Fernando Ariel García's Blog, page 22
June 18, 2021
LOS INÚTILES: CRÓNICA DE UNA GENERACIÓN SIN NADA QUE PERDER
Los inútiles (remasterizada en 4K). Director: Federico Fellini. Protagonistas: Franco Interlenghi, Alberto Sordi, Franco Fabrizi, Leopoldo Trieste, Riccardo Fellini, Leonora Ruffo, Jean Brochard, Claude Farell, Carlo Romano, Lída Baarová, Enrico Viarisio y Paola Borboni, entre otros. Guionistas:Federico Fellini y Tullio Pinelli, sobre una historia original de Federico Fellini, Ennio Flaiano y Tullio Pinelli. Música: Nino Rota. Peg Films / Cité Films. Italia / Francia, 1953. Estreno en la Argentina (versión remasterizada):17 de junio de 2021 (interior del país), 18 de junio de 2021 (Ciudad Autónoma de Buenos Aires).
Tercera película de Federico Fellini, Los inútiles (I vitelloni) sigue tan perfecta, actual y contundente como cuando se estrenó en 1953, consagrando a uno de sus protagonistas (Alberto Sordi) y colocando al genio de Rímini en el sitial de privilegio que revalidaría definitivamente con su próximo trabajo, La strada. Claro que, verla remasterizada en 4K, como si se hubiera terminado de filmar hace quince minutos, aumenta considerablemente el placer de la experiencia cinematográfica, un plus del que ya habíamos disfrutado con La dolce vita .
Como toda su obra, Los inútiles trabaja las obsesiones clásicas del director (la libertad de un mundo festivo como contracara de una realidad chata y asfixiante, el peso de los mandatos culturales sobre las inseguridades personales, los excesos reconvertidos en lugar de refugio), hilvanando un tenso diálogo entre el pasado histórico y su biografía personal. A nivel lenguaje, también dice presente el onirismo mágico que definirá su estilo, pero lo hace encorsetado en la narrativa tradicional del mejor neorrealismo italiano, aquel que se encargó de dinamitar el discurso fascista con la puesta en valor poético de las auténticas condiciones sociales: pobreza, hambruna, explotación y resistencia a los poderes establecidos.
En este marco ético y estético, Los inútiles sigue los pasos de cinco hombres jóvenes de veintitantos años: El frustrado Moraldo (Franco Interlenghi), el vulnerable Alberto (Alberto Sordi), el mujeriego Fausto (Franco Fabrizi), el inocente Riccardo (Riccardo Fellini, hermano del director) y el mediocre escritor Leopoldo (Leopoldo Trieste). Todos bastante inmaduros, algo vagos y parasitarios de sus familias de origen. Con poco apego al trabajo, pasan su tiempo gastándose bromas infantiles entre cafés y bares, entre partidas de pool y silenciosas caminatas por la playa. Una forma de tapar sus ganas de vivir la vida loca en esa Rímini detenida en el tiempo, que los invita a soñar alto para después bajarlos de un hondazo cruel e inmisericorde. Y devorarlos de cara al mar.
De acuerdo con el propio Fellini, el significado real de la palabra vitelloniera imposible de traducir correctamente a otro idioma. Sí refiere a la condición de persona ineficaz, inoperante o inservible que aglutina el título en castellano de Los inútiles, pero está muy lejos de quedarse sólo en esa definición. Los vitelloni eran los jóvenes fracturados económica y emocionalmente por la posguerra. Estudiantes de familias modestas, con las posibilidades acotadas de antemano por la coyuntura que les había tocado en suerte (o desgracia). Desempleados sin ninguna posibilidad de futuro en los pueblos grises del interior, condenados a repetir la anodina existencia de sus ancestros antes de convertirse en eficaces verdugos de los anhelos de su descendencia.
A casi setenta años de su estreno, Los inútiles sigue siendo un fiel retrato de cualquier juventud ahogada por su entorno histórico, político y social. Obligada a elegir entre una vida marcada por la insatisfacción garantizada o la incerteza del exilio, entre la reproducción mecánica de la tristeza y el vértigo de animarse a perseguir sus deseos. La crónica angelada de una generación sin nada que perder, porque ya lo había perdido todo.Fernando Ariel García
Tercera película de Federico Fellini, Los inútiles (I vitelloni) sigue tan perfecta, actual y contundente como cuando se estrenó en 1953, consagrando a uno de sus protagonistas (Alberto Sordi) y colocando al genio de Rímini en el sitial de privilegio que revalidaría definitivamente con su próximo trabajo, La strada. Claro que, verla remasterizada en 4K, como si se hubiera terminado de filmar hace quince minutos, aumenta considerablemente el placer de la experiencia cinematográfica, un plus del que ya habíamos disfrutado con La dolce vita .
Como toda su obra, Los inútiles trabaja las obsesiones clásicas del director (la libertad de un mundo festivo como contracara de una realidad chata y asfixiante, el peso de los mandatos culturales sobre las inseguridades personales, los excesos reconvertidos en lugar de refugio), hilvanando un tenso diálogo entre el pasado histórico y su biografía personal. A nivel lenguaje, también dice presente el onirismo mágico que definirá su estilo, pero lo hace encorsetado en la narrativa tradicional del mejor neorrealismo italiano, aquel que se encargó de dinamitar el discurso fascista con la puesta en valor poético de las auténticas condiciones sociales: pobreza, hambruna, explotación y resistencia a los poderes establecidos.
En este marco ético y estético, Los inútiles sigue los pasos de cinco hombres jóvenes de veintitantos años: El frustrado Moraldo (Franco Interlenghi), el vulnerable Alberto (Alberto Sordi), el mujeriego Fausto (Franco Fabrizi), el inocente Riccardo (Riccardo Fellini, hermano del director) y el mediocre escritor Leopoldo (Leopoldo Trieste). Todos bastante inmaduros, algo vagos y parasitarios de sus familias de origen. Con poco apego al trabajo, pasan su tiempo gastándose bromas infantiles entre cafés y bares, entre partidas de pool y silenciosas caminatas por la playa. Una forma de tapar sus ganas de vivir la vida loca en esa Rímini detenida en el tiempo, que los invita a soñar alto para después bajarlos de un hondazo cruel e inmisericorde. Y devorarlos de cara al mar.
De acuerdo con el propio Fellini, el significado real de la palabra vitelloniera imposible de traducir correctamente a otro idioma. Sí refiere a la condición de persona ineficaz, inoperante o inservible que aglutina el título en castellano de Los inútiles, pero está muy lejos de quedarse sólo en esa definición. Los vitelloni eran los jóvenes fracturados económica y emocionalmente por la posguerra. Estudiantes de familias modestas, con las posibilidades acotadas de antemano por la coyuntura que les había tocado en suerte (o desgracia). Desempleados sin ninguna posibilidad de futuro en los pueblos grises del interior, condenados a repetir la anodina existencia de sus ancestros antes de convertirse en eficaces verdugos de los anhelos de su descendencia.
A casi setenta años de su estreno, Los inútiles sigue siendo un fiel retrato de cualquier juventud ahogada por su entorno histórico, político y social. Obligada a elegir entre una vida marcada por la insatisfacción garantizada o la incerteza del exilio, entre la reproducción mecánica de la tristeza y el vértigo de animarse a perseguir sus deseos. La crónica angelada de una generación sin nada que perder, porque ya lo había perdido todo.Fernando Ariel García
June 17, 2021
AKIRA: NO FUTURE
Akira vol. 1-6. Autor: Katsuhiro Otomo. OVNI Press. Argentina, 2018-2020.
Cómo cambian las cosas los años. A principios de los ’90, cuando Akira empezó a circular por la Argentina, en papel y en VHS, uno tenía que explicar quién era Katsuhiro Otomo, desenrollar sus pergaminos creativos y evidenciar cuál era su rol en la expansión nipona que se venía sin prisa y sin pausa. Había que hablar sobre la premeditada occidentalización de los contenidos de la saga, desarrollada para capturar la imaginación (y el bolsillo) de los millones de universitarios adolescentes orientales que habían cambiado las milenarias costumbres anteriores a la explosión industrial japonesa para abrazar los comportamientos consumistas promovidos por el capitalismo de mercado.
Hoy las cosas se leen al revés. Y, con justa razón, Akira está considerada un exponente mayúsculo del arte popular japonés, fiel representante de la cultura oriental que ayudó a difundir e instalar en el mundo todo. Más allá del giro de las perspectivas, lo cierto es que a casi cuatro décadas del debut del manga en las páginas del semanario Young Magazine, Akira sigue siendo una obra moderna, potente, compleja y atrapante. Un tour de force imprescindible a la hora de enfrentar la narrativa post-apocalíptica contemporánea.
Haciéndose eco de la pesadilla nuclear instalada en el ADN japonés, Akiraarranca con el estallido de la Tercera Guerra Mundial, la destrucción atómica de Tokio y la complicadísima reconstrucción social, económica y política que le sucede. Capitalizando la real paranoia apocalíptica que campeaba por el mundo bipolar de ese entonces, donde la caída del Muro de Berlín y el bloque socialista parecía un escenario de la ciencia-ficción más pedorra, Otomo sitúa la acción en un futuro tan mediato como reconocible: Un lapso de treinta años que le permite conjugar las primeras páginas de los diarios con las premoniciones más catastróficas y desahuciantes.
Del cataclismo cósmico a las cuestiones domésticas, pasando por las eternas dudas existenciales que acompañan a la raza humana desde el inicio de los tiempos, Akiracombina una trama ultraviolenta con el desencanto del technothriller y cierta filosofía cyberpunk. Va por los experimentos psíquicos y extrasensoriales ultrasecretos del Gobierno y, en el camino, expone con crudeza las llagas abiertas del abandono social, el desempleo y el terrorismo. Y pone, en el ojo de la tormenta, a dos adolescentes amigos (Kaneda y Tetsuo) que condensan el pathos de una camada de jóvenes sin otro futuro que el de la delincuencia pandillera y el consumo de drogas.
Con el correr de los años y la subsiguiente canonización de algunos de los tópicos principales de Akira, el discurso fantacientífico del manga puede haber visto mermada su capacidad de generar sorpresa y asombro, pero el costado humano que Otomo encarnó en Kaneda y Tetsuo no ha perdido un ápice del interés y la profundidad que supo construir a lo largo de los seis tomos. Sobre todo a la hora de contar el distanciamiento gradual de esos dos amigos (aparentemente) inseparables. Producto de las experiencias personales de cada uno de ellos, sí, pero influida por las tensiones generadas por el marco político que los contiene y el entorno ambiental que termina de conformarlos. Cuarenta años después de su primera exposición, ese inteligente intercambio entre el No Future generacional y el No Future histórico, sigue interpelando con las mismas preguntas sin respuestas. Y eso se agradece.Fernando Ariel GarcíaPublicado originalmente en Comiqueando Digital Nº 1 (marzo de 2021)
Cómo cambian las cosas los años. A principios de los ’90, cuando Akira empezó a circular por la Argentina, en papel y en VHS, uno tenía que explicar quién era Katsuhiro Otomo, desenrollar sus pergaminos creativos y evidenciar cuál era su rol en la expansión nipona que se venía sin prisa y sin pausa. Había que hablar sobre la premeditada occidentalización de los contenidos de la saga, desarrollada para capturar la imaginación (y el bolsillo) de los millones de universitarios adolescentes orientales que habían cambiado las milenarias costumbres anteriores a la explosión industrial japonesa para abrazar los comportamientos consumistas promovidos por el capitalismo de mercado.
Hoy las cosas se leen al revés. Y, con justa razón, Akira está considerada un exponente mayúsculo del arte popular japonés, fiel representante de la cultura oriental que ayudó a difundir e instalar en el mundo todo. Más allá del giro de las perspectivas, lo cierto es que a casi cuatro décadas del debut del manga en las páginas del semanario Young Magazine, Akira sigue siendo una obra moderna, potente, compleja y atrapante. Un tour de force imprescindible a la hora de enfrentar la narrativa post-apocalíptica contemporánea.
Haciéndose eco de la pesadilla nuclear instalada en el ADN japonés, Akiraarranca con el estallido de la Tercera Guerra Mundial, la destrucción atómica de Tokio y la complicadísima reconstrucción social, económica y política que le sucede. Capitalizando la real paranoia apocalíptica que campeaba por el mundo bipolar de ese entonces, donde la caída del Muro de Berlín y el bloque socialista parecía un escenario de la ciencia-ficción más pedorra, Otomo sitúa la acción en un futuro tan mediato como reconocible: Un lapso de treinta años que le permite conjugar las primeras páginas de los diarios con las premoniciones más catastróficas y desahuciantes.
Del cataclismo cósmico a las cuestiones domésticas, pasando por las eternas dudas existenciales que acompañan a la raza humana desde el inicio de los tiempos, Akiracombina una trama ultraviolenta con el desencanto del technothriller y cierta filosofía cyberpunk. Va por los experimentos psíquicos y extrasensoriales ultrasecretos del Gobierno y, en el camino, expone con crudeza las llagas abiertas del abandono social, el desempleo y el terrorismo. Y pone, en el ojo de la tormenta, a dos adolescentes amigos (Kaneda y Tetsuo) que condensan el pathos de una camada de jóvenes sin otro futuro que el de la delincuencia pandillera y el consumo de drogas.
Con el correr de los años y la subsiguiente canonización de algunos de los tópicos principales de Akira, el discurso fantacientífico del manga puede haber visto mermada su capacidad de generar sorpresa y asombro, pero el costado humano que Otomo encarnó en Kaneda y Tetsuo no ha perdido un ápice del interés y la profundidad que supo construir a lo largo de los seis tomos. Sobre todo a la hora de contar el distanciamiento gradual de esos dos amigos (aparentemente) inseparables. Producto de las experiencias personales de cada uno de ellos, sí, pero influida por las tensiones generadas por el marco político que los contiene y el entorno ambiental que termina de conformarlos. Cuarenta años después de su primera exposición, ese inteligente intercambio entre el No Future generacional y el No Future histórico, sigue interpelando con las mismas preguntas sin respuestas. Y eso se agradece.Fernando Ariel GarcíaPublicado originalmente en Comiqueando Digital Nº 1 (marzo de 2021)
June 2, 2021
Crisis: Verdad y consecuencias
Crisis on Infinite Earths Nº 1-12. Guionista: Marv Wolfman, con colaboraciones argumentales de Len Wein, Robert Greenberger y George Pérez. Dibujante: George Pérez. Entintadores: Dick Giordano, Mike DeCarlo, Jerry Ordway. Coloristas:Anthony Tollin, Tom Ziuko, Carl Gafford. Portadista:George Pérez. Editor: Marv Wolfman. DC Comics. EE.UU., abril de 1985 a marzo de 1986.
A 36 años de su publicación original como maxiserie de doce entregas, Crisis on Infinite Earths sigue siendo (al menos para mí) el ejemplo más logrado del hoy clásico formato de cruce anual en saga de proporciones cósmicas que pone en jaque la existencia del universo ficticio editorial, tal como viene siendo conocido hasta el momento. Es cierto que Crisistiene, a su favor, el ser uno de los títulos que inició el mencionado subgénero, junto con la Secret Warsde Marvel. Y eso le significó tener de su lado el necesario (y vital) componente de novedosa originalidad que el paso del tiempo licuó en las más de 30 crisis recurrentes que DC siguió ofreciéndonos, con precisión suiza, cada 365 días.
Aviso publicitario de marzo de 1985, con el largo título original de la saga:
DC Universe: Crisis on Infinite Earths
La razón de su vigencia, aunque sus contenidos hayan quedado post-datados hasta el cansancio, es su calidad. Calidad entendida desde sus implicancias industriales, traducida en una afiatada combinación de decenas de revistas entrelazadas entre sí, capaces de articular lógicas internas individuales con la narrativa macro, distribuyendo lo esencial, lo imprescindible, lo anecdótico y lo innecesario, en un mosaico global que permite el abordaje de su lectura por el todo o sólo por las partes principales.
Juntos pero no revueltos
Pero calidad, antes que nada, entendida desde sus méritos artísticos. El guión de Marv Wolfman continúa siendo efectivo en su manejo de la épica intergaláctica y el drama intimista, el respeto a la tradición editorial y el ánimo rupturista que se necesita para sentar las bases de un futuro dinámico y diferente; y por eso mismo atractivo e interesante. El dibujo de George Pérez (con las tintas exquisitas de Dick Giordano y Jerry Ordway) supo captar (y sigue comunicando) los distintos lenguajes corporales de cientos de superhéroes, haciendo hincapié en aquello que los diferencia y los complementa. Algo que se nota (y se agradece) en las escenas de masas que desafían los ojos del lector sin complicarle el sentido de la narración.
Icónica imagen con la muerte de Supergirl
Para mí, la gran diferencia entre esta Crisis y las que les siguieron pasa por la sensación de verdad que Wolfman y Pérez supieron conseguir. Como nunca antes (como nunca después), la empatía con el destino de los personajes es total. Tal vez porque el placer lúdico de encontrarse con el Universo DC desplegado en su máximo esplendor, siempre estuvo equilibrado por las amenazas existenciales que plantea la aventura. Y, sobre todo, porque terminó siendo emocionalmente sacudido por las consecuencias que se animaron a plasmar en el papel.
El momento más impactante de Crisis: La muerte de Flash (Barry Allen)
Consecuencias no siempre deseadas ni aceptadas por los fanáticos. Y ahí radica otro de los valores intangibles que Crisis sacó a relucir: La discrepancia con el lector, la insatisfacción instalada como componente de una ficción viva, abierta a la prueba y el error. Al azuzar al lector, en lugar de complacerlo, Wolfman y Pérez implotaron la zona de confort y dinamitaron el estandarizado verosímil que DC había explotado comercialmente por 50 años. Instalando una posición que privilegiaba lo imprevisible por sobre lo previsible, le dieron la posibilidad cierta del encanto-desencanto ante el devenir de los acontecimientos.
Ilustración hecha a dúo por George Pérez y Alex Ross
Lamentablemente, también le dieron un formato comercialmente exitoso a la industria del cómic. Lo cual derivó en la instalación de una fórmula que terminó achatándolo todo, (des)naturalizando las excepcionalidades que Crisis presentó como instancias irrepetibles y (neo)fundacionales. Transmutando la idea de irreversible cambio definitivo en una propuesta de reversible cambio temporario, motivada por las necesidades editoriales pero incapaz de motivar el interés del lector. Por suerte, a nosotros siempre nos quedará esta Crisis en Tierras Infinitas.Fernando Ariel GarcíaPublicado originalmente en Comiqueando Digital Nº 1 (marzo de 2021)
A 36 años de su publicación original como maxiserie de doce entregas, Crisis on Infinite Earths sigue siendo (al menos para mí) el ejemplo más logrado del hoy clásico formato de cruce anual en saga de proporciones cósmicas que pone en jaque la existencia del universo ficticio editorial, tal como viene siendo conocido hasta el momento. Es cierto que Crisistiene, a su favor, el ser uno de los títulos que inició el mencionado subgénero, junto con la Secret Warsde Marvel. Y eso le significó tener de su lado el necesario (y vital) componente de novedosa originalidad que el paso del tiempo licuó en las más de 30 crisis recurrentes que DC siguió ofreciéndonos, con precisión suiza, cada 365 días.
Aviso publicitario de marzo de 1985, con el largo título original de la saga:
DC Universe: Crisis on Infinite EarthsLa razón de su vigencia, aunque sus contenidos hayan quedado post-datados hasta el cansancio, es su calidad. Calidad entendida desde sus implicancias industriales, traducida en una afiatada combinación de decenas de revistas entrelazadas entre sí, capaces de articular lógicas internas individuales con la narrativa macro, distribuyendo lo esencial, lo imprescindible, lo anecdótico y lo innecesario, en un mosaico global que permite el abordaje de su lectura por el todo o sólo por las partes principales.
Juntos pero no revueltos
Pero calidad, antes que nada, entendida desde sus méritos artísticos. El guión de Marv Wolfman continúa siendo efectivo en su manejo de la épica intergaláctica y el drama intimista, el respeto a la tradición editorial y el ánimo rupturista que se necesita para sentar las bases de un futuro dinámico y diferente; y por eso mismo atractivo e interesante. El dibujo de George Pérez (con las tintas exquisitas de Dick Giordano y Jerry Ordway) supo captar (y sigue comunicando) los distintos lenguajes corporales de cientos de superhéroes, haciendo hincapié en aquello que los diferencia y los complementa. Algo que se nota (y se agradece) en las escenas de masas que desafían los ojos del lector sin complicarle el sentido de la narración.
Icónica imagen con la muerte de Supergirl
Para mí, la gran diferencia entre esta Crisis y las que les siguieron pasa por la sensación de verdad que Wolfman y Pérez supieron conseguir. Como nunca antes (como nunca después), la empatía con el destino de los personajes es total. Tal vez porque el placer lúdico de encontrarse con el Universo DC desplegado en su máximo esplendor, siempre estuvo equilibrado por las amenazas existenciales que plantea la aventura. Y, sobre todo, porque terminó siendo emocionalmente sacudido por las consecuencias que se animaron a plasmar en el papel.
El momento más impactante de Crisis: La muerte de Flash (Barry Allen)Consecuencias no siempre deseadas ni aceptadas por los fanáticos. Y ahí radica otro de los valores intangibles que Crisis sacó a relucir: La discrepancia con el lector, la insatisfacción instalada como componente de una ficción viva, abierta a la prueba y el error. Al azuzar al lector, en lugar de complacerlo, Wolfman y Pérez implotaron la zona de confort y dinamitaron el estandarizado verosímil que DC había explotado comercialmente por 50 años. Instalando una posición que privilegiaba lo imprevisible por sobre lo previsible, le dieron la posibilidad cierta del encanto-desencanto ante el devenir de los acontecimientos.
Ilustración hecha a dúo por George Pérez y Alex Ross
Lamentablemente, también le dieron un formato comercialmente exitoso a la industria del cómic. Lo cual derivó en la instalación de una fórmula que terminó achatándolo todo, (des)naturalizando las excepcionalidades que Crisis presentó como instancias irrepetibles y (neo)fundacionales. Transmutando la idea de irreversible cambio definitivo en una propuesta de reversible cambio temporario, motivada por las necesidades editoriales pero incapaz de motivar el interés del lector. Por suerte, a nosotros siempre nos quedará esta Crisis en Tierras Infinitas.Fernando Ariel GarcíaPublicado originalmente en Comiqueando Digital Nº 1 (marzo de 2021)
May 3, 2021
GODZILLA VS. KONG: ¿QUIÉN LA TIENE MÁS GRANDE?
Godzilla vs. Kong. Director: Adam Wingard. Protagonistas:Alexander Skarsgård, Millie Bobby Brown, Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, Shun Oguri, Eiza González, Julian Dennison, Kyle Chandler, Demián Bichir y Kaylee Hottle, entre otros. Guionistas: Erik Pearson y Max Borenstein, sobre una historia original de Terry Rossio, Michael Dougherty y Zach Shields, basado en personajes y situaciones creados por Ishirô Honda, Edgar Wallace y Merian C. Cooper para las películas King Kong (1933), Godzilla (1954) y King Kong contra Godzilla (1962). Legendary Entertainment / Warner Bros. EE.UU. / Australia, 2021. Estreno en la Argentina: 25 de marzo de 2021.
Por primera vez, en muchísimo tiempo, sentí miedo (pero miedo de verdad) al ver una película. El inicio de Godzilla vs. Kong, con el mono tremendo rascándose el culo como si fuera Truman Burbank al levantarse de la cama, me hizo temblar. Pensé que todo podía llegar a ser peor que Godzilla , Kong y Godzilla 2 juntos. Y poco después, el mismo metraje me lo confirmó. Entiendo que Kong hablando por lenguaje de señas pueda llegar a ser un gran ejemplo de políticas inclusivas aplicadas al séptimo arte, pero puesto tal cómo está en el film, resulta completamente ridículo.
En el barrio, diríamos que Godzilla vs. Kong es una boludez atómica, si semejante calificativo estuviera aprobado por la crítica académica. Inconsistente, previsible, aburrida, insostenible. Carente de interés, incapaz de progresar dramáticamente hacia algo mínimamente coherente, creíble y querible. Si no estuviera hecha en serio, parecería una de esas sátiras estúpidas que, cada año, nos llegan desde Hollywood.
Arranca con dos líneas argumentales que, obviamente, van a colisionar más temprano que tarde. Una sigue a los personajes humanos; y resulta totalmente intragable. Pareciera estar rodada para los espectadores más chicos, aquellos que siguen a Millie Bobby Brown a donde vaya, como si eso fuera garantía de algo. En este caso, sólo es garantía de superficialidad, tiempos narrativos estériles y una búsqueda cómica que termina siendo patética.
Pero (siempre hay un pero), entre escena innecesaria y escena descartable pasa lo que todos queremos que pase. Las peleas entre los dos titanes, Godzilla y Kong, resueltas de manera exquisita y a todo trapo, bajo agua y en tierra, yendo al hueso a la hora de plantear el verdadero quid de la cuestión: Dos machos alfa monstruosos, pasados de rosca, al completo palo, intentando resolver a trompada limpia quién la tiene más grande. Y hay tiempo para las icónicas instantáneas de Godzilla pisoteando ciudades, de Kong rompiendo cadenas y trepado a lo alto de un rascacielos. Demasiada pelea para tan poca película. Y encima, se gastan la bala de plata de Mechagodzilla al divino botón.Fernando Ariel García
Por primera vez, en muchísimo tiempo, sentí miedo (pero miedo de verdad) al ver una película. El inicio de Godzilla vs. Kong, con el mono tremendo rascándose el culo como si fuera Truman Burbank al levantarse de la cama, me hizo temblar. Pensé que todo podía llegar a ser peor que Godzilla , Kong y Godzilla 2 juntos. Y poco después, el mismo metraje me lo confirmó. Entiendo que Kong hablando por lenguaje de señas pueda llegar a ser un gran ejemplo de políticas inclusivas aplicadas al séptimo arte, pero puesto tal cómo está en el film, resulta completamente ridículo.
En el barrio, diríamos que Godzilla vs. Kong es una boludez atómica, si semejante calificativo estuviera aprobado por la crítica académica. Inconsistente, previsible, aburrida, insostenible. Carente de interés, incapaz de progresar dramáticamente hacia algo mínimamente coherente, creíble y querible. Si no estuviera hecha en serio, parecería una de esas sátiras estúpidas que, cada año, nos llegan desde Hollywood.
Arranca con dos líneas argumentales que, obviamente, van a colisionar más temprano que tarde. Una sigue a los personajes humanos; y resulta totalmente intragable. Pareciera estar rodada para los espectadores más chicos, aquellos que siguen a Millie Bobby Brown a donde vaya, como si eso fuera garantía de algo. En este caso, sólo es garantía de superficialidad, tiempos narrativos estériles y una búsqueda cómica que termina siendo patética.
Pero (siempre hay un pero), entre escena innecesaria y escena descartable pasa lo que todos queremos que pase. Las peleas entre los dos titanes, Godzilla y Kong, resueltas de manera exquisita y a todo trapo, bajo agua y en tierra, yendo al hueso a la hora de plantear el verdadero quid de la cuestión: Dos machos alfa monstruosos, pasados de rosca, al completo palo, intentando resolver a trompada limpia quién la tiene más grande. Y hay tiempo para las icónicas instantáneas de Godzilla pisoteando ciudades, de Kong rompiendo cadenas y trepado a lo alto de un rascacielos. Demasiada pelea para tan poca película. Y encima, se gastan la bala de plata de Mechagodzilla al divino botón.Fernando Ariel García
April 28, 2021
XVII ENCUENTRO DE CINE EUROPEO EN LA ARGENTINA, ONLINE Y GRATIS, DEL 1° AL 30 DE MAYO
(Información de prensa) 14 países. 19 películas. La Delegación de la Unión Europea en Argentina se complace en presentar la segunda etapa de la XVII edición del Encuentro de Cine Europeo (ECE), que comprende una selección muy especial de diecinueve películas de Alemania, Austria, Bélgica, Croacia, Dinamarca, Eslovenia, España, Finlandia, Francia, Italia, Polonia, Portugal, Rumania y Suecia.
El Encuentro de Cine Europeo se desarrollará, de manera online y gatuita, entre el 1° y el 31 de mayo de 2021, y sus actividades se unen a la programación en ocasión del Mes de Europa, llamado así porque el 9 de mayo cada año se celebra el Día de Europa. Con una programación renovada y con una mirada con perspectiva de género, los títulos nos invitan a reflexionar sobre la desigualdad, el empoderamiento, la discriminación y la exclusión, entre otros. Las películas estarán disponibles en forma gratuita entrando al sitio web del Encuentro de Cine Europeo: https://www.cineueargentina.com.
Programación
La pareja perfecta (Das schönste Paar, 2018, Alemania / Francia), de Sven Taddicken: Las vacaciones de ensueño de la joven pareja Liv y Malte en una isla del mar Mediterráneo se convierten en una pesadilla: Son atacados por tres jóvenes en su casa y Liv es brutalmente violada.
De regreso en Alemania, la pareja de docentes logra recuperar su rutina, hasta que Malte reconoce a uno de los atacantes y opta por buscar venganza. Con Maximilian Brückner y Luise Heyer.
Erik & Erika (2018, Austria), de Reinhold Bilgeri: La verdadera historia del hombre que se convirtió en campeona mundial del esquí femenino. Erik Schinegger nació y creció como mujer hasta que un nuevo test médico demostró que genéticamente era un hombre.
Esta película cuenta la historia de su vida como mujer, su definitiva transición a la masculinidad y su lucha por reconocimiento en una época en la que no había lugar en el diccionario social para una palabra como “transgénero”. Con Ulrike Beimpold, Christoph Bittenauer, Nives Bogad, Sarah Born y Hans-Maria Darnov.
Emma Peters (2018, Bélgica / Canadá), de Nicole Palo: En 34 años de existencia, Emma no ha llegado muy lejos. Convencida de que su vida es un fracaso, decide ponerle fin.
Mientras lo prepara, conoce a Alex, el amable empleado de una funeraria. Lejos de disuadirla, la ayuda de formas inesperadas. Con Monia Chokri y Fabrice Addi.
Tú me llevas (Ti mene nosiš, 2015, Croacia), de Ivona Juka: Tres hijas, tres padres, tres generaciones, tres perspectivas sobre las relaciones que pueden variar enormemente.
La película cuenta varias historias cuyo eje es la lucha por la supervivencia, el perdón y las nuevas oportunidades. Con Lana Barić, Vojislav Brajović y Nataša Janjić.
Una familia perfectamente normal (En helt almindelig familie, 2020, Dinamarca), de Malou Reymann: Thomas, Helle, Emma y Caroline son una familia “perfectamente normal”. Pero cuando el padre de la familia, Thomas, les dice que es transgénero, todo cambia.
La familia lucha por aferrarse a todo lo que tenían juntos y, al mismo tiempo, tiene que aceptar que a partir de ahora todo será diferente. ¿Puede Thomas, ahora llamado Agnete, formar parte de la familia tal como antes? ¿Se puede ser padre, siendo mujer? Con Jessica Dinnage, Mikkel Boe Følsgaard, Hadewych Minis y Kaya Toft Loholt.
Fat Front (2019, Dinamarca), de Louise Detlefsen: Documental danés sobre cuatro mujeres escandinavas: Helene, Marte, Pauline y Wilde que se niegan a sentir vergüenza por estar gordas. Ellas exigen respeto y reconocimiento en una sociedad obsesionada con la dieta, mientras luchan con su falta de autoestima. Durante bastante tiempo han puesto sus vidas en espera hasta el día en que se vieran delgadas, este día nunca llegó, pero sí han llegado a encontrarse con ellas mismas.
Fat Front, con un tono provocativo del feminismo y un enfoque artístico de la belleza del cuerpo, busca cambiar la forma en que vemos los cuerpos. El documental ofrece una visión poderosa e inspiradora de la vida del activismo corporal.
Mi último año como Loser (Ne bom več Luzerka, 2018, Eslovenia), de Urša Menart: Špela, quien pronto cumplirá 30 años, es una joven graduada en Historia del Arte que lucha por encontrar un trabajo estable. Mientras tanto se gana la vida como recepcionista de una galería de arte, guardavidas en una piscina, y camarera en un bar de la ciudad. A diferencia de sus mejores amigas, que se mudaron de Eslovenia hace años y no tienen la intención de regresar, Špela insiste en quedarse en Ljubljana, aunque la mayor parte de su vida social se desarrolla a través de Skype.
Cuando su novio de toda la vida también se marcha tras recibir una oferta de trabajo en el extranjero, Špela se queda sin departamento, trabajo y compañía. De vuelta en la casa de sus padres y su abuela, quien ahora ocupa la que fuera su habitación de niña, Špela se da cuenta de que crecer será más difícil de lo que esperaba.
Lo que arde (2019, España / Francia / Luxemburgo), de Oliver Laxe: Cuando Amador Coro sale de la cárcel por haber provocado un incendio, nadie lo espera. Vuelve a su ciudad natal, un pequeño pueblo escondido en las montañas de la Galicia rural, para vivir con su madre mayor, Benedicta, y tres vacas.
La vida transcurre tranquilamente, siguiendo el ritmo de la naturaleza. Hasta la noche en que un incendio arrasa la región.
Helsinki Mansplaining Massacre (2018, Finlandia), de Ilja Rautsi: Un hombre habla condescendientemente con alguien (generalmente una mujer) acerca de un tema sobre el cual tiene incompleto conocimiento, con la suposición errónea de que él sabe más sobre aquel tema, que la persona con la que está hablando.
Una comedia de terror intensamente histérica sobre la lucha desesperada de una mujer por sobrevivir a una horda de hombres con egos frágiles, que solo quiere explicarle todo. Pero el mayor horror puede estar más cerca de ella de lo que cree. Cortometraje con Anna Paavilainen, Leo Honkonen y Ella Lahdenmäki.
Los jóvenes salvajes (Les garçons sauvages, 2017, Francia), de Bertrand Mandico: A principios del siglo XX, cinco chicos de buena familia, ebrios de libertad, cometen un acto salvaje. Por ese hecho son encerrados en un barco por el Capitán, atrapados en un viaje que se transforma en un crucero represivo.
Tras amotinarse, los jóvenes llegan a una misteriosa isla de vegetación lujuriosa y placeres ocultos, donde sus vidas se transformarán para siempre. Basada en The Wild Boys: A Book of the Dead, de William S. Burroughs. Con Pauline Lorillard, Vimala Pons y Diane Rouxel.
Una niña (Petite Fille, 2020, Francia), de Sébastien Lifshitz: Cuando crezca, será una niña. Esto es algo con lo que Sasha lleva soñando desde su niñez. Además de varias entrevistas con los padres, quienes hablan claramente de Sasha como su niña, la película muestra también la lucha incansable de la familia contra un entorno hostil.
En el documental, vemos a Sasha jugando, yendo a clases de ballet y durante una visita a un terapeuta especializado en identidades de género. En la escuela, a Sasha no se le permite vestir 'como una niña', debe usar ropa 'de niños'. En varias ocasiones Sasha no entiende por qué los adultos lo hacen todo tan complicado, y no la dejan simplemente ser quien es y vestir lo que le apetezca. Film presentado de manera conjunta con el 19° Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos (FICDH).
El valor de una mujer (Nome di donna, Italia), de Marco Tullio Giordana: Nina deja Milán para mudarse a un pequeño pueblo de Lombardía. Allí encuentra trabajo en una prestigiosa clínica para ancianos donde trabajan muchas otras mujeres. Pero el lugar esconde un oscuro secreto.
Cuando Nina lo descubra, se verá obligada a enfrentarse a los directivos de la clínica y a sus propias colegas en una batalla por hacer valer sus derechos y proteger su dignidad. Con Cristiana Capotondi, Laura Marinoni, Michela Cescon, Stefano Scandaletti y Valerio Binasco.
Ganas de vivir (Chce się żyć, 2013, Polonia), de Maciej Pieprzyca: Mateusz, un hombre joven e inteligente, sufre una severa parálisis cerebral y es atrapado en su propio cuerpo. Su mundo protegido se destruye cuando lo internan en una institución, donde es maltratado.
Ganas de vivir narra su problemático crecimiento en la transición de Polonia entre 1980 y 1990. Con Dawid Ogrodnik, Kamil Tkacz y Dorota Kolak.
Morir como un hombre (Morrer como um homem, 2009, Portugal / Francia), de João Pedro Rodrigues: La noche de Lisboa como homenaje y réquiem, a través de la historia de Tonia, un transexual cuya juventud ha quedado atrás y desea operarse para cambiar de sexo.
El amor le da sentido a su vida, pero también sufrimiento; y es entre esa pasión por vivir la vida intensamente y ese padecer de la soledad -que siempre amenaza- donde se instala esta poderosa tercera película de João Pedro Rodrigues. Con Chandra Malatitch, John Jesus Romã e Ivo Barroso.
Acasǎ, my home (2020, Rumania / Alemania), de Radu Ciorniciuc: Durante dos décadas, la familia Enache ha vivido en una casa hecha con materiales de desecho, cerca del delta de Bucarest. La familia vivió en perfecta armonía con la naturaleza durante dos décadas, durmiendo en la cabaña a orillas del lago, pescando con las manos desnudas y siguiendo el ritmo de las estaciones.
Cuando esta área se transforma en un parque nacional público, se ven obligados a dejar atrás su vida poco convencional y mudarse a la ciudad, donde las cañas de pescar son reemplazadas por teléfonos inteligentes y las tardes ociosas ahora se pasan en las aulas. A medida que la familia lucha por adaptarse a la civilización moderna y mantener su conexión entre ellos y con ellos mismos, cada uno comienza a cuestionar su lugar en el mundo y cuál podría ser su futuro. Con sus raíces en el desierto, los nueve hijos y sus padres luchan para encontrar una manera de mantener unida a su familia en la jungla de asfalto. Documental.
Yo soy Greta (I'm Greta, 2020, Suecia), de Nathan Grossman: La historia de la activista ambiental adolescente Greta Thunberg es contada a través de material inédito y cautivante en este documental íntimo. Partiendo de la huelga escolar individual para la acción ambiental frente al Parlamento sueco, Grossman sigue a Greta -una estudiante tímida con Síndrome de Asperger- en su ascenso a la notoriedad y su impacto decisivo a medida que inspira huelgas estudiantiles alrededor del mundo.
La película culmina con su viaje en velero a través del Océano Atlántico para hablar en la Cumbre de la ONU sobre la Acción Climática en Nueva York.
Tricky Women. De viajes, asuntos del corazón y periferias (Austria): Mujeres artistas del cine de animación presentan sus trabajos más recientes, que vislumbran la situación actual de las películas de animación en Austria.
En esta oportunidad les presentamos una selección especial de tres cortos, invitándolos a un viaje polifacético por el universo de sentimientos y metáforas visuales con miradas conmovedoras, divertidas y también críticas: In Her Boots, de Karin Steinbacher; Linz Delight, de Maya Yoneshô; y The Outlander, de Ani Anotonova. Proyecto fruto de la colaboración entre el Ministerio Federal de Asuntos Europeos e Internacionales de Austria y el Tricky Women/Tricky Realities Festival que se celebra desde 2001 alrededor de cada 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer.
Por último, para celebrar el Día de Europa y encontrarnos con el cine de forma presencial (si las condiciones sanitarias y si las disposiciones vigentes lo permiten), el Centro Cultural Kirchner recibirá una película del Encuentro de Cine Europeo que se proyectará de forma gratuita y abierta al público en la Sala Argentina, siguiendo todos los protocolos de reserva previa y de seguridad que estén en vigor a la fecha de la proyección.
El Encuentro de Cine Europeo se desarrollará, de manera online y gatuita, entre el 1° y el 31 de mayo de 2021, y sus actividades se unen a la programación en ocasión del Mes de Europa, llamado así porque el 9 de mayo cada año se celebra el Día de Europa. Con una programación renovada y con una mirada con perspectiva de género, los títulos nos invitan a reflexionar sobre la desigualdad, el empoderamiento, la discriminación y la exclusión, entre otros. Las películas estarán disponibles en forma gratuita entrando al sitio web del Encuentro de Cine Europeo: https://www.cineueargentina.com.
Programación
La pareja perfecta (Das schönste Paar, 2018, Alemania / Francia), de Sven Taddicken: Las vacaciones de ensueño de la joven pareja Liv y Malte en una isla del mar Mediterráneo se convierten en una pesadilla: Son atacados por tres jóvenes en su casa y Liv es brutalmente violada.
De regreso en Alemania, la pareja de docentes logra recuperar su rutina, hasta que Malte reconoce a uno de los atacantes y opta por buscar venganza. Con Maximilian Brückner y Luise Heyer.
Erik & Erika (2018, Austria), de Reinhold Bilgeri: La verdadera historia del hombre que se convirtió en campeona mundial del esquí femenino. Erik Schinegger nació y creció como mujer hasta que un nuevo test médico demostró que genéticamente era un hombre.
Esta película cuenta la historia de su vida como mujer, su definitiva transición a la masculinidad y su lucha por reconocimiento en una época en la que no había lugar en el diccionario social para una palabra como “transgénero”. Con Ulrike Beimpold, Christoph Bittenauer, Nives Bogad, Sarah Born y Hans-Maria Darnov.
Emma Peters (2018, Bélgica / Canadá), de Nicole Palo: En 34 años de existencia, Emma no ha llegado muy lejos. Convencida de que su vida es un fracaso, decide ponerle fin.
Mientras lo prepara, conoce a Alex, el amable empleado de una funeraria. Lejos de disuadirla, la ayuda de formas inesperadas. Con Monia Chokri y Fabrice Addi.
Tú me llevas (Ti mene nosiš, 2015, Croacia), de Ivona Juka: Tres hijas, tres padres, tres generaciones, tres perspectivas sobre las relaciones que pueden variar enormemente.
La película cuenta varias historias cuyo eje es la lucha por la supervivencia, el perdón y las nuevas oportunidades. Con Lana Barić, Vojislav Brajović y Nataša Janjić.
Una familia perfectamente normal (En helt almindelig familie, 2020, Dinamarca), de Malou Reymann: Thomas, Helle, Emma y Caroline son una familia “perfectamente normal”. Pero cuando el padre de la familia, Thomas, les dice que es transgénero, todo cambia.
La familia lucha por aferrarse a todo lo que tenían juntos y, al mismo tiempo, tiene que aceptar que a partir de ahora todo será diferente. ¿Puede Thomas, ahora llamado Agnete, formar parte de la familia tal como antes? ¿Se puede ser padre, siendo mujer? Con Jessica Dinnage, Mikkel Boe Følsgaard, Hadewych Minis y Kaya Toft Loholt.
Fat Front (2019, Dinamarca), de Louise Detlefsen: Documental danés sobre cuatro mujeres escandinavas: Helene, Marte, Pauline y Wilde que se niegan a sentir vergüenza por estar gordas. Ellas exigen respeto y reconocimiento en una sociedad obsesionada con la dieta, mientras luchan con su falta de autoestima. Durante bastante tiempo han puesto sus vidas en espera hasta el día en que se vieran delgadas, este día nunca llegó, pero sí han llegado a encontrarse con ellas mismas.
Fat Front, con un tono provocativo del feminismo y un enfoque artístico de la belleza del cuerpo, busca cambiar la forma en que vemos los cuerpos. El documental ofrece una visión poderosa e inspiradora de la vida del activismo corporal.
Mi último año como Loser (Ne bom več Luzerka, 2018, Eslovenia), de Urša Menart: Špela, quien pronto cumplirá 30 años, es una joven graduada en Historia del Arte que lucha por encontrar un trabajo estable. Mientras tanto se gana la vida como recepcionista de una galería de arte, guardavidas en una piscina, y camarera en un bar de la ciudad. A diferencia de sus mejores amigas, que se mudaron de Eslovenia hace años y no tienen la intención de regresar, Špela insiste en quedarse en Ljubljana, aunque la mayor parte de su vida social se desarrolla a través de Skype.
Cuando su novio de toda la vida también se marcha tras recibir una oferta de trabajo en el extranjero, Špela se queda sin departamento, trabajo y compañía. De vuelta en la casa de sus padres y su abuela, quien ahora ocupa la que fuera su habitación de niña, Špela se da cuenta de que crecer será más difícil de lo que esperaba.
Lo que arde (2019, España / Francia / Luxemburgo), de Oliver Laxe: Cuando Amador Coro sale de la cárcel por haber provocado un incendio, nadie lo espera. Vuelve a su ciudad natal, un pequeño pueblo escondido en las montañas de la Galicia rural, para vivir con su madre mayor, Benedicta, y tres vacas.
La vida transcurre tranquilamente, siguiendo el ritmo de la naturaleza. Hasta la noche en que un incendio arrasa la región.
Helsinki Mansplaining Massacre (2018, Finlandia), de Ilja Rautsi: Un hombre habla condescendientemente con alguien (generalmente una mujer) acerca de un tema sobre el cual tiene incompleto conocimiento, con la suposición errónea de que él sabe más sobre aquel tema, que la persona con la que está hablando.
Una comedia de terror intensamente histérica sobre la lucha desesperada de una mujer por sobrevivir a una horda de hombres con egos frágiles, que solo quiere explicarle todo. Pero el mayor horror puede estar más cerca de ella de lo que cree. Cortometraje con Anna Paavilainen, Leo Honkonen y Ella Lahdenmäki.
Los jóvenes salvajes (Les garçons sauvages, 2017, Francia), de Bertrand Mandico: A principios del siglo XX, cinco chicos de buena familia, ebrios de libertad, cometen un acto salvaje. Por ese hecho son encerrados en un barco por el Capitán, atrapados en un viaje que se transforma en un crucero represivo.
Tras amotinarse, los jóvenes llegan a una misteriosa isla de vegetación lujuriosa y placeres ocultos, donde sus vidas se transformarán para siempre. Basada en The Wild Boys: A Book of the Dead, de William S. Burroughs. Con Pauline Lorillard, Vimala Pons y Diane Rouxel.
Una niña (Petite Fille, 2020, Francia), de Sébastien Lifshitz: Cuando crezca, será una niña. Esto es algo con lo que Sasha lleva soñando desde su niñez. Además de varias entrevistas con los padres, quienes hablan claramente de Sasha como su niña, la película muestra también la lucha incansable de la familia contra un entorno hostil.
En el documental, vemos a Sasha jugando, yendo a clases de ballet y durante una visita a un terapeuta especializado en identidades de género. En la escuela, a Sasha no se le permite vestir 'como una niña', debe usar ropa 'de niños'. En varias ocasiones Sasha no entiende por qué los adultos lo hacen todo tan complicado, y no la dejan simplemente ser quien es y vestir lo que le apetezca. Film presentado de manera conjunta con el 19° Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos (FICDH).
El valor de una mujer (Nome di donna, Italia), de Marco Tullio Giordana: Nina deja Milán para mudarse a un pequeño pueblo de Lombardía. Allí encuentra trabajo en una prestigiosa clínica para ancianos donde trabajan muchas otras mujeres. Pero el lugar esconde un oscuro secreto.
Cuando Nina lo descubra, se verá obligada a enfrentarse a los directivos de la clínica y a sus propias colegas en una batalla por hacer valer sus derechos y proteger su dignidad. Con Cristiana Capotondi, Laura Marinoni, Michela Cescon, Stefano Scandaletti y Valerio Binasco.
Ganas de vivir (Chce się żyć, 2013, Polonia), de Maciej Pieprzyca: Mateusz, un hombre joven e inteligente, sufre una severa parálisis cerebral y es atrapado en su propio cuerpo. Su mundo protegido se destruye cuando lo internan en una institución, donde es maltratado.
Ganas de vivir narra su problemático crecimiento en la transición de Polonia entre 1980 y 1990. Con Dawid Ogrodnik, Kamil Tkacz y Dorota Kolak.
Morir como un hombre (Morrer como um homem, 2009, Portugal / Francia), de João Pedro Rodrigues: La noche de Lisboa como homenaje y réquiem, a través de la historia de Tonia, un transexual cuya juventud ha quedado atrás y desea operarse para cambiar de sexo.
El amor le da sentido a su vida, pero también sufrimiento; y es entre esa pasión por vivir la vida intensamente y ese padecer de la soledad -que siempre amenaza- donde se instala esta poderosa tercera película de João Pedro Rodrigues. Con Chandra Malatitch, John Jesus Romã e Ivo Barroso.
Acasǎ, my home (2020, Rumania / Alemania), de Radu Ciorniciuc: Durante dos décadas, la familia Enache ha vivido en una casa hecha con materiales de desecho, cerca del delta de Bucarest. La familia vivió en perfecta armonía con la naturaleza durante dos décadas, durmiendo en la cabaña a orillas del lago, pescando con las manos desnudas y siguiendo el ritmo de las estaciones.
Cuando esta área se transforma en un parque nacional público, se ven obligados a dejar atrás su vida poco convencional y mudarse a la ciudad, donde las cañas de pescar son reemplazadas por teléfonos inteligentes y las tardes ociosas ahora se pasan en las aulas. A medida que la familia lucha por adaptarse a la civilización moderna y mantener su conexión entre ellos y con ellos mismos, cada uno comienza a cuestionar su lugar en el mundo y cuál podría ser su futuro. Con sus raíces en el desierto, los nueve hijos y sus padres luchan para encontrar una manera de mantener unida a su familia en la jungla de asfalto. Documental.
Yo soy Greta (I'm Greta, 2020, Suecia), de Nathan Grossman: La historia de la activista ambiental adolescente Greta Thunberg es contada a través de material inédito y cautivante en este documental íntimo. Partiendo de la huelga escolar individual para la acción ambiental frente al Parlamento sueco, Grossman sigue a Greta -una estudiante tímida con Síndrome de Asperger- en su ascenso a la notoriedad y su impacto decisivo a medida que inspira huelgas estudiantiles alrededor del mundo.
La película culmina con su viaje en velero a través del Océano Atlántico para hablar en la Cumbre de la ONU sobre la Acción Climática en Nueva York.
Tricky Women. De viajes, asuntos del corazón y periferias (Austria): Mujeres artistas del cine de animación presentan sus trabajos más recientes, que vislumbran la situación actual de las películas de animación en Austria.
En esta oportunidad les presentamos una selección especial de tres cortos, invitándolos a un viaje polifacético por el universo de sentimientos y metáforas visuales con miradas conmovedoras, divertidas y también críticas: In Her Boots, de Karin Steinbacher; Linz Delight, de Maya Yoneshô; y The Outlander, de Ani Anotonova. Proyecto fruto de la colaboración entre el Ministerio Federal de Asuntos Europeos e Internacionales de Austria y el Tricky Women/Tricky Realities Festival que se celebra desde 2001 alrededor de cada 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer.
Por último, para celebrar el Día de Europa y encontrarnos con el cine de forma presencial (si las condiciones sanitarias y si las disposiciones vigentes lo permiten), el Centro Cultural Kirchner recibirá una película del Encuentro de Cine Europeo que se proyectará de forma gratuita y abierta al público en la Sala Argentina, siguiendo todos los protocolos de reserva previa y de seguridad que estén en vigor a la fecha de la proyección.
April 25, 2021
GODZILLA 2: MÁS GRANDE, MÁS ZONZO
Godzilla 2: El Rey de los monstruos. Director: Michael Dougherty. Protagonistas: Kyle Chandler, Vera Farmiga, Millie Bobby Brown, Ken Watanabe, Bradley Whitford, Sally Hawkins, Charles Dance, Thomas Middleditch, Aisha Hinds, O'Shea Jackson Jr. y Zhang Ziyi, entre otros. Guionistas: Michael Dougherty, Zach Shields y Max Borenstein, basado en personajes y situaciones creados por Ishirô Honda (entre otros) para las películas Godzilla (1954), Rodan(1956), Mothra (1961) y Godzilla contra Ghidorah, el dragón de tres cabezas(1964). Warner Bros. / Legendary Pictures. EE.UU., 2019. Estreno en la Argentina: 30 de mayo de 2019.
Podríamos decir que estamos frente a un estratégico cambio de guardia en el rincón que Godzilla ocupa dentro del Universo de Monstruos de Legendary Pictures. Pareciera que la empresa decidió cambiar el racionalismo científico de los principales personajes humanos para resaltar el involucramiento emocional de los recién llegados, apostando a que esta movida realce el costado aventurero de la trama y genere algo de empatía con el público. Así que vamos a decirle adiós a Ken Watanabe y Sally Hawkins (a quienes conocimos en la Godzilla de 2014) para recibir con los brazos abiertos a la superestrella de Netflix, Millie Bobby Brown, después de su exitazo en Stranger Things y antes de su desembarco como Enola Holmes.
Todo bien con este gesto, pero la verdad es que el movimiento no implica cambios; y Godzilla 2: El Rey de los monstruos(Godzilla: King of the Monsters) no corrige ninguno de los errores que había cometido el primer eslabón de la saga, sino que los profundiza. Y como si esto fuera poco, le suma la desmesura caricaturesca y grosera de Kong: La Isla Calavera . ¿El resultado? Esplendor visual garantizado, apoyado en un guion bastante inexistente y ridículo, contado con una narrativa descuajeringada.
El film promueve la sobreabundancia. Todo es enorme y hueco, alimento para el ojo y engañapichangas para el raciocinio. Una sobrecarga de adrenalina, fuego y destrucción que no emociona ni conmueve. Y, por algunos tramos, ni siquiera interesa. Entre las varias subtramas que corren en paralelo, las más importantes son dos. Una, la causa medioambiental devenida accionar terrorista de un grupo ultramilitarizado, que necesita del despertar de todos los Titanes para poner orden sobre la Tierra. Un orden que, claro, necesita pasar por la destrucción global previa. Y dos, una serie de asuntos personales que los monstruos gigantes deberán resolver entre ellos, a puñetazo limpio.
En este último punto es donde descansa el mayor atractivo de la película. Al menos, para los veteranos como yo que crecimos viendo los Sábados de Súper Acción. La aparición de otros tres tanques de la escuadra Toho, mítico estudio cinematográfico japonés responsable de la existencia del género kaiju, que es como se suele denominar al cine oriental de monstruos gigantes pisoteando ciudades. Estoy hablando, en particular, del pteranodonte Rodan, la polilla Mothra y el más malo entre los malos, el dragón tricéfalo Ghidorah.
Lo ideal sería adelantar las partes en que los humanos interfieren el metraje, para detenerse en las peleas entre los Titanes, que es como volver a ver los encontronazos entre Martín Karadagián y la Momia, el Caballero Rojo y el commendatore Benito Durante, o el Ancho Peucelle y el gitano Ivanoff. Sabemos que es todo mentira, pero nos gusta que sea así. No hay ningún Di Sarli que le ponga emoción, es cierto; y le haría mucha falta la pimienta de un William Boo, pero los yanquis piensan que el catch es la puesta en escena de la WWE: Mucho ruido y volumen al palo. Hay una escena post-créditos y un fugaz cameo de Kong, anticipando la pelea de fondo que se viene.Fernando Ariel García
Podríamos decir que estamos frente a un estratégico cambio de guardia en el rincón que Godzilla ocupa dentro del Universo de Monstruos de Legendary Pictures. Pareciera que la empresa decidió cambiar el racionalismo científico de los principales personajes humanos para resaltar el involucramiento emocional de los recién llegados, apostando a que esta movida realce el costado aventurero de la trama y genere algo de empatía con el público. Así que vamos a decirle adiós a Ken Watanabe y Sally Hawkins (a quienes conocimos en la Godzilla de 2014) para recibir con los brazos abiertos a la superestrella de Netflix, Millie Bobby Brown, después de su exitazo en Stranger Things y antes de su desembarco como Enola Holmes.
Todo bien con este gesto, pero la verdad es que el movimiento no implica cambios; y Godzilla 2: El Rey de los monstruos(Godzilla: King of the Monsters) no corrige ninguno de los errores que había cometido el primer eslabón de la saga, sino que los profundiza. Y como si esto fuera poco, le suma la desmesura caricaturesca y grosera de Kong: La Isla Calavera . ¿El resultado? Esplendor visual garantizado, apoyado en un guion bastante inexistente y ridículo, contado con una narrativa descuajeringada.
El film promueve la sobreabundancia. Todo es enorme y hueco, alimento para el ojo y engañapichangas para el raciocinio. Una sobrecarga de adrenalina, fuego y destrucción que no emociona ni conmueve. Y, por algunos tramos, ni siquiera interesa. Entre las varias subtramas que corren en paralelo, las más importantes son dos. Una, la causa medioambiental devenida accionar terrorista de un grupo ultramilitarizado, que necesita del despertar de todos los Titanes para poner orden sobre la Tierra. Un orden que, claro, necesita pasar por la destrucción global previa. Y dos, una serie de asuntos personales que los monstruos gigantes deberán resolver entre ellos, a puñetazo limpio.
En este último punto es donde descansa el mayor atractivo de la película. Al menos, para los veteranos como yo que crecimos viendo los Sábados de Súper Acción. La aparición de otros tres tanques de la escuadra Toho, mítico estudio cinematográfico japonés responsable de la existencia del género kaiju, que es como se suele denominar al cine oriental de monstruos gigantes pisoteando ciudades. Estoy hablando, en particular, del pteranodonte Rodan, la polilla Mothra y el más malo entre los malos, el dragón tricéfalo Ghidorah.
Lo ideal sería adelantar las partes en que los humanos interfieren el metraje, para detenerse en las peleas entre los Titanes, que es como volver a ver los encontronazos entre Martín Karadagián y la Momia, el Caballero Rojo y el commendatore Benito Durante, o el Ancho Peucelle y el gitano Ivanoff. Sabemos que es todo mentira, pero nos gusta que sea así. No hay ningún Di Sarli que le ponga emoción, es cierto; y le haría mucha falta la pimienta de un William Boo, pero los yanquis piensan que el catch es la puesta en escena de la WWE: Mucho ruido y volumen al palo. Hay una escena post-créditos y un fugaz cameo de Kong, anticipando la pelea de fondo que se viene.Fernando Ariel García
April 22, 2021
KONG – LA ISLA CALAVERA: GIGANTE CHIQUITO
Kong: La Isla Calavera. Director: Jordan Vogt-Roberts. Protagonistas: Tom Hiddleston, Samuel L. Jackson, John Goodman, Brie Larson, Jing Tian, Toby Kebbell, John Ortiz, Corey Hawkins, Jason Mitchell, Shea Whigham, Thomas Mann y John C. Reilly, entre otros. Guionistas: Dan Gilroy, Max Borenstein y Derek Connolly, sobre una historia original de John Gatins basada en personajes y situaciones creados por Edgar Wallace y Merian C. Cooper para la película King Kong (1933). Legendary Pictures / Tencent Pictures. EE.UU., 2017. Estreno en la Argentina: 9 de marzo de 2017.
Entiendo que no hayan querido hacer otra remake de la clásica King Kong. Ya la había hecho Peter Jackson en 2005 y, a pesar de toda la parafernalia y el indiscutido amor por la criatura que destilaba el film, la moderna reinvención seguía sin tocarle los talones al viejo metraje de 1933, inmortalizado por la magia que supo insuflarle Willis O’Brien, pionero de los efectos especiales. Entiendo también que hayan querido despegarse de la trágica historia de amor que yace en el material original, resignando la explosiva tensión sexual que late en la herida de esa consumación imposible. Lo que no entiendo es por qué decidieron jibarizar la icónica y monumental estatura de Kong, reduciéndolo a un héroe de acción capaz de competir con Bruce Willis a ver quién es más duro de matar.
Porque el Kong de esta Kong: La Isla Calavera(Kong: Skull Island) no pasa de eso: Un paladín incomprendido, resabio de una época de Titanes que se niegan a desaparecer y, por lo que parece, están a punto de recuperar su antiguo liderazgo mientras garantizan el balance necesario para que la Tierra no desaparezca a causa del accionar del Hombre. Mientras tanto, munido de su destino pre-histórico, este simio guardián del equilibrio perdido avanzará a trompazo limpio contra todo monstruo y contra todo ser humano que pretenda doblegar su figura y su reinado.
Ambientada principalmente en 1973, sobre el fin de la guerra de Vietnam y la debacle de la administración Nixon, la película desdibuja su identidad (y la de Kong) al intentar generarse (y generarle) una nueva, diametralmente opuesta a la anterior. En la mescolanza se ven las hilachas de Moby Dick y Apocalypse Now!, de Jurassic Park y Pelotón. Marcas de agua que no llegan a permear la superficie sonora y visual, por lo cual quedan reconvertidas en muecas estériles de las cargas filosóficas, políticas y éticas que uno puede encontrar en esas obras si se anima a rascar la cáscara y asomarse al abismo de la existencia. La prueba más cabal está en las morisquetas caricaturescas que da Samuel L. Jackson, intentando vestir la piel de un militarizado capitán Ahab en busca de su venganza monomaníaca.
Lo único que la película hace bien (en mi opinión) es sentar las bases para la construcción del Universo de Monstruos que desea patentar Legendary Pictures, en obvia comparación con el Universo Cinematográfico de Marvel. Una idea cohesionada alrededor de la organización secreta Monarch, aparecida en la Godzilla de 2014 y encargada de tender los puentes argumentales entre el kaiju japonés y los monstruos occidentales, brindando sustento teórico al combate de fondo que anticipa la escena post-créditos: Godzilla versus Kong. El resto es ruido.Fernando Ariel García
Entiendo que no hayan querido hacer otra remake de la clásica King Kong. Ya la había hecho Peter Jackson en 2005 y, a pesar de toda la parafernalia y el indiscutido amor por la criatura que destilaba el film, la moderna reinvención seguía sin tocarle los talones al viejo metraje de 1933, inmortalizado por la magia que supo insuflarle Willis O’Brien, pionero de los efectos especiales. Entiendo también que hayan querido despegarse de la trágica historia de amor que yace en el material original, resignando la explosiva tensión sexual que late en la herida de esa consumación imposible. Lo que no entiendo es por qué decidieron jibarizar la icónica y monumental estatura de Kong, reduciéndolo a un héroe de acción capaz de competir con Bruce Willis a ver quién es más duro de matar.
Porque el Kong de esta Kong: La Isla Calavera(Kong: Skull Island) no pasa de eso: Un paladín incomprendido, resabio de una época de Titanes que se niegan a desaparecer y, por lo que parece, están a punto de recuperar su antiguo liderazgo mientras garantizan el balance necesario para que la Tierra no desaparezca a causa del accionar del Hombre. Mientras tanto, munido de su destino pre-histórico, este simio guardián del equilibrio perdido avanzará a trompazo limpio contra todo monstruo y contra todo ser humano que pretenda doblegar su figura y su reinado.
Ambientada principalmente en 1973, sobre el fin de la guerra de Vietnam y la debacle de la administración Nixon, la película desdibuja su identidad (y la de Kong) al intentar generarse (y generarle) una nueva, diametralmente opuesta a la anterior. En la mescolanza se ven las hilachas de Moby Dick y Apocalypse Now!, de Jurassic Park y Pelotón. Marcas de agua que no llegan a permear la superficie sonora y visual, por lo cual quedan reconvertidas en muecas estériles de las cargas filosóficas, políticas y éticas que uno puede encontrar en esas obras si se anima a rascar la cáscara y asomarse al abismo de la existencia. La prueba más cabal está en las morisquetas caricaturescas que da Samuel L. Jackson, intentando vestir la piel de un militarizado capitán Ahab en busca de su venganza monomaníaca.
Lo único que la película hace bien (en mi opinión) es sentar las bases para la construcción del Universo de Monstruos que desea patentar Legendary Pictures, en obvia comparación con el Universo Cinematográfico de Marvel. Una idea cohesionada alrededor de la organización secreta Monarch, aparecida en la Godzilla de 2014 y encargada de tender los puentes argumentales entre el kaiju japonés y los monstruos occidentales, brindando sustento teórico al combate de fondo que anticipa la escena post-créditos: Godzilla versus Kong. El resto es ruido.Fernando Ariel García
MONSTER HUNTER: MÁS VALE MORIR RÁPIDO
Monster Hunter: La cacería comienza. Director: Paul W.S. Anderson. Protagonistas: Milla Jovovich, Tony Jaa, Clifford "T.I." Harris Jr., Ron Perlman, Diego Boneta, Meagan Good, Josh Helman y Jin Au-Yeung, entre otros. Guionista: Paul W.S. Anderson, basado en personajes y situaciones del homónimo videojuego de Capcom. Impact Pictures / Constantin Film / Tencent Pictures / Tōhō. EE.UU. / Alemania / Reino Unido / Canadá / China / Japón, 2020. Estreno en la Argentina: 4 de marzo de 2021.
Barcos pirata que surcan bravíos océanos de arena. Pandilleros retrofuturistas escapados de la Cúpula del Trueno. Monstruos gigantescos que hacen quedar a Godzilla y a King Kong como tiernos peluches de los Ositos Cariñosos. Armas de tamaño desproporcionado y potencia ilimitada. Una trama cosida con retazos de distintos géneros: bélico, ciencia-ficción, terror, kaiju, fantasía heroica. Cuarenta años atrás, esta Monster Hunter: La cacería comienza (Monster Hunter) podría haber funcionado como digno relleno de los platos principales que servía la Métal Hurlant de Moebius, Jodorowsky, Bilal, Montellier, Druillet y compañía.
Realmente pensaba esto mientras iba mirando la adocenadísima adaptación del clásico videojuego de Capcom. Hasta que, claro, el Gato apareció en escena. Y con el Gato todo terminó de derrapar; y lo poco que funcionaba (poniéndole muchísima buena voluntad, es cierto) se fue, literalmente, a la mierda. Y quebrado el débil pacto de credibilidad que había firmado con la dupla Anderson-Jovovich, el film desnudó brutalmente su inconsistencia, su desinterés, su gratuito trazo grueso, su pobreza conceptual y anomia narrativa.
Hasta donde sé, porque nunca lo he jugado, la única premisa de Monster Hunter (el juego) es matar al monstruo o ser muerto por el monstruo. No hay mucho más en el material original y, obviamente, no hay nada más en el film que la pandemia obligó a posponer su estreno en todo el mundo. Juego del gato y el ratón entre salvajes megacriaturas y humanos estereotipados fuera de cualquier límite tolerable, la película termina con una promesa de continuidad que mete más miedo que el vacío metraje que la antecede.Fernando Ariel García
Barcos pirata que surcan bravíos océanos de arena. Pandilleros retrofuturistas escapados de la Cúpula del Trueno. Monstruos gigantescos que hacen quedar a Godzilla y a King Kong como tiernos peluches de los Ositos Cariñosos. Armas de tamaño desproporcionado y potencia ilimitada. Una trama cosida con retazos de distintos géneros: bélico, ciencia-ficción, terror, kaiju, fantasía heroica. Cuarenta años atrás, esta Monster Hunter: La cacería comienza (Monster Hunter) podría haber funcionado como digno relleno de los platos principales que servía la Métal Hurlant de Moebius, Jodorowsky, Bilal, Montellier, Druillet y compañía.
Realmente pensaba esto mientras iba mirando la adocenadísima adaptación del clásico videojuego de Capcom. Hasta que, claro, el Gato apareció en escena. Y con el Gato todo terminó de derrapar; y lo poco que funcionaba (poniéndole muchísima buena voluntad, es cierto) se fue, literalmente, a la mierda. Y quebrado el débil pacto de credibilidad que había firmado con la dupla Anderson-Jovovich, el film desnudó brutalmente su inconsistencia, su desinterés, su gratuito trazo grueso, su pobreza conceptual y anomia narrativa.
Hasta donde sé, porque nunca lo he jugado, la única premisa de Monster Hunter (el juego) es matar al monstruo o ser muerto por el monstruo. No hay mucho más en el material original y, obviamente, no hay nada más en el film que la pandemia obligó a posponer su estreno en todo el mundo. Juego del gato y el ratón entre salvajes megacriaturas y humanos estereotipados fuera de cualquier límite tolerable, la película termina con una promesa de continuidad que mete más miedo que el vacío metraje que la antecede.Fernando Ariel García
March 31, 2021
LOS NUEVOS MUTANTES: TRISTE Y SOLITARIO FINAL
Los Nuevos Mutantes. Director: Josh Boone. Protagonistas:Blu Hunt (Danielle Moonstar / Mirage), Maisie Williams (Rahne Sinclair / Wolfsbane), Anya Taylor-Joy (Illyana Rasputin / Magik), Charlie Heaton (Samuel Guthrie / Cannonball), Henry Zaga (Roberto da Costa / Sunspot) y Alice Braga (doctora Cecilia Reyes). Participación especial de Marilyn Manson (voz de los Smiley Men). Guionistas: Josh Boone y Knate Lee, basados en personajes y situaciones creados por Chris Claremont, Bob McLeod y Bill Sienkiewicz para el cómic The New Mutants de Marvel, con especial atención al arco argumental The Bear Demon Saga(1984). Ilustrador del afiche y los títulos principales: Bill Sienkiewicz. 20th Century Studios / Marvel Entertainment / Genre Films / Sunswept Entertainment. EE.UU., 2020. Estreno en la Argentina: 1° de abril de 2021.
Después de tanto retraso, debido a la pandemia y la cuarentena, Los Nuevos Mutantes (The New Mutants) al fin llega a los cines argentinos. Interesante por tratarse del último eslabón en la larga cadena de los X-Men a cargo de la 20th Century Fox, antes de ser comprada por Disney y rebautizada como 20th Century Studios, el film que pretendía ser el inicio de un nuevo desprendimiento terminó siendo el último adiós del universo cinematográfico mutante tal como lo conocimos.
El efecto bajón, sin embargo, no viene dado por esta circunstancia desconocida por el equipo técnico al momento de realizar la película, sino por el tono opaco, gris y medio deprimente que el director y guionista Josh Boone eligió para reflejar el estado emocional de sus cinco turbados mutantes adolescentes, encerrados en un hospital-cárcel aislado del exterior.
La premisa es buena, sobre todo porque baja la adrenalina intergaláctica de los X-Men, siempre al palo, hasta una intimidad algo agobiante e introspectiva, que le viene como anillo al dedo a la hibridada identidad de la cinta. Porque antes que una película de superhéroes, Los Nuevos Mutantes se asume como una de terror. Un terror psicológico y metafísico, apoyado en representaciones físicas del miedo mucho más perturbadoras que el chorreo indiscriminado de hemoglobina.
Hasta ahí todo bien. La fusión entre El club de los cinco (The Breakfast Club) y Clive Barker funciona, sobre todo en la primera parte del metraje. Después se desdibuja, pierde efecto y se diluye en cuestiones discursivas que se vuelven lentas, monótonas, redundantes y aburridas. Dignas del previsible y anticlimático final al que arriban. Como escena post-créditos de Logan está mucho mejor que Dark Phoenix . Para la saga cinematográfica de los X-Men, Los Nuevos Mutantes queda como un final demasiado triste y solitario.Fernando Ariel García
Después de tanto retraso, debido a la pandemia y la cuarentena, Los Nuevos Mutantes (The New Mutants) al fin llega a los cines argentinos. Interesante por tratarse del último eslabón en la larga cadena de los X-Men a cargo de la 20th Century Fox, antes de ser comprada por Disney y rebautizada como 20th Century Studios, el film que pretendía ser el inicio de un nuevo desprendimiento terminó siendo el último adiós del universo cinematográfico mutante tal como lo conocimos.
El efecto bajón, sin embargo, no viene dado por esta circunstancia desconocida por el equipo técnico al momento de realizar la película, sino por el tono opaco, gris y medio deprimente que el director y guionista Josh Boone eligió para reflejar el estado emocional de sus cinco turbados mutantes adolescentes, encerrados en un hospital-cárcel aislado del exterior.
La premisa es buena, sobre todo porque baja la adrenalina intergaláctica de los X-Men, siempre al palo, hasta una intimidad algo agobiante e introspectiva, que le viene como anillo al dedo a la hibridada identidad de la cinta. Porque antes que una película de superhéroes, Los Nuevos Mutantes se asume como una de terror. Un terror psicológico y metafísico, apoyado en representaciones físicas del miedo mucho más perturbadoras que el chorreo indiscriminado de hemoglobina.
Hasta ahí todo bien. La fusión entre El club de los cinco (The Breakfast Club) y Clive Barker funciona, sobre todo en la primera parte del metraje. Después se desdibuja, pierde efecto y se diluye en cuestiones discursivas que se vuelven lentas, monótonas, redundantes y aburridas. Dignas del previsible y anticlimático final al que arriban. Como escena post-créditos de Logan está mucho mejor que Dark Phoenix . Para la saga cinematográfica de los X-Men, Los Nuevos Mutantes queda como un final demasiado triste y solitario.Fernando Ariel García
March 25, 2021
LIGA DE LA JUSTICIA DE ZACK SNYDER: MÁS NO ES MEJOR (PERO ALGO SUMA)
Liga de la Justicia de Zack Snyder. Director:Zack Snyder. Protagonistas: Ben Affleck (Bruce Wayne / Batman), Henry Cavill (Clark Kent / Superman), Gal Gadot (Diana Prince / Mujer Maravilla), Ezra Miller (Barry Allen / Flash); Jason Momoa (Arthur Curry / Aquaman), Ray Fisher (Victor Stone / Cyborg), Amy Adams (Lois Lane), Jeremy Irons (Alfred Pennyworth), Diane Lane (Martha Kent), Connie Nielsen (reina Hippolyta), J.K. Simmons (comisionado James Gordon), Ciarán Hinds (Steppenwolf), Amber Heard (Mera), Joe Morton (Silas Stone), Willem Dafoe (Vulko), Jesse Eisenberg (Lex Luthor), Jared Leto (Guasón), Joe Manganiello (Slade Wilson / Deathstroke, no acreditado), Ray Porter (Darkseid), Ryan Zheng (Ryan Choi), Peter Guinness (Desaad), Harry Lennix (general Swanwick / Detective Marciano), Kiersey Clemons (Iris West), Russell Crowe (voz de Jor-El) y Billy Crudup (Henry Allen, no acreditado). Guionista: Chris Terrio, sobre una historia de Chris Terrio, Zack Snyder y Will Beall, basados en personajes y situaciones de los cómics de DC. Productores:Christopher Nolan, Ben Affleck, Deborah Snyder, Geoff Johns. Warner Bros. Pictures / Access Entertainment / Dune Entertainment / Atlas Entertainment / Stone Quarry. EE.UU., 2021. Estreno en la Argentina: 18 de marzo de 2021, en sistema de alquiler por Google Play, Apple TV y Direct TV.
Cuando era adolescente, los compact discs estaban empezando a nacer y nadie soñaba con algo parecido a spotify. Así que la industria de la música tenía al vinilo como soporte primero, perfecto y principal, dejando en segundo lugar al cassette y bastante más atrás al magazine. En algún momento de los ’80, si no me equivoco, se empezó a masificar el yeite de los maxisimples. Que, como su nombre deja entrever, se trataba de discos simples (una canción por lado) pero con el tamaño y la presentación de un long play.
Para explotar este formato, las discográficas empezaron a llenar los maxisimples de las grandes figuras del rock y del pop internacional con versiones extendidas de sus cortes de difusión, ideales para ser utilizados por los disc-jockeys en los boliches y para ser atesorados por los fanáticos en sus colecciones privadas. Salvo algunas megabandas (como Queen o King Crimson), que en algunos casos realmente modificaban la canción original de referencia, sumándole estrofas y cambios en los arreglos, la mayoría de las versiones extendidas no pasaban de ser la misma canción que aparecía en el long play, con una introducción instrumental mucho más larga que justificara el rótulo (y el precio) de versión extendida.
Para mí, al menos, Zack Snyder está muy lejos de Queen y de King Crimson. Y si bien su faraónica Liga de la Justicia de Zack Snyder (Zack Snyder’s Justice League) corrige y mejora los yerros brutales que Joss Whedon introdujo en la versión cinematográfica estrenada en 2017, el resultado final de estas cuatro horitas largas no modificó mi sensación original sobre la cosmovisión declamativa, pomposa, pretenciosa, falsa, con ínfulas de trascendente existencialismo con que el director definió su paso por el Universo Cinematográfico de DC. Es su estilo, su sello personal. Lo acepto, lo respeto y le aplaudo su estoica coherencia. Pero no lo disfruto como espectador.
Hay cosas que, por partes, funcionan bien (y muy bien también), pero que no tienen ningún otro sentido que el de acumular metraje intrascendente para la trama que se está contando. Todos los agregados de Flash, Cyborg, Aquaman y el (posible) futuro Atom, por poner los ejemplos más notorios, sirven para introducir a los personajes que no habían alcanzado (en el momento de la producción original) sus propias películas, definiendo y consolidando sus características, dotarlos de peso específico propio y preparar el terreno para sus futuras aventuras en solitario. Pero ralentan de manera innecesaria el abordaje de la saga de Darkseid (mucho mejor resuelto que en la peli del 2017) y su apertura a futuras secuelas que, por lo que parece, no pasarán de la pesadillesca secuencia del Guasón y la referencia a la muerte de Batman patentada en el cómic Infinite Crisis.
Cuando era adolescente y los maxisimples ya estaban instalados, las bandas que no eran tan grossas como Queen y King Crimson, empezaron a ocupar el lado b del maxisimple con una versión corta de la versión larga que venía en el lado a. Una versión que era un pelín más corta que la “oficial” incluida en el long play. La llamaban, genéricamente, radio edit, porque estaban pensadas para optimizar el tiempo de emisión del corte en la radio, eliminando segundos de introducción y cierre musicales que, de todas maneras, iban a ser pisados por los locutores. Así, decían las discográficas, se potenciaba el impacto comercial de la obra en cuestión, manteniendo la integridad de la visión artística del supergrupo. A esta hipertrofiada Liga de la Justicia de Zack Snyder, creo yo, no le vendría nada mal una buena poda. Fernando Ariel García
Cuando era adolescente, los compact discs estaban empezando a nacer y nadie soñaba con algo parecido a spotify. Así que la industria de la música tenía al vinilo como soporte primero, perfecto y principal, dejando en segundo lugar al cassette y bastante más atrás al magazine. En algún momento de los ’80, si no me equivoco, se empezó a masificar el yeite de los maxisimples. Que, como su nombre deja entrever, se trataba de discos simples (una canción por lado) pero con el tamaño y la presentación de un long play.
Para explotar este formato, las discográficas empezaron a llenar los maxisimples de las grandes figuras del rock y del pop internacional con versiones extendidas de sus cortes de difusión, ideales para ser utilizados por los disc-jockeys en los boliches y para ser atesorados por los fanáticos en sus colecciones privadas. Salvo algunas megabandas (como Queen o King Crimson), que en algunos casos realmente modificaban la canción original de referencia, sumándole estrofas y cambios en los arreglos, la mayoría de las versiones extendidas no pasaban de ser la misma canción que aparecía en el long play, con una introducción instrumental mucho más larga que justificara el rótulo (y el precio) de versión extendida.
Para mí, al menos, Zack Snyder está muy lejos de Queen y de King Crimson. Y si bien su faraónica Liga de la Justicia de Zack Snyder (Zack Snyder’s Justice League) corrige y mejora los yerros brutales que Joss Whedon introdujo en la versión cinematográfica estrenada en 2017, el resultado final de estas cuatro horitas largas no modificó mi sensación original sobre la cosmovisión declamativa, pomposa, pretenciosa, falsa, con ínfulas de trascendente existencialismo con que el director definió su paso por el Universo Cinematográfico de DC. Es su estilo, su sello personal. Lo acepto, lo respeto y le aplaudo su estoica coherencia. Pero no lo disfruto como espectador.
Hay cosas que, por partes, funcionan bien (y muy bien también), pero que no tienen ningún otro sentido que el de acumular metraje intrascendente para la trama que se está contando. Todos los agregados de Flash, Cyborg, Aquaman y el (posible) futuro Atom, por poner los ejemplos más notorios, sirven para introducir a los personajes que no habían alcanzado (en el momento de la producción original) sus propias películas, definiendo y consolidando sus características, dotarlos de peso específico propio y preparar el terreno para sus futuras aventuras en solitario. Pero ralentan de manera innecesaria el abordaje de la saga de Darkseid (mucho mejor resuelto que en la peli del 2017) y su apertura a futuras secuelas que, por lo que parece, no pasarán de la pesadillesca secuencia del Guasón y la referencia a la muerte de Batman patentada en el cómic Infinite Crisis.
Cuando era adolescente y los maxisimples ya estaban instalados, las bandas que no eran tan grossas como Queen y King Crimson, empezaron a ocupar el lado b del maxisimple con una versión corta de la versión larga que venía en el lado a. Una versión que era un pelín más corta que la “oficial” incluida en el long play. La llamaban, genéricamente, radio edit, porque estaban pensadas para optimizar el tiempo de emisión del corte en la radio, eliminando segundos de introducción y cierre musicales que, de todas maneras, iban a ser pisados por los locutores. Así, decían las discográficas, se potenciaba el impacto comercial de la obra en cuestión, manteniendo la integridad de la visión artística del supergrupo. A esta hipertrofiada Liga de la Justicia de Zack Snyder, creo yo, no le vendría nada mal una buena poda. Fernando Ariel García
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