertido en un drama adolescente de corte fantástico, dirigido milimétricamente al corazón de su actual mundo de pertenencia, sin descuidar el apego empático a su nostalgia infantil.
Y como loca, también, porque Destino: La saga Winx(Fate: The Winx Saga) había decidido cambiar algunas cosas que, según su alma de fanática devota, no deberían haberse cambiado. Lo cierto es que se pasó los seis episodios (en modo cuasi maratónico) despotricando contra la serie que estaba aplaudiendo de pie. Y todavía sigue así, amando esta nueva encarnación de las Winx por el enfoque algo más adulto (y dark), que dota a la franquicia de cierto atractivo contemporáneo. Y odiando esta nueva encarnación de las Winx, por haber extirpado la liviandad naif (y un poco fashionista) del original, esa que la hizo engancharse al dibujo animado estrenado en Italia allá por 2004.
Más autoconcientes de la existencia de Harry Potter y de los paradigmas hádicos instalados por Disney, las Winx modelo 2021 aparecen encorsetadas por el vigente mandato comercial de empoderamiento femenino frente a los paradigmas patriarcales. En ese sentido, aplaudo la decisión de crear una nueva Winx con problemas de sobrepeso, bastante alejada del clásico imaginario renacentista, pero me hace ruido que se hayan anulado las raíces latina y asiática que exhibían algunas de las hadas animadas. Se ve que, aun en este contexto de corrección política, sigue habiendo modelos más incluibles que otros.Fernando Ariel García
January 28, 2021
SOUL: HONRAR LA VIDA
Soul. Director: Pete Docter. Co-Director: Kemp Powers. Voces (inglés): Jamie Foxx (Joe Gardner), Tina Fey (22), Graham Norton (Moonwind), Rachel House (Terry), Alice Braga, Richard Ayoade, Wes Studi, Fortune Feimster y Zenobia Shroff (consejeros Jerry), Angela Bassett (Dorothea Williams), Phylicia Rashad (Libba Gardner), Donnell Rawlings (Dez) y Questlove (Curley), entre otros. Voces (castellano para el mercado latinoamericano): Óscar Flores (Joe Gardner), Xóchitl Ugarte F. (22), Germán Fabregat (Moonwind), Marcela Páez (Terry), Vero López Treviño, Eduardo Tejedo, Humberto Vélez, Magdalena Tenorio y Berenice Vega (consejeros Jerry), Laura Torres (Dorothea Williams), Magdalena Leonel (Libba Gardner), Octavio Rojas (Dez) y Abraham Vega (Curley), entre otros. Guionistas: Pete Docter, Mike Jones, Kemp Powers. Dialoguista adicional: Tina Fey. Música: Trent Reznor, Atticus Ross. Composiciones y arreglos jazzísticos: Jon Batiste. Consultor musical: Herbie Hancock. Músicos: Jon Batiste (piano), Eddie Barbash (saxo), Tia Fuller (saxo), Phil Kuehn (bajo), Linda May Han Oh (bajo), Roy Haynes (batería), Marcus Gilmore (batería) y Joe Saylor (Percusión). Participación especial de Cody Chesnutt (guitarra y voz). Walt Disney Pictures / Pixar Animation Studios. EE.UU., 2020. Estreno en la Argentina: Disponible en la plataforma Disney + desde el 25 de diciembre de 2020.
La verdad, no me mató. No sé si esperaba más, pero sí esperaba otra cosa de Soul, la nueva película de Disney y Pixar que, por esas cosas de la pandemia, se salteó los cines y desembarcó directamente en la plataforma Disney +. Con Up y Coco como antecedentes, se ve que puse altísimas expectativas en esta nueva incursión animada sobre la vida, la muerte y el sentido de la existencia. Temas que el film de Pete Docter aborda, de manera original y comprometida, sí, pero también obvia y previsible.
Joe Gardner es un gris maestro de música, dueño de una vida monótona y sin expectativas. Pianista dotado, su sueño y su deseo pasan por la de pertenecer al mundo profesional del jazz en la Gran Manzana, donde transcurren sus días y sus noches. Y justo cuando se le da la oportunidad, un mal paso lo pone al borde de la muerte. Entre el más allá y el más acá (o el Gran Después y el Gran Antes), Joe se convertirá en tutor y discípulo de almas no nacidas, enseñando y aprendiendo la diferencia que hay entre vivir y honrar la vida. Mientras tanto, con el paso del tiempo, la finitud de su cuerpo puede trascender de lo abstracto a lo concreto.
Para mí, Soul la pifia con el tono, no con el tema. Me pasó lo mismo que con Unidos , la película anterior de Disney-Pixar. No genera empatía por los personajes, apela a la brutalidad del golpe bajo y busca (y encuentra) la lágrima fácil, pero no crea lazos emotivos. Se apoya en el sobresaliente dominio del oficio técnico, pero para explicitarlo todo de manera burda, abrumadora y obsesiva. Cómo si uno no pudiera decodificar el mensaje por su propia cuenta.
Soul hace la diferencia sustantiva con la banda sonora. Una maravilla musical que, como el jazz, se arriesga y abre la puerta para ir a jugar. Tiene con qué hacerlo; y se nota. Cuenta con una banda conformada por algunas de las figuras más importantes de la escena jazzística neoyorquina contemporánea, incluidas algunas leyendas vivas como Herbie Hancock y Roy Haynes, amén de la participación especialísima de Cody Chesnut (el músico callejero en la escena del subte) y el toque industrial que provee Trent Reznor (líder de Nine Inch Nails). Sutil, inmersiva, enérgica, suave, atmosférica, encantadora, ominosa, epifánica. Y así podría seguir, adjetivando hasta el infinito y más allá. Mientras la película pierde el tiempo hablando, la música gana sentido al ahondar en los sentimientos. Donde una cumple, la otra dignifica.Fernando Ariel García
La verdad, no me mató. No sé si esperaba más, pero sí esperaba otra cosa de Soul, la nueva película de Disney y Pixar que, por esas cosas de la pandemia, se salteó los cines y desembarcó directamente en la plataforma Disney +. Con Up y Coco como antecedentes, se ve que puse altísimas expectativas en esta nueva incursión animada sobre la vida, la muerte y el sentido de la existencia. Temas que el film de Pete Docter aborda, de manera original y comprometida, sí, pero también obvia y previsible.
Joe Gardner es un gris maestro de música, dueño de una vida monótona y sin expectativas. Pianista dotado, su sueño y su deseo pasan por la de pertenecer al mundo profesional del jazz en la Gran Manzana, donde transcurren sus días y sus noches. Y justo cuando se le da la oportunidad, un mal paso lo pone al borde de la muerte. Entre el más allá y el más acá (o el Gran Después y el Gran Antes), Joe se convertirá en tutor y discípulo de almas no nacidas, enseñando y aprendiendo la diferencia que hay entre vivir y honrar la vida. Mientras tanto, con el paso del tiempo, la finitud de su cuerpo puede trascender de lo abstracto a lo concreto.
Para mí, Soul la pifia con el tono, no con el tema. Me pasó lo mismo que con Unidos , la película anterior de Disney-Pixar. No genera empatía por los personajes, apela a la brutalidad del golpe bajo y busca (y encuentra) la lágrima fácil, pero no crea lazos emotivos. Se apoya en el sobresaliente dominio del oficio técnico, pero para explicitarlo todo de manera burda, abrumadora y obsesiva. Cómo si uno no pudiera decodificar el mensaje por su propia cuenta.
Soul hace la diferencia sustantiva con la banda sonora. Una maravilla musical que, como el jazz, se arriesga y abre la puerta para ir a jugar. Tiene con qué hacerlo; y se nota. Cuenta con una banda conformada por algunas de las figuras más importantes de la escena jazzística neoyorquina contemporánea, incluidas algunas leyendas vivas como Herbie Hancock y Roy Haynes, amén de la participación especialísima de Cody Chesnut (el músico callejero en la escena del subte) y el toque industrial que provee Trent Reznor (líder de Nine Inch Nails). Sutil, inmersiva, enérgica, suave, atmosférica, encantadora, ominosa, epifánica. Y así podría seguir, adjetivando hasta el infinito y más allá. Mientras la película pierde el tiempo hablando, la música gana sentido al ahondar en los sentimientos. Donde una cumple, la otra dignifica.Fernando Ariel García
JÓVENES BRUJAS - NUEVA HERMANDAD: CUESTIÓN DE GÉNERO
Jóvenes brujas: Nueva hermandad. Directora: Zoe Lister-Jones. Protagonistas: Cailee Spaeny, Gideon Adlon, Lovie Simone, Zoey Luna, Nicholas Galitzine, Michelle Monaghan y David Duchovny, entre otros. Participación especial de Fairuza Balk. Guionista: Zoe Lister-Jones, basada en personajes y situaciones creadas por Peter Filardi. Columbia Pictures / Blumhouse Productions / Red Wagon Entertainment. EE.UU., 2020. Estreno en la Argentina (sólo en la provincia de Córdoba): 28 de enero de 2021.
Si vivís (o estás de paso) en la provincia de Córdoba, vas a poder ir al cine a ver esta película en pantalla grande, porque es el primer lugar de la Argentina que habilitó la apertura de las salas. Con estricto protocolo, por supuesto, porque la pandemia no terminó. Si no vivís (o no estás de paso) por esos lares, no te desesperes. Seguro que ya viste Jóvenes brujas: Nueva hermandad (The Craft: Legacy) aunque no hayas visto ni el tráiler.
Es que la película de Zoe Lister-Jones, al mismo tiempo secuela y reinicio de aquel suceso de culto conocido como The Craft (1996), no se aparta ni un milímetro de lo ya transitado hasta el hartazgo por este tipo de producciones de género. El nuevo Gótico romántico, dirigido principalmente al público femenino pre-adolescente, combinando la típica historia de crecimiento físico, psicológico y moral de las protagonistas (Coming of Age, que le dicen los yanquis), con una subtrama amorosa y contexto sobrenatural.
Nada nuevo bajo el sol (o la luna, ya que se trata de brujas), con vueltas de tuerca que van cayendo cuándo y dónde tienen que caer, para que la cosa avance. O dé la sensación de avanzar. Chica nueva en pueblo viejo. Familia ensamblada con algún secreto oculto. Primer día de colegio. Bullying. Y tres brujitas que la estaban esperando para armar el aquelarre cool de referencia. Consagración de la femineidad. Aparición de los poderes y un hecho que descajeta los íntimos logros obtenidos. Una tabla ouija. La revelación de la verdad y el enfrentamiento final que reordena los tantos, dejándolos a punto caramelo para la secuela ¿que viene?
Lo único interesante (ya ni siquiera novedoso) es la intención de transformar la trama en una lectura metafórica del empoderamiento femenino que define esta época. El enfrentamiento entre las brujas y el enemigo es, claramente, una lucha de poder. Específicamente, entre el poder machista del viejo orden patriarcal y el poder no binario del nuevo orden feminista. El problema, por supuesto, no está en la ideología, sino en el apego explícito al manual hegemónico de la corrección política. Sigo pensando que el cine es (y debería seguir siendo) otra cosa. Más narración, menos discurso.Fernando Ariel García
Si vivís (o estás de paso) en la provincia de Córdoba, vas a poder ir al cine a ver esta película en pantalla grande, porque es el primer lugar de la Argentina que habilitó la apertura de las salas. Con estricto protocolo, por supuesto, porque la pandemia no terminó. Si no vivís (o no estás de paso) por esos lares, no te desesperes. Seguro que ya viste Jóvenes brujas: Nueva hermandad (The Craft: Legacy) aunque no hayas visto ni el tráiler.
Es que la película de Zoe Lister-Jones, al mismo tiempo secuela y reinicio de aquel suceso de culto conocido como The Craft (1996), no se aparta ni un milímetro de lo ya transitado hasta el hartazgo por este tipo de producciones de género. El nuevo Gótico romántico, dirigido principalmente al público femenino pre-adolescente, combinando la típica historia de crecimiento físico, psicológico y moral de las protagonistas (Coming of Age, que le dicen los yanquis), con una subtrama amorosa y contexto sobrenatural.
Nada nuevo bajo el sol (o la luna, ya que se trata de brujas), con vueltas de tuerca que van cayendo cuándo y dónde tienen que caer, para que la cosa avance. O dé la sensación de avanzar. Chica nueva en pueblo viejo. Familia ensamblada con algún secreto oculto. Primer día de colegio. Bullying. Y tres brujitas que la estaban esperando para armar el aquelarre cool de referencia. Consagración de la femineidad. Aparición de los poderes y un hecho que descajeta los íntimos logros obtenidos. Una tabla ouija. La revelación de la verdad y el enfrentamiento final que reordena los tantos, dejándolos a punto caramelo para la secuela ¿que viene?
Lo único interesante (ya ni siquiera novedoso) es la intención de transformar la trama en una lectura metafórica del empoderamiento femenino que define esta época. El enfrentamiento entre las brujas y el enemigo es, claramente, una lucha de poder. Específicamente, entre el poder machista del viejo orden patriarcal y el poder no binario del nuevo orden feminista. El problema, por supuesto, no está en la ideología, sino en el apego explícito al manual hegemónico de la corrección política. Sigo pensando que el cine es (y debería seguir siendo) otra cosa. Más narración, menos discurso.Fernando Ariel García
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